TRILOGIA DE LOS COLORES: AZUL

“Azul es la obra de un genio. Un cineasta comprometido, capaz de poner tela juicio los ideales más asimilados por la sociedad moderna, a través de la experiencia única de su mirada al interior del alma humana”.

Javier Ballesteros

Azul es la libertad asumida como un derecho y como un deber. Azul es el deseo de vivir libre, sin ataduras, de ser lo que se quiere ser. Azul es la opción de construir una memoria y al mismo tiempo de liberarse de ella. Azul es esa relación constante entre la vida y la muerte, entre la soledad y la compañía de los otros, entre el amor y el odio, entre la luz y la oscuridad. Azul es la música con pocas palabras, llena de emociones y de variados sentidos. Azul es esa rabia que devora las entrañas y prefiere refugiarse en el silencio. Azul es el sonido del dolor apaciguado por el contacto con el agua y la misma soledad. Azul es un poema íntimo y callado que busca refugio en lo profundo del alma. Azul es el color del agua y de la piscina donde Julie vierte su angustia, son los vidrios de las ventanas, los cristales del móvil, las luces de las lámparas, el edificio, la habitación, las puertas, el cielo, el anochecer y todo el ambiente cargado de tristeza. Azules son los sentimientos y los anhelos de quien padece una verdadera pena, pero debe renacer y convertir sus recuerdos en experiencias de vida. Finalmente azul es el color de la calma y de la esperanza.

“En cierta manera, el amor es contradictorio con respecto a la libertad. Si amamos, dejamos de ser libres, nos volvemos dependientes de la persona que amamos” (…) “La libertad es imposible. Aspiramos a la libertad, pero no la conseguimos”.    Krzysztof Kieslowski

Azul es la primera película de la Trilogía de los colores que apareció en 1993 representándonos la libertad. Su director Krzysztof Kieslowski, con una música especial y con poco lenguaje, llega a nosotros para darnos un verdadero goce a los sentidos. Su protagonista Julie es Juliette Binoche quien en 98 minutos se hace presente por los senderos más profundos del alma. Sorpresivamente pierde a su hija Anna de 5 años y a su marido Patrice, un compositor famoso, en un accidente automovilístico. Ella, por su parte, sobrevive después de un largo periodo de recuperación en el que ha intentando suicidarse. Parece no querer vivir puesto que manifiesta un rechazo a todo lo que la rodea e inicia un doloroso episodio de duelo. Hace entonces un recorrido solitario por su vida anterior destruyendo las notas del último trabajo de su marido -una pieza clásica inacabada que iba a ser interpretada como "Canto por la Unificación Europea"-, y, como un ser anónimo, evade todos los privilegios de los que gozaba en su mundo anterior. Busca entonces enterrar heridas, liberarse de todas las cargas del pasado y descubrir su mundo para comenzar una nueva vida. Sola se enfrenta a su camino recorrido del que queda la fama musical de su esposo, su concierto aún sin terminar y una amante inesperada con una hija por nacer. Aparece entonces, Olivier, un eterno enamorado de Julie, quien se acerca a ella buscando su ayuda para finalizar la pieza musical. ¿Será ella la compositora? ¿Qué pasará con sus inesperados hallazgos? ¿Hallará su paz interior?

     

“No se puede renunciar a todo. Siempre hay que quedarse con algo”

Una invitación a reflexionar sobre el pasado y cómo encontrar la propia libertad. Una obra con una excelente banda sonora interpretada por Zbigniew Preisner, una fotografía bien lograda y silencios muy significativos que hacen de Azul toda una reproducción del dolor. Dolor por una pérdida irreparable y su conflicto interno que parecen difíciles de superar, pero su protagonista debe hacerlo, enfrentándose a sí misma y borrando los recuerdos del pasado en un proceso de reconfiguración y de cambio. Solo así podrá asomarse a su libertad interior, a su propia soledad. Una película que sorprende por la sensibilidad de su director para llegar al interior del ser humano sumido en el dolor y para buscar caminos que lo lleven a su liberación. Duele entonces la temprana desaparición de Kieslowski, acontecida dos años después del estreno de Rojo.

TRILOGÍA DE LOS COLORES: BLANCO

“Blanco es una película sobre la Igualdad entendida como contradicción. Entendemos como concepto de “Igualdad” que todos queremos ser iguales. Pero pienso que esto es absolutamente falso. No creo que nadie quiera realmente ser “igual”. Todo el mundo quiere ser “más igual”. Hay un dicho en polaco: Están aquellos que son iguales y aquellos que son “más iguales”. Krzysztof Kieslowski

Esta segunda película de la trilogía de los colores, en la que Blanco significa igualdad, fue desarrollada en Francia y Polonia en el año de 1993, con una duración de 92 minutos. En ella vemos a su protagonista Kieslowski (Zbigniew Zamacjowski), un peluquero polaco, azotado por un amor enfermizo que lo lleva a vivir muchas dificultades y a cometer muchos errores. Está casado con Dominique (July Delpy), una hermosa mujer francesa, que lo obliga a huir de su lado con el argumento de que su matrimonio no ha sido consumado. Queda entonces solo, sin dinero y, como un inmigrante abandonado, termina dejando Francia y buscando refugio en su patria. Allí es acogido por su hermano y con el apoyo de él y de su amigo Micolaj (Janusz Gajoz) sale adelante y en poco tiempo es un exitoso negociante. Su intención ahora es recuperar a Dominique quien rehuye a sus llamadas y se niega a atenderlo. Recuperarla será una tarea difícil, pero tratará de hacerlo buscando igualar la actitud de su exmujer, así exteriorice su locura y sus deseos de venganza.

Blanco es la igualdad que asume su papel desde la desigualdad y que debe estar por encima del poder y del dinero. Blanco es la ausencia de sentimientos que impiden el desarrollo de relaciones dignas y constructivas. Blanco es esa búsqueda del sentido de la vida que se debe imponer para evitar llegar a depresiones profundas que sí llevan al caos y a la perdición. Blanco es la condición humana movida por emociones donde la obsesión y la locura son el castigo del amor. Blanco son los puentes, la nieve, el cielo, las calles, las palomas que emigran, las imágenes de la boda, el auto de Dominique, la estatuilla que Karol lleva consigo, los largos pasillos del metro... hasta los colores que aparecen opacados. Blanco es Polonia que sale del comunismo y entra a la democracia en la nueva Europa, después de la caída del muro de Berlín. Por consiguiente, Blanco es este nuevo país capitalista que termina imponiendo al poder y al dinero como eje de su destino, así como Dominique y Carol que terminan siendo prisioneros de sus deseos.

Un drama que simboliza hasta dónde puede llegar la condición humana con sus obsesiones, su inseguridad y sus experiencias negativas. Al mismo tiempo manifiesta cómo las leyes de un país pueden llevar a quienes no pertenecen a él, a situaciones de marginamiento y total abandono. Es todo un derroche de orgullo y de poder, combinados con venganza, que impide la realización del deseo amoroso y la construcción de unas vidas en un plano de igualdad. Nuevamente su director Krzysztof Kieslowski nos da una visión del ser humano llena de contradicciones en una sociedad injusta con sus ideales revolucionarios.

TRILOGÍA DE LOS COLORES: ROJO

Blanco, azul y rojo son los colores de la bandera francesa que motivaron al productor y director polaco Krzysztof Kieslowski para la realización de la Trilogía de los colores. A través de ellos examina los ideales revolucionarios franceses donde el azul significa libertad; el blanco, igualdad y el rojo, fraternidad. Tres colores que muestran los valores políticos desde la bandera y desde la misma cotidianidad ya que son los valores guía de los derechos humanos. Empecemos nuestro recorrido por el último de ellos.

Valentine: ¿Cómo arreglar el mundo?

El juez: Basta con que sea usted misma.

Rojo es la historia de Valentine (Irene Jacob), una joven estudiante y modelo que trata inútilmente de llevar una buena relación con su novio, y el juez Joseph Kern (Jean-Louis Trintignant), un hombre solitario y ya retirado que dedica su tiempo a espiar las llamadas telefónicas de sus vecinos. Se conocen porque ella atropella a su perro y va a su casa buscando reparar su falta. Allí encuentra a un hombre huraño y desesperanzado que poco le importa lo sucedido y debe usar sus armas como la calidez y la fraternidad para llegar a él y cambiarle el color a su vida. Se teje entre ellos una amistad que los acerca, los descubre, les permite compartir sus penas y empezar a mirar el mundo con optimismo. Así, mientras Valentine representa la esperanza y muchos valores que el juez poco a poco va recuperando, éste le brinda una claridad en sus ideales y toda su confianza. Sin embargo, cuando ella viaja a uno de sus desfiles y él le promete que la verá por TV, se encuentra con la tragedia ocurrida en el Canal de la Mancha donde han naufragado cientos de pasajeros y solamente siete han sido rescatados. Uno de ellos es Valentine y el otro es su vecino Auguste, quien ha estado cerca de Joseph y de ella, pero que por circunstancias especiales no había conocido. Sólo ahora en el accidente, cuando parecen encontrarse, vemos al juez sonriente vaticinando un buen futuro para ellos.

“Tengo un creciente presentimiento de que todo lo que realmente nos importa somos nosotros mismos. Incluso cuando descubrimos a los demás, seguimos pensando en nosotros mismos”. Krzysztof Kieslowski

Rojo es la “fraternidad”, un sentimiento profundo que llega del alma y crea el gusto por estar juntos sin importar las diferencias de los participantes. Rojo es la solidaridad que se nutre del respeto, del amor y de la esperanza. Rojo es también la soledad, esa carencia de afecto y ese deseo de tener a alguien cerca para compartir con él los silencios, las miradas, los abrazos y el calor de su cuerpo. Rojo es el color del amor, del sufrimiento por el pasado en medio de la soledad y de la esperanza en un futuro pleno de energía. Rojo es esta relación entre generaciones diferentes que desata un apasionamiento capaz de acercarlos en el camino del aprendizaje, de la aceptación y de la ternura. Rojo son los objetos que rodean a los protagonistas: el auto, el bar, el teatro, la casa de Joseph, los avisos publicitarios, las cobijas, las cortinas, los labios… ROJO es esta obra maestra del cine europeo -Polonia, Francia y Suiza- sacudida de emociones y de esperanzas en un futuro mejor. Todo un regalo de optimismo en el ser humano, creado en 1994 y que en 99 minutos y con una excelente fotografía, nos recuerda cómo nos entrecruzamos sin darnos cuenta y cómo el amor logra finalmente tejer esa red entre los humanos.

HISTORIAS CRUZADAS

"¿Qué se siente criar a un niño blanco cuando alguien más

está criando el tuyo?"

Esta película, cuyo nombre original es “The help”, está basada en la novela Criadas y Señoras de Kathryn Stockett y dirigida por Tate Taylor, ambos amigos desde la infancia y educados a orillas del río Mississipi. Obtuvo el premio Oscar 2012 por la mejor actriz de reparto, Octavia Spencer; al tiempo que Viola Davis estuvo nominada en la categoría de mejor actriz y toda la producción como mejor película.

Todo transcurre en Jackson, Mississipi, de los años 1960, cuando Skeeter (Emma Stone), de 23 años, llega a su pueblo después de finalizar su carrera de periodismo, con deseos de ser escritora. Su principal interés es conocer la vida de las mujeres negras afroamericanas que prestan el servicio doméstico a las grandes familias sureñas y darle visibilidad a través de su escritura. Se empeña en llevar a cabo esta tarea, pese a la respuesta negativa de sus amigas y conocidas, situación que desata un caos en la sociedad de este pequeño pueblo. Se enfrenta a ellas con la ayuda de las mujeres de color que tardan en vencer el temor de hacerlo, hasta que finalmente logran tener la capacidad de ir contra lo establecido para terminar contando su historia en muchas páginas donde acusan a sus patronas de un trato inhumano, sin ninguna consideración. Una gran alianza se crea entre ellas y son tres mujeres las que lideran esta actividad: Skeeter, Aibileen (Viola Davis), Minny (Octavia Spencer) quienes tienen la fuerza para ir más allá de los límites permitidos por la sociedad, sin temor a represalias y amenazas. El resultado muestra cómo son tratadas las mujeres negras dedicadas al servicio del hogar donde no se les reconoce como personas sino como objetos, cómo la carencia del respeto entre humanos desata una división tan grande que hace imposible la convivencia entre ellos, y cómo los prejuicios se imponen para marcar la diferencia y crear una sociedad más injusta, cargada de violencia.

Es un drama de 100 minutos donde se captan muchos momentos de la historia de Estados Unidos, desde 1925 hasta más allá de los años 60 cuando muere Kennedy, aparece Martin Luther King y se muestra una marcada injusticia social. También es una historia llena de esperanzas en la posibilidad de cambiar y de mostrar las razas en términos de igualdad como la prueba máxima del progreso humano. Difícil lograrlo, pero son válidas las intenciones del director de tomar la bandera de estos ideales para motivar su defensa.

"Si puedes amar a tu enemigo ya has obtenido la victoria"

UNA SEPARACIÓN

“Dedico este premio a mis compatriotas, un pueblo que respeta todas las culturas y civilizaciones, más allá de las hostilidades y resentimientos”.

Con estas palabras recibe el director iraní, Asghar Farhadi, el premio Oscar por la mejor película extranjera 2012, UNA SEPARACIÓN, haciendo hincapié en lo que significa su cultura y buscando superar odios forjados por la política de Irán en sus relaciones con el mundo. Este merecido galardón, a los que se le suman otros como los Osos de Oro y de Plata en el Festival de Berlín, es todo un reconocimiento al cine de este lugar geográfico que lleva muchos años tratando de mostrar su realidad de manera cautelosa y metafórica. Ahora lo hace sin temores, dando énfasis a las contradicciones entre religión y ética, y entre tradición y modernidad; al tiempo que muestra fuertes conflictos a nivel familiar y social, en los que la mujer -en muchos casos- es excluida. Toda una historia dramática que expresa cómo asumen los conflictos los personajes iraníes de distintas clases sociales, cómo toman las decisiones y cómo evalúan su comportamiento, dando espacio al espectador para que también pueda ser parte de este juicio.

Simin (Leila Hatami) quiere divorciarse de Nader (Peyman Moadi) pues éste se niega a acompañarla en un viaje lejos de su país, con el ánimo de encontrar un futuro mejor para ellos y su hija Termeh (Sarina Farhadi) de 11 años. Su esposo es incapaz de dejar sus raíces y sobre todo de abandonar a su anciano padre que padece Alzheimer y debe estar bajo su cuidado. Por esos motivos, Nader -que queda con su hija- se ve en la obligación de contratar a una mujer que atienda a su padre mientras él va al trabajo. No es fácil conseguirla rápido y logra encontrar a Razieh, una joven que acude con su niña, situación que no es de su gusto. Tampoco es fácil aceptar que ella está embarazada, que supuestamente se ha robado un dinero y que ha descuidado a su padre quien aparece casi moribundo atado a una cama. Muchos incidentes se presentan entre ellos y surgen muchas dificultades para llevar a cabo la labor de cuidadora que termina en un caos donde la religión ejerce una gran influencia y la justicia muestra sus limitaciones.

Temas de diversa índole trae esta película: la verdad y la mentira, la responsabilidad con el anciano, el desempleo, la educación, el papel de la mujer, y el moralismo en una sociedad donde cada uno tiene una verdad a medias. Todo ello enmarcado por la religión que da una diferente interpretación a cada vivencia según la clase social de sus habitantes. Así encontramos a Simin que no quiere vivir en esta cultura y trata de acercarse al mundo globalizado que le proporcione cambios más parecidos a sus valores progresistas. En contraste, vemos a Razieh y a su familia encerrados en su conservadurismo religioso, sin educación y con miedo al castigo de Dios. Al mismo tiempo, hace su aparición Termeh, la hija inocente de los protagonistas que todo lo observa, expresando su deseo de mantener la unión familiar a pesar de las contradicciones de su medio. Esta es una película que pretende “explorar los códigos sociales y religiosos de la sociedad iraní contemporánea”, sin la intención de diferenciar lo bueno de lo malo, pero sí acentuando la diferencia de clases y los variados prejuicios existentes en esta misma cultura. Y Farhadi se atreve a hacerlo en una ciudad muy parecida a las occidentales, estrecha y agitada, cargada de contaminación, de diálogos y de conflictos. Son 123 minutos de gran intensidad.

EL PADRE DE MIS HIJAS

La frase “La muerte no puede anular la vida” nos da a comprender la trama de esta película que deja un mensaje contundente en el sentido de que la vida sigue a pesar de las contingencias que se presentan. Como cuando aparece la oscuridad: se va la luz, pero vuelve. No es fácil entender la situación de su protagonista, Grégoire Canvel (Louis Do de Lencquesaing), un hiperactivo productor de cine artístico que parece tenerlo todo, pero se deje llevar por el fracaso financiero de su empresa y decide unir su vida a la negación de ésta. No es fácil aceptarlo en quien ama inmensamente a su mujer y a sus tres hijas, y busca la  felicidad cerca de ellas y del desarrollo de su parte sensible. Difícil entonces aceptar que este hombre inmerso en el mundo del cine, de familia industrial, se niegue a buscar su ayuda para salvarse y tras muchos intentos por salir adelante, abandone todo inesperadamente. Al final, el dolor y las deudas serán el legado de quienes se niegan a aceptar esta triste realidad. Familia, actores y espectadores parecemos quedar en el abandono.

Surge aquí la palabra fracaso anunciando el verdadero drama del señor Canvel. Un análisis de su psiquis nos permite concluir que a pesar de su derrota no tomó distancia de los problemas para encontrarse con él mismo, no abrió un espacio vital para él, no se agarró de lo mejor de su vida para salvarse. Muchas personas y en peores circunstancias han podido seguir adelante porque han empezado a creer en sí mismas a través de un pensamiento profundo. Han creído en el poder de la trascendencia de la vida y han encontrado una razón para existir. Su protagonista, como lo expresó el propio actor, se dejó invadir por la soledad y por el amor desmedido hacia el séptimo arte, privándose del valor de su propia vida. No tuvo un asidero para salvarse y fue vencido por su angustia.

Esta producción franco-alemana, cuyo director y guionista es la francesa Mia Hansen Love, de 31 años, recibió el premio especial del jurado en el Festival de Cannes 2009 y el Premio Lumiere 2010 en la categoría Mejor guión. Vemos en ella un buen manejo actoral, con giros dramáticos fuertes, buena música y excelente fotografía. Una película con presencia femenina que impacta y gracias a ellas se impone el valor de la solidaridad. Es también todo un homenaje al cine independiente, a la lucha de sus productores por salvarlo frente al poderío de las grandes empresas cinematográficas.

LA DAMA DE HIERRO

“Yo quería que mi esfuerzo hiciera al mundo diferente”.

“Te casaste con una mujer comprometida con el servicio público... Es el momento de devolverle la grandeza a la Gran Bretaña”.

Una biografía con cierta fidelidad histórica es el contenido de esta película. En ella vemos el liderazgo avasallador de una mujer de modesta cuna que llegó a ocupar el primer puesto del Reino Unido y traspasó los límites del poder hasta presentar su dimisión después de 11 años y medio. Muchos cambios vivió durante su mandato, la mayoría impopulares e intransigentes puesto que no concilió con nadie, pero pudo vencer todos los muros que la separaban de su clase social y de su esencia femenina para llegar a imponerse en un mundo gobernado por hombres. Así surgió Margaret Thatcher, La Dama de Hierro, llamada así por la fortaleza y la severidad demostradas en el manejo de la política social de la Gran Bretaña; la única mujer capaz de alcanzar ese puesto en su país y quien lo ocupó por más tiempo en el siglo XX. Ella se convirtió en una dirigente conservadora y defendió el libre mercado y el estado de bienestar de Inglaterra; sin embargo sumió a su país en una grave crisis financiera que en repetidas ocasiones lo paralizaron y lo llevaron a tremendas manifestaciones por la privatización de las empresas oficiales, el alto desempleo y los marcados impuestos que absorbieron a toda la población, hasta los más pobres “para que cuiden porque de lo contrario no les importaría”. Su golpe de gracia lo vivió con la recuperación de las islas Malvinas que le permitió congraciarse con su pueblo ya que recobró su confianza y logró reactivar la economía por algún tiempo. Estos hechos marcaron la historia de esta mujer durante los años 1979-1990 y en la película puede enfocarse en tres aspectos importantes: la cuestión de género, la cuestión política y cómo puede hacer duelo una mujer del carácter de ella.  Difícil su separación del poder y difícil también enfrentar su posterior soledad marcada por la ausencia de su esposo. Una interesante historia sobre el poder, el precio que se paga por él y más si se ejerce con dureza, y la vida íntima y familiar de quien lo administró, ya inmersa en el olvido por su demencia senil y por los mismos años. 

“Sí, la gente te odiará hoy. Pero te agradecerán por generaciones. O te olvidarán por completo y te arrojarán con la basura”.

Una película inglesa dirigida por Phyllida Lloyd que acaba de obtener el premio Oscar por la mejor actriz, Maryl Streep, y el mejor maquillaje. Su desempeño actoral, a los 62 años, ha recibido los mejores comentarios que hablan de una excelente representación de este controvertido personaje en la historia de la Gran Bretaña. Una cinta de verdadera polémica donde creemos que el verdadero equilibrio estaría en bajar la soberbia o sacar el hierro, pero no la barra. Ello nos obliga a pensar en un mundo cambiante, con políticas sólidas que se ejerzan con el tiempo y donde los hombres realmente empiecen a tener corazón y las mujeres razón.

“¿Sabía que uno de los grandes problemas de nuestra era es que somos gobernados por gente a la que le importan más los sentimientos que los pensamientos y las ideas?".

EL ARTISTA

Es nuestro deseo ver y analizar todas las películas ganadoras de los premios Oscar en este año. Empezamos con la producción francesa El artista que tuvo 10 nominaciones y fue ganadora de cinco de ellos: mejor película, mejor director, actor principal, banda sonora y vestuario. Muchos otros premios ha recibido y la convierten ahora en un éxito inimaginable tras muchos años de estudio y análisis de esta propuesta. Una historia sencilla considerada para muchos toda una postal de amor al cine mudo. Una comedia que en 100 minutos recrea el final de los años 20 donde nos muestra en blanco y negro un romance marcado por los cambios tecnológicos que hicieron revolución en la historia del cine. Vemos en ella a George Valentin (Jean Dujardin) desempeñando en el Hollywood de 1927 el papel de una gran estrella del cine mudo, pero la vida deja de sonreírle cuando aparece el cine sonoro pues queda opacado por éste. En forma paralela y en contraste con lo anterior, aparece la argentino-francesa Peppy Miller (Bérénice Bejo) una joven actriz y bailarina que poco a poco va alcanzando la fama hasta quedar convertida en una gloria del cine sonoro. Ambos se conocen y juntos comparten el ocaso de George y el despertar de Peppy hasta alcanzar, tras muchas dificultades, una vida en común alentada por el amor. 

-Tú y yo somos de otra época, George. Ahora el mundo habla. La gente quiere nuevas caras,
 caras que hablen. Ojalá no fuese así pero el público quiere carne fresca
y el público siempre tiene la razón.

-Soy la única persona a la que quieren ver. ¡No necesitaban que hablase!
Haz tus películas con sonido. Yo haré una gran película.
 ¡Y no te necesito para eso!

Su director, el francés Michel Hazanavicius, logra mostrarnos con pulcritud artística que no son necesarios los efectos visuales y multisensoriales, ni la tecnología cargada de violencia y bullicio, ni la tercera dimensión -tan propios de las producciones modernas- para lograr una película entretenida y seductora. La presenta con una música suave (de Ludovic Bource) y con sonidos moderados que resaltan la vida en escena, sin color y sin voces, pero llena de amor y de gozo. Toda una transición entre el cine mudo y sonoro. Además una muestra de sentimientos que destaca con nostalgia una época en la que muchos actores entraron en la lista del olvido para dar paso a nuevas estrellas. Difícil para muchos entender ese cambio generacional, ese reconocimiento de que otras figuras van surgiendo y opacando su brillo. Un momento especial para dejarnos llevar por la imaginación con personajes agradables como un chofer fiel y un perro inseparable que acompañan al actor principal. Un homenaje al arte de actuar sin palabras y de regalar muchas emociones.

CANDILEJAS

Última obra maestra del famoso actor, productor, director, músico, guionista y comediante: CHARLES CHAPLIN. La realizó en 1952 cuando contaba con 60 años y para muchos es considerada su mejor película. En ella brillan los diálogos y las frases filosóficas en una poesía visual y literaria cargada de la transparencia de la vida simple. En este drama magistral nos presenta los temas clásicos de la vida y de la muerte. Hay bondad y serenidad en esta película, donde no se ve un toque de maldad y se reivindica la entrega generosa de cada uno de sus protagonistas. Aquí vemos a Calvero (Charles Chaplin), un viejo cómico, que en el ocaso de su vida profesional y dedicado al alcohol, encuentra una bailarina llamada Terry (Claire Bloom) que está a punto de suicidarse pues no puede caminar. La salva y le comunica todos sus conocimientos de la vida, del mundo del teatro y del ambiente del escenario. Así Calvero vuelve a nacer. Ella, por su parte, recupera lentamente las ansias de vivir y sus movimientos, volviendo al mundo del arte y a creer en la vida. Desea inmensamente hacer feliz a Calvero, sin importar sus propios sentimientos y el amor que le profesa el compositor Neville (Sydney, hijo de Chaplin). Calvero, que no puede desconocer la decadencia de su vida personal y profesional, renuncia a esta entrega generosa. Así, el viejo Chaplin, el mejor comediante de la historia, se despide de su público, como si fuera su última película.

"Existe algo tan inevitablemente poderoso como la muerte, la vida".

"La vida puede ser maravillosa si no le tienes miedo".

"Oficio triste hacer reír".

 

Candilejas también dignifica el mundo del artista callejero. “El gran escenario es la calle, el más real de todos”. Allí se refleja la soledad del artista y el precio de la fama. Los sueños son la forma real de recordar cuánto hizo reír, así la realidad exprese olvido y abandono. Por ello muestra el paso de los años y los estragos que estos producen, para retirarse y dar vía libre a la juventud. Una obra con una marcada intención autobiográfica que estuvo signada por una época difícil de la historia -la guerra fría y la persecución de los artistas-.  Con Calvero se retratan también las vivencias tristes del comediante cuando aparece el cine sonoro y desaparece el contacto con la gente y los aplausos que emocionan y dan vida al artista.  

Una película en blanco y negro que en 145 minutos refleja su intención didáctica. La música que la acompaña es de una gran belleza y ha sido adaptada por una gran variedad de músicos. Obtuvo en 1972 el premio a la mejor banda sonora. Muchos artistas han retomado el estilo de esta obra y en la actualidad la película ganadora del premio Oscar 2012 se asemeja a las producciones de Charles Chaplin, específicamente a este film. Veamos la parte final donde se puede apreciar una representación muda protagonizada por Chaplin y Buster Keaton, dos grandes genios del cine en el siglo XX.

PRIMER AÑO DEL CINE CLUB SALAMANDRAS

¡ N O S   C O M P L A C E   C E L E B R A R L O !

HEMOS LLEGADO AL PRIMER AÑO DE NUESTRO CINE CLUB

Y ESPERAMOS HACER CAMINO EN EL GOCE

Y APRECIACIÓN DEL SÉPTIMO ARTE.

JUNO

El mismo director de la anterior película, Jason Reitman, es el director de JUNO protagonizada por Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner y Jason Bateman en el año 2007. Tuvo varias nominaciones a los premios Oscar, entre ellas a la mejor película, y finalmente obtuvo el premio al mejor guión original. Se elaboró con escaso presupuesto y se caracteriza por la originalidad en el tema tratado, que se refuerza con diálogos cargados de mucho ingenio.

Una película con un sabor antiaborto que aparenta ser trivial al presentar su contenido, pero que muestra una forma diferente de ver el problema, muy distinta a como sucede en nuestro medio donde el tema del aborto es el pan de cada día, y se da en niñas y adolescentes de todas las esferas sociales.  Al mismo tiempo vemos esta misma población enfrentada al problema de la maternidad lo que produce una generación compuesta por hijos de padres irresponsables que no le teme al moralismo, ni a la sociedad, ni mucho menos enfrenta con dignidad lo que significa ser padre o madre. La falta de educación sexual los hace ignorar que esta tarea parte en dos la vida de la mujer y tiene como protagonistas a dos seres que deben estar preparados física y emocionalmente para asumirlo. Y si a esto le sumamos el problema del alcoholismo tan marcado en nuestro medio, el resultado es una sociedad descompuesta. Por fortuna, esta cinta trata este tema de una manera diferente. Percibimos en ella un mensaje a favor de la vida, a pesar de que la intención de su director no es tratar un tema antiabortivo, sino más bien dar una muestra de lo que es la responsabilidad individual. Por eso, tal vez Juno actúe con tanta inteligencia y sagacidad, muy alejada del típico rol femenino que tantas veces hemos visto. Sin mucho dramatismo, nos enfrenta a la situación del embarazo en la adolescencia, dando una opción madura para resolverlo.

¿Qué pasa entonces con Juno? Ella tiene apenas 16 años y quiere tener una relación sexual con un compañero de colegio. Cuando descubre que está embarazada de su amigo Paulie Bleeker, piensa en abortar, pero finalmente decide que nazca su bebé y darlo en adopción. Muchas situaciones se dan al tomar esta decisión como la aceptación de su familia, el encontrar a Mark y Vanessa -una pareja que lo tomará como su hijo- y su trato previo con ella, el hallar en Mark muchas afinidades con sus gustos musicales y culturales, el enfrentamiento de Vanessa sola al rol de madre apoyada por sus palabras: “Si te mantienes, yo me mantengo”, y finalmente el reencuentro con su joven enamorado. ¿Cómo no disfrutar esta película que además del derecho a elegir una vida, destaca el papel de la familia contemporánea?

AMOR SIN ESCALAS

“El año pasado pasé 322 días de viaje. Lo que quiere decir que tuve que pasar 43 miserables días en casa”.

Una temática muy contemporánea acompaña a este film cuyo contenido tiene más parecido a su nombre original, UP IN THE AIR. Una vida en el aire, sin el anclaje a tierra que vive su protagonista Ryann Binham (George Clooney), obsesionado por juntar millas y por vivir volando pues está en un mundo de movimientos precisos, sin tiempo que perder. Trabaja en una empresa en la que es comisionado para ir a muchas ciudades norteamericanas a despedir a sus empleados, con una joven (Anna Kendrick) eficiente en rendimiento, contratada para este fin. No es fácil decir “gracias por sus servicios, ya no trabaja más para esta empresa” y enfrentar diversas reacciones ante la cantidad de sentimientos que despierta esta noticia. A la vez quienes están comisionados para hacerlo asumen esta situación con sus diversos estilos de vida. Ella, que apenas despierta al mercado laboral, debe acomodarse a las numerosas escalas y cambios de avión mientras olvida su tristeza por los planes de matrimonio frustrados. Él, por su parte, que vive sin compromisos y ligero de equipaje, encuentra a una mujer (Vera Farmiga) que parece llevar una vida semejante a la de él, con la que intercambia placeres y viajes. Dos mundos diferentes que, de pronto, se ven enfrentados a la reflexión, a mirar con otros ojos la realidad. Es cuando deben cambiar de rutina y empezar a trabajar en tierra firme y frente a un computador.

-¿Qué crees que hacemos aquí?
-Preparamos a los nuevos desempleados a superar la perdida de empleo...
-Estamos aquí para hacerlo tolerable, para lidiar con las almas heridas

que cruzan el río en el punto donde la esperanza casi no es visible.

Y les damos un bote para que naden.

El sueño americano aparece aquí en todo su esplendor, con la meta de crecer por crecer en la economía, y vivir sumergidos completamente en el mundo de los negocios. Vemos hombres y mujeres profesionales cuyo principal interés es su posición económica y social antes que involucrar a otra persona en su espacio afectivo, lo que sería un estorbo para el cumplimiento de sus metas. Es el caso del protagonista que termina por conquistar su gran sueño, llegar a los diez millones de millas por sus constantes vuelos, pero una vez alcanzado no tiene nada qué decir. Se asoma el peso de la soledad hablando por sí solo. Al mismo tiempo, somos testigos de las variadas respuestas ante la pérdida de un empleo que involucran reacciones dolorosas ya que afecta finalmente la familia, las ilusiones, los sueños por alcanzar. Es cuando el sistema capitalista se impone con una fuerza salvaje y la tecnología afecta a las personas y a los valores que están inmersos en la familia, en el encuentro con los cercanos. Sin embargo, pensamos que esta visión pesimista y de desesperanza en el sistema tiene que volcarse a unos planos de libertad, igualdad y solidaridad que deben ser buscados por las nuevas generaciones. Sólo así se encontrará el camino, sólo así se podrá recorrerlo y darle un verdadero sentido a la vida.

El joven director de esta película Jason Reitman, se basó en una novela escrita por Walter Kirn en el 2001. Tuvo seis nominaciones a los premios Oscar en el 2009 y fue ganadora del premio al mejor actor. Más que un drama o una comedia es una cinta que muestra lo importante que es vivir en sociedad con el apoyo de la familia y de personas que nos den su confianza y su cariño. Vale la pena destacar también su música y el contenido de sus composiciones que están repletas de valores y de ánimos para salir adelante.

“¿Si os ponéis a pensar en vuestros mejores recuerdos, en los momentos claves de vuestra vida, estabais solos? La vida es mejor en compañía".

EL OTRO HOMBRE

“¿Crees que dos personas pueden vivir juntas toda la vida?"

"¿Desearías tener la oportunidad de acostarte con otra mujer?”

Con estos interrogantes se da inicio a una película en la que su director parece indicar que “no hay que dormirse en los laureles”, al tiempo que asegura “hay que aprender a perdonar y hacer todo para entender al otro”. Aquí vemos a Lisa (Laura Linney) interesada en conocer la respuesta de su marido Peter (Liam Neeson) a estas sugestivas preguntas, antes de viajar a Milán, pues es una reconocida diseñadora de zapatos. Ellos son, al parecer, un matrimonio feliz que vive en Inglaterra y llevan casados un buen tiempo. Peter queda en casa con su hija quien le entrega un mensaje que lo llevará a descubrir muchos secretos a través de internet gracias a que él es un reconocido empresario en este campo. Con la ayuda de la clave “Lago Como.” puede ingresar al mundo de su esposa y conocer a otro hombre, Ralph (Antonio Banderas), que ha sido su amante y con el que ha compartido su tiempo mientras hace sus exposiciones en el extranjero. Lo busca y descubre que vive en Milán, a donde se traslada, al tiempo que responde a sus correos electrónicos haciéndose pasar por Lisa. Allí lo conoce, sin revelar su identidad, juegan continuamente al ajedrez y logra penetrar en su mundo. No es más que un impostor que vive en un edificio de apartamentos donde es su portero y se hace pasar por un reconocido hombre de negocios. Descubre entonces que Lisa es su amante cuando viaja a Milán donde viven momentos de pasión colmados por el deseo y la poesía, mezclados con la astucia y el encanto de este hombre. Mientras tanto, su hija Abigail que anda preocupada por su desaparición, lo sigue y logra encontrarlo en esta ciudad italiana donde, en vano, trata de frenar sus ímpetus por descubrir la verdad. Y la encuentra, como también halla la forma de olvidarse de Ralph, al tiempo que los espectadores descubrimos la muerte temprana de Liza quien ya había fallecido cuando Peter inicia su búsqueda virtual.

La base de este film es el relato del escritor alemán Bernhard Schlink, que se transforma en el 2008 en este drama dirigido por Richard Eyre, el mismo director de la película ya reseñada en este blog, Notas de un escándalo (2/05/2011). En una hora y 32 minutos hace frente a temas centrales en las relaciones de pareja como la infidelidad, el conocimiento real de sus integrantes y el respeto por las condiciones de cada uno; además, se incursiona en un ámbito de gran actualidad como es el uso de la tecnología, facilitadora de dicho conocimiento. Aparece por momentos un triángulo amoroso que se opaca cuando descubrimos que la protagonista ya estaba muerta, pero que tiene sus puntos álgidos cuando se enfrentan dos hombres, uno de ellos dominado por los celos y el otro, por su yo fortalecido en la fantasía y la autovaloración. En este personaje encontramos un creativo que cautiva a las mujeres con su toque romántico, su vestimenta varonil y su espíritu conquistador. Y es quien tiene las condiciones que no ofrece el marido de Lisa, con él experimenta un mundo de ensueños lejano a la realidad. Todo esto lo descubre Peter a través de su relación con Ralph, por lo que poco a poco va disminuyendo su ira y su pasión por destruirlo. Logra calmar los celos que se convierten en una comprensión de la persona amada que lo lleva a buscar la paz en su hogar. Es también el momento de hacer las paces con su hija, con quien tenía dificultades en la aceptación de su pareja. Así mismo encontramos semejanzas con la película del mismo director donde el hilo conductor es el escándalo, aunque en este caso, se evita para dar paso a la vida, a la libertad, a la comprensión del género humano y a la misma muerte. Toda una metáfora que nos lleva a concluir lo importante que es ponernos en los zapatos del otro. 

LA DUDA

“La duda puede ser un lazo tan poderoso y sostenedor como la certeza”

Nuevamente vemos a Meryl Streep protagonizando una película, otra Meryl Streep, diferente pero igualmente grandiosa. Basta con ubicarla en un colegio americano de los años 60, donde los niños permanecen internos al mando de ella como superiora de la institución –con el miedo y la disciplina como sus armas-, para  imaginarla dándole a su papel una gran fuerza actoral. Allí tiene todo el poder para controlar a sus subalternos e imponer las normas, estrictas y bastante cerradas para los educandos a su cargo. Surge entonces la duda cuando el padre Flynn (Philip Saymour Hoffman) –capellán del colegio que tiene el cariño y la comprensión como sus aliados en la educación de los niños- intenta suavizar la rigidez impuesta por la hermana superiora Aloysius Beauvier y trata de ayudar a Donald, el único estudiante negro que ha sido aceptado en este colegio. Y son los comentarios de la joven hermana James (Amy Adams)  sobre el trato especial que da el sacerdote a Donald los que motivan a la directora a asumir una posición de persecución sin límites hacia Flynn. Lo acusa de abusar de este alumno sobre la base de sus suposiciones, en una lucha implacable que termina por destituir al padre y finalmente envolverla a ella en un mar de dudas.

Un drama de intriga religiosa que en el 2008 adaptó el guión de la obra teatral del mismo nombre. En 104 minutos, con una escenografía casi teatral y ganadora del premio Pullitzer, John Patrick Shanley se inspira en su vida personal para dar a luz a LA DUDA ya que se educó en colegios parroquiales de los Hermanos Cristianos y Hermanas de la Caridad irlandeses y fue testigo de abusos sexuales realizados por el clero. Muestra en ella la educación en el siglo pasado cuando la rigidez impuesta en los colegios se expresaba con morbosidad y desenfreno. Difícil aclarar el tema de la homosexualidad y la pedofilia en la iglesia por la presencia de la duda que, en este caso, está muy lejos de la certeza. Encontramos a la hermana y al padre con una buena cantidad de pruebas que no permiten asegurar quién tiene la razón; probar y desmentir las acusaciones resulta delicado pues no son evidentes. De ahí el planteamiento de esta película sobre la búsqueda de la verdad y las terribles consecuencias en un ambiente vedado para el cambio. Podemos ver cómo se reacciona ante una acusación y cómo, quien la hace, se involucra hasta el punto de no tener certeza en sus palabras. Vemos también un fuerte contraste entre el estilo de vida alegre y jovial llevado por los sacerdotes y la manera silenciosa y huraña que domina el comportamiento de las religiosas. Contrastes que nos hacen pensar en situaciones de superioridad e inferioridad dentro de las órdenes religiosas.


¿Inocente o culpable? ¿Verdad o mentira? ¿Duda o certeza? Difícil saberlo cuando la intención de su director es crear la duda en el espectador. El resultado en estos casos es una comunicación ambigua en la que la presunción de inocencia dentro del marco del debido proceso va de la mano con la subjetividad del derecho. Al mismo tiempo comprobamos lo delicado de la palabra, ya que de toda calumnia queda la duda y es difícil crear ambientes limpios después de haber emitido juicios a priori. Nuevamente entra en juego la subjetividad del ser humano que nos muestra que “cada cual ve la realidad con sus propios ojos”.

"Tengo dudas, ¡tengo tremendas dudas!"

TE DOY MIS OJOS

Te doy mis piernas, te doy mi espalda, te doy mis manos, te doy mi cuello, te doy mis ojos… Te regalo todo mi ser. Así se entrega Pilar a su esposo, de manera total y deseando un cambio en su comportamiento, como lo había prometido. La vemos entonces regresar a su hogar con la esperanza de encontrar paz y tranquilidad mientras él asiste a sesiones de psicoterapia donde es incapaz de mostrar su yo interno y se niega a ser parte de su ayuda. Imposible cambiar la esencia de este maltratador con el que lleva 9 años de casada. En vano intenta encontrar la felicidad a su lado y finalmente vuelve a huir con su hijo. Una huida definitiva como consecuencia de la máxima violencia ejercida contra ella. Ya no puede más con tanto maltrato y debe darle la razón a su hermana que en vano luchó por protegerla de ese monstruo llamado Antonio.



Este drama social nace del documental Amores que matan que hace una muestra de las relaciones de pareja en España y pretende ahora ampliar su mirada para hacer una crítica al maltrato a la mujer. Una película seria que aparece como resultado de una profunda investigación sobre el tema mostrando así un cine comprometido, cercano a la realidad y al común de la gente. Aquí se mezcla la parte erótica con el maltrato psicológico y el resultado de máxima agresión proviene de una falta de seguridad y de autoestima, enmascarado en unos celos.  En este caso, aunque el personaje en cuestión asiste a la terapia, es difícil para él reconocer su problema ya que es incapaz de nombrarlo. Tampoco recuerda escenas agradables en su matrimonio, tan sólo evoca el ruido imperceptible del vestido de su mujer cuando ella camina y es esto lo que más extraña cuando ella lo abandona. Solo quiere tener a su mujer totalmente indefensa, sin recursos para salir adelante, sin autoestima, sin familia, sin amigos, sin vida. Sabemos que es vital la ayuda del entorno para salvar a Pilar y en este caso encontramos la presencia de una madre que ha vivido la misma situación y aconseja a su hija conservar su matrimonio, un hijo de 8 años que también es víctima y seguramente repetirá este modelo, una hermana que sufre y lucha por ayudarla, y unas compañeras de trabajo que comparten sus vivencias con ella e intentan socorrerla en este mundo de miseria. Todo esto sucede en Toledo, ciudad cargada de belleza y de un apreciable fondo cultural que va de la mano con el crecimiento de nuestra protagonista. Un cambio que apenas se proyecta después de un pasado tormentoso.

"Sin ti no puedo vivir, no me dejes"

Esta película fue grabada en España en el año 2003 bajo la dirección de Icíar Bollain, una reconocida artista madrileña. Mereció los Premios Goya por mejor película, mejor director, actriz y actor. Premios que recibieron sus protagonistas Laia Marull y Luis Tosar, ganadores también de la Concha de Plata en San Sebastián.

"Los colores son como las ninfas y se repiten como en una melodía.

Si podemos escucharlos también los sentimos:

el verde es el equilibrio,

el azul es profundidad,

el blanco no suena, no duele,

el verde... el verde es el miedo".

EL CONCIERTO

Un diálogo emocional es el que se vive en este concierto que logra transmitirnos una música para el alma, a través del valor y la calidad de los músicos rusos. Ellos logran expresar toda su emoción, más allá de la técnica porque la música es su obsesión. Una película del 2009 llena de humor en la que cada uno de sus personajes va a París a vivir su más grande sueño, así lleven 30 años atrasados, así carguen a cuestas los lastres de 60 años del comunismo que los sumió en una profunda soledad. Una parodia bien lograda en la que la ridiculización de los estereotipos resulta todo un acierto pues logra mostrarnos los peligros del fanatismo en la cultura, la idiosincrasia y la política del pueblo ruso. Un gran concierto sin voz y con imágenes, a partir de la unión de cuatro países encargados de esta producción: Francia, Bélgica, Rumania e Italia. Un viaje a la música de Tchaikovsky dirigido por el francés de origen rumano Radu Mihaileanu.

Andrei Filipov trabaja como aseador de la sede donde está ubicada la Orquesta de Bolshoi y añora la mejor época que ésta tuvo hace 30 años cuando fue su director. Fue un momento doloroso cuando la Unión Soviética al mando de Brezhnev lo llevó a aceptar la renuncia ya que no quiso separarse de los músicos judíos. Aprovecha entonces la oportunidad de recuperar su puesto y su fama cuando, una noche que trabaja hasta tarde, llega un fax dirigido a la dirección invitando a su orquesta a dar un concierto en París en el Teatro de Châteler. Empieza a soñar con la posibilidad de llegar a Francia con sus compañeros que ahora viven de pequeñas tareas ajenas a la música y presentar allí a la famosa orquesta. Logra reunir a sus antiguos amigos quienes aceptan gustosos. Muchas dificultades se presentan para alcanzar su cometido, pero finalmente llega el concierto tan esperado y con el corazón en la mano ofrece el mejor regalo a su público, acompañado de la famosa violinista Anne Marie Jacquet.

"ESTE CONCIERTO ES COMO UNA CONFESIÓN,

EN CADA NOTA MUSICAL HAY VIDA".

Un concierto no es un sesión de psicoterapia, pero éste penetra en el alma de los artistas rusos que han sido silenciados por el régimen soviético y en la comunidad judía que ha sido víctima de tantas injusticias. En él se viven los recuerdos de una época en la que el sistema acalló toda muestra de genialidad y la obligó al destierro o a su desaparición total. En un tono amable y con bella música nos permite saborear la revancha de un director de orquesta que no se resigna al silencio. Por el contrario, recupera su piel y demuestra su capacidad para soñar y vivir.

www.youtube.com/watch?v=OTUfpkIq3cI