CARANCHO

Un thriller argentino del 2010 dirigido por el bonaerense Pablo Trapero, ganador del premio Condor de Plata y nominado al Oscar como mejor película extranjera. Difícil entender la clasificación de este film como una de las mejores películas, ya que solo respira violencia y fatalidad, y sus personajes están invadidos por la angustia, el decaimiento y la confusión. Sin embargo entendemos que su éxito radica en la forma de plantear el tema, tratándolo de manera directa y expresando desde la cotidianidad la corrupción en el mundo moderno, específicamente en Argentina. Allí es marcada la accidentalidad en el tránsito, con un promedio de 22 muertos y 120 heridos por día, lo que produce un amplio mercado en las aseguradoras a las que acuden las víctimas y los familiares ante la necesidad de atender a los requerimientos médicos y legales. Por ello, la película expone, en medio del ruido que causa un profundo estrés, diversos contenidos como la corrupción hospitalaria, el abuso en los horarios y el desgaste psicológico del personal que atiende en los centros médicos, los falsos accidentes de tránsito, los cobros de abogados en los casos fortuitos y el papel de las aseguradoras. En otras palabras, se plantea el tema de todo lo que sucede detrás de los accidentes de tránsito. Un tema que parece no verse en el día, pero que en las noches expresa toda su carga física y emocional hasta el punto de ser sólo corrupción. Es la fragilidad de la vida que se plantea sin forma y sin dirección hasta encontrar su respuesta en la fragilidad de ley. Y en medio de todo, una historia de amor.

Carancho significa ave de rapiña carroñera y este papel está representado por Sosa (Ricardo Darín), un abogado que ha perdido su licencia y se alimenta de las víctimas y familiares de los accidentes de tránsito. Luján (Martina Gusmán) es una médica joven que presta sus servicios sin descanso en el hospital de San Justo y se encuentra, en repetidas ocasiones con Darín, atendiendo casos de urgencia. Sosa acude rápidamente a cada situación de infortunio para ofrecer a sus clientes los servicios “legales” ante las aseguradoras, proponiéndoles una buena indemnización y dando comisión a personal paramédico, a policías y a su “fundación” ilícita. Siempre muestra heridas y graves contusiones en su rostro de las que se cura fácilmente, pero son heridas que no pueden negar el ambiente en que se mueve. Así, Luján conoce a Sosa y tras repetidos encuentros se aferra a él como la única salida de ese mundo difícil que debe enfrentar sin descanso. Un mundo que la ha hecho adicta a la morfina y a la soledad y que ahora se atreve a desafiar con la ilusión del amor. Desconoce los peligros que le asechan al lado de Sosa hasta que termina desafiándolos con él, lo sigue y juntos encuentran la única y definitiva salida. Todo un drama sobre la corrupción, una clara muestra del cine negro. “Una mafia que no se quiere ver y que lleva a un genocidio silencioso” según lo expresó el mismo Trapero.       

EL SECRETO DE SUS OJOS

TE MO

"Los ojos hablan"… "A veces es mejor no mirar porque en los ojos se guardan muchos secretos". Estas afirmaciones hacen eco en la actitud de Benjamín e Irene, los protagonistas de esta película, que en un intenso diálogo de miradas nos llevan a captar su historia y a descubrir otras verdades dolorosas y de gran cuestionamiento. ¿Cómo se hace para vivir una vida vacía, una vida llena de recuerdos? ¿Es preferible la prisión perpetua o una inyección letal para un asesino? Estos interrogantes acompañarán a la novela que quiere hacer Benjamín Espósito cuando decide aprovechar su jubilación y sus habilidades para escribir, como una forma de conjurar las culpas del pasado. Dará vida a una historia real y trágica sucedida en Buenos Aires en el año de 1974 que dejó huella en su memoria como funcionario judicial ya que no tuvo un desenlace adecuado. Para lograrlo buscará a la mujer de sus sueños que hace 25 años fue su compañera de trabajo, la prestigiosa abogada Irene Menéndez-Hastings.

Es el caso de la violación y asesinato de la joven Liliana Coloto, recién casada con Morales quien no descansa en la búsqueda del culpable, al igual que nuestro protagonista. Éste, con la ayuda de su asistente –un alcohólico llamado Pablo Sandoval- y de su jefe Irene, encuentran a Gómez, el posible asesino y lo interrogan hasta hallarlo culpable, pero un funcionario del juzgado, Romano, lo libera y lo pone al servicio del Estado. Pasa el tiempo, desaparece Gómez y Morales continúa buscándolo pues no ha cesado en su empeño de encontrar al asesino de su amada esposa. Por otra parte, Sandoval aparece asesinado en el apartamento de Benjamín Espósito y se concluye que es obra de Romano que quiere acabar con éste. Debe entonces cambiar de residencia, lejos de Irene y de su mundo durante largos años, hasta que regresa con la intención de buscar a Morales. Logra hallarlo en una casa abandonada, fuera de la ciudad, donde cesó la búsqueda del criminal ya que pudo eliminarlo, según confesó. Sin embargo, Benjamín no olvida la posición de Morales frente a la pena de muerte en el sentido de que una inyección letal para un asesino de esa clase es un premio. Espera que anochezca para volver a la casa de Morales y allí descubre una celda oscura que alberga a un hombre preso, es Gómez suplicándole que le pida a su carcelero “que le hable”. De esta manera termina la investigación y Benjamín Espósito sólo quiere encontrar a Irene para confesarle su amor ya que siempre ha estado enamorado de ella.

TEAMO

El secreto de sus ojos, se basa en una novela de Eduardo Sacheri, La pregunta de sus ojos. Es una exitosa producción argentina dirigida por Juan José Campanella en el 2009 y ganadora de numerosos premios entre ellos el Oscar a la mejor película extranjera en el año 2010. Cuenta con personajes que son bien representados por actores de gran factura entre los que sobresalen sus protagonistas Ricardo Darín y Soledad Villamil.  Es una historia llena de pasión y de suspenso, con tema policíaco y romántico, en la que van quedando “recuerdos de recuerdos” hasta que finalmente muestra el lado dulce del amor. Un amor puro que no es tocado por el trajín de la cotidianidad, que encuentra en el silencio a su principal colaborador y que le da una entretenida dinámica a la película durante 128 minutos. En este diálogo de miradas hallamos muchos secretos guardados en los ojos de los actores y sobre todo de Benjamín Espósito que logra encontrar la respuesta dentro de sí mismo. El hecho de escribir un libro en el que él es su protagonista es irse a su pasado, indagar en sus propios sentimientos y decisiones hasta despejar todas las dudas y complejos, para llegar a la verdad.

La película también hace un cuestionamiento a la justicia argentina por todos los acontecimientos sucedidos en los días previos a la dictadura de Perón. Situación agitada que trasmite a los personajes una gran dosis de violencia y destrucción que se vive durante toda la investigación y se acentúa al final de ella con la aparición de tres prisioneros que están rodeados por el odio, la indefensión y los recuerdos. Son las cárceles que encierran a Morales, a Gómez y a Benjamín Espósito donde el castigo mayor para quien está preso es "la ausencia de la palabra". Aparece entonces la palabra como fuerza demoledora que facilita el pensamiento y la acción, o que impide todo nivel de acercamiento y de relación con el otro y su mundo.  Por fortuna, Benjamín pudo salir de su encierro e ir hacia la búsqueda de su felicidad, después de 25 años.

ELSA Y FRED

“La vejez (tal es el nombre que los otros le dan) puede ser el tiempo de nuestra dicha” lo expresó Borges en su poema El elogio de la sombra, al tiempo que Picasso declaró “Lleva tiempo llegar a ser joven”.  Bellas frases que ilustran una época de la vida que para muchos significa lentitud, cansancio y agonía. Por eso, la intención de esta película es “rescatar la idea del amor a cualquier edad, de una manera pura y sin estereotipos de la vejez”, así como darnos lecciones para vivir plenamente hasta el minuto final de nuestra existencia. Todo esto sin necesidad de negar la validez de los años, dándole importancia a una época que puede ser vital y que está cargada de ternura.

En esta producción argentina encontramos a Elsa y Fred interpretados con éxito por China Zorrilla y Manuel Alexandre. Ambos, pertenecientes a la tercera edad, llegan a ser ejemplo de optimismo frente a la vida pues deciden buscar juntos la felicidad, tratando de realizar los sueños que todavía albergan en su mente. Fred es un viudo temeroso e hipocondríaco que no ha podido olvidarse de su esposa y encuentra un apartamento cerca de Elsa donde pasar sus últimos años. Su hija y yerno le ayudan en esta tarea, al igual que su nieto quien descubre que Elsa choca el carro de sus padres mientras realizan el trasteo. Esta situación debe ponerla en evidencia el nieto pues Elsa, que es una mujer manipuladora y mitómana, se niega a reconocerla. Así, debe pagar el daño y cuando lo hace conoce a Fred y a su corazón generoso que se niega a aceptar el dinero, pues él cree que ella lo necesita para ayudar a su hijo menor y a sus nietos. De esta manera inician un encuentro que poco a poco va forjando un sentimiento especial y va trasformando la existencia de cada uno. La soledad inicial cobra fuerza y se convierte en un acompañamiento profundo que lleva a esta pareja a vivir momentos soñados, guiados por Elsa que muestra gracia, humor e intrepidez. Uno de estos momentos es llegar a Roma y entrar a la Fontana Di Trevi como Anita Ekberg, la actriz de “La dolce vite” de Fellini, mientras espera a su amado Marcelo Mastroianni. Y se cumple este maravilloso sueño de Elsa, después de que Fred se entera que ella padece una enfermedad terminal, que la vive en silencio. De ahí las palabras de él: “Tú eres el mayor exceso para mi viejo corazón. Te estás dejando morir, me estoy dejando vivir”.

Esta producción hispano-argentina fue rodada en el año 2005 y dirigida por Marcos Carnevale. Con ella logró el objetivo propuesto, a la vez que realizó un homenaje a su gran admirador, Federico Fellini. Obtuvo numerosos premios, entre ellos a la mejor actriz y al mejor actor protagónico.  Es de señalar el valor de la fotografía, de la música y la presencia de la canción de Serrat al comienzo y al final de la película “Hoy puede ser un gran día”. Elementos que dan fuerza a esta historia de vida y sentimientos.

"Hoy puede ser un gran día", plantéatelo así:
aprovecharlo o que pase de largo depende en parte de tí.
Dale el día libre a la experiencia para comenzar
y recíbelo como si fuera fiesta de guardar.
No consientas que se esfume, asómate y consume la vida a granel...
...duro con él...
...donde todo está por descubrir,
si lo empleas como el último que te toca vivir.
Saca de paseo a tus instintos, y ventílalos al sol
y no dosifiques los placeres, si puedes, derróchalos.
Si la rutina te aplasta, dile que ya basta de mediocridad...
...date una oportunidad... ...imposible de recuperar, un ejemplar único, no lo dejes escapar.
Que todo cuanto te rodea lo han puesto para tí.
No lo mires desde la ventana, y siéntate al festín.
Pelea por lo que quieres y no desesperes si algo no anda bien...
...y mañana también..."

www.youtube.com/watch?v=EEt-XcqQz4A

EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN

¿Qué significado tiene el oficio de poeta? Juan Gelman, Mario Benedetti y Oliverio Girondo nos dan la respuesta en esta película donde Eliseo Subiela, su director, conjuga sus producciones poéticas hasta formar un cuadro de corte surrealista. Ellos supieron romper los moldes de la poesía clásica y romántica e incursionaron en el uso del verso libre y en la producción de corte existencial y cotidiano, muy propio del boom latinoamericano de mediados del siglo XX. Aquí se da una muestra de esta poesía de vanguardia que intenta crear el  territorio de la oscuridad unido al mundo del deseo, y a esa extraña combinación de realidad y fantasía.

”Me importa un pito que las mujeres tengan los senos como magnolias

 o como pasas de higo; un cutis de durazno o de papel de lija.

Le doy una importancia igual a cero al hecho de que amanezcan

 con un aliento afrodisíaco o insecticida.

Soy perfectamente capaz de soportarles una nariz que sacaría

 el primer premio en una exposición de zanahorias.

Pero eso sí, y en esto soy irreductible, no les perdono bajo ningún pretexto

 que no sepan volar, si no saben volar pierden el tiempo conmigo”.

Es la historia de Oliverio, un poeta que vive en Buenos Aires, lleva una existencia bohemia y busca una mujer "capaz de volar". En esta búsqueda, recorre lugares donde cambia sus poemas por comida, bebida o por dinero, se pasea con sus amigos, y encuentra mujeres de las que se deshace con solo interceptar un botón al pie de su cama, hasta que logra hallar a la de sus sueños. Es una prostituta de cabaret que conoce en un burdel de Uruguay, lo transforma y se enamora de ella perdidamente. Es Ana, procedente de la vida nocturna, quien lo hace penetrar en el lado oscuro del corazón. Es un amor imposible y al tiempo que la busca y la encuentra, debe olvidarla. Durante todas sus correrías se enfrenta a la muerte con aspecto de mujer que quiere encontrarle un trabajo digno y le indica cómo mejorar su vida y cómo entrar al mundo civilizado, evitando perderse. Pero él nunca la acepta. Prefiere experimentar, así sea por corto tiempo, esa sensación de plenitud que da el amor y seguir siendo poeta.

Un film extraño, pero cargado de poesía y de magia. En él se da la búsqueda de una mujer que sepa volar, que sepa actuar con libertad y pueda amar sin condiciones. Muchas mujeres pasan por la vida del protagonista, intentando serlo, pero sólo una con carácter de inalcanzable puede conquistar su corazón. Difícil esa exploración constante que es toda una alegoría referente al encuentro del amor, y nos permite ver una idealización de él. También aparecen imágenes obscenas elaboradas por uno de sus amigos, el escultor, que intentan darle al sexo un concepto más libre, más natural, más artístico. En el caso del útero que hace las veces de puerta para ingresar al taller del escultor, consideramos que es una forma de representar el ingreso al vientre materno, al espacio seguro, a la verdadera intimidad. En fin, con esta película compartimos los temores, las esperanzas y los amores de Oliverio. Vivimos con él la poesía y nos metimos en ese mundo oscuro y sensual que intenta descubrir el sentido del amor, de la vida y de la muerte. 

SAMSARA

“-¿Cómo evitar que una gota se seque?

-Arrojándola al mar”

Este interrogante o acertijo budista, que vemos al comienzo de la película y que al final repite su aparición con la sorprendente respuesta, enmarca la trama de SAMSARA. Una película independiente cuyo director es el hindú Pam Nalin, quien después de una formación autodidacta en el cine, pudo mostrar coherencia con su cultura y trasladarnos al Himalaya con este drama sensual, erótico y religioso. Y como él mismo lo dice “al ritmo de los latidos del corazón como si de una hipnosis se tratara”. Grabada en el 2001, esta película nos muestra en 136 minutos un buen trabajo actoral realizado por  numerosos actores profesionales aunque desconocidos,  procedente de 15 países y escogidos después de un riguroso casting. Los personajes principales Tashi y Pema son representados por Shawn Ku y Christy Chung procedentes de Nueva York y Hong Kong respectivamente.  El sitio donde se filmó llamado Ladakh o la Tierra de la luna, una región de difícil acceso por su altura, aridez y tensiones políticas, es otro de los aciertos pues fue difícil obtener el permiso para llevarla a cabo. Puede decirse que es la más valiosa elección ya que se pudo contar con un color y una luz que le dan un matiz especial a los trajes de los monjes y a los paisajes naturales que armonizan los ambientes de esta película, cargada de muchos silencios y de una gran belleza de imágenes.   

Vale la pena explicar el significado de la palabra Samsara. Para el budismo es el ciclo de la vida, muerte y reencarnación. Es también “el continuo dilema de vivir”. Se dice que dicha reencarnación trae dolor y sufrimiento, presentes en el individuo hasta que éste la trasciende y puede alcanzar la liberación o sea el ideal del Nirvana. Ese vagar por el mundo o ese deseo de vivir  es lo que el protagonista de esta película quiere experimentar antes de decidirse por el camino de la iluminación (liberación absoluta de todo sufrimiento).  Tashi regresa a su monasterio de monjes budistas después de un largo periodo de reclusión voluntaria. Lo vemos recuperando sus sentidos y su imagen corporal después de tres años, tres meses y tres días de meditación en un paraje perdido de la región de Ladakh en el Himalaya. Lentamente va incorporándose a la vida e inicia la búsqueda de su sentido, encontrando posibilidades que no quiere ignorar. Uno de sus maestros le ayuda en esta decisión y le permite ingresar al mundo del deseo, experimentarlo, para más tarde renunciar a él como lo hizo Buda. Se da entonces un despertar de su vida sexual que lo lleva a seguir a Pema, una joven procedente de una villa cercana, por la que siente gran atracción y finalmente amor. Con ella se casa, tienen un hijo llamado Karma y trabaja la tierra, enfrentando a su lado todos los pormenores como individuo activo de una sociedad. Experimenta alegrías y satisfacciones, pero también rivalidades, desesperanza ante el incendio de los cultivos e infidelidad que lo sumen en un gran silencio.  Se cuestiona el sentido y la utilidad de esta vida, y renuncia a ella de manera callada, emprendiendo el camino a su antiguo mundo. Pema sale en su búsqueda, lo encuentra y con su gran personalidad logra cuestionarlo severamente. 

“¿Qué es más importante: satisfacer mil deseos o conquistar uno solo?”

¿Será mejor permanecer en la vida terrena al lado de los seres que ama o regresar al monasterio para dedicarse a la vida ascética como única opción para encontrar la iluminación? ¿Es preferible escoger una ruta llena de variadas satisfacciones pasajeras o buscar aquella que proporciona la liberación de todo sufrimiento? La respuesta será dada por el espectador. Sin embargo, si nos atenemos al concepto budista encontraremos respuestas como la que aparece en el acertijo inicial. Aquí la gota es cada ser que estará libre de se seque o encuentre problemas y dificultades si regresa al mar (al todo, dios). Es decir, la gota y el océano forman parte de un mismo ser, están en la unidad. Por ello, consideramos que esta película es un cuestionamiento al Budismo, por cuanto la experiencia terrenal vivida por Tashi resquebraja la esencia de su doctrina, al tiempo que muestra que la iluminación es posible en las vivencias cotidianas, como lo expresó Pema. Lo tenaz de la vida es vivirla con su luz y su sombra; ella nos plantea continuos desafíos ante los que debemos optar por una decisión, esperando sea la correcta. Finalmente importa tratar de entender el mundo y la trascendencia del hombre en cualquier lugar que éste habite.

“Cualquier experiencia ayuda a hallar el camino”

LA OTRA BOLENA

Una película que muestra cercanía con los hechos reales pues está basada en la novela de Phillipa Gregory quien relata una historia más ceñida a la realidad. Así la propuesta de uno de nuestros lectores, de dar la información histórica para aumentar la validez de las reseñas cobra fuerza y resulta valiosa su observación. Su director Justin Chadwick se acompaña de los actores Natalie Portman, Scarlett Johansson y Eric Bana para llevar a cabo este film en el año 2008 marcado por el romance, la intriga y la traición. LA OTRA BOLENA está dedicada a resaltar la imagen de María, hermana de Ana, quien junto con su hermana desempeñó un papel importante en la Inglaterra de 1520 al lado del rey Enrique VIII.  

Los ambiciosos padre y tío de las hermanas Bolena aprovechan la situación del rey Enrique VIII que se encuentra desesperado porque su esposa Catalina de Aragón es incapaz de darle un hijo varón, necesario para afianzar su soberanía. Deciden que sea Ana quien atraiga al soberano y logre conquistarlo para cumplir su propósito. Sin embargo, el interés inicial de Enrique VIII es María que acaba de casarse, y debe olvidarse de su vida familiar en la provincia para ir a vivir a la corte. Allí concibe un hijo para el rey, pero su hermana Ana que no se resigna a su papel de ignorada, sólo quiere apartarla de él y la convierte en su más fuerte rival hasta llegar a ser su consejera, su confidente, su amante y su esposa. Poco le importan la Reina Catalina, María y su hijo bastardo, los que hace a un lado para llegar hasta el trono de Inglaterra. La inteligencia de Ana y su astucia logran conquistar al rey, hasta que éste descubre su ambición y de que intenta engañarlo al no poder darle un heredero. Su castigo será la muerte y ante esta decisión poco vale la presencia de su hermana María que busca, a pesar de todo, salvarla de la pena capital. María es, finalmente, la única capaz de asumir su propia vida lejos de la corte para ser feliz.

Ana Bolena es recordada por la historia como una reina astuta y codiciosa, pero al mismo tiempo  como una de preferidas por el pueblo de Inglaterra.  La película se olvida de este último detalle y la convierte en una reina ignorada y luego odiada por sus súbditos que apoyan la última sentencia del rey.  Igualmente, este film ignora hechos importantes en los sucesos de Inglaterra como la aparición de una de las mayores  crisis religiosas a partir del divorcio de Enrique VIII y de su esposa Catalina cuando se dio la separación de Roma y el catolicismo, y debido a esto la nación se convirtió al anglicanismo. Sin embargo, reconstruye de manera casi real la desconocida historia de María Bolena, la extrema rivalidad existente entre ella y su hermana por llegar al corazón del rey, las consecuencias que se vivieron después, y los espacios propios del siglo XVI con vestuarios y locaciones especiales. Resulta obligatorio resaltar la ambición del rey y su poder a modo de deidad en palacio. “El arte de ser mujer es saber que ellos son los que mandan” está impreso en la mentalidad de las protagonistas de esta historia en la que cualquier cosa que el rey decida es ley. Difícil imaginar en este contexto un verdadera historia de amor, ya que aquí solo funciona con poder y posesión. Un drama histórico de la época del renacimiento en manos del cine norteamericano.

¿DESDE CUÁNDO LA AMBICIÓN DEJÓ DE SER PECADO

PARA CONVERTIRSE EN VIRTUD?

ISABEL I: LA EDAD DE ORO

Muchas críticas ha recibido esta película, llamada en inglés Elizabeth: The Golden Age, por cuanto no es fiel a los acontecimientos históricos que relata, pero estos comentarios llevan a la observación de que el cine es un arte que se acerca a la realidad sin olvidar que como arte comulga con patrones inherentes a su forma de expresión y con cierta libertad para manifestarse. Sin embargo, trata de interpretar una época que refleja la lucha de la reina Isabel I por conservar su trono en medio de conspiraciones y traiciones familiares, de enemigos que intentan aniquilarla y del amor que debe controlar porque es figura emblemática del mundo occidental. Esta mujer, de 38 años, es la reina de Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVI, “La Reina Virgen”, "La Madre del Pueblo" y "La Buena Reina" que gobernó durante más de 40 años. A la vez que tiene inseguridades y debilidades manifiesta grandes aciertos ya que ama inmensamente a su patria y lo demuestra con creces, aun a costa de su propia vida y del mismo amor. Es la reina que lucha, que conjuga poder con grandeza de alma, que es mujer por encima de todo.

Isabel I es protestante y sabe que en la Europa de su reinado se ha iniciado un cambio religioso por lo que el poderoso rey español Felipe II quiere conquistar su país para imponer el catolicismo y destronarla apoyado por su ejército y la Armada Invencible. Mientras tanto, muchas propuestas de príncipes y monarcas europeos le llegan a la reina para que contraiga matrimonio, a lo que ella responde con desinterés. A la vez, se presenta en su corte Walter Raleigh para ofrecerle presentes de su viaje al Nuevo Mundo como el oro, las patatas y el tabaco, y algunos indígenas americanos. Rechaza el oro, pero acepta los otros regalos, al tiempo que experimenta atracción por este pirata como lo llaman sus embajadores en señal de rechazo. Para tenerlo cerca, la reina Isabel I se lo recomienda a su dama de compañía preferida, situación que ésta aprovecha hasta conquistarlo.  Este peligroso acercamiento provoca la enemistad de la reina y encarcela a Raleigh, pero es la misma reina quien decidida a entregarse por completo a su país debe acudir al mismo Raleigh para que le ayude a combatir al enemigo nombrándolo Jefe de la Guardia Real. Así, van a la guerra y mientras la flota española que supera a la flota inglesa recibe una fuerte tormenta, la Armada Invencible es diezmada, situación que aprovechan los ingleses para disparar cañones contra los españoles y vencerlos. Mientras tanto, su consejero de confianza Francis Walsingham que trabaja para consolidar el poder monárquico absoluto se da cuenta que alguien trama la desaparición de la reina para apoderarse de su trono, y es la propia María Estuardo, prima de la reina, quien teje este complot.

Vamos a la guerra. Si morimos vamos a quedar en el cielo.

Si vivimos quedaremos en el campo de victoria.

Su director paquistaní Shekhar Kapur, en 114 minutos que tiene la duración de este drama, hace un trabajo de gran riqueza visual con buenos actores, increíble vestuario y excelente despliegue de cámara para conseguir escenas bien logradas como las presentadas en la corte y en el campo de batalla. Cate Blanchett realiza un papel protagónico de alta calidad al igual que muchos de sus acompañantes que se hicieron presentes en la primera versión de esta película en 1998. Fue nominada al premio Oscar por su desempeño actoral, al igual que en la versión anterior, sin lograr la estatuilla. En cambio, esta versión sí recibió el Oscar por el mejor vestuario.

LA JOVEN VICTORIA

Interesante llegar al tema de la monarquía y más aún protagonizado por una mujer: La reina Victoria. Una reina de la que se conoce su historia, la viuda de Windsor, marcada por la soledad y el luto permanente, pero poco se sabe de su adolescencia y juventud. Aparece entonces LA JOVEN VICTORIA, una historia humana en la que brilla el amor y la fuerza de una mujer que supo luchar en un mundo de hombres y aprender a tomar sus propias decisiones cuando apenas contaba con 18 años. En esta película, Emily Blunt, nominada al Globo de Oro como mejor actriz dramática, aparece representando a una joven de 16 años que muy pronto asumirá el trono de Inglaterra, como única heredera del rey William IV. Cuando es coronada reina en 1838, tras la muerte de su tío, debe hacer frente a muchas intrigas y conflictos políticos que se encargan de hacerle difícil el manejo del reino y amilanar su papel. Debe también enfrentar la oposición de su madre, la Duquesa de Kent, y de su asesor Sir John Conroy, quienes la consideran incapaz de asumir el trono y desempeñarse como reina. Se da un cambio vertiginoso en su vida: pasa de vivir constantemente vigilada y controlada por su madre a ser una mujer independiente y poderosa. No es fácil lograrlo, pero puede demostrar que tiene capacidades para ello. Por fortuna, encuentra el amor de Alberto, su primo y sobrino del rey de Bélgica, a quien conoce antes del reinado y logran sostener una buena amistad hasta llegar al matrimonio siendo ésta ya reina. A su lado puede exhibir sus habilidades para el baile, la música, montar a caballo, pintar y demostrar todo su romanticismo. Sin embargo, frente a él muestra sus prevenciones, pues no desea que asuma un papel protagónico y tome decisiones políticas, sólo que sea su obediente esposo. Por su parte, el pueblo la ama, pero debe enfrentar las manifestaciones iniciales de inconformismo frente a su gobierno y variadas situaciones adversas como el ataque del que fue víctima su esposo.

En esta película encontramos un tratamiento diferente al tema de la monarquía. Vemos una reina totalmente natural, inquieta, libre y sobre todo muy humana, en una historia agradable, que da prelación a las vivencias humanas y al mundo sentimental que vive la joven aristócrata entre las paredes del palacio. A través de ella percibimos sus sufrimientos y angustias como queriendo dar una visión diferente a la usual; así como también el tratamiento a su pueblo que fue cercano, con reformas en vivienda y de una fuerte visión social, característica esencial de la era Victoriana. Aunque reinó durante 64 años, el reinado más largo de la historia británica, este filme se detiene en la historia juvenil, en los primeros años de la reina Victoria. Todo esto se refuerza en la película con el manejo de ritmos que da su director, Jean-Marc Vallée.  Va de escenas lentas a rápidas con la ayuda de la música, de preferencia clásica, y con la iluminación, desde tonos oscuros hasta lograr claridad y brillantez. Para lograrlo encuentra un gran apoyo en locaciones naturales como son los palacios, castillos y catedrales europeos, y en el vestuario que la hizo merecedora al premio Oscar. Una buena reconstrucción de la época que hace énfasis en la música, en la arquitectura y en la moda. “Era importante recrear el lujo y la belleza con la mayor precisión posible para hacer justicia a la historia”, lo dijo su director. Un drama romántico cargado de entretenimiento y satisfacción.

MUJERES QUE HICIERON HISTORIA

Después de muchas dificultades para tener esta película en nuestro cine club, logramos nuestro objetivo y pudimos disfrutarla como lo merecía. Nos sorprendió ver la historia real que muestra el arduo proceso que ha vivido la mujer para defender sus derechos y lograr la igualdad. Es una lucha que sigue vigente puesto que aún no termina. Todavía estamos inmersos en una sociedad patriarcal en la que vivimos situaciones de posesión, sometimiento, desigualdad, discriminación y frustración  como nos muestra esta película. Aquí encontramos a la mujer representando variadas facetas que abordan su mundo desde la moda y los sueños, hasta la vida de hogar, los conflictos familiares y laborales, y la injusticia en todos sus ámbitos. Sin embargo, su energía, esa poderosa fuerza que la descubre como líder, hace que se percate de sus inconformidades y de su posición política ante el colectivo trabajador y ante la vida misma, y asuma el reto histórico que le ofrece su destino. La vemos entonces descubriendo lo mucho que puede hacer por su género y encontrando la solidaridad de sus pares que se unen a la lucha por los derechos igualitarios de la mujer en el aspecto laboral. Llega así a cambiar favorablemente cánones, prácticas empresariales, y aún las leyes.

Mujeres que hicieron historia o Made in Dagenham, dirigida por Nigel Cole, está basada en hechos reales que sucedieron en Dagenham, Inglaterra en 1968. En ella, Rita O’Grady (Sally Hawkins) trabaja en la fábrica de automóviles Ford con 186 mujeres que se dedican a la costura de los asientos de los coches, en un lugar en ruinas, y allí encuentra una situación totalmente desigual en salario y en condiciones laborales, comparada con la de los hombres. Ella y las mujeres que la acompañan deben entablar una lucha para obtener salarios igualitarios, en condiciones semejantes, sin discriminación de género. Inician una huelga en la que Rita asume el liderazgo y pone en grave riesgo su matrimonio y hasta su estabilidad laboral. Son muchas las dificultades que debe asumir, pero, por fortuna, encuentra apoyo en el representante sindical y en la secretaria de Estado para el Empleo y la Productividad que ayudan a la obtención de sus logros y a que su papel tenga un protagonismo histórico. Consigue que la remuneración por el trabajo tenga igual valor que la del hombre, llamada Ley de Igualdad Salarial.

Esta película que nos reivindica como féminas es toda una apología a la solidaridad, al liderazgo descubierto al azar y bien capitalizado, y al poder combinado con  autoridad que viven ellas en muchas instancias de su vida laboral. Vale la pena recordar lo expresado por Marx: "El progreso de una sociedad se puede medir por la posición social del sexo débil. Cualquiera que conozca algo de historia sabe que los grandes cambios sociales son imposibles sin el fermento femenino". Un buen trabajo actoral puede verse en esta película, realizada en el año 2010, con una duración de 113 minutos y estrenada como comedia dramática en el presente año.

(Elaborado con aportes de Olga Lucía Jaramillo, Juana Echeverri y Rodrigo Rojas)

SÓLO UN SUEÑO

Esta película, basada en una novela de Richard Yates, fue estrenada en el año 2009 y clasificada como drama. Mereció un buen título en español; en inglés se le conoce como Revolutionary Road, haciendo referencia a la calle donde se desarrolla la historia. Su director Sam Mendes, su esposa la actriz principal Kate Winslet y su acompañante el actor Leonardo di Caprio forman un equipo nominado a 4 Globos de Oro incluyendo mejor película, mejor director, mejor actor y mejor actriz principal. Y vale la pena mencionarlo ya que Winslet realiza un papel sobresaliente de principio a fin, al igual que Di Caprio, quien trabaja con un gran despliegue actoral.

Difícil entender la trama que viven sus protagonistas, Los Wheeler, que lo tienen todo, pero no logran atraer la felicidad por la insatisfacción de ella. Frank y April son una pareja joven y bella de los años 50 que parece disfrutar de su relación y de sus dos hijos pequeños, hasta que con el paso del tiempo es April quien intenta cambiar su cotidianidad tranquila y segura en Connecticut por una nueva vida en París que le permita ampliar sus sueños y realizarse profesionalmente. La fuga geográfica que ella se plantea, después de que llegan a su nueva casa en la calle Revolutionary, obedece a un deseo de huir de lo establecido, de querer variar su entorno aún a costa de la tranquilidad de los suyos y, al parecer, de buscar una vida con otros propósitos y satisfacciones. Se inicia entonces una especie de rompimiento con su pareja, cuando éste ya no acepta involucrarse en su proyecto, y son comunes las discusiones y riñas familiares ya que él va a luchar por salvarlo todo, a diferencia de ella que quiere escapar a toda costa. Igualmente se presenta la no aceptación de su nuevo embarazo porque aún en la legalidad, es un hijo no deseado que interfiere con sus sueños, con esa búsqueda de la felicidad fuera del entorno que la rodea. También vemos su infidelidad pasajera con una furia que le permite vengar su humillación de tener que renunciar a sus ideales y someterse a las normas de su vida de hogar. Y finalmente, su aborto premeditado que marca su partida definitiva y le da la oportunidad de expresar su inconformismo, su insatisfacción, su deseo de ser ella. Todo esto con la presencia aterradora de un esquizofrénico, el hijo matemático de una pareja de vecinos, que parece jugar a ser la propia conciencia de esta pareja, que no los deja escapar pues les plantea interrogantes provocativos sobre la vida familiar.

Muchos cambios se dan en la época de los 50 y 60 en Estados Unidos, tiempo de la postguerra que afectó al mundo civilizado y generó insatisfacción en la clase media. Esos deseos de renovación se visualizan  también en la mentalidad femenina que  inicia su liberación ante la presencia de una vida familiar cómoda y segura, pero al mismo tiempo llena de conformismo y monotonía. SÓLO UN SUEÑO muestra claramente esta realidad en medio del paisaje urbano más confortable, con un bosque lleno de encanto y atracción, único testigo de lo que allí sucede. Porque es allí donde se pueden captar las vivencias emocionales más difíciles que pueda soportar una pareja. Parecen morir en vida y acabar con el amor en una crisis matrimonial que va dejando espacio al dolor y a la debilidad humana. Sólo queda huir del vacío y de la desesperanza. Una película que vale la pena recomendar.

CEREZOS EN FLOR

“La belleza de los cerezos en flor es cosa de un día,
pero el recuerdo de haber amado dura toda la eternidad”.



“Nos tenemos el uno al otro. Esa es la verdadera felicidad”. Dice Rudi quien padece una enfermedad terminal que ignora y se deja llevar por su esposa Trudi a un paseo, para vivir sus últimos días según las instrucciones médicas: haciendo juntos lo que más desean. Parten de su pueblo ubicado en la montaña para iniciar la  visita a dos de sus hijos en Berlín, Karolin y Klaus -casado y con familia-, donde descubren que su presencia es inoportuna pues sus ocupaciones les impide compartir con ellos. Siguen entonces hacia el Báltico donde pueden asistir al teatro y observar la danza Butoh, pero inesperadamente Trudi muere. Esta situación no la acepta su enfermo esposo quien desesperado vuelve a su hogar para reencontrarse con ella en sus recuerdos y descubrir el mundo que ella hubiera querido disfrutar. Se va entonces a buscar los lugares y los momentos que para Trudi hubieran sido de plenitud y que no disfrutó por estar a su lado. Viaja a Japón donde reside su otro hijo y se encierra en una ciudad caótica que ofrece de todo, pero no encuentra libertad para hallar la magia de su esposa. Finalmente acude al festival de Los Cerezos en Flor, un lugar de encanto donde a través de Yu, una bailarina japonesa, y su arte logra lo soñado: “estar en su esposa y dejarse llevar por  la fascinación con la danza Butoh”.  Rudi desarrolla su máxima plenitud y encuentra en la danza frente al monte Fuji el contacto con su amada a la que se une, llegando a una forma de acercamiento definitivo.  

Esta película franco alemana, elaborada por la cineasta Doris Dörrie y rodada en escenarios alemanes y japoneses, ha sido ganadora de varios premios europeos, entre ellos el Baviera a mejor actor, mejor actriz y mejor producción, y nominada a muchos otros como el Oso de Oro de Berlín. Muestra la gran sensibilidad japonesa y su belleza poética en temas como la vida, la muerte, el amor, la vejez y los sueños. Es un canto a la vida, a pesar de que muestra el drama de la pérdida de un ser querido, porque lleva a enfrentar el futuro de una vida en soledad y a buscar la compañía de ese ser que aunque aparentemente lejano puede estar cerca. Es un gran elogio al amor y a la comunión conyugal, a esas personas con las que compartimos a diario nuestras vidas y que, a veces, no disfrutamos de su presencia ni les permitimos realizar sus propios sueños. En contraste con la vida de los hijos quienes a medida que se alejan del seno paterno, generalmente se hacen más distantes y desconocidos. Se verifica entonces cómo el mundo laboral absorbe a la gente y el trabajo se convierte en una adicción, en una amenaza para las buenas relaciones familiares. Se percibe también una gran simbología con la mosca que aparece constantemente en la película. Ella significa lo efímero que es la vida, el instante que vivimos, salvo el universo donde ella vuela, que sí permanece.

¡Alto, detente!,
¿qué quieres hacer?,
¡¿matarla?!

Una mosca sólo vive un día,
un día de dolor,
un día para sufrir,
un día para enmendar.

Déjala volar,
el cielo es para siempre.

Tan fugaz es la vida como los cerezos en flor, pero tan intensa como esos momentos que nos regala la naturaleza. Por ello la importancia de “no postergar nada”, para no decir después y tardíamente “si hubiéramos tenido tiempo, yo hubiera sido más amable”. Por último, vale la pena mencionar la importancia del Butoh, o baile de las sombras, una danza japonesa que expresa un estado del alma, que es el símbolo del nacer y morir, esa huella que dejamos todos en la vida después de muertos. Una danza muy valiosa para Trudi puesto que logró acercarla a su esposo, así haya sido para su encuentro definitivo con él. Todo un poema para celebrar el sentido de la vida con una música y una fotografía excelentes.

EL AMOR Y OTRAS DROGAS

“Lo importante no es conectar, ni siquiera el sexo… Es encontrar una o dos horas que alivien el dolor de ser tú mismo” lo dice Maggie (Anne Hathaway) cuando apenas conoce a Jamie (Jake Gyllenhaal), los protagonistas de esta película centrada en el sexo y el amor, en la industria y el comercio farmacéutico.  Maggie, una mujer independiente y libre de todo compromiso afectivo, padece de la enfermedad de Parkinson que empieza a vulnerar su estabilidad y a romper su eje biopsicológico, lo que reafirma su decisión de vivir sin ataduras. Conoce a Jamie, un visitador médico de la firma farmacéutica Pfizer, que sólo desea triunfar con las ventas del Viagra y aprovechar su gran atractivo y poder de seducción para conquistar a las chicas, sin ataduras. Inician entonces una serie de encuentros sexuales que los lleva a mostrar más de cada uno y finalmente a encontrar el amor sin esperarlo. Porque Maggie no quiere frustrar los sueños de un hombre que está cerca al éxito y a realizar su vida plenamente; además considera que atarlo a su mundo sería condenarlo a soportar su enfermedad. Argumentos que Jamie reconoce y acepta, pero que finalmente no puede conciliar con ellos porque el amor lo ha vencido. Sucede que la droga más poderosa los ha conquistado.  “Conoces a un montón de gente…y de repente conoces a una persona y tu vida cambia para siempre”.

Esta comedia, que tuvo su estreno en el año 2010, está basada en hechos reales que se narran en el libro Hard Sell: The Evolution of the Viagra Salesman cuyo autor es Jamie Reidy, un vendedor de Viagra. En sus páginas aparecen anécdotas del autor sobre sí mismo y sobre algunas prácticas de las compañías farmacéuticas que se desarrollaron a finales de los 90 cuando el comercio de las drogas se hizo libre y apareció el nuevo tratamiento para la disfunción erectil. El director de la película, Edward Zwick, y su productor Charles Randolph ponen en escena esta historia en la que prima el romance donde hay mucho sexo, pero finalmente hay amor. A la vez hacen una fuerte crítica al sistema de salud estadounidense en el que los médicos se venden a los laboratorios, los vendedores utilizan métodos un poco ridículos para lograr sus ventas y los consumidores son engañados porque son llevados al consumo de medicamentos no necesarios que terminan siendo imprescindibles. Vemos cómo el tratamiento dado a los pacientes convierten a esta pequeña píldora azul conocida Viagra en una droga revolucionaria, patrocinada por una industria rentable que comercializa las enfermedades con el lema “Por un mundo mejor”. De ahí el éxito en las ventas del protagonista Jamie que lo puso a la vanguardia de los vendedores comerciales de las grandes compañías farmaceúticas. Vale la pena mencionar que en este film no se descuida el tema de la enfermedad de Parkinson que padece Maggie y muestra los efectos de este mal degenerativo del sistema nervioso y cómo convivir con él.

Una película que muestra un contraste de valores
donde el éxito lleva al bienestar familiar y al sosiego,
donde la confianza es la clave.

CABARET

Considerada un clásico de la comedia musical, esta película es una de las más premiadas por la Academia de Hollywood en toda la historia. Fue ganadora en 1972 de 8 premios Oscar; recibió la estatuilla al mejor director (Bob Fosse),  a la mejor actriz (Liza Minelli), al mejor actor de reparto (Joel Grey), a la mejor banda sonora, al mejor montaje, fotografía y sonido. Sin embargo, no ganó la estatuilla a la mejor película, otorgada ese año a El Padrino.

En este gran musical se hace un paralelo con la época oscura del nazismo en la historia de Alemania, un periodo que muestra la grave situación económica, social y política de este país, gestada por Adolfo Hitler, líder del Partido Nacional Socialista quien terminó adquiriendo el poder. A través de las canciones y de las aventuras de sus protagonistas, la película logra mostrarnos la gran depresión vivida en manos de Hitler, al tiempo que encuentra una brillante salida con un espectáculo nocturno como CABARET. Un lugar marcado por la  música y baile que fue el sitio ideal para olvidar las penas y que tuvo su esplendor en la ciudad de Berlín. Aquí aparecen artistas que dan vida a personajes excéntricos como Liza Minelli que interpreta a Sally Bowles y su maestro de ceremonias Joel Grey, quienes representan papeles estelares que hacen de esta película una de las más inolvidables en la historia del cine.

“De la cuna a la tumba no hay un camino muy largo”
es una frase de la canción que Sally Bowles interpreta al final de la película,
en la que nos invita a vivir la vida pues ésta es un cabaret.

El cabaret es un nicho de ideas libertarias donde hay espacio para olvidar los problemas y disfrutar de un espectáculo apasionante y libre de prejuicios morales. En este lugar cobran vida personajes como: 1. Sally, artista principal del cabaret por su portentosa voz, extraño maquillaje y su genial manera de asumir la vida. Desea llegar a ser estrella del cine alemán y se enamora de Brian Roberts, un tímido estudiante inglés que se aloja en su misma pensión. 2. Brian Roberts, llega de Gran Bretaña con el fin de mejorar su alemán y encuentra a Sally quien le proporciona un refugio seguro. Ellos, que viven una estrecha relación, terminarán separados después de un aborto de Sally, pues la vida en común resulta inadecuada para cada uno de ellos. 3. Fritz Wender, un “cazafortunas” alemán que necesita aprender inglés y está enamorado de la belleza y el dinero de Natalia Brandauer hasta que descubre que es judía. Esto y su secreto sobre su verdadero origen, también judío, pone en peligro su relación que termina venciendo barreras y aceptando el valor del amor verdadero. 4. El Barón Maximilian von Heune, un rico aventurero que sólo busca placer. Encuentra en Brian la mejor posibilidad para asumir su homosexualidad, a la vez que intenta enamorar a Sally.  5. Joel Grey, lleva la comedia con maestría de principio a fin y representa la conciencia de cada uno. Aparece como “un fantasma de los deseos humanos que aporta ironía y sarcasmo a los números musicales”.  Todos ellos actuando en medio de espejos que aparecen al comienzo y al final de la película, lo que nos da como reflejo una visión deformada del ascenso al poder de los nazis en Alemania. Lo anterior sin olvidar temas sociales complejos que aborda este film como la bisexualidad, el aborto, la triangulación amorosa, la vida nocturna, el ingreso de la mujer al mercado laboral y la independencia económica. Porque Cabaret hace toda una indagación sobre el comportamiento humano, al tiempo que concluye lo importante que es “vivir y dejar vivir”.

ANITA

Un título que inspira ternura y respeto. La historia de esta película se basa en el brutal atentado a la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA) con un carro bomba que dejó 85 muertos el 18 de julio de 1994. Así, Marcos Carnevale, su director, productor y guionista de procedencia argentina, llega a nosotros en el 2009 con Anita quien tiene el Síndrome de Down y es representada por Alejandra Manzo, una actriz natural de 36 años. Conmueve esta historia en la que su protagonista vive cómodamente atendida por su madre hasta que una explosión cambia todo su entorno y se ve obligada a caminar sin rumbo por las calles de su ciudad. Primero ingresa a un hospital donde recibe los primeros auxilios y luego continúa su deambular hasta que encuentra personas que finalmente se compadecen de su situación pues no entiende qué ha pasado, desconoce su dirección, el nombre de su mamá y sólo quiere alimento y que las agujas del reloj se unan en la parte superior para que ésta llegue. Un fotógrafo desempleado, alcohólico y con deudas pendientes es su primer ayudante. Difícil asumir este cargo pues como él mismo lo dice “Vos te caíste de la escalera y yo me caí de la vida”, y la abandona en un bus en una de sus salidas. Luego y después de mucho insistir frente a una tienda de comidas de una familia de coreanos, logra un refugio provisional y allí encuentra alimento y dónde dormir. Finalmente llega a la casa de una mujer que vive sola y tras algunas dificultades por entender su situación, es aceptada y tratada con cariño. A estas alturas de la película, su madre ha muerto, víctima del atentado, y su hermano ya no busca a Anita pues las pesquisas sobre su paradero han sido en vano. Sin embargo, en la televisión aparecen los rostros de los desaparecidos con sus nombres y el fotógrafo da la primera pista para iniciar su búsqueda. Finalmente es encontrada por su hermano, quien debe enfrentar la situación de hacerse cargo de ella y de contarle la muerte de su madre.

Sorprende en esta película el valor de la solidaridad. Vemos cómo los tres personajes que encuentra Anita en su transitar, le ayudan a su manera y logran salvarla de los peligros que la rodean durante el mayor ataque terrorista de la historia argentina. Con tonos claroscuro se marcan estos ambientes que aumentan o disminuyen de intensidad y que muestran un fuerte contraste con la vida cómoda que llevaba Anita al lado de su madre. Sin embargo, son ambientes que la protegen y están lejos de las autoridades e instituciones gubernamentales que sí generan una terrible desconfianza en los ciudadanos. Así mismo, la cámara enfoca planos aéreos interesantes y hace tomas a los pequeños pasos de Anita en ese mundo extraño y desconocido donde encuentra solidaridad y egoísmo. Captamos también la visión de un niño especial que asume la vida sin temores, con capacidad de adaptarse a diversas circunstancias y con un gusto infinito por la cercanía de sus semejantes, su amor y su comprensión. Es una película que plantea la universalidad de nuestro mundo donde todos los que vivimos en él debemos aceptarnos, sin dar cabida a hechos tan terribles como el que aquí se revive. Es preciso entonces evitar que “el hombre siga matando al hombre” en pleno siglo XXI. De ahí el inmenso valor que se le da a la bondad, a la caridad y a la generosidad, fundamentales en el ser humano. Fue declarada una película de interés social por su contenido humano y porque hace un llamado a la aceptación e integración de las personas con discapacidad.