"CUMBRES BORRASCOSAS"

Iniciamos este nuevo año con la película "Cumbres Borrascosas", dirigida y producida por la inglesa Emerald Fennell, quien hizo una adaptación de la novela romántica, gótica y victoriana de Emily Brontë, escrita en 1847. La crítica ha comentado que es una producción bastante exagerada, deslumbrante y muy alejada del escrito original. Sin embargo, su directora y productora asegura que en su versión 2026 quiso ser “clásica, posmoderna, fiel y renovadora”.  En 2 horas y 16 minutos se realiza esta interpretación personal que conlleva una tormenta emocional en la que sobresalen la pasión, la obsesión y la venganza. Tiene muchas diferencias con la obra de Brontë: ignora la segunda parte de la novela, elimina personajes y cambia el papel de otros, intensifica las escenas sexuales hasta el cansancio, los protagonistas se ven mayores y no explora la diferencia de clases, ni critica a la moral victoriana, entre muchas otras. Fennell las acepta y defiende su intención de hacer una adaptación cinematográfica que capte “la profundidad del sentimiento humano y cómo existe de forma profunda”. Es decir, una relación con menos represión y más erótismo.  Por eso también pone comillas al título de esta producción.

En este drama, el protagonista Heathcliff (Jacob Elordi) es un niño huérfano que llega a la familia Earnshaw donde es adoptado por un padre amargado y amante de la bebida y el juego. Allí crece, al lado de la hija del dueño, Catherine (Margot Robbie), con quien establece una relación intensa de amistad y de amor profundo a través de los años. La poca fortuna del padre escasea cada día más y “Cathy” recibe la propuesta matrimonial de un hombre rico y aristócrata, Edgar Linton. Ella termina aceptándolo y de inmediato Heathcliff, con el corazón roto, desaparece por un buen tiempo, hasta que regresa lleno de odio y de rencor, decidido a alterar la vida de la pareja. Mostrará su cara la violencia, el odio, la venganza y el salvajismo de este personaje, quien también transmitirá una carga de erotismo y de pasión desbordante como se verá entre los protagonistas que se aún aman y no han podido olvidarse. De este modo, los espectadores podrán ver una historia extremadamente apasionada, pero también dolorosa y destructiva. 

“Fennell rompe pronto con la narrativa de Brontë y permite que la relación se consuma repetidamente, desplazando el foco del romance frustrado hacia una historia sobre los excesos del deseo. La angustia romántica cede ante el espectáculo de la pasión". Visión general creada por la IA

Las Horas de Virginia Woolf

“Tú me has dado la mayor felicidad posible, has sido todo lo que alguien puede ser para otro. (...) Te debo toda la felicidad de mi vida. Has tenido una paciencia infinita. Has sido increíblemente bueno. En mí ya no queda nada salvo la certeza de tu bondad. (...) No puedo seguir arruinando tu vida. No creo que dos personas puedan ser más felices que lo que hemos sido nosotros”. Virginia

Tres mujeres hacen presencia en un día, en esta película sobre la vida de Virginia Woolf. Tres mujeres que luchan por su libertad y muestran una vida interior compleja, en ambientes -al parecer, tranquilos-, pero que las asfixian y las torturan. Tres mujeres que actúan en torno a Virginia Woolf: La primera es la propia Virginia que está escribiendo su novela “Mrs. Dalloway” en 1923, alejada de la vida de la ciudad de Londres y luchando con su enfermedad mental; la segunda es Laura Brown, un ama de casa embarazada y deprimida que encuentra consuelo leyendo a Virginia en 1951, en Los Ángeles; y la tercera es Clarissa Vaughn, una editora de Nueva York, que tiene el mismo nombre de la heroína imaginaria de Virginia, y aparece cuidando a un poeta amigo, enfermo de sida, del cual está enamorada.

Como puede verse, estas tres mujeres viven en diferentes épocas del siglo XX y, a pesar de su aparente estabilidad y bienestar económico y social, están en crisis porque se encuentran confundidas e insatisfechas consigo mismas; se sienten lejanas al amor y a la felicidad, y desean darle un verdadero sentido a su existencia. Además, manifiestan tímidamente su bisexualidad, su tristeza y gran soledad. Y, sobre todo, dejan translucir su amargura y descontento con su vida, como se aprecia al comienzo de la película cuando Virginia aparece hundiéndose en el río Duse porque quiere suicidarse. Se lo cuenta a su esposo en una carta que le ha dejado y este corre a salvarla, sin poder lograrlo. Un final que terminará siendo una salida razonable frente a la enfermedad mental, la lucha contra la bipolaridad y frecuentes alucinaciones, y los conflictos personales y familiares que enfrenta este personaje.

Esta película dramática de 114 minutos fue realizada en Estados Unidos por Stephen Daldry, en el año 2002. Se basó en la novela del mismo nombre realizada por Michael Cunnigham y ganadora del Premio Pulitzer en 1999. Recibió nueve candidaturas al Oscar del año 2023 (Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actriz, Mejor Actor de Reparto, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Guion Adaptado, Mejor Banda Sonora, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Montaje), y solo Nicole Kidman terminó siendo ganadora como Mejor Actriz. Las otras protagonistas, Julianne Moore y Meryl Streep, fueron muy aclamadas por su sobresaliente interpretación y recibieron colectivamente, junto con Kidman, el Oso de Plata en el Festival de Berlín. Esta producción también obtuvo muchos premios en festivales internacionales y fue elogiada por su banda sonora. Es una película que sorprende por su contenido, ya que fue más allá del suicidio de su personaje y de la exploración de su sexualidad. Una película interesante, compleja y conmovedora. 

SOSTIENE PEREIRA

“Con Pereira he creado un personaje que lucha contra su infelicidad y su soledad. Su toma de conciencia no es exclusivamente política, sino producto de una maduración interna, la elaboración del luto de toda una vida pasada, la búsqueda y el deseo de una existencia futura”. Antonio Tabucchi

A pesar de la calidad de la cinta disponible para nuestro cineclub, con una imagen deslucida y carente de color, pudimos apreciar esta valiosa película, rica en contenido, ambientación y música. Muy fiel al libro que tiene el mismo nombre, del italiano Antonio Tabucchi, publicado en 1994. Sostiene Pereira es un drama de 104 minutos, dirigido por Roberto Faenza, y protagonizado por Marcelo Mastroianni, quien realizó un papel memorable, con el que ganó el premio a mejor actor en los Premios David di Donatello de 1995.

Pereira es un periodista mayor, viudo y de origen portugués, dedicado a la cultura en un periódico católico de Lisboa, en el que solo narra notas necrofílicas y se desentiende de la realidad sociopolítica que circula a su alrededor. Es el año de 1938 cuando se impone el régimen de Oliveira Salazar, un dictador que prohibía cualquier ideología popular o nuevas ideas impuestas por los jóvenes contra un gobierno conservador. Pereira se muestra desconectado con lo que sucede en esta época, pero cuando conoce a Monteiro Rossi, un joven italiano, que necesita trabajar y se acerca a él buscando empleo, empieza su cambio. Primero se sorprende por su vitalidad, pero lo desconcierta su manera de interpretar la realidad, ya que involucra hechos violentos al hacer sus notas. De inmediato, Pereira lo rechaza. Sin embargo, ante la insistencia de Rossi de trabajar porque él y su novia necesitan dinero y él quiere expresar también sus ideales políticos, Pereira termina ayudándolos. Será un proceso lento que irá dando un vuelco a su vida. Toma conciencia de las condiciones de su país, del idealismo revolucionario de su protegido y empieza a reconocer su papel indiferente en un medio al que debe responder sin ataduras. Al final, asume el rol de periodista comprometido y se atreve a denunciar la realidad a través de su periódico, utilizando un método de transformación personal que cambiará su existencia.

Una historia que hace énfasis en la necesidad de que prime la verdad y se asuma un compromiso social y político por encima de todo. Es la tarea de este periodista que cambia su estilo de vida pasivo y plano por uno que lo compromete ideológicamente. Así su bondad y su generosidad adquieren otro matiz que lo llevan a actuar ante la injusticia y la opresión que se vive en ese momento histórico. Hay riesgo, a un alto precio, pero el miedo debe fortalecerse ante la injusticia, la censura y la limitación a la libertad de expresión.

"Cuando la libre expresión es reprimida, la voz del periodista se convierte en la única que puede romper el silencio establecido”. María José García Orta, profesora de Teoría de la Comunicación Social.

UN POETA

“Es la película más personal que he hecho. El poeta también soy yo. Hay muchas de mis frustraciones como escritor, de los años intentando hacer cine en Colombia, de las dudas, del deseo de no convertirme en otro profesor que soñó con filmar y no pudo. Esta película es también una forma de reírme de eso, de hacer algo punk, feo y hermoso a la vez”. Simón Mesa Soto

 

UN POETA es una cinta colombiana que impacta, conmueve y responde a una realidad presente en el mundo cultural de nuestra sociedad. Hace una crítica a esos poetas que no tienen lectores, ni editores, ni son premiados o aplaudidos. Al mismo tiempo, penetra en esas instituciones encargadas de promoverlos y que presionan para que escriban lo que ellas quieren y en las circunstancias propuestas por ellas o por intereses externos donde prima el dinero. Además, retrata a esos artistas invisibles inmersos en el mundo del alcohol, del desempleo y de la bohemia que se empeñan en tomar la poesía como su estandarte, sin importar el silencio, la burla o el rechazo recibido. 

Oscar Restrepo es su protagonista, un poeta adulto que reside en Medellín con su madre enferma porque no ha podido independizarse, a pesar de que tiene una hija que debe sostener, y que a su vez lo rechaza. Es alcohólico y vive obsesionado con el poeta atormentado y exitoso que se suicidó, José Asunción Silva. En algunos momentos, se cree superior y hasta arrogante, por su capacidad para hacer poemas -con dos libros aceptables que ha hecho-, aunque generalmente se siente incomprendido y rechazado: un verdadero perdedor. Esta situación cambia un poco cuando se convierte en un profesor de secundaria y descubre la habilidad de su alumna Yurlady para escribir poemas. Se dedica a revisar sus producciones en las que encuentra belleza y quiere sacarla adelante para que sea reconocida en el ambiente literario que él conoce. Vivirá muchas frustraciones en este intento que no le permitirá realizar su sueño, muy diferente al de su estudiante. Ella reside en las comunas de Medellín, donde sus habitantes viven hacinados y satisfechos con su estilo de vida; por ahora, solo le interesa ganar dinero con el arreglo de uñas. El poeta se convertirá en el hazmerreír de su ambiente escolar y social por estas y otras situaciones, y al final producirá compasión y ternura en el espectador porque, aunque muestra sus torpezas y errores, es un hombre bueno que quiere darle sentido a su existencia. No traiciona su vocación y sigue creyendo en la belleza.

Su director, Simón Mesa Soto, obtuvo con esta producción el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes, el 23 de mayo de 2025. Ha seguido recibiendo otros premios y será la película que representará a Colombia en la categoría de Mejor Película Internacional en los Premios Oscar 2026 y en los Premios Goya de España. Los medios nacionales e internacionales manifiestan el valor de su narrativa, colmada de sensibilidad y ternura, y de una verdadera integración de drama y humor. Nos encantó la película por su contenido, por el humor negro que maneja y por su música y fotografía. 

“Un poeta nació de preguntarme qué pasaría si fracasara en el arte y de querer hablar de la creación desde adentro, sin idealizarla. La poesía me permitió regresar a un arte más visceral, menos contaminado por el mercado”. Simón Mesa Soto

EL 47

El 47 es el nombre de un autobús que aparece como el medio de liberación de Torre Baró, uno de los barrios de una comunidad migratoria, aislada de la ciudad de Barcelona en los años 60 y 70 del siglo pasado. En la periferia de esta ciudad se fueron asentando personas humildes, provenientes del interior del país, que construyeron sus humildes viviendas con sus propias manos, ante el rechazo de las autoridades -cuya mirada solo podían evitar al amanecer-. Así surgió el barrio Nou Barris, símbolo de las luchas populares y de la búsqueda de una organización colectiva, a pesar de que tuvo que sobrellevar muchos conflictos, con total exclusión del tejido urbano, y carente de servicios básicos como el agua, la luz y el transporte público. 

Aquí aparece Manolo Vital, como el conductor del autobús El 47 y líder de esta comunidad, quien emprende la lucha para ser escuchado por las autoridades y llevar el transporte público a su barrio. Desde el principio la respuesta es negativa porque Nou Barris está muy alejado del centro de la ciudad, carece de calles anchas y seguras, y es un barrio desconocido y olvidado por el Estado. Imposible que el transporte urbano pueda llegar hasta esa cuesta, era la respuesta de las autoridades. Insiste una y muchas veces, sin encontrar alguna aceptación; solo evasivas y rechazo total. Así, apoyado por todo el barrio decide demostrar la equivocación de quienes ostentan el poder, y emprende su objetivo sin temor a ser derrotado.

Manuel Barrena es el director de esta cinta y guionista también, junto con Alberto Marini. Este drama biográfico, de 115 minutos, fue estrenado en septiembre del año 2024 y se considera un homenaje a todos los Manolos Vidal que luchan por los derechos de las comunidades marginadas que merecen un futuro mejor. Un verdadero melodrama es El 47 que refleja la situación actual de tantos migrantes en el mundo de hoy. Sin embargo, como en este caso, el optimismo y la perseverancia tienen la fuerza para encontrar una salida, no obstante la dura realidad.  

LA QUIMERA DE ORO

 “Esta es la película por la que quiero ser recordado”. Charles Chaplin

“LA QUIMERA DE ORO” festeja los 100 años de su estreno en Los Ángeles, California, con esta celebración de lujo que fue presentada el 26 de junio del 2025. Hace memoria de la producción realizada por Charles Chaplin en 1925, cuando expuso -durante 82 minutos- una de las mayores aventuras del cine mudo en la que combinó el hambre, la soledad y el sufrimiento humano con una gran dosis de cariño y genialidad. Fue reestrenada en 1942 por el mismo Chaplin, durante 72 minutos, con una narración y música de su propia composición, siendo nominada al Premio Oscar por la Mejor Banda Sonora y Mejor Música en ese año. Y vuelve ahora remasterizada, es decir, con el sonido y las imágenes mejoradas, un aumento en la resolución, claridad y nitidez de los fotogramas, y la incorporación de piezas musicales clásicas. No es una obra nueva, es una obra actualizada por el uso de la tecnología y procedimientos modernos.

Charles Chaplin quiso que esta cinta fuera la más recordada por su público, por encima de todas sus producciones fílmicas. Fue un proyecto muy ambicioso y perfeccionista que se rodó en escenarios naturales y en un estudio, con un costo exagerado para la época: más de un millón de dólares, durante 17 meses. Buscaba la perfección en todas las escenas, que repetía una y hasta 60 veces si era necesario. Sorprendió también con el uso de adelantos cinematográficos como el empleo de un oso real en una de sus secuencias, la presencia de la nieve en sus estudios -hecha con harina, sal y confeti de papel-, y la bota de cuero que Chaplin debía comer sin riesgo alguno, fabricada con regaliz y clavos de caramelo. Un verdadero éxito fue este film que en su momento recaudó cinco millones de dólares, solo en Estados Unidos y se convirtió en la película más taquillera de la historia del cine mudo y el mayor legado que Chaplin haya dejado a muchas generaciones de directores.

Esta obra maestra, conocida en inglés como The Gold Rush, exhibe a Charlot, un vagabundo, invadido por la pobreza, el hambre y el frío, que viaja a Alaska con el fin de buscar una mina de oro. Allí, perdido en la nieve sortea muchas pruebas arriesgadas, buscando hacerse rico. Va también a la ciudad donde vive diversas aventuras, y descubre a la bella Georgia, con quien comparte escenas de antihéroe, hasta finalmente alcanzar su sueño. Aquí, aparece -al fin- una mujer, desempeñando un papel frívolo y burlesco, que la subvalora y la ubica al lado del dinero que tiene el poder de atraer y conquistar.

Todo lo anterior es una completa mezcla de la comedia con el drama, lo absurdo con lo trágico, y lo mágico con lo real. Chaplin nos regala un relato profundamente humano y lleno de esperanza, sin pronunciar una sola palabra. Solo con la ayuda de gestos y movimientos, además de la música y la luz, y con su enorme capacidad de hacer reír, logra encontrar un lugar en este mundo para poder luchar, amar y enmascarar tanta crueldad.

https://youtu.be/ABbOYvwD_zk?si=wmSgofoL3U17fiO9

TÉ NEGRO

Té Negro es una película estimulante como su nombre lo indica, con música e imágenes de extremada belleza y con variados personajes de la cultura africana, que transmite una historia sorprendente y deja al espectador la tarea de darle su final. Tiene un ritmo que encierra profundidad, lleno de claroscuros y espejos que reflejan imágenes interiores sombrías y silenciosas. Muestra también la valentía de las mujeres y de los jóvenes al defender los Derechos Humanos en un continente marcado por el racismo y la xenofobia. Su director Abderrahmane Sissako coescribió este drama romántico, de 111 minutos, con Kessen Tall en el año 2024 en una producción internacional entre Francia, Luxemburgo y Taiwán.

Su protagonista Aya (Nina Melo) es una joven de Costa de Marfil, de 30 años, que próxima a contraer matrimonio, decide pronunciar un "NO" frente al altar. Mientras la sorpresa invade a los presentes, ella deja todo atrás y viaja a Guangzhou, a donde llega la diáspora africana para buscar refugio en la cultura China. Allí trabajará en una tienda de exportación de té y empezará a conocer los rituales de su cultivo, venta y preparación, al lado de Chai (Chang Han), un chino de 40 años. Ambos vivirán esta ceremonia con una calidez tan reconfortante que transformará la relación de Aya y Chai en algo más que una amistad. Sin embargo, tendrán a su alrededor muchos desafíos para enfrentar y vencer.

Fabien Lemercier, un periodista de Cineuropa, escribió: 

"Abderrahmane Sissako rompe las fronteras entre África y Asia, el sueño y la realidad, 

el pasado y el presente en una película enigmática y melancólica sobre el amor y la libertad".

LA CASA EN LLAMAS

 

Impactan las primeras escenas de esta película que no se entienden de inmediato y serán la clave para ir dilucidando todos los acontecimientos que aquí se desarrollan. Cómo justificar que llegue alguien a visitar a su madre anciana antes de salir de viaje, la encuentre muerta y decida alejarse sin compartir esta noticia con nadie?  Será esta la situación de Montse (Emma Vilarasau), su protagonista, quien irá a su chalet en la Costa Brava, donde se reunirá con sus hijos, sus parejas y sus nietos, incluyendo a su exesposo con su nueva compañera. No puede cancelar esta cita planeada para este fin de semana, por nada del mundo

Montse está animada con la reunión familiar ya que será la última vez que concurran todos a esta lujosa casa veraniega que pronto estará vendida. Desea vivir un encuentro lleno de armonía y de buenos recuerdos. Sin embargo, lo que no esperaba era esa mezcla de relaciones tirantes de sus hijos, envueltos en mentiras, engaños y muchos sentimientos encontrados, producto de la educación recibida, marcada por el amor y el desamor, y por la comunicación y el aislamiento. Montse ha sido una madre buena, pero también una matriarca difícil; no tuvo una profesión, ni una vida propia y solucionaba todo a expensas de su familia, mostrándose como su salvadora. Y su padre (Alberto San Juan) -quien poco se ha interesado por ellos- llega ahora esperando obtener un capital que alguna vez aportó. Será un encuentro pesado que nos dará un retrato íntimo de cada personaje y nos hará cambiar la visión de la casa. Porque la casa es un personaje más, un lugar que puede estallar en llamas y hacer que todo quede arrasado, o también ese espacio que promueve un cambio al interior de cada uno de sus habitantes para que sus heridas pueden sanar. La casa será el reflejo de la poca comunicación de esta familia desunida y llena de problemas emocionales.

La casa en llamas es una película hispano-italiana de 115 minutos, dirigida por Dani de la Orden y escrita por Eduard Sola. Catalogada como una comedia dramática, se estrenó en abril de 2024 y tuvo ocho nominaciones en los Premios Goya, llevándose el premio a Mejor Guion Original. De igual manera en la Academia del Cine Catalán obtuvo tres premios de 14 nominaciones. Una historia entretenida con intérpretes de muy buena calidad.

EL LUGAR SIN LÍMITES

Película mexicana del año 1977 dirigida por Arturo Ripstein y basada en la novela del mismo nombre, cuyo escritor es el chileno José Donoso en 1966. Fue uno de los primeros filmes mexicanos en abordar el tema de la homosexualidad masculina, que antes de los años 60 era escondido en la pantalla por ser un tabú muy controvertido. Este filme ocupa un lugar privilegiado, el noveno dentro de las 100 mejores películas del cine mexicano. En su momento ganó 4 premios Ariel, entre ellos el de Mejor Película, así como también el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de San Sebastián. 

Aparece aquí un personaje como Manuela, una mujer trans o como otros dicen un hombre homosexual travesti que coquetea abiertamente desde su lugar de trabajo. Vive en un pueblo pequeño donde hay un prostíbulo, pobre y miserable, que le dejó su madre llamada La Japonesa. A esta le propuso Don Alejo, un cacique poderoso que quería adueñarse de todas las propiedades de este lugar, que sedujera a Manuela y la hiciera suya hasta embarazarla. Si lo lograba, le regalaría el local para que trabajara sin molestias, de lo contrario perdería para siempre este espacio de trabajo. De esta unión que parecía imposible, nace La Japonesita, quien crece al lado de Manuela y no la acepta fácilmente, siendo frecuentes los insultos y los malos tratos de la joven. Con el pasar de los años, La Japonesita está enamorada de Don Pancho, un camionero joven, “un macho” que llega al pueblo mexicano de manera casi oculta y demuestra atracción por Manuela. La película continúa y en ella se reproducirán escenas que hablan de la personalidad de Don Pancho, las razones de su rechazo en el pueblo, y su verdadera relación con las dos mujeres, madre e hija, que terminarán en una noche indeseable. 

El lugar sin límites abrió un espacio a la comunidad LGBT+ en el cine mexicano. Así, esta historia, que se desarrolla en un prostíbulo, sumerge al espectador en un ambiente desolado, lleno de conflictos y deseos reprimidos, y con personajes que son explotados en una sociedad conservadora, machista y represiva. Sin embargo, Manuela no teme expresar su sexualidad y -cuando asume su papel- habla, camina, baila con desparpajo y enamora. Por eso, el mismo Donoso nos muestra "cómo la represión sexual puede llevar a la frustración y a la violencia, pero también cómo la liberación sexual puede ser una forma de resistencia y empoderamiento". 

AÚN ESTOY AQUÍ

 

Aún estoy aquí (Ainda Estou Aquí) es la primera película brasileña ganadora de un Premio Oscar, en este caso, a Mejor Película Extranjera 2025. También fue galardonada con el Premio Globos de Oro a Mejor Actriz Principal y con el Premio Goya a Mejor Película Iberoamericana, en el mismo año. Su director, el cineasta carioca Walter Salles, se basó en las memorias del escritor Marcelo Rubens Paiva. La historia narra las vivencias de su padre, el diputado Rubens Paiva, una de las 20.000 personas que fueron torturadas en Brasil durante la dictadura militar de 1964 a 1985. Salles la cataloga como “un instrumento contra el olvido” ya que cree que “el cine reconstruye la memoria” y en este caso busca construir memoria histórica.

En Río de Janeiro 1970, la familia Paiva compuesta por Rubens (Shelton Mello) -un ingeniero civil y exdiputado que estuvo en el exilio-, su esposa Eunice (Fernanda Torres) y sus cinco hijos (cuatro mujeres y un hombre) vive con relativa normalidad, a pesar de que su país está siendo militarizado. Todos disfrutan de sus amigos, reuniones, música y juegos en un lugar tranquilo, cerca de la playa. Sin embargo, la familia desconoce que su padre sigue colaborando con militantes de izquierda y en enero de 1971, Paiva es arrestado en su hogar por agentes del estado y nunca más volverán a verlo. Eunice empieza a asumir el papel protagónico con valentía, aunque se siente morir, porque sabe que la violencia ha llegado de manera descarnada a su hogar. Es detenida por el régimen autoritario de su país, junto con su hija mayor y llevada para ser interrogada sobre la actividad de su esposo, en medio del encierro, de la humillación y del caos por más de diez días. No obstante, su familia es el principal motivo para no decaer. Así, cuando regresa a casa, muestra su mejor rostro y contiene su tragedia y su dolor con gran maestría, negándose a contarle a sus otros hijos la verdadera realidad. Empezará a enfrentar momentos oscuros para sostener a su familia y asumir el papel de líder en su hogar y posteriormente en su país, donde terminará siendo una importante defensora de los derechos humanos.

Fernanda Torres actúa con verdadera pasión, sin dramatismos, ni quebrantos y es digna de admiración. Con razón fue nominada al Premio Oscar a Mejor Actriz. Porque Eunice Paiva está en duelo y quiere hacer justicia, al tiempo que busca alejarse de su inmensa tristeza para darle tranquilidad a su familia y así reedificarse. Esta película es “una obra maestra de dolor, de historia, de belleza y de unión familiar” como bien lo dice su director.

EMILIA PÉREZ

   EMILIA PÉREZ es la octava película del francés Jacques Audiard en la que combina un musical que impacta por su sonoridad y fluidez, con una historia realizada en México, país que no conoce y poco se interesa por retratarlo. En ella cuenta la historia de un narcotraficante muy temido en ese país, conocido como “Manitas del Monte”, que quiere desaparecer y convertirse en mujer. Para lograrlo, busca a una famosa abogada llamada Rita (Zoe Saldaña), quien se encarga de aparentar su muerte, conseguir a un cirujano que lo convierta en Emilia (Karla Sofía Gascón) y llevarlo a otro ambiente completamente distinto. Al mismo tiempo, debe poner a sus hijos y a su esposa lejos del sitio donde han vivido y ubicarlos fuera de México. Sin embargo, cuatro años después, Emilia siente la urgencia de traer de vuelta a sus hijos y esposa porque los extraña y quiere tenerlos a su lado. También se empeña en ayudar a la búsqueda de desaparecidos por la violencia y el narcotráfico para resarcir sus daños, a través de la creación de una ONG que da apoyo a los familiares de las víctimas. Será una tarea esperanzadora que podría convertir a a Emilia en figura nacional. ¿Lo logrará realmente?

Parece ser que la intención de Audiard fue hacer una película musical con diversos sonidos, voces y diálogos que animan a ver los cambios en el otro, en el ambiente tenso y lleno de miedos y deseos, y llegar a la búsqueda de la verdad. No cuestiona la identidad de género, ni la identidad nacional y quizá por ello ha sido tan criticado su desconocimiento de la historia mexicana y de la guerra del narcotráfico y sus víctimas, así quiera mostrarse a favor de las personas transgénero y sea sutil y delicado en su incorporación. La mayoría de los críticos y guionistas mexicanos lo califican de “irresponsable e insensible” ya que “explota una realidad dolorosa para cientos de miles de mexicanos como lo es la violencia, las desapariciones y los feminicidios”, sin investigarla a profundidad. Además, aducen que ningún personaje del elenco es mexicano y se perciben fallas en la comunicación, a pesar de que las groserías usadas y las expresiones coloquiales corresponden al diario vivir. 

No obstante las críticas, lo importante es que cada espectador se forme su propio criterio e interprete la película a su manera, creando sus propias preguntas. Hay que aplaudir las actuaciones sobresalientes de sus protagonistas y la nominación al Oscar a Mejor Película Extranjera en el presente año, además de 10 nominaciones más. Triunfó en la 82ª edición de los Globos de Oro y en el Festival de Cannes donde ganó el Premio del Jurado y de la Mejor Actriz, convirtiendo a Karla Sofía Gascón en la primera mujer trans en poseer este galardón, con una interpretación llena de contundencia y valentía. 

MATAR A JESÚS

 

Con este nombre, que de inmediato relacionamos con una imagen religiosa, encontramos una película colombiana del año 2017 y que consideramos valiosa por su producción y su temática. Además, por su carácter autobiográfico, ya que su directora Laura Mora vivió en el año 2002 la misma experiencia de la protagonista de este film y quiso realizarlo en honor a su padre, un profesor de ciencias políticas de la Universidad de Medellín. Él fue asesinado cuando conducía su carro y al parecer, ella pudo ver el rostro del sicario llamado Jesús, mientras se alejaba rápidamente en una motocicleta.

Así, Laura -ahora convertida en Paula, con 22 años- muestra esa experiencia que viven muchas familias en nuestro país y que las enfrenta a una dura realidad relacionada con el qué hacer, cómo sobrellevar esta pena y cuánto esperar una actuación judicial que nunca llegará. Es un dolor que llena de indignación y de un urgente deseo de venganza. Para llevar a cabo este filme, su directora utiliza actores naturales, no profesionales, tomados de la periferia de Medellín, ciudad que se convierte en un personaje más y donde las escenas son la realidad de cada día. Será Paula quien después de encontrar al asesino, lo sigue constantemente, se acerca a él y empieza la tarea de compartir el diario vivir con su enemigo durante un buen tiempo hasta intentar hacer justicia. ¿Lo logrará? Será una lucha contra una sociedad ciega y violenta por caminos invadidos de trampas y sorpresas. En otras palabras, una lección de sufrimiento, deseos de venganza y humanidad.

Este drama social obtuvo un buen número de galardones a nivel nacional e internacional, dentro de los que destacan: el premio EGEDA 2018 en el Festival Internacional de Cine de Cartagena; cinco Premios Macondo 2018, entregados por la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas, incluyendo los de Mejor Película y Mejor Dirección; el premio del jurado a Mejor Ópera Prima y el premio Casa de las Américas en el Festival de Cine de La Habana, Cuba, 2017; el premio Eroski de la Juventud en el Festival de San Sebastián 2017; y el Premio FIPRESCI, Festival Internacional de Cine de El Cairo, Egipto, 2017.

"Mi mayor lucha, en términos de producción fue rodarla cronológicamente porque estos chicos no tenían un guion. Nosotros durante tres meses trabajamos con ellos para que se sintieran en confianza, más o menos conocían la historia, más no el final, porque queríamos crearles a ellos mismos el dilema ético que plantea la cinta, el dilema de ser capaz de matar o no". Laura Mora

CATORCE AÑOS DE NUESTRO CINECLUB SALAMANDRA

Despedida del año 2024

Ya son CATORCE AÑOS los que nos siguen uniendo en torno a nuestra amistad y a nuestro CINECLUB SALAMANDRA. Continuamos firmes esperando la tarde del martes de cada semana que muchas veces llega acompañándonos con una buena película y con una charla sobre ella, que termina siendo el objetivo de este blog. Valiosa distracción puesto que es una actividad enriquecedora que nos conecta con temas cada vez más interesantes y actualizados, como siempre lo hemos dicho.

EL MAESTRO QUE PROMETIÓ EL MAR

 

«El mar será muy grande, muy ancho y muy hondo. La gente va allí a bañarse. Yo no he visto nunca el mar. El maestro nos dice que iremos a bañarnos». Lucía Carranza

Vale la pena mantener la memoria de hechos inolvidables en la historia de los pueblos y recordársela a las nuevas generaciones a través del cine, la literatura y el arte, en general. Importante no dejar olvidar acontecimientos valiosos y, al mismo tiempo, tristes y nefastos como en el caso de El maestro que prometió el mar. Es “una batalla ganada al olvido” como lo dice Sergi Bernal, fotógrafo y documentalista barcelonés, autor de la expedición que llevó al descubrimiento del protagonista de este filme, llevado a la pantalla en el año 2023 por Patricia Font, y basado en la novela de Francesc Escribano llamada 'Desenterrando el silencio. Un homenaje al maestro asesinado por sus ideas: Antoni Benaiges, el maestro que prometió el mar'. Un tributo a la figura de un maestro olvidado y enterrado en el silencio en 1936.  Sus alumnos y familias callaron siempre por temor, pero los pocos que sobrevivieron han colaborado con sus historias y todavía siguen dando valiosa información. Desde agosto de 2010, Bernal y su equipo, que buscaba los restos de sus seres queridos, encontraron esta historia marcada con huellas de injusticia, pero de gran valor por lo que merecía ser dignificada.

Antonio Benaiges (Enric Auquer) es el maestro de Montroig del Camp (Tarragona) que es enviado a la Escuela Nacional de Bañuelos de Bureba, situada en una pequeña localidad de la provincia de Burgos. Llega allí antes de la Guerra Civil y emprende la educación de los niños con una metodología innovadora, cercana a ellos y a sus intereses. “El niño se convierte en el centro del sistema educativo”, según el principio esencial de la pedagogía de Freinet. Antonio rompe con las ideologías religiosas y dictatoriales impuestas por el franquismo; sin golpes y con mucho cariño y respeto empieza a darle protagonismo a sus estudiantes quienes se expresan libremente y colaboran en el aula con mucha solidaridad y creatividad. Además, elaboran sus propios cuadernos, publican sus cuentos e historias en material impreso y comparten con otras escuelas sus sueños y deseos. Todo esto ayuda a cambiar la vida del pueblo y las relaciones entre familias que poco a poco van aceptando al maestro y a su idea de llevar a sus hijos a conocer el mar. Sin embargo, esta propuesta es rechazada por algunos padres y hasta por las autoridades religiosas y civiles quienes se oponen a todos los proyectos de Antoni, hasta hacerlo desaparecer.

Esta película obtuvo cinco nominaciones a los premios Goya en el año 2023: Mejor Actor Protagonista, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Música Original, Mejor Guion y Mejor Diseño de Vestuario. Recibió el Premio del público  y 7 nominaciones en los Premios Gaudi (Academia de Cine Catalán).

PLAN 75

Un tema oscuro, real y hasta -al parecer- cruel nos plantea esta película. En ella se destaca el objetivo del estado japonés: cuidar a sus ciudadanos, dándoles las pautas para ayudarlos a morir dignamente, una vez hayan cumplido los 75 años. Esta propuesta aparece en un país con una superpoblación que supera los límites de edad y se convierte en un peso para la sociedad. A su vez, los jóvenes temen hacerse mayores y emprenden una manera extraña de asumir su relación con los viejos. Así, quienes hayan alcanzado esta edad pueden elegir el momento de morir, acompañados de una ayuda económica de 1000 euros y de una logística particular. En otras palabras, aparece la eutanasia “voluntaria” desempeñando su papel con el rigor que ella representa. Una forma de evitar el creciente envejecimiento de la población.

Plan 75 es el primer largometraje de Chie Jayakawa, del año 2022 y con una duración de 105 minutos. Fue elegida para representar a Japón en la premiación de los Oscar 2023 y nominada en el Festival de Cannes 2022 a Mejor Ópera Prima, obteniendo una mención especial. Cuenta varias historias relacionadas entre sí, en las cuales los personajes mayores que aceptan su destino toman la decisión de usar este servicio. No obstante, la interpretación central está a cargo de Chieko Baisho, una mujer de 78 años que debe dejar su empleo de mucama en un hotel porque tiene la edad, pero se olvidan de que vive sola, carece de amigos y no tiene pensión. Deberá enfrentar la soledad y la condición del anciano que no posee oportunidades laborales, ni de vivienda; un problema que los gobiernos poco se ocupan por atender. A pesar de su apego a la vida, Chieko se ofrecerá como voluntaria, lo que le causará una profunda inestabilidad emocional, mientras llega el momento no deseado para ella. Finalmente nos preguntamos qué será mejor: ¿alargar la vida o ser parte de la solución que propone esta película? 

VIDAS PASADAS

“¿Habremos sido el uno para el otro en nuestras vidas pasadas?”. Hae Sung

“Sueñas en un idioma que apenas entiendo. Es como si hubiera un gran espacio dentro de ti al cual no puedo llegar”. Arthur

“Aquí es donde me encontré a mí misma. Significa que mi lugar está aquí”. Nora

De nuevo, una mujer hace su debut como directora. Es Celine Song, una dramaturga y guionista coreana-canadiense, que reside en los Estados Unidos. Estrenó esta película en el año 2023 como directora y guionista y recibió comentarios muy positivos de la crítica nacional e internacional. Fue nominada al Oscar a Mejor Película y Mejor guion original, y tuvo también cinco nominaciones a los Premios Globos de Oro, entre ellos Mejor Película de Habla no Inglesa y Mejor Actriz Principal. Celine Song es una cineasta joven, de 35 años, quien afirma que este filme está inspirado en un episodio de su vida real.

Sus protagonistas de Corea del Sur, Na Young (Greta Lee) y Hae Sang (Teo Yoo), se conocen desde la infancia y cuando tienen 10 años deben transitar por caminos separados, pues Na Yong emigra a Canadá con su familia. Ha pasado mucho tiempo y Hae Sang, quien no ha podido olvidarla, empieza una búsqueda intensa a través de la red hasta que finalmente la encuentra. Ya la niña ha cambiado de nombre, es Nora, una estudiante de teatro en Nueva York que convive con Arthur (John Magaro), un escritor norteamericano. Por su parte, Hae Sung reside aún en Corea y espera graduarse como ingeniero. Así, después de 12 años, cruza el océano y logra el reencuentro anhelado. Será la oportunidad de recuperar el tiempo perdido y de enfrentar el destino que los une después de tanta ausencia. Sin embargo, no hay romance; domina un silencio profundo, lleno de quietud y de miradas que buscan conectarse, sin lograrlo, porque no hay un pleno encuentro. La vida los ha separado y el afecto infantil ha evolucionado con el paso del tiempo; también repercute la emigración y el cambio de identidad que ha asumido Nora para poder avanzar y adquirir otra cultura. Hay dolor, en especial para Hae Sang quien esperaba hacer realidad ese amor interrumpido; mientras que Nora, llena de recuerdos y de sentimientos, llora porque tiene la certeza de que no va a volver atrás.

Vidas pasadas es una historia de amor que hace realidad el concepto coreano del in-yun para definir el destino o “las relaciones entre personas destinadas a reencontrarse y tener una conexión especial, ya sea en su vida actual o en las anteriores”.

DALVA

Dalva, llamada también El amor según Dalva, centra su mirada en el incesto y en la pederastia de una manera sensible e inteligente, a pesar de la situación violenta y descarnada que esto encierra. Su directora, Emmanuelle Nicot, fija su atención en una niña de 12 años que vemos ataviada con vestidos y adornos de persona mayor, maquillada y peinada de la misma manera, sin querer cambiar porque es su manera de interpretar el rol de niña-mujer. Dalva (Zelda Samson) acaba de llegar a un centro de atención de menores, tras vivir una escena violenta que la desalojó de la vivienda que compartía con su padre, un hombre mayor que debe ir a prisión. No comprende aún su situación y se convierte en una víctima que reacciona agresivamente en el nuevo entorno donde conoce a Jaiden -el trabajador social que debe estar vigilante de sus movimientos-, a Samia -su compañera de alcoba- y a los demás habitantes. En medio de su soledad y frustración, Dalva irá luchando por salir adelante, y cada día será un avance en su conexión con este nuevo mundo que le costará aceptar. Así, poco a poco, irá recuperando parte de su infancia y, a la vez, encontrando su propia autonomía.

"No soy una niña; soy una mujer". Dalva

El título original de esta producción belga es Dalvaaka, del año 2022, con una duración de 84 minutos. Emmanuelle Nicot realizó este primer largometraje que fue seleccionado en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, donde conquistó el premio FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica). De igual manera, Zelda Samson fue distinguida con el Premio a la Estrella Revelación. Nicot no entra a juzgar, ni a buscar razones de lo que le sucede a Dalva; tampoco le da un enforque moralista, ni aplica un tratamiento o psicoterapia adecuada para ayudarla a superar la situación, en la que también aparece una trabajadora social que poco hace por ella. Nicot quiere acompañarla y estar presente en el propio descubrimiento de su desgarradora realidad y en la reconstrucción de su nueva existencia. Será el espectador, tensionado ante las imágenes que ve, quien reaccione con dolor, rabia y hasta con alegría a todo lo que ella debe soportar. Finalmente, la película transmitirá una esperanza, puesto que habrá una forma de superar la adversidad. 

MI AMIGO EL PINGUINO

Duele en el alma perder a un hijo y más doloroso aun, cuando se ha callado por años ese dolor acompañado de culpabilidad.  Por fortuna, aparece un pingüino que es salvado de morir en el mar y se renuevan las esperanzas de vida del pescador, triste y solitario, que lo rescata de un derrame petrolero. Se entrega a su compañía y abre un espacio en su hogar donde cada seis meses llega DinDim. Allí, en una costa de Brasil, João Pereira de Souza y su esposa María esperan esta visita proveniente de La Patagonia argentina, que sin falta se repetirá por ocho años consecutivos. Cada llegada será una verdadera fiesta que no solo alegrará a la pareja costera, sino también a los vecinos y habitantes de la región.

El 5 de septiembre del presente año fue estrenada esta película de 97 minutos, Mi amigo el pingüino. Su director David Schurmann asegura que “uno de los mayores desafíos de la producción fue trabajar con diez pingüinos reales, ya que era crucial para transmitir autenticidad y una conexión genuina con el público”. Una bella historia que, aunque sencilla, es real y tiene un tema que cautiva a los amantes de la naturaleza y especialmente a los protectores de la vida animal. Aquí se percibe ese apego a una criatura inesperada que ayuda a procesar los duelos y a crear en las personas nuevas esperanzas frente a las pérdidas; además del impacto que el ser humano puede ejercer en la vida de los animales. Fue filmada en ambientes ribereños donde la fotografía de los atardeceres y amaneceres frente al mar convierten esta historia en un espectáculo de la naturaleza. Una película que impacta por su contenido, tan emotivo, en estos tiempos de pérdidas y desolación.

SNU

Dos personajes famosos en su ámbito profesional, dos historias de amor diferentes y un mismo final. Esa es la historia que encontramos en esta película. Ella: una escritora danesa, editora de libros que retan la política burguesa de Portugal, casada y con tres hijos. Él: ex primer ministro de Portugal, líder del Partido Democrático Popular (PPD), profundamente católico, conservador, casado y con tres hijos. Conocemos así a Snu Abecassis (Inês Castel-Branco) y a Francisco de Sá Carneiro (Pedro Almendra) en los años 70, cuando se encuentran por primera vez y, de inmediato, se enamoran perdidamente. Nada parece detenerlos, a pesar de las circunstancias familiares y sociales, y luchan por darle fin a sus matrimonios ya establecidos. El escándalo se hace público, es mucha la presión que deben enfrentar y son fuertes las críticas ante su relación hasta el final de sus vidas en 1980.

La directora Patricia Sequeira lleva a la pantalla esta película basada en hechos reales, acompañada de su guionista Cláudia Clemente en el año 2019, durante 94 minutos. Les interesa la figura femenina y en este caso, la historia de amor que una mujer pudo vivir de este modo, “con toda esa urgencia” como Sequeira lo dice. Porque Snu es una persona nórdica “adelantada a su tiempo y sin temor de enfrentar una sociedad cerrada, movida por convenciones tradicionales” como lo dicen sus críticos. Al lado de Francisco, Snu también muestra su valentía al compartir valores y ambiciones sociales, al promover la justicia y la igualdad, y al marcar un antes y un después en la historia política de su tiempo. Un escándalo que se extendió a todo el mundo y movió a la sociedad puritana de los años 70-80.

           "Esta es una historia de amor y coraje, y por eso me atrae tanto". Patricia Sequeira

A FUEGO LENTO

Película lenta, dominada por la apreciación de manjares y de exquisitas recetas que mantienen al espectador atento a las imágenes que excitan su vista, su gusto y hasta su olfato. Un verdadero banquete para saborear con el alma, con paciencia y sin palabras es esta película protagonizada por dos maestros del cine: Benoît Magimel y Juliette Binoche. Él es un famoso chef y ella su acompañante en la cocina donde han trabajado juntos por más de veinte 20 años, disfrutando al máximo su quehacer diario. Son Dodin y Juliette, quienes terminan preparando los más selectos platos de la gastronomía francesa de finales del siglo XIX y vinculados en un romance que poco a poco van descubriendo. Así, Dodín emprende su conquista de manera clara y le manifiesta a su enamorada sus deseos de casarse con ella. No será fácil para Juliette aceptar la propuesta, ya que teme perder su libertad y el hecho de contraer matrimonio nunca ha estado entre sus planes. Por su parte, él quiere enamorarla con sus platillos que cada día prepara con mayor exquisitez.

“La felicidad consiste en seguir deseando lo que ya se tiene” Dodin

A fuego lento, llamada también El sabor de la vida, es una película francesa de 135 minutos dirigida por el vietnamita de 62 años, Tran Anh Hung. Con guion del mismo asiático, este drama está basado en la novela de Marcel Rouff y fue nominado al Oscar a Mejor Película Extranjera en el 2023. Además, obtuvo el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes. En ella, una cámara sensible se deleita con variadas imágenes que acompañan los sabores de las comidas, sus aromas y los sentimientos que surgen en esta historia. Se aprecian por doquier copas, flores, lámparas, vajillas, luces, mesas y calderos que le imprimen más belleza al ambiente y “hacen que cada plano parezca un bodegón” como lo expresó uno de sus críticos. 

Todo un arte es esta producción que el mismo Tran Anh Hung revela con sus palabras: “Mi afición por el arte viene realmente de la belleza de los platos que mi madre cocinaba”. “La cocina es un arte. (...) Es el arte de mezclar especias, de dar importancia a un aroma más que a otro. Se trata de crear la personalidad de un gran chef, y ese espacio de creación es ilimitado, y por eso es un arte”.

PRIMADONNA

 “El cine, para mí, es una herramienta increíblemente poderosa para la comunicación y la expresión artística que tiene la capacidad de conmover, inspirar y provocar reacciones profundas”. Marta Savina

En los años 60, en Sicilia, al sur de Italia, hizo su aparición la primera mujer que se reveló ante el “Matrimonio reparador” o casamiento con su violador para evitar que fuera “mancillado su honor”. Esta situación fue escrita por Marta Savina, quien además dirigió la película en el año 2022, durante 97 minutos. En su primer largometraje, expone la verdadera historia de una joven italiana que consiguió un cambio en la ley de su país, iniciando así una apertura a la lucha por los derechos de la mujer. Plantea aquí el tema del machismo en una sociedad que subyuga a las mujeres, las maltrata, las viola e incluso, las induce al matrimonio forzado. Al mismo tiempo, protege al agresor masculino puesto que la ley del más fuerte tiraniza y se hace presente en todos los espacios, incluyendo el religioso.

La protagonista de Primadonna es Lía, una bella mujer de 21 años, tímida, callada, de familia católica y humilde, cercana a su madre y a su hermano menor, y aprendió a arar la tierra junto a su padre. Sin embargo, después de conocer a su primer amor, Lorenzo Musicò, hijo del jefe local, descubre las intenciones de este para hacerla su esposa. Quiere tenerla como una posesión más y dominarla junto a su familia, como es lo acostumbrado en esta región. Ella lo capta muy pronto y se niega a seguirlo. Esta situación desata la furia de Lorenzo, quien atenta contra la honra e integridad física de Lía, lo que produce más rechazo en ella y se niega a casarse con él. Mayor será la resistencia de esta sociedad terrateniente y de pensamiento patriarcal que la irá disminuyendo cada día hasta llevarla a los tribunales donde ella ya ha puesto su denuncia.

Es una película conmovedora y de argumento absorbente, “una historia emblemática de independencia y emancipación femenina, independiente de su origen geográfico o cultural" como la valoró su directora.

FRONTERA VERDE

“No tiene sentido hacer arte si no estás luchando por interrogar los problemas importantes, los problemas dolorosos y a veces insolubles que nos obligan a tomar decisiones difíciles”.

“Para la humanidad no hay otro camino que el de la solidaridad, de compartir nuestras experiencias y de respetar el derecho de otras personas a llevar sus vidas con dignidad”. Agnieszka Holland

Nos atrevimos a ver esta película guiadas por los comentarios y, sobre todo, porque no podemos ser indiferentes a las graves crisis geopolíticas que vive el mundo actual y de la que nuestro país no es ajeno a ellas. Todos los días, miles de refugiados traspasan las fronteras de su patria en condiciones lamentables por tierra y mar, perdiendo la vida porque naufragan sus embarcaciones o engrosando las filas de migrantes que vagan por diversos sitios del planeta donde muchas veces encuentran más pobreza y más violencia. En este caso, la llamada "Fontera Verde" (Green Border) son los bosques entre Bielorrusia y Polonia que atrae refugiados de Oriente Medio y África con la intención de llegar a la Unión Europea. 

La directora polaca, Agnieszka Holland, se atrevió a dirigir su mirada a esta situación, conocida por muchos gobiernos e ignorada hasta por sus coterráneos, con la intención de hacer una denuncia pública. No fue fácil asumir su financiación y más difícil aún enfrentar un tema controvertido y de tanto riesgo. Sin embargo, la respuesta fue esta película de "brutalidad extrema" como la calificamos nosotras, y que finalmente soportamos cuando la guerra allí descrita dejó ver alguna esperanza en acciones humanas de jóvenes activistas y guardas de frontera que se atreven a ayudar a los inmigrantes. En esta guerra, la mirada se dirige a una familia de refugiados sirios que viajan a Europa atraídos por la propaganda de cruzar la Unión Europea de manera fácil y segura. Sin embargo, al llegar allí descubren que su paso por Bielorrusia para acercarse a Polonia y posteriormente a Suecia, por una ruta terrestre conocida como "la zona de la muerte", es toda una burla. Encuentran que son presa fácil del ejército de un lado y de la policía del otro, en un constante ir y venir al mismo punto de partida. Así, en esta situación lamentable, por bosques y pantanos oscuros, sin asomo de la luz del día, deben enfrentar el hambre, la miseria, la enfermedad, el frío, la burla y la violencia. Todo esto se ha convertido en una de las mayores vergüenzas que alberga Europa y que deben ser mostradas, así nos duela observarlas y conmueva nuestras almas.

Frontera verde ha sido muy valorada por la crítica internacional, con una aceptación del 88%; además obtuvo el Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia, más otros premios y nominaciones en distintos festivales. Cuenta también con la participación de variados actores de diferentes nacionalidades, muchos de ellos inmigrantes y activistas de diversas causas sociales. Es una película del año 2023 que según la crítica atiende a una profunda investigación, plena de valentía.

COMEDY QUEEN

Esta película sueca del año 2022 está dirigida por Sanna Lenken y basada en la novela de la psicóloga y escritora Jenny Jagerfeld. Ambas mujeres, interesadas en temas como la niñez y la adolescencia, enfrentan el proceso de la gestión del duelo en una niña de 13 años. Para lograrlo, penetran en un mundo sensible donde se reprime lo doloroso y no hay espacio para enfrentarlo, ni asumir la pérdida. Este drama de 93 minutos ganó el Oso de Cristal del jurado infantil y juvenil en el Festival de Berlín 2022.

Su protagonista Sasha, interpretada por Sigrid Johnson, sufre por la muerte trágica de su madre, pero se niega a llorar y a mostrar su tristeza porque no quiere parecerse a ella y, en cambio, desea que su padre pueda volver a reír algún día. Por lo tanto, adopta actitudes contrarias a las de su madre y se rapa el cabello, rechaza los libros y la lectura, y se despreocupa por el cuidado de los seres vivos. Se torna entonces en una niña fría, callada e indiferente a las actividades escolares, que a veces visita a la psicóloga sin presentar mayores cambios en su comportamiento. No obstante, quiere descubrir la risa para vencer el dolor en su hogar y para llevarlo a cabo se empeña en convertirse en una comediante.

A pesar del tema de la orfandad presente en COMEDY QUEEN, encontramos mucho optimismo en esta película donde la protagonista no abandona su rostro dulce, muchas veces iluminado con una expresión cálida. Así no ría, quiere que la alegría llegue a su desconsolado padre, y tras muchas dificultades vividas con sus compañeras y su amiga Marta, vivirá el cambio deseado y la curación llegará a su alma. Una película conmovedora protagonizada por un buen grupo actoral.

LAZOS DE VIDA

Con una dirección magistral (James Hawes) y una actuación impecable (Anthony Hopkins), esta película conmovedora y llena de esperanza nos traslada a dos momentos diferentes de la historia: el inicio de la Segunda Guerra Mundial y los primeros años del siglo XXI. En 110 minutos, muestra al espectador una obra filantrópica y desgarradora, que lo mantiene en suspenso y le hace recordar que se puede hacer el bien con pequeños o grandes actos de humanidad. En este caso, lo invita a reflexionar que aún en medio de la tragedia se pueden salvar vidas y buscar espacios para la liberación. Cuenta con una ambientación perfecta, un vestuario adaptado a las dos épocas que describe y una banda sonora que activa las emociones en el momento preciso. Está basada en hechos reales, de los que hay grabaciones del pasado de su héroe. Se estrenó el 1 de mayo de este año y es catalogada como la nueva versión del Schindler inglés. 

Su protagonista, Nicholas Winton, ya anciano y con su residencia en una ciudad de Inglaterra, decide ordenar su caótica biblioteca para sorprender a su esposa. Sin embargo, es mayor su impacto al encontrar el maletín donde guarda los recuerdos de años atrás, conservados en secreto con mucho dolor y, al mismo tiempo, con delicadeza y precisión. Empieza entonces el recuerdo de su llegada a Praga en diciembre de 1938, con la intención de encontrarse con un amigo que lo invita a su ciudad. Allí, este exitoso agente de bolsa británico, Johnny Flynn, termina acercándose a los acontecimientos mundiales en vísperas de la guerra. No puede ser indiferente a lo está sucediendo y, con la colaboración de valientes activistas, descubre los sufrimientos de las familias judías que huyen de los nazis, para evitar que sus hijos sean llevados a los campos de concentración. De inmediato, resuelve ayudarlas buscando refugio para cientos de niños en su tierra, Gran Bretaña, antes de que los alemanes pasen fronteras y lleguen a Checoslovaquia. Desde Inglaterra, su madre también lo ayuda e inician el salvamento de niños en medio de muchos riesgos hasta terminar salvando la vida de 669 menores. Pasan alrededor de 50 años y ahora se encuentra Nicky recordando con tristeza y sentimientos de fracaso a todos los niños que no pudo salvar. Siempre sintió que no había hecho lo suficiente. No obstante, algo ocurre que traerá sorpresas y muchas lágrimas de alegría a este heroico personaje. 

Cuando se le preguntó a Nicholas Winton si creía en el futuro de la humanidad, él respondió: “No, a menos que aprendamos a ceder, ser amables y considerados con los demás. De otro modo, estamos acabados”.

https://www.youtube.com/watch?v=_mMKNguhyBw

DÍAS PERFECTOS

¿Cómo imaginar los días perfectos para el protagonista de esta película, un hombre solo y de edad madura que vive en Tokio, y cuyo oficio es limpiador de baños durante casi 12 horas diarias? Quizás haríamos más preguntas en torno a su personalidad, su estilo de vida y su familia, y seguramente sabríamos de su lucha por la supervivencia. Sin embargo, con sorpresa encontramos una persona silenciosa, sonriente, rutinaria y satisfecha con la vida. Hirayama va todos los días a su trabajo donde limpia los baños públicos hasta dejarlos como nuevos, sin un asomo de molestia. Ama también los libros y la música, cultiva flores y plantas en su pequeña casa, levanta siempre la cabeza para saludar el día mirando al cielo, disfruta de la fotografía de luces y sombras que juegan en su vieja cámara frente a la naturaleza, recorre a diario puentes y largas avenidas para llegar al trabajo en su furgoneta o en bicicleta, y todavía posee casetes con música que lo entretiene mientras viaja. Estos y otros momentos muy particulares son sus actividades rutinarias. De pronto, llega su sobrina Niko a visitarlo, comparte con él unos días y, de esta manera, conoceremos algunos hechos de su pasado, que parece fue difícil y le producen nostalgia.

Toda una lección de vida nos ofrece Hirayama, interpretado por Kogi Yakusho, en la película Días Perfectos, dirigida por el alemán Win Wenders. Fue nominada al premio Oscar de este año como Mejor Película Internacional y ganadora del premio a Mejor Actor en el Festival de Cannes. En ella, su director da una mirada humanista a sitios inesperados, habitados por un ciudadano sencillo que ama los clásicos del rock y del pop (entre ellos Días Perfectos de Lou Reed) y que asume con dignidad su trabajo. Por ello, siempre lo vemos sonriente, en paz consigo mismo y en “un ahora que es ahora”, como él mismo lo dice; porque para él lo más importante es vivir el momento presente. En otras palabras, muestra una ética que le da inmenso valor a su esencia de hombre libre y al ambiente cotidiano que lo rodea, cargado de belleza y serenidad.  Un mensaje lleno esperanzas en los pequeños momentos del diario vivir que nos hacen felices.

HERMANAS

Decidimos escoger este documental de Paola Ochoa Betancurth para iniciar esta etapa, sin tener referencia alguna sobre la película y guiadas más bien por los sitios donde fue realizada. Muchas sorpresas rodearon los 77 minutos frente a la pantalla, acompañadas de risas, de variados interrogantes, de desconcierto y de dudas sobre el trabajo actoral y la dirección artística. Nuestro foro duró más tiempo del acostumbrado y los comentarios de nosotras, como habitantes de Manizales y vecinas de Palestina, terminaron llevándonos a nuestras raíces caldenses y a nuestro sentir y vivir como mujeres de esta región de Colombia.

“Hermanas” es una producción muy autóctona y regional en la que prima la naturalidad de sus protagonistas: cuatro hermanas que expresan de manera espontánea sus vivencias y sueños, sus amores y desamores, y sus dolores y alegrías. Así, lo que en muchos momentos de la película nos pareció superficial y sin sentido, logramos atarlo a lo que son las relaciones entre mujeres, en una intimidad ajena al mundo masculino, sin complicidad ni cercanía con ellos. Fue como soltarnos en ese espacio simbólico de hermandad, donde se trasmite la cultura, los valores, las tradiciones y las costumbres familiares en nuestra sociedad machista. 

Cuenta Paola que pidió a su madre -María Teresa- y a sus tres tías -Mary, Martha Lucía y Gloria- “una colaboración para una tarea de la universidad”. Ellas nunca se imaginaron la trascendencia de este aporte que, en realidad era para obtener su grado de Maestría de Cine Documental en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. De esa manera y sin presión alguna, logró que ellas, de estrato medio, ya mayores, independientes y sin ninguna experiencia en la pantalla, se unieran en una finca familiar para compartir sus vacaciones y recordar lo vivido en sus años juveniles. Allí, enfrentaron diversos temas como el amor romántico, la sexualidad, la liberación, el matrimonio, la familia y el divorcio. Al respecto, afirma Paola: “La confianza que tengo con ellas, me permitió entrar a un espacio privilegiado en el que discuten temas tabúes de forma abierta y cercana, y hacer un retrato desde adentro”.

Este documental, estrenado en Colombia el 11 de abril de 2024, ha participado en algunos festivales nacionales e internacionales y ha recibido premios como el Mejor Largometraje Nacional, SANFICI Santander Festival Internacional de Cine Independiente 2023; Mejor Ópera Prima, Festival de Cine de Santafé de Antioquia, 2023; y Primera Mención de Honor Premio SIGNIS, Festival Internacional de Cine de Buenos Aires, Argentina, 2022.