LA BALLENA

 

Charlie, protagonizado por Brendan Frazer, es el personaje central de esta película que está agotando comentarios en torno a su transformación en un personaje de más de 270 kilos, a su talentosa actuación y al mensaje implícito en el filme. Muchos esperan que reciba el Oscar a mejor actor y mejor maquillaje puesto que impacta su rol: un adulto con obesidad severa, reducida incapacidad para moverse y a punto de morir porque su corazón ya no resiste más. Come desaforadamente y teme ser visto por sus alumnos de literatura inglesa; sus clases aparecen en línea, sin usar su cámara porque supuestamente está rota. Vive solo en un ambiente oscuro, un refugio donde esconderse y donde ocultar sus dolores y culpas. Lo acosa el duelo por la muerte de su amigo, la vergüenza por ser objeto de burla de los demás, y sobre todo la culpa por haber abandonado a su hija adolescente, Ellie, cuando tenía ocho años. Ahora intenta reestablecer una relación cercana con ella que siempre está agresiva y renuente a aceptarlo como padre. Todo se conjuga para crear un protagonista muy humano y honesto, a quien se le escucha decir con frecuencia "lo siento" y procura obtener una segunda oportunidad, así tenga su autoestima con un bajo desempeño. Charlie “necesita saber que hizo algo bueno con su vida” y que su hija "va a estar bien y vivirá una vida decente”.

Muchos problemas están latentes en esta producción de Darren Aronofsky, basada a su vez en la obra de teatro de Samuel D. Hunter. El abandono, el suicidio, la homosexualidad, los sistemas de salud que olvidan a quienes carecen de dinero, la depresión y la oscuridad están presentes en esta película americana de 117 minutos. Frazer se luce como actor dramático. A pesar del constante rechazo, abandono y soledad que sufre en silencio, aparece quien lo escuche y quien soporte la visión de su cuerpo deforme y desagradable. Se mortifica de forma dolorosa, pero al final habrá una luz esclarecedora que lo libere y lo salve. Una cinta conmovedora, deprimente muchas veces, pero con un aire esperanzador.

DOCE AÑOS Y SEGUIMOS UNIDAS

Cumplimos 12 años unidas en torno al cine y lo más importante, firmes en nuestra amistad. Lo que fue una invitación a disfrutar de una tarde semanal con una película interesante, se convirtió en un encuentro de amigas invadido de charlas, sueños, historias y proyectos. Eso sí, sin olvidar este espacio dedicado a desarrollar la cultura cinematográfica. De nuevo lo expresamos: vivimos un fluir de emociones, sentimientos, inquietudes y reflexiones que nos acercan a una realidad a veces dolorosa y atemorizante, otras veces dulce y amable, en muchos momentos cargada de belleza y esplendor, y en otros, de decadencia y amargura, pero siempre cobijadas por ese halo artístico y de entretenimiento que nos regala el cine. Así, rompemos también esa costumbre que se impuso de ver películas en casa, alejadas de sitios interesantes, de un buen café y de amigos que nos enriquecen con sus comentarios y críticas valiosas. Nos consideramos muy afortunadas de seguir viviendo esta experiencia.

En esta introducción del año 2023, no podemos dejar de recordar a nuestra compañera ALEYDA MEJÍA BOTERO quien adelantó su paso a la eternidad y dejó un vacío grande en nuestro grupo. Ella enriqueció ese intercambio de ideas en torno a las películas que aquí reseñamos y fueron valiosos sus aportes a nuestro grupo Cine Club Salamandra. ¡Cómo la extrañamos!

OPHELIA

"Duda que sean de fuego las estrellas, duda que el Sol haga movimientos, duda que la verdad sea una mentira, pero nunca dudes que te amo. ¡Oh, querida Ofelia!, soy malo para hacer versos. No tengo arte para expresar mis penas; pero cree que te amo demasiado, ¡oh, demasiado! Adiós. Tuyo eternamente, mi más querida dama, mientras este cuerpo exista, Hamlet". 

 

Resulta interesante encontrar en la película Ofelia otra versión de la historia de Hamlet, la tragedia de William Shakespeare. Esta vez, basada en la novela juvenil de Lisa Klein (2006), con la intención de mostrar al amado de Ofelia, a través de sus ojos femeninos y de su propia voz. Así, podremos ver a este personaje de la literatura clásica con aires de heroína, más que de mártir. Una adaptación británica-estadounidense del año 2018, dirigida por la australiana Claire McCarthy y protagonizada por Daisy Ridley y George MacKay.

Esta heroína, de la Dinamarca medieval, aparece inicialmente como una niña sola, sin madre, con un solo hermano y un padre que apenas tiene tiempo para sostener a sus hijos. Sin embargo, tiene la suerte de ser aceptada por la reina Gertrudis como una de las damas de compañía y llega al Castillo de Elsinore a vivir allí. No es bien recibida por sus compañeras, pero su inteligencia, independencia y belleza se sobreponen a su pobreza; además sabe leer e interpretar textos de la Biblia. Será entonces la dama de confianza de la reina, de quien aprenderá variadas artes y a su lado tendrá una participación activa. Pronto conocerá al príncipe Hamlet y a medida que ambos crecen, van mostrando una gran atracción que los unirá en secreto. Por su parte, Gertrudis -quien maneja los hilos de la corte- verá llegar el caos a su reino donde su esposo, el rey, es asesinado. Hamlet comienza una lucha desaforada por descubrir al culpable, con entrañable sed de venganza, y Ofelia, por su parte, tendrá que enfrentar sola el rechazo de la corte, y elegir entre el amor que lleva en su corazón o huir para conservar su vida.

De nuevo, un espejo de la condición humana, acompañado de la guerra y de la muerte. Una película en la que se entrelazan el amor, los celos, la traición, el poder, la envidia, la venganza y la diferencia de clases. Son 114 minutos de presentación dramática, con escenas que, a pesar de su estilo moderno, no abandonan el desasosiego, la emoción, ni la fatalidad.  

LA CASA DEL TEJADO ROJO

La memoria protagoniza esta historia japonesa que se perpetúa al recordar una vida sobre el amor, la dedicación de una mujer a su trabajo, las relaciones familiares y sus secretos. Muchas voces y muchos tiempos alternan en este diario de una abuela desde cuando sale de casa en su juventud hasta llegar al último eslabón, su sobrino-nieto, que la escucha en su vejez y a quien deja su secreto. Un drama que tampoco es ajeno a la guerra, a la cultura japonesa, a la situación deplorable del mundo de hoy, y a la sumisión de la mujer que calla frente al poder masculino que domina y oprime.

Así, el cineasta japonés Yoji Yamada, basado en la novela de la escritora Kyoko Nakajima, nos cuenta las vivencias de Taki (Chieko Baisho) después de dejar su hogar en el campo, para ir a Tokyo donde trabajará como criada. Es el año de 1936 y allí, en una casa moderna con tejado rojo, conoce a Tokiko, su esposo Masaka y su hijo de cinco años. Taki se dedica al trabajo en este hogar tranquilo y acomodado hasta que llega Shoji Itakuri (Hidetaka Yoshioka), un joven amante de los libros y de la soledad que asiste con frecuencia las reuniones que hace su jefe Masaka en casa. Tokiko no puede resistir el impacto que este visitante causa en ella y seguirá su fuerte atracción con la complicidad de Taki quien, por ser leal a su ama, termina invadida de culpa, lágrimas y remordimientos. Será un amor prohibido en medio de las adversidades que enfrenta Japón, antes de la II Guerra Mundial.

La casa del tejado rojo ganó en el año 2014 el Oso de Plata a la mejor actriz en el Festival de Berlín. Este drama emociona por la fidelidad a la historia, su fotografía, el vestuario, la música y la puesta en escena. Muy bien logrado el sentimiento transmitido a través de Taki, quien sirve, ama, observa y muestra un corazón que esconde secretos y teme revelarlos porque no son solo suyos. Una testigo que está a la sombra de los demás, pero conoce “la importancia de no olvidar, de ir hasta el final”, como lo afirma Yamada.

TENGO MIEDO TORERO

 

“Si algún día hacen una revolución que incluya a locas como yo, avísame. Ahí voy a estar en primera fila”. La Loca del Frente a Carlos

“A mí la realidad no me gusta. Me da miedo. Lo mío es la noche, el show, la música, el teatro”. La Loca a Carlos

“La vida me va a quedar debiendo el amor que inventó para nosotros. ¿Te fijas cariño? A mí también me falló el atentado”. La Loca a Carlos

“Qué mezquina la vida, que nos regala tan pocos momentos como estos”. La Loca a Carlos

Una mezcla extraña es esta película en la que se conjugan el amor, el sexo, la violencia y la política. Y más extraña aún es su producción ya que tardó 15 años en aparecer en pantalla puesto que su escritor, el chileno Pedro Lemebel, presentó muchos acuerdos y desacuerdos con su director mexicano, Rodrigo Sepúlveda. En el año 2019, fallece el autor y cobra vida Tengo miedo torero haciendo caso de su mayor advertencia relacionada con la presencia del actor Alfredo Castro como su protagonista principal, en el papel de la Loca del Frente. Un gran acierto fue esta elección con un personaje travesti, lleno de sensualidad, que disfruta la música, el baile, el bordado, la comida y la amistad. Es generoso, solidario, pasional, a veces extravagante, con una sensibilidad hasta las lágrimas, y una gran resiliencia ante los traumas de su infancia, la relación con sus padres, su pobreza y el rechazo social del que no es ajena.

La película se sitúa en Santiago de Chile en el año 1986, en la dictadura de Augusto Pinochet, cuando se encuentra el protagonista con Carlos (Leonardo Ortisgris), un guerrillero secreto de origen mexicano, que le pide guardar unos libros en su casa de manera urgente, ya que son prohibidos. No sabe que lo que realmente hay allí son las armas para asesinar al dictador. Ambos establecen una amistad que descubrirá ese mundo homosexual prohibido entre un joven político y un viejo apolítico, en un ambiente conflictivo lleno de marchas, protestas, miedo, sangre y horrores. Será una búsqueda imposible entre el fortalecimiento del amor y el derrocamiento de un gobierno militar. Todo un drama es este filme de 93 minutos, del año 2020, que también nos regala bellas y nostálgicas canciones, muy conocidas en todos los países de habla hispana. Una obra que le fue criticada al mismo autor por romántica y que termina siendo reconocida por su director como un canto de amor histórico. 

  

NO HAY MALDAD

Cuatro historias independientes conforman esta película iraní que impacta por su tema y por la valentía de su escritor y director Mohamed Rasoulof. A través de ella, hace una denuncia al régimen autoritario y represivo de su país que aplica la pena de muerte por medio de sus mismos ciudadanos o de soldados que prestan el servicio obligatorio, convirtiéndolos en verdugos; no tienen otra opción, salvo ser ejecutados, o huir y perder su empleo. Fue filmada en secreto por Rasoulof, quien tiene prohibido salir de Irán y ha enfrentado cargos judiciales por su actividad política disidente. Sin embargo, pudo traspasar fronteras con su producción y ganó el Oso de Oro en el festival de cine de Berlín del año 2020. El premio lo recibió su hija y ahora la película se ha convertido en una reflexión para las nuevas generaciones a las que invita a anteponer la moral y la libertad a una vida deshumanizada, llena de culpa y represión.

Cada una de las cuatro historias tiene un título que va guiando su producción y desata la atención del espectador después de finalizada la primera. Ya se sabe cuál es el tema y crece la expectativa ante los título siguientes: No hay maldad, Ella dijo: “Tú puedes hacerlo”, Cumpleaños, y Bésame. En ellas podemos observar que los protagonistas no son precisamente las víctimas, sino los victimarios que tienen la obligación de hacer cumplir la ley y aplicar la pena capital. Asumen el rol de verdugos que prestan sus servicios a la patria, y terminan ajenos al dolor por la pérdida de tantas vidas y al sufrimiento de sus familias. A veces parecen olvidarse de la gravedad de sus acciones, como si consideraran que No hay maldad en su oficio, puesto que lo hacen por un imperativo legal.

Así, en la clandestinidad y con la colaboración de su equipo fílmico, Rasoulof protesta contra las ejecuciones que oscurecen el alma de Irán, y a pesar de las condiciones de prisión y de censura que sufre, encuentra esta salida que parece dar espacio a la esperanza y a la paz. Una producción con música y diálogos interesantes que resulta más atractiva aún por fuerza actoral de sus protagonistas.

MISS MARX

Eleanor Marx (Romola Garai), la hija menor del pensador y militante comunista Karl Marx, es la protagonista de esta película del año 2020 que, con buenos recursos de ambientación, vestuario y musicalidad, nos acerca a una época histórica que recrea su vida familiar, social y política. Con mente progresista y liberada, esta mujer luchadora de finales del siglo XIX continuó con la política de su padre y de su amigo Engels. A su vez, defendió variadas causas como los derechos de los trabajadores, las mujeres y los niños; el derecho al sufragio y a la educación por igual en ambos géneros; y en particular, la abolición de injusticias como el trabajo infantil, las duras jornadas con pagos irrisorios a los trabajadores y la carencia de prevención ante los riesgos laborales. Lideró muchas marchas y manifestaciones y estuvo a la cabeza de luchas feministas que atendió con pasión e inteligencia. Publicó también sus propios libros y demostró sus habilidades para el teatro. Sin embargo, con el paso del tiempo, su vida privada se vio alterada por su relación con Edward Aveling (Patrick Kennedy) -su eterno enamorado- al que amó incondicionalmente, haciendo caso omiso de sus frecuentes olvidos, infidelidades, desplantes, y sobre todo de sus exagerados gastos hasta dejarla en la pobreza. Él fue la imagen del típico vividor que la acompañó hasta su muerte.

Su directora, la cineasta italiana Susana Nicchiarelli, pone en escena a Eleanor “Tussy” Marx desde el momento de la muerte de su padre, cuando debe asumir -como herencia- el papel de líder socialista de su movimiento político revolucionario. Y lo hace, de manera cómoda, a pesar de las causas sociales que promulga y enfrenta con coraje, y de las tensiones propias de una época que desconoce el valor de la mujer en la sociedad y en la vida pública. Es una lucha que, finalmente, se torna difícil a los ojos de sus contemporáneos y del mismo espectador, puesto que no existe una sinergia entre esta y su vida privada. Es decir, cuando lo que fomenta en su discurso –igualdad y justicia- parece quedar atrás en su relación con Mr. Aveling. Resulta extraño, pero esa mujer fuerte, apasionada y decidida en la vida pública, termina siendo sumisa, obediente y rendida a los pies de su amante; en otras palabras, convertida en su víctima. Pese a esto, podemos verla ajena al dolor por la traición, las deudas y hasta la enfermedad porque amó demasiado y aprendió a vivir cada situación, anteponiendo sus sentimientos y su deseo de estar al lado de quien amaba. 

"Este filme nos da una idea de la complejidad del ser humano (…) y encarna muy bien las contradicciones entre la razón y el sentimiento". Miguel Pina, crítico de Cinemagavia, 8 de julio de 2021.

EL BUEN PATRÓN

Una crítica a quienes ostentan el poder -empresarial en este caso- y dan la imagen de liderar una organización exitosa ante los demás, con la intención de ser catalogados como los mejores. Sin embargo, quieren manejar sin escrúpulos la vida de sus empleados, hasta el punto de convertirlos en esclavos de sus deseos y ambiciones. El BUEN PATRÓN es un título cargado de ironía que se acerca a esa relación tan alejada entre el que manda y el que obedece, el que desea el éxito sin moral y el que trabaja sintiéndose víctima de los abusos del poder. Es una comedia y un drama del año 2021, con la dirección y el guion de Fernando León de Aranoa y la actuación de Javier Bardem como personaje central. Fue nominada por la Academia de las Artes y las Ciencias cinematográficas de España para el Premio Oscar y ganadora de 6 premios Goya como mejor película, guion original, dirección, actor protagonista, montaje y música; además de muchos otros premios.

Julio Blanco, propietario de Básculas Blanco, una empresa que fabrica balanzas industriales, se prepara para ganar el premio local a la excelencia empresarial. Tiene cinco días para hacerlo y lo que parecía perfecto empieza a mostrar sus partes débiles, hasta el punto de convertirse en un caos donde reina el descontento y la desorganización. Mientras llega la comisión evaluadora, el patrón -que se considera benefactor e interesado en el bienestar de sus empleados- da muestras de hipocresía en el manejo laboral, exhibe sin compasión su injerencia en la vida personal de sus trabajadores, acosa a una joven que realiza una pasantía en su empresa, y despide a un empleado que termina realizando un acampado frente a la fábrica y con megáfono en mano, lo amenaza todo el tiempo. Estas y otras situaciones terminan creando consecuencias inesperadas que ponen en peligro su ambición desmedida por ganar el premio.

Patrón y empleados, y conflictos laborales y personales se mezclan en esta película para manifestar con diplomacia las relaciones de poder, y hasta donde llegar para conseguir los objetivos, así se tenga que acudir a la intriga y a la deslealtad. De ahí que la balanza que aparece en la empresa como símbolo de honestidad y justicia nunca logra alcanzar el equilibrio perfecto.

AUDIBLE

Este documental americano es un drama de 39 minutos en el que su director, Matthew Ogens, traslada al espectador a un mundo de sordos con la intención de sensibilizarnos sobre su discapacidad y el problema que enfrentan en la vida real. Da un manejo respetuoso a sus personajes y una muestra de valores que despierta emoción. Impacta poder compartir su producción de manera auténtica, ya que nos conecta todo el tiempo con el mismo sonido que ellos perciben, acompañados de su lenguaje de señas. De ahí la apreciación de que lo más destacado de Audible es su diseño de sonido, “el mejor usado en cualquier documental que haya visto” (Matthew Ogens).

En esta historia se aprecia la vida de Amaree McKenstry quien, con sus amigos de la Escuela para Sordos de Maryland, siente la presión de afrontar el último año en el instituto. Ya se acerca el momento que los pondrá en contacto con el mundo de los oyentes y todos se preparan para que los partidos de fútbol sean exitosos hasta el final. No será fácil conquistar este triunfo puesto que deben aceptar la muerte, en extrañas circunstancias, de un compañero hipoacúsico; sin embargo, una racha ganadora les levanta los ánimos. De esta manera, hacen frente a la adversidad y -a pesar de que temen el acercamiento al mundo real- le darán la cara, usando la esperanza como una burbuja de protección.

Fue nominado al Mejor Cortometraje Documental 2021. 

MADRES PARALELAS

“Ahora me interesan más las madres imperfectas, las que viven periodos complicados de resolver. Las madres anteriores de mis filmes eran distintas, venían de la educación que recibí. Eran madres omnipotentes”. ALMODÓVAR

 “La sociedad española tiene una deuda moral enorme con las familias de los desaparecidos. No se puede borrar todo lo ocurrido en la guerra civil, después de 85 años”. ALMODÓVAR

Tras la recuperación de la memoria histórica de momentos dolorosos de la Guerra Civil Española, que ha sido la intención de Almodóvar con esta película, nos presenta –de manera paralela- la historia de dos mujeres que van a ser madres. Ellas dan a luz en el mismo hospital y desde ese momento se entrelazan en una relación que va cambiando y dando giros inesperados. Fue nominada a dos Premio Oscar 2021 por la actuación de su protagonista, Penélope Cruz, y por Mejor Banda Sonora. De igual manera, esta película de 123 minutos ha estado en la lista de muchos otros premios durante los años 2021 y 2022. 

La exitosa fotógrafa Janis (Penélope Cruz) busca la ayuda de un antropólogo forense para hallar los restos de su bisabuelo -víctima de la dictadura española- en excavaciones arqueológicas o fosas comunes de la provincia de Navarra. Entablará una relación con su consultor que la llevará a ser madre soltera e independiente. De este modo, aparece en un hospital de Madrid donde se encuentra con Ana (Milena Smit), una adolescente que espera un hijo de padre desconocido. Janis, mayor de edad, está feliz, tranquila y complaciente con su próximo rol, a diferencia de Ana que solo demuestra temor y arrepentimiento. No se conocen, pero la situación que viven las acercará de momento y más tarde les permitirá crear una fuerte amistad con vivencias inesperadas que marcarán el hilo de esta historia.

La maternidad es el tema central de esta película, que empieza y termina dando importancia a los acontecimientos históricos ya mencionados, los que –a su vez- parecen olvidarse cuando Janis confiesa su estado al antropólogo e inicia su transformación de madre y, más tarde, de amiga de Ann. Juntas estarán muy cerca del entusiasmo, la felicidad, la frustración y el dolor. Vivirán momentos inesperados en torno a su papel de madres, de mujeres en el hogar y fuera de él, y de féminas capaces de asumir con libertad y sin temor actitudes modernas que no son bien juzgadas en sociedad, o son “imperfectas” como las llama su propio director. Sin embargo, en los últimos minutos de la película se retoma la idea de pagar las deudas que tiene la sociedad española con las familias de los desaparecidos en la Guerra Civil. Y aparece Janis, nuevamente, buscando la identidad de las víctimas al asumir la tarea de darle un entierro digno a gente del pueblo que se sumió en el olvido, entre ellos su pariente.

Una cinta interesante, con una dirección e interpretación de actores muy valiosa, y una mezcla de sentimientos y actitudes inesperados.

LA CAMARISTA

Una película que dio lugar a opiniones encontradas, las que -al mismo tiempo- nos permitieron una apreciación más amplia de ella. La camarista retrata la vida de Eve, una joven mexicana de 24 años, con una historia laboral monótona y al parecer, con un alto nivel de frustración. No puede atender a su hijo por las exigencias de su trabajo y desea ser ascendida a un mejor puesto. Así, a través de su desempeño en un lujoso hotel de México, muestra la esclavitud y las carencias que tiene en su empleo, lo que la lleva a un cansancio notorio, un desánimo marcado y una fatiga de la vida.

Aunque respetamos esta opinión de una parte de nuestras integrantes y de la misma directora de la película Lila Avilés, a la mayoría nos pareció un poco sesgada la óptica para justificarla ya que la camarera cuenta con comida, vestido, salario, posibilidad de estudiar y  compañeros de trabajo que la aceptan Es cierto que vive momentos de desánimo, cansancio laboral por las extensas jornadas, y de frustración por el trabajo que ejerce, sin la posibilidad de ser una verdadera madre, como sucede en tantos empleos hoy en día; pero resaltamos ese derecho a laborar y a ser una trabajadora de hotel con retribuciones y obligaciones. Además, nos presenta una imagen muy estática y monótona de su protagonista, con cambios mínimos en su expresión facial y corporal, y con limitados deseos de salir adelante. Sin embargo, reconocemos que es marcada la soledad, la frialdad y el aislamiento personal de Eve en un hotel con grandes habitaciones y “clientes fríos, egoístas y excéntricos”. Quiere ser ascendida a la planta 42 donde laborará con mayor sueldo y propinas más valiosas, pero no lo logra. En otras palabras, la película se desenvuelve en un ambiente que sí habla de aburrimiento y desilusión, reforzado con la ausencia de música y de color, donde el espectador siempre encontrará imágenes en blanco y gris, excepto al final cuando lo sorprende la luz de la calle.

Fue preseleccionada, sin éxito, para representar a México en los premios Oscar 2020 como mejor película extranjera. Obtuvo los Premio Ariel de Mejor Ópera Prima, de Mejor Película en el Festival de Morelia y el Premio Especial del Jurado (Ópera Prima) en el Festival de La Habana. La cinta se inspiró en el libro L`Hotel, de la artista francesa Sophie Calle.

"Un vals visual a través de los espacios, las personas y los objetos que configuran la clase obrera en México, donde la realidad y los sueños de estas personas dialogan y bailan entre sí". Mariano Rentería Garnica, director de cine mexicano.

Nomadland

“En este estudio poético de personajes sobre los olvidados y los oprimidos, Nomadland captura a la perfección la inquietud dejada a raíz de la Gran Recesión”. Chloé Zhao

Una mujer con un espíritu nómada, que busca un poco de felicidad en el camino, no entre cuatro paredes, es la protagonista de esta película. Así, viajando, se acerca a un mundo libre que no logró encontrar en un solo lugar. Ya nada la detiene, ni siquiera la soledad por la muerte de su esposo, ni sus sesenta años porque valora la libertad y no quiere más ataduras. Tampoco, las dificultades económicas producto de la recesión estadounidense del año 2008 que no le permitió jubilarse y, por el contrario, animan su deseo de vivir en distintas localidades. Esta viajera solo quiere huir y, con alas de libertad, dará un extenuante recorrido que reflejará las características de esta crisis personal y social, y buscará empleos precarios a lo largo de su país.

Fern (Frances McDormand) vende sus pertenencias y compra una furgoneta donde irá inicialmente en una caravana, después de abandonar Empire, ciudad ubicada en la zona rural de Nevada. Recorre el país en busca de trabajo y soportará múltiples experiencias e incomodidades en este itinerario errante de "mujer nómada, solitaria y luchadora". Sin embargo, tiene encuentros valiosos con personas de su mismo nivel de subsistencia que marcarán su ruta y dejarán huella en este personaje sencillo y de pocas palabras, que sabe jugar con la naturalidad del paisaje y con las lecciones de esperanza y resiliencia que cada día aprende. Es una historia que muestra la realidad americana de "miles de personas que viven y viajan en casas rodantes por Estados Unidos".

Este drama, escrito y dirigido por Chloé Zhao, está basado en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century escrito por Jessica Bruder. Casi todos los actores son verdaderos nómadas y conservan su identidad, hasta el punto de parecer un documental. Fue estrenado en septiembre de 2020 en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde recibió el León de Oro. Nominado también a seis premios Oscar en el año 2021, de los cuales ganó tres por mejor película, mejor director y mejor actriz. Zhao es la primera mujer asiática en hacerse acreedora a este galardón, y McDormand obtiene el tercer Oscar como mejor actriz principal. Esta producción también ganó dos Globos de Oro por mejor película y mejor dirección, además de muchos otros premios internacionales. 

"La cinta, en su corazón, es una peregrinación a través del luto y de la sanación". Chloé Zhao

 

LOS ABISMOS de Pilar Quintana, Premio ALFAGUARA de Novela 2021

UN ESPACIO PARA LA LITERATURA

El premio de Novela Alfaguara 2021 motivó nuestro interés hacia la lectura de la obra ganadora Los Abismos, de la escritora colombiana Pilar Quintana. ¿Qué pudo llevar a la novelista a enfrentar este tema en palabras de una niña que a veces parece mayor y se enfrenta sola a sus temores? Es un libro que expresa frustraciones e insatisfacciones en torno a la relación conflictiva de una pareja incapaz de dar amor y verdadera compañía a su única hija. Relata la historia tensa de esta familia, producto de una sociedad machista, cuya madre repite el rechazo de la generación anterior de estar atada a un modo de vida del que no fue capaz de escapar, el matrimonio. En otras palabras, refleja un universo femenino estrecho y cargado de laberintos, en medio de una atmósfera cerrada y oscura. 

Claudia, de 8 años, es su protagonista y vive en Cali, en un ambiente invadido de plantas que imposibilitan su libertad; se siente sola, triste y sorprendida por la relación de sus padres que no logra comprender. Ellos, con una diferencia de 21 años, poco hacen para manifestarle su afecto y ayudarle a crecer. Su madre que es depresiva y está insatisfecha con su papel materno, con frecuencia no habla, se encierra en su cuarto a leer revistas Vanidades, y a tomar whisky y antialérgicos. A la vez, su padre, un hombre mayor y silencioso, se muestra dedicado al trabajo como dueño de un supermercado, y, a veces, juega parqués con su hija e intenta darle gusto a su mujer. En una de estas ocasiones, acepta la propuesta de ir de vacaciones a una hacienda alquilada por una familia rica, muy cercana a su madre en el pasado. No fue fácil llegar allí por el terreno quebrado, lleno de precipicios, montañas cubiertas de niebla y acantilados a su alrededor. Más difícil aún, soportar la presencia de este paisaje desde la casa, el clima frío, de nuevo la soledad y el silencio, y los recuerdos presentes de los antiguos amigos de su madre, revelados por ella sin ninguna discreción. Sin embargo, para Claudia, el mayor temor era que su mamá muriera y que su padre se accidentara por esta carretera ya que viajaba todos los días a la ciudad. Sentía que “estaba en el lugar perfecto para desaparecer”. Muchas amenazas se conjugan en este lugar mientras la niña que cuida a su muñeca, observa, siente dolor e intenta –sin conciencia de la situación- descubrir esas grietas que están a punto de destruir su mundo. Desconfía de su realidad porque encuentra abismos físicos y psicológicos que están llevando a su familia al borde del precipicio.

Los abismos es la quinta novela de Pilar Quintana, reconocida en la actualidad por su valiosa producción de cuentos y novelas. Impacta la lectura de su obra por la capacidad de acercarse a su propio mundo infantil y atar cabos de una realidad que no niega y que intenta manifestar desde la mirada actual. Para lograrlo, acude a su protagonista que debe expresarse como niña, aunque enriquece su expresión con diálogos que sorprenden y un vocabulario variado relacionado con olores, sabores y, en especial, la visión del campo rico en animales, plantas, aire, niebla y viento. Aparece la naturaleza en todo su esplendor y el paisaje caleño que no la abandona.

"En la finca pensé que habíamos estado viviendo dentro de las nubes".

"La neblina, gruesa bajo la luz de la entrada, corría con la velocidad del viento, que remecía los árboles y aullaba furioso, como un fantasma al encañonarse".

"Las nubes, en el cielo azul, escasas y enclenques, parecían virutas que alguien hubiera olvidado barrer".

                                                                                                                 https://youtu.be/ccWz_d_MzYI

THE FATHER

 

“Me siento como si estuviera perdiendo todas mis hojas… las ramas, el viento y la lluvia. Yo no sé ni qué está pasando.”

“A nuestro alrededor pasas cosas raras, ¿no lo has notado? Pregunta Anthony a su hija Anna después del primer episodio de pérdida de la memoria.

Laura: Es la hora de la medicación. Es mejor tomarlas ahora. ¿No cree? Esta pequeña azul es la que le gusta. Su pastillita azul. Mire, es un color bonito, ¿no? Anthony: ­¿Puedo hacerte una pregunta? Laura: Sí. Anthony: ¿Eres monja? Laura: No. Anthony: ¿Entonces, por qué me hablas como si fuera retrasado?

“Lo vi en sus ojos. No sabía quién era. Era como si yo fuera una total desconocida para él. Me afectó mucho”. Anne

Una mirada al mal de Alzheimer en primera persona es el regalo para el espectador de esta película que capta directamente la visión de la enfermedad, aunque termina tan confundido como su protagonista Anthony Hopkins. Este personaje, que vive en un apartamento londinense, aparece inmerso en un torbellino de confusiones ya que empieza a olvidar a sus parientes, desconoce el tiempo y el espacio, y no diferencia la realidad de la fantasía debido a su demencia. Por lo tanto, perturba a quien está frente a la pantalla compartiendo sus vivencias y asumiéndolas como parte de su diario vivir. A medida que avanza la película y cuando aparecen otros personajes como su hija Ann (Olivia Coleman), el esposo de ella y sus cuidadoras, vamos descubriendo la verdadera historia en esta montaña rusa que es el mundo de Anthony. Y mientras se da este entendimiento -en esa mezcla de acciones, acompañantes difusos y pérdida de la memoria a grandes pasos-, nos llenamos de compasión y de tristeza, a la vez de cierta ternura y humor. Duele hasta las lágrimas ver el deterioro de un paciente que va penetrando en "el universo desconocido de la mente" y llegar a su triste final. Inquieta también la visión desgarradora de la enfermedad que puede estar rondándonos o tenerla muy cerca de nuestro ámbito familiar.

De manera especial, llama la atención el espacio físico de la obra: un apartamento de dos colores, azul y amarillo, en un juego de claroscuro que produce el efecto de calidez y sufrimiento, con puertas que se abren y se cierran con frecuencia, y con muebles que impactan por su organización. Todo esto nos acerca a la soledad del protagonista y a su mismo aislamiento, dándole a la obra una presentación casi teatral.

Anthony Hopkins, encarna sin dificultad y de manera admirable este personaje que posee sus mismas características físicas y lo hace con tal alarde de emociones que termina con el Oscar al Mejor Actor 2020. Su director y guionista, el dramaturgo francés Florian Zeller, esperó el sí de este intérprete octogenario durante tres años para adaptar su exitosa obra de teatro a la pantalla. Así, con esta ópera prima logra seis nominaciones al premio Oscar, obteniendo también el premio al Mejor Guion Adaptado. The Father ha recibido muchos más reconocimientos y seguirá obteniéndolos por su magistral puesta en escena y el impacto que causa en el espectador ya que lo enfrenta a ser testigo de una situación, cada vez más presente en nuestra sociedad.

EL OLVIDO QUE SEREMOS

 “La vida es suficientemente dura como para tener que añadirle más dureza”.

“Si quiere hacer a un niño bueno, hágalo feliz. Si lo quiere más bueno, hágalo más feliz”.

“Cinco aes que necesita el hombre para desarrollarse saludablemente: aire, agua, alimento, abrigo y afecto”.

“Enseñar he enseñado bien poco. Si acaso siempre pretendí enseñar a pensar con libertad”.

 “La prevención es la mejor de las medicinas”.

“Mis sentimientos están como mi corazón, a la izquierda; mi razón, como mi cerebro, al centro; mis odios y resentimientos en mi pequeña vesícula biliar, a la derecha".

Toda una cátedra de valores y educación es esta película, en la que el espectador puede apreciar a un verdadero maestro interactuando con su hijo, su grupo familiar, sus estudiantes universitarios y personas de escasos recursos. Un maestro de maestros que enseñó a pensar con libertad y con el ejemplo. No se arrodilló ante nadie y criticó la educación que se impartía en su medio, muy religioso, donde primaba la culpa y el pecado. Siempre tuvo la seguridad de que el mero conocimiento no daba la sabiduría; era necesario acompañarlo de amor y de bondad.

Estamos hablando del docente Héctor Abad Gómez, médico salubrista, escritor y diputado de Medellín, cuyo mayor interés fue mejorar la salud de los colombianos, defender los derechos humanos y crear la Escuela Nacional de Salud Pública de la Universidad de Antioquia. Luchó por causas justas, independiente de toda posición política, pero fue perseguido por las fuerzas oscuras del narcoterrorismo, propias de la época de violencia de los años 80. Terminó siendo asesinado por grupos paramilitares el 25 de agosto de 1987 y este hecho cruel y despiadado marcó la historia del país y muy especialmente de su tierra natal.

Sin embargo, la película basada en el libro del mismo nombre, cuyo autor es su hijo Héctor Abad Faciolince, se centra en la vida de una familia paisa, alegre, sensible e innovadora. Él mismo lo dice: “No es el testimonio de un crimen, es un testimonio del amor de un padre”. En este filme hay un antes y un después, marcado por el cambio de color a blanco y negro. Inicialmente, aparecen las vivencias de la familia en su crecimiento y la conmovedora relación del hijo con su padre quien le permite ser un niño y un joven libre y feliz.  Este padre desconoce el machismo, tan acentuado en la sociedad de entonces, y es tierno, llora, puede besar a su esposa e hijos y expresar su afecto sin temor. Una tarea que ejerce con naturalidad en un hogar conformado por cinco mujeres y un hombre, y acompañado de una mujer independiente y trabajadora que también rompe los moldes de la época; labora fuera del hogar y en tiempos de crisis es abanderada de la economía familiar.

El blanco y negro en la película caracteriza la cercanía y presencia de una época violenta, que no ha dejado de caracterizar la historia de Colombia. Las reacciones ante la muerte de este padre inolvidable ocupan un buen espacio puesto que se detiene a descubrir cómo se enteró cada uno de los integrantes de esta familia y cómo expresó su dolor. Un momento desgarrador y sentido. De este modo, el autor de la obra rinde un homenaje a su padre y no puede negar que esta tragedia “es la conciencia del dolor, la desesperanza y el escepticismo”. Sin embargo, "siente esta producción como una venganza simbólica al asesinato de su padre".

Una película muy bien lograda por el español David Trueba, reconocido escritor y libretista. Se acerca mucho al libro, “con poesía y belleza”, siendo fiel a su contenido y dándole un manejo adecuado al lenguaje propio de la época y del medio sociocultural de sus protagonistas. Además, cuenta con un reparto de alto nivel, todos colombianos, excepto el actor principal, el español Javier Cámara, quien sorprende por su brillantez en la actuación. Este largometraje de 136 minutos es el ganador del Premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana 2021, por primera vez en la historia de Colombia.  

El título del libro está basado en el poema Aquí. Hoy. de Jorge Luis Borges y que fue encontrado por Héctor Abad Faciolince en uno de los bolsillos de su padre, el día de su muerte. 

https://www.letraslibres.com/mexico-espana/un-poema-en-el-bolsillo

RETABLO

Y volvimos al cine club año 2021. No podíamos continuar en este silencio, dándole protagonismo a la pandemia y cerrando puertas al compartir, al disfrute de nuestras charlas y de nuestros encuentros. Esta vez más animadas y menos temerosas, nos atrevimos a realizar el foro de cuerpo presente y en un espacio amplio y seguro. 

La película invitada fue RETABLO, una producción peruana de 95 minutos, muy aclamada por la crítica en los tres últimos años. Ha obtenido muchos premios como Mejor Película, Mejor Ópera Prima y Mejor Película Latinoamericana en variados festivales internacionales. También fue escogida para representar a Perú como candidata a los premios Oscar y Goya 2020. Su director, Álvaro Delgado Aparicio, nacido en Inglaterra e hijo de padres peruanos, quiso ir a la tierra de sus mayores para grabar su primer largometraje de ficción, del que también es autor.

RETABLO está filmada en Quechua, el idioma de los pobladores de Ayacucho, una región apartada del Perú, donde se conservan las costumbres ancestrales y la comunidad sobrevive en el campo, lejos de toda modernidad. Allí se puede apreciar la fabricación de retablos o figuras esculpidas y pintadas en madera y arcilla que exhiben vivencias locales, llenas de colorido. En este caso, es Noé (Amiel Cayo) la persona dedicada a este arte y quiere –junto con su esposa Anatolia (Magaly Solier)- que su hijo de 14 años, Segundo (Junior Béjar), lo aprenda. Así, seguiría el oficio de su padre y se alejaría de la ocupación habitual de los muchachos de su edad, dedicados al juego, al trago, a la pelea y a la búsqueda de muchachas para poseerlas. La familia sostiene una buena relación, en medio de la austeridad y el aislamiento en que vive. Comparte la comida, la breve charla diaria, las noches frías y oscuras, y el paisaje polvoriento, rodeado de montañas verdes y cielo azul. Con cierta frecuencia y con dificultades para transportarse, ellos van al pueblo a vender el fruto de su trabajo y comprar los materiales para su producción. Noé siente orgullo por lo que hace y por la cercanía de su hijo a quien le enseña con amor y paciencia. Hasta que esta normalidad se altera. Noé quiere ir solo al pueblo, bebe con frecuencia y parece angustiado e inseguro; por su parte Segundo empieza a alejarse de sus padres, se torna agresivo, no quiere hablarles y prefiere los hábitos de los chicos del lugar. Aparece un secreto que será el desencadenante de la ruptura familiar y empezará a demarcar la esencia de este filme.

Nos gustó mucho esta producción por las imágenes y los silencios que terminan siendo más poderosos que las palabras, por los espacios colmados a veces de folclor y otras veces de gran amenaza producto del machismo circundante, por la interpretación de los protagonistas, y la temática que quiere resaltar el autor. Delgado Aparicio la cataloga como “una historia de amor filial” en la que intenta promover relaciones sociales pacíficas, respetuosas y solidarias. Hace una crítica a las prácticas culturales que rodean a Segundo, tan comunes en nuestra cultura latinoamericana y que reflejan el machismo y la intolerancia hacia otras formas del comportamiento humano. Valió la pena nuestro regreso.

CANDELARIA

La vejez, la actitud de las personas mayores ante la vida y el disfrute de momentos felices en compañía son los móviles de esta película. No importa que se viva en Cuba, en el Periodo Especial de los años 80-90, cuando abunda el hambre, la falta de electricidad y la escasez; tampoco, que aparezca el cansancio y el desgaste de los cuerpos por el paso de los años. Lo que sobresale es esa tentación de amansar la nostalgia para dar espacio al renacer del amor y del erotismo entre dos personajes que han estado juntos por muchos años -manteniendo una relación cordial, aunque monótona- y que, de pronto, descubren ese “amor liberador de la tercera edad”. Candelaria nos enseña que “el alma puede reír cuando se acerca la muerte” y su compañero asombrado no deja de sorprenderse, “¿Cuándo dejé de verte?”.

Candelaria, una empleada de aseo en un hotel y cantante ocasional, y Víctor Hugo, un lector de noticias de una tabacalera, se empeñan en disfrutar de las pequeñas cosas, en descubrir esa “magia del corazón” y en renovarse a pesar de su deterioro físico y de su pobreza. El telón de fondo que es Cuba muestra también sus grandes fisuras, producto de sus bloqueos e innumerables pérdidas, sin dejar a un lado su belleza. De la misma manera, Candelaria no abandona su coquetería, ni su vanidad, que nunca se apagan porque es una mujer sensible y fuerte, y porque acepta sus padecimientos sin desesperanza. El espectador vivirá entonces interesantes momentos que harán de esta trama, a veces dolorosa y otras veces cargada de humor, una historia bella y profunda.

El director de esta película del año 2017 es el colombiano Jhonny Hendrix Hinestroza y sus protagonistas son los cubanos Alden Knight y Verónica Lynn. Ha sido exhibida en importantes festivales internacionales con buen número de premios y reconocimientos. Una película artística, con música caribeña, y plena de símbolos y de valores, entretejida en el trasfondo político que la envuelve.

LAS SALAMANDRAS DE VUELTA

Por primera vez en forma virtual, nos encontramos en nuestro cineclub. ¡Qué dicha reunirnos de nuevo! Cada una en su casa, como obligan las circunstancias de distanciamiento, vio la película Candelaria con el propósito de hacerle el foro posteriormente. 

No sabemos por qué nos demoramos tanto para reaccionar y encontrarnos de esta manera. Puede ser porque esperábamos, como todo el mundo, que la situación se superaría más pronto. De modo que ver cine en privado fue el paso previo a nuestro fraternal encuentro. El algo (cafecito con pastel) fue el otro paso en privado. Pero los dos últimos: el desatrasarnos sobre nuestras vivencias, y el foro fueron en grupo. Así que compartimos todo lo experimentado en esta Pandemia. La soledad, la ansiedad, los miedos, esa privación de la libertad, ese aislamiento tan marcado y hasta la falta de sueño no estuvieron ajenos en nuestra charla. Duele pensar en la situación del país y del mundo. En nuestro caso, ayudó mucho el contacto que siempre hemos tenido a través del WhatsApp y ningún día hemos dejado de comunicarnos.

Después de un buen rato, pasamos al foro de CANDELARIA que se prestó para un fecundo análisis. Una película llena de arte, con gran calidad en la actuación, un buen guion y excelente dirección para mostrar el caos del socialismo cubano de una manera sutil y divertida. Como adultas de edad media que somos, la vivimos con intensidad, desde el interior de nuestras sensibilidades. Pudimos apreciar sus mensajes dignos de seguir: 

* Tomar la vida con alegría a pesar de sus dificultades.

* Humor como antídoto al tedio y la preocupación.

* Asumir el envejecimiento y la enfermedad con dignidad e independencia.

* Sentirse en capacidad de amar y en libertad de expresarse aun si se es adulto mayor.  

* Ver la muerte como una opción por encima del sufrimiento.                                                                                                                                                                                                                                                               GALU       

GIFTED

UN DON EXCEPCIONAL es el nombre en español de esta película que muestra lo que significa tener un hijo superdotado y las dificultades que enfrenta con su medio. Mary (Mckenna Grace) es una niña de siete años que va a la escuela y no logra adaptarse a ella puesto que los conocimientos allí dados son mínimos para su nivel intelectual. Vive con su tío soltero Frank Adler (Chris Evans) en pueblo costero de Florida ya que su madre murió y su padre desapareció. Él sigue las instrucciones de su hermana quien siempre quiso que su hija fuera feliz bajo su custodia, viviendo una infancia normal, sin aislamientos de ninguna clase. Pronto se descubrirá quién fue abuela y por qué abandonó sus investigaciones al contraer matrimonio. Ahora llega en busca de su nieta con la intención de llevarla a estudiar a la ciudad donde vive, en medio del dinero y de los recursos para esta niña prodigio. Empieza la tensión familiar que va creciendo a medida que aparece la razón de la ausencia de su madre, el verdadera propósito de su abuela Evelyn (Lindsay Duncan), el interés de la profesora Bonnie (Jenny Slate) por ayudarla, la protección de su amiga Roberta (Octavia Spencer), y sobre todo el indiscutible papel de su adorado tío Frank, su tutor.

Marc Webb es el director de esta cinta americana del año 2017 que parece sencilla y de temática común, pero que resulta interesante y agradable. En 101 minutos degustamos la presencia de una pequeña que, a pesar de sus altas capacidades intelectuales, puede ajustarse al ambiente propio para su edad cargado de risas y de juegos con otros niños, del amor sin límites a su mascota, y del llanto y las rabietas generadas por las presiones que debe enfrentar. Se muestra obediente y respetuosa con su tío y disfruta de los paseos en barco y de las puestas del sol en su compañía. Estos dos compañeros luchan por defender sus sentimientos frente a las exigencias de una abuela frustrada y controladora que solo quiere potenciar las habilidades de su nieta, trasmitiendo a la vez su propio resentimiento. Una película que se centra en el papel de los padres frente a la educación de sus hijos y en este caso, en la toma de decisiones frente a una niña genio.

WHIPLASH

“No hay dos palabras que sean más dañinas en nuestro idioma que buen trabajo”. Fletcher

“Exijo a la gente más de lo que se espera de ella. Lo considero absolutamente necesario”. Fletcher

Whiplash, llamada en español Música y Obsesión, es una película que tiene a la competencia como motor de máxima aspiración, y al perfeccionismo como herramienta usada para dominar, infundir el terror y la degradación. Convierte al éxito en una lucha que atraviesa los límites y produce pánico ya que genera una tensión de máxima hostilidad: Triunfas o desapareces. Peligrosos extremos que atentan contra la salud mental, el amor, y el gusto por la vida de quienes se enfrentan a ellos. Se aplica aquí la máxima con que se educó en épocas anteriores, “La letra con sangre entra”, en un sentido literal. Esta fórmula -propia de los ambientes de guerra- se ha extendido a la música, los deportes, la educación y al trabajo en general. Duele saber que es una ideología dominante de la época actual cuando prima la competencia en los ambientes laborales y ante todo se exigen metas, cada vez más altas para alcanzar los más elevados estándares de desempeño. Es plantear el reto: Lo logras o estás por fuera.                          

Whiplash es la historia de Andrew Neiman (Miles Teller), un estudiante de música de 19 años, deseoso de triunfar y llegar a ser uno de los más grandes bateristas de la historia. Recibe sus clases en la ciudad de Nueva York, en el prestigioso Conservatorio de Shaffer donde trabaja el director de orquesta Terence Fletcher (J.K.Simmons). Este joven aspira llegar a ser parte del conjunto de jazz del famoso Fletcher y se empeña en alcanzarlo a toda costa, aún de los tratos y estilo brutal de este maestro. Una batalla feroz es la que enfrenta Andrew ante la enseñanza bélica de su maestro, con un lenguaje vulgar y tonos agresivos, con lágrimas y sangre, en un ambiente hostil y cargado de dolor. Fletcher no perdona un solo error y despide de inmediato a quien lo presenta. El espectador puede captar aquí todo lo que un ser humano puede soportar con el fin de lograr sus sueños y alcanzar sus metas. Valiosa esta lección, en el sentido de la lucha y la insistencia por alcanzar un ideal; sin embargo, se torna muy negativa cuando esta energía flota en la insensatez de arrasar con todo, sin importar los conflictos que genere.

Esta película estadounidense de 2014 fue dirigida por Damien Chazelle, quien también la escribió a partir de su experiencia como músico frustrado en su juventud. Con ella abrió el Festival de Cine de Sundance en la Categoría Drama, en el mismo año.  Estuvo nominada a los premios Óscar en cinco categorías: Mejor Película, Mejor Guion Original, Mejor actor secundario (para Simmons), Mejor Montaje y Mejor Mezcla de Sonido. Una película con “ritmo trepidante” que genera angustia y cuestionamiento en el espectador frente al estilo de vida de sus protagonistas. Sus piezas musicales son tan fuertes e impetuosas que llevan a la batería a ser el “alma de la música”, con movimientos tan violentos como el drama que plantea.