NO

Nominada al Oscar como mejor película extranjera  en el presente año -situación que vivió Chile por primera vez- y ganadora en el 2012 del Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano en la Habana y del Premio a la Mejor Película en la Quincena de Realizadores del Festival de Cine de Cannes. Pertenece al género político y está basada en la historia de Chile. Combina actuación con elementos televisivos y al parecer luce mal hecha y presenta desorden, pero esa es la intención de su director Pablo Larraín quien debió filmarla sin tomar distancia de la época y de su memoria llena de recuerdos de los años 80. Tiene como apoyo la obra teatral de Antonio Skármeta llamada “El Plebiscito” y cuenta en su reparto con actores como Gael García, Alfredo Castro, Luis Gnecco, Antonia Zegers y Néstor Cantillana.

"CHILE, la alegría ya viene”    

 

Cómo vencer el miedo con la ayuda de los medios y de la publicidad es el tema de esta película en la que ejerce un punto clave la psicología de masas. Una situación que muestra el poder de los medios capaces de poner a la política como producto y como generadora de cambio después de una larga dictadura. Así, vemos al militar Augusto Pinochet en 1988 –bajo la presión de la comunidad internacional- invitando a su pueblo a participar en un plebiscito nacional que defina su permanencia en el poder. Los líderes de la oposición convencen a René Saavedra (Gael García Bernal), un publicista creativo, para que lidere su campaña televisiva en contra de la permanencia  de Pinochet, en 15 minutos diarios durante un mes. Con escasos recursos y el talento de este valioso joven se gesta un plan capaz de enfrentar a los amigos del régimen y ganar el NO que llevó a Chile a la convocatoria de elecciones democráticos de presidente y parlamentarios. En otras palabras, pudo reflejar elementos sociales y políticos de la dictadura que la llevaron a su fin, y proclamar la liberación de este pueblo sumido en la opresión. Un enfrentamiento duro al SÍ de los publicistas argentinos y de los dueños del poder que pudo vencerlos y mostrar lo que se puede lograr a partir de una visión positiva. Aquí se percibe claramente cómo con la  ayuda de películas y grabaciones, se tomó distancia de las palabras e imágenes grabadas en tiempo de la represión, y se pudo salir adelante.  Una campaña que con ingenio y creatividad reveló la violencia, las torturas, las desapariciones y las muertes durante 15 años de silencio, a través de mensajes positivos que apuntaban a la renovación y a la alegría por un futuro mejor.

Mucha nostalgia destila esta película, como lo reconoció su director, y también esa sensación de optimismo que dejó en los chilenos un no al odio y a la violencia, y un sí a esa necesidad de vivir para el cambio. 

 

 "Si pudiera dedicarle a alguien esta película seria a ustedes, al movimiento estudiantil”.     Gael García 

UN ASUNTO REAL

En Dinamarca 1766 tiene lugar esta película en la que entran en juego la política y el romance, pasando éste a segundo plano y siendo a la vez el amor el que rescata la situación. Con un excelente vestuario y una bella escenografía, acompañada de castillos, la lluvia, el campo, cabalgatas y niveles profundos de sensualidad, se presenta un valioso manejo de las pasiones humanas en  una historia de la Edad Media que estuvo nominada este año al Oscar como mejor película de habla no inglesa. A su vez obtuvo dos Osos de Plata por mejor actor y mejor guión en el Festival de Berlín, y muchas otras nominaciones en diferentes festivales. Su director el danés Nikolaj Arcel, acompañado de tres excelentes actores (Mikkel Boe Folsgaard, Alicia Vikander y Mads Mikkelsen), da vida a este relato que se dio antes de la Revolución Francesa, cuando en Europa aparecieron hombres como Voltaire y Rousseau con ideas ilustradas que anunciaban la necesidad de cambio y la búsqueda de la libertad en los pueblos europeos sometidos a la represión. 

El rey Christian VII de Dinamarca, de 17 años y carente de juicio, se casa con su prima de 15 años, Carolina Matilde, princesa de Inglaterra y hermana de Jorge III. Ella viene a su reino donde es ignorada por este joven que desconoce su verdadero rol y solo tiene contacto con ella el día de su boda, dando paso al nacimiento de su hijo. A la corte llega John Friedrich Struensee, médico de cabecera del rey, un alemán intelectual que se convierte en miembro del Consejo de Estado y más tarde en su consejero privado. Atiende todas sus situaciones y va entrando en contacto con la reina hasta descubrir una gran pasión entre ellos. Teme ser desleal a su rey por la conquista de la reina y por el surgimiento de una fiebre idealista que lo lleva a buscar la liberación de su pueblo. Entra en juego este romance prohibido y esta rivalidad política que dará los primeros pasos para el cambio de una época retrógrada dominada por la nobleza y la iglesia a un periodo de emancipación.

Una manera de plasmar con fidelidad e inteligencia esta historia danesa del siglo XVII. Aunque tuvo un dramático desenlace, puede verse al final la esperanza de un cambio alentado por un hombre progresista y defensor de la ilustración, cuya lucha no quedó en vano. Lo anterior nos ilustra cómo estos pueblos llegaron a ser lo que son hoy en día, y cómo no podemos perder la ilusión de encontrar nuestra liberación.

EL LADO BUENO DE LAS COSAS

“Estoy convencido de ello. Tienes que hacer todo lo que puedas y esforzarte al máximo. Y si mantienes el optimismo, siempre te quedará el lado bueno de las cosas”.

Una comedia romántica que da sentido a la vida e intenta salvar la actitud positiva de las personas. Muestra cómo lograr el proceso de adaptación a la familia, rescatando ese fondo cultural que ella tiene y que en este caso, toca el trasfondo de la pasión por la música y la danza. De manera cómica y a un ritmo acelerado que en muchos momentos nos hace sentir incómodos, exhibe los desajustes de un grupo familiar que padece el síndrome bipolar. El padre y el hijo manifiestan locura y obsesión por todo; mientras la madre es sumisa y asume la actitud de ser la sombra vigilante de ellos. A su vez, la joven -que aparece para completar este cuadro- marca las mismas características de ellos y está llena de vitalidad y energía.  Toda una sátira a la normalidad, que fluctúa entre el que explota y el que aguanta, el que recibe castigo y recompensa, el que odia y finalmente aprende a amar. Además se reivindica el uso de los medicamentos para el tratamiento de enfermedades mentales –ya que él cambió totalmente con la medicación- y el valor terapéutico del arte.

“Te lo advierto. Tienes que estar atento a las señales. Cuando la vida te brinda un momento como éste, es un pecado no aprovecharlo. Es un pecado”.

Patrick es llevado a casa por su madre, después de haber estado ocho meses en un centro de salud mental debido a un altercado sufrido con el amante de su esposa. Allí, al lado de sus padres manifiesta comportamientos que rayan con la violencia y la depresión, lo que complica su convivencia en esta familia y hace difícil el cometido de rehacer su vida. Lee a Hemingway y a Shakespeare quienes le dan conciencia de las pasiones humanas y busca en la música su desahogo. Su vida parece un fracaso: sin empleo, sin amigos, sin hogar, sin compañera. En sus prácticas deportivas conoce a Tiffany, una chica que acaba de enviudar, ha asumido una conducta sexual desenfrenada y presenta dificultades en su relación con los demás. Sin embargo, ambos comparten su afición por el deporte, aunque anteponen su condición de comprometidos, sobre todo él que anhela recuperar a su mujer. Muchos encuentros, afortunados y desafortunados se dan entre ellos, hasta alcanzar una actitud positiva que los llevará a descubrir el verdadero valor de esta relación.

“Un incidente puede cambiar toda una vida”.

Película ganadora del Oscar a la mejor actriz y nominada a otras modalidades por los que ha recibido buenos comentarios. Su director David O. Rusell es también el autor del guión basado en la novela escrita por Mattew Quick. Sus protagonistas Bradley Cooper, Jennifer Lawrence, Robert de Niro y Julia Stiles, en 120 minutos, nos regalan una brillante actuación que pone en juego esa combinación extraña de angustias, temores y  perturbaciones que manifiesta la gente en su diario vivir. Más válido aún porque al final encontramos ese rescate emocional que salva lo enfermizo y disfuncional en su realidad. 

AMOR

Un nombre perfecto para una película que gira en torno a este sentimiento y las variaciones que puede tener cuando se presentan los años con la consecuente enfermedad. De ritmo lento, como la vida, AMOR va penetrando en las vivencias de una pareja de ancianos, dos personas muy cultas e independientes, dos seres amándose. Ellos comparten su gusto por la música –ambos profesores de piano ya retirados- y por el deseo de saborear juntos el final de su existencia. Se enfrentan a la soledad, al encierro, a los graves problemas de salud, a la dificultad para ayudarse y sobre todo a la incapacidad para sobrevivir. También se atreven a los recuerdos, a la cortesía, al respeto y a la búsqueda mutua del perdón. Son Anne y Georges, una pareja europea que vive en París y que decide sobrellevar la enfermedad que ella padece, una hemiplejia derecha, lejos de hospitales como él se lo prometió. A veces aparece su hija, una mujer que soporta un matrimonio desajustado y con problemas económicos, y las empleadas que colaboran por días en el aseo del hogar y de la anciana enferma. Difícil el manejo de ella que cada día cobra más esfuerzos pues su deterioro va en aumento, permanece acostada, no quiere comer y pierde la capacidad para hablar de forma coherente. Tampoco quiere vivir. Al final, entra en juego la decisión de Georges que cambiará la historia de esta pareja. Mientras tanto, llega de afuera una paloma que intenta quedarse en su hogar hasta ser capturada.

“Es hermosa la vida, la larga vida”

Una película tierna y dolorosa. Una ternura que solo captamos a través de las palabras y de los gestos. Un dolor sin gritos, ni lágrimas, ni arrebatos que lleva al estremecimiento interior. Vivencias propias de los protagonistas y de quienes compartimos esta historia que encierra una verdad profunda y sincera, dejándonos sumidos en una intensa desazón. Es la cotidianidad a gritos en el silencio de un apartamento parisino, tercer protagonista de la historia. Imposible negarnos a la realidad que presenta y aceptar en buena parte la decisión final. Con absoluta frialdad, su director nos muestra la realidad de la vida, en su etapa final cuando se conjugan tres elementos indisolubles vejez-enfermedad-muerte. El quiere decirnos cómo se enfrenta una enfermedad de éstas, qué dificultades conlleva para sus protagonistas, cuánto vale su tratamiento y cómo se puede reaccionar ante tanto sufrimiento. Somos testigos de un excelente manejo de la atención a las necesidades básicas, y a la vez, de la relación entre cuidadores y pacientes que oscila entre la amabilidad y la insensibilidad.  Todas las tomas son hechas en un apartamento y el único acercamiento al exterior se da a través de las pinturas, los ventanales y la paloma. Ella nos cuenta lo que pasó con su protagonista: fue atrapada, encerrada y luego liberada.

"No hay ninguna razón para seguir viviendo. Ya sé que solo puedo empeorar. ¿Por qué esto debe afligirnos así? A ti y a mí". 

Esta cinta es la ganadora en este año del Premio Oscar a la Mejor Película Extranjera; además ha recibido muchos premios como la Palma de Oro en el Festival de Cannes y del Cine Europeo a la mejor película, director, actor y actriz. Fue escrita y dirigida por Michael Haneke (70 años) y protagonizada por Jean Louis Trintignant (83 años) y Emmanuelle Riva (85 años) quienes en 127 minutos nos regalan una verdadera obra maestra.  

ARGO

Cinta ganadora del Oscar 2013 a la mejor película, mejor guión adaptado y mejor montaje, con la sorpresa de que no recibió el premio al mejor director. Muy significativo este hecho, lo que parece confirmar la independencia con que fue realizada esta película. Consideramos que su temática, de tipo político sobre un acontecimiento histórico, se situó por encima de la realidad y fue capaz de ser contada sin atender intereses particulares. Una situación ajena a los intereses de Hollywood que marca el vaivén de cada película y mueve las temáticas a su alrededor. Vale la pena recordar que su director –que es también su actor principal-  Ben Affleck,  recibió su reconocimiento en los premios Globos de Oro, Bafta y el Sindicato de directores de Estados Unidos.

ARGO es una película de suspenso e intriga que muestra el asalto de la embajada de EU en Teherán por parte de militantes de la Revolución Iraní, ocurrido en el año de 1979 y realizado como represalia por el apoyo de este país americano al anterior mandatario Mohammad Reza Pahlavi. En ella vemos a 52 empleados de la embajada estadounidense tomados como rehenes, mientras seis de sus diplomáticos escapan y buscan refugio en la casa del embajador de Canadá. El Departamento de Estado inicia la búsqueda de propuestas para ayudarlos a salir de Irán, todas sin posible solución hasta que Tonny Mendez, un especialista de la CIA, propone inventar la creación de una película semejante a La batalla por el planeta de los simios. De este modo los diplomáticos fugados se conviertan en falsos cineastas canadienses liderados por Mendez que van tras el encuentro de lugares exóticos donde filmar una película de ciencia ficción, ARGO. Muchos temores los asaltan y se sienten completamente inseguros, aún sabiendo que Mendez también arriesga su vida. Mientras tanto reciben la noticia de que EU cancela el apoyo a este rescate militar con el fin de evitar conflictos mayores a los ya presentados. A su vez, en Teherán se dan cuenta del engaño y emprenden la búsqueda de estos fugitivos. Con valentía, Mendez sigue adelante y enfrenta todas las dificultades propias de un disidente y en una cultura totalmente ajena a la suya. Al final, vemos a Jimmy Carter en televisión y a personas y acontecimientos reales que se dieron durante esta época crítica que llevó a la liberación de los rehenes en 1981.

Detrás de la bandera de democratizar el mundo, se han creado más divisiones. Son pan de cada día los gestos airados de manifestantes y las turbas enardecidas tras el influjo de la visión religiosa y política fanatizada y fundamentalista. El mundo no ha cambiado y la revolución islámica ha crecido. Muchas historias cuentan cómo logran radicalizar a las personas tratando de aislarlas utilizando el discurso de la búsqueda del bien, cuando finalmente se encuentra el mal en todas partes. Una película bien editada y de mucha tensión que ha recibido comentarios positivos por parte de la crítica, aunque para los políticos y los medios de comunicación iraní es todo un atentado contra la verdadera historia. Vale la pena resaltar la valentía de su director y de su guionista para enfrentar con tanta habilidad un tema tan delicado, sin dejar de lado el humor y la emoción.

LA ESTRATEGIA DEL CARACOL

La Estrategia del Caracol: una película que como el caracol, se desarrolla en espiral: cómo empieza a desenvolverse la madeja del tiempo, del afán por el tiempo y cómo una serie de colombianos hacen parte de una historia de hermandad y sentido de lo comunitario.

La película se desarrolla en una pensión ubicada en un barrio popular de Bogotá, donde vivía gente de todo tipo. La propiedad es negociada para su demolición a un empresario inescrupuloso y empieza un proceso de desalojo del que sólo salen -los más de 10 personajes cada uno excelentemente caracterizado- por una ingeniosa estrategia ideada por un viejo anarquista y en la que todos los vecinos se comprometen y vencen al unísono para felicidad de todos. Juana María Echeverri Escobar

DEL AMOR Y OTROS DEMONIOS

Cuando Gabriel García Márquez escribió esta novela en 1998 la hizo pensando en un guión cinematográfico y su deseo se hizo realidad en el año 2009 cuando Hilda Hidalgo llegó desde Costa Rica a Cartagena a dirigir esta película que contó de inmediato con la aprobación de nuestro Nobel. Esta coproducción de México, Colombia y Costa Rica fue aclamada como una de las mejores producciones del Festival de Cine de Montreal en la edición No. 34 y ha sido considerada una buena muestra del cine latinoamericano.

“Mi abuela me contaba de niño la leyenda de una marquesita de doce años cuya cabellera le arrastraba como una cola de novia, que había muerto del mal de rabia por el mordisco de un perro y era venerada en los pueblos del Caribe por sus muchos milagros”. En 1949, siendo Gabriel García Márquez reportero, tuvo que acudir al derribo del antiguo convento de Santa Clara. Cuando la lápida de la tercera hornacina del altar mayor saltó en mil pedazos, “una cabellera viva de un color de cobre intenso se derramó fuera de la cripta (...) En la lápida de cantería carcomida por el salitre sólo era legible un nombre sin apellidos: Sierva María de Todos los Ángeles. Extendida en el suelo, la cabellera espléndida medía veintidós metros con once centímetros. La idea de que es tumba pudiera ser la suya fue el origen de este libro”. 

En Cartagena de Indias del siglo XVIII se desarrolla la historia de Sierva María de todos los Ángeles, de su relación con el mundo y del atropello del que es víctima en la época de la colonia. Después de ser mordida por un perro rabioso en el mercado, esta niña -hija del marqués de Casalduero y Dueñas- es atendida por sus sirvientes de raza negra que son su más cercana compañía, con quienes comparte sus tradiciones, y la ponen a salvo de cualquier peligro. Sin embargo, circula en la ciudad la noticia del accidente de la hija del marqués y la posibilidad de contraer la rabia, por lo que es llevada al Convento de Santa Clara. Allí entra en pánico y reacciona violentamente ante la presencia de las religiosas quienes consideran que está poseída y deben aislarla de inmediato. Es recluida en una celda oscura -utilizada para los prisioneros de la Inquisición- donde recibe un trato inhumano hasta que llega Cayetano Delaura con la intención de exorcizarla. Este sacerdote descubre que Sierva María no está endemoniada y por el contrario, termina enamorado de ella lo que agudiza la situación, con un doloroso final.

“Que la eterna noche oscura
me cierre estos ojos que te vieron
dejándome con otros que te vean”

Un encuentro de dos mundos dominado por la iglesia que asume el poder por encima de los gobiernos de la colonia, frente a la presencia de la cultura negra capaz de trascender su propia esclavitud, constituye la esencia de esta película. Todo sucede en una época de marcado oscurantismo religioso en la que se descubren las fuerzas del mal con la aparición de demonios que deben combatirse con la fe, no con la razón. Así, la culpa manejada por la iglesia, crea la imagen demoníaca que necesita para ejercer el control social. Un control que intenta sobreponerse a todo, menos al amor. Porque el amor es capaz de romper con todo, hasta con lo prohibido. Así, la relación de Sierva María y Cayetano salva la película porque es imposible luchar contra la naturaleza, contra una relación pura que solo es tocada por el silencio y los poemas de Garcilazo de la Vega.  Esta pareja habita el mundo de los susurros y los cortos diálogos que mantienen se encuentran confundidos con una música medieval, con el ruido de los grillos y el furor del mar, siempre presente. Imposible dejar escapar detalles garciamarquianos como las mariposas en el cabello de la niña y la vela que cae en el agua y no se apaga. Verdadera sencillez en las tomas que dan un claroscuro siempre presente en la lluvia y en el invierno, y en las rejas de la celda con una visión minimalista. Un lenguaje cinematográfico opta por lo visual, de manera lenta y ritual, con verdadera economía de las palabras, hasta encontrar en el color y en la ropa de Sierva María una luz que lo ilumina todo, que le da erotismo a la cinta. Una verdadera muestra de cine arte.
 

PARAISO TRAVEL

“Los emigrantes llevamos el miedo y la incertidumbre adentro”.

“Seguir a alguien por estar enamorado tiene más de torpeza que de honestidad o de ceguera”.

Una buena película que, en medio del terrible drama que refleja, rescata lo positivo que tenemos: esa cultura nuestra tan aferrada a los valores y donde la seguridad social en buena parte es brindada por la familia. No es una crítica al sistema gringo sino, más bien una caracterización de nuestra idiosincrasia que nos lleva a la búsqueda de oportunidades, en medio de fuertes contrastes marcados por la tragedia y la soledad. Vemos en ella a la pareja colombiana conformada por Marlon y Reina que van al encuentro del sueño americano en un viaje agónico a través de centro América y de la frontera mexicana hasta llegar a Estados Unidos, el país soñado por los emigrantes latinos. Marlon (Aldemar Correa) actúa movido por el amor, por ese deseo inmenso de estar al pie de su amada y poseerla. Reina (Angélica Blandón), por el contrario, sólo quiere llegar a su meta, sin importarle lo que tenga que hacer para lograrlo. Dos sueños diferentes, pero marcados por la obsesión. Finalmente traspasan la frontera, hasta llegar exhaustos, solos y sin una moneda en sus bolsillos. Una situación que entorpece la relación y da inicio al peor de los dramas que pueda vivir un extranjero, sin dinero, indocumentado y perdido en la gran ciudad de Nueva York. Muchas aventuras vive Marlon en esta ciudad donde busca incansablemente a Reina, sin lograrlo. Por fortuna encuentra la ayuda de sus coterráneos que le dan refugio, empleo y sobre todo compañía. Va teniendo una evolución lenta, pero positiva que no logra alterar su estilo original de persona educada, sana y de buenas costumbres. La fuerza de la necesidad le ayuda a crecer y ese crecimiento termina llevándolo por buen camino hasta encontrarse consigo mismo. Porque Marlon está lleno de amor y el amor arrastra y contagia, y a su lado encuentra la solidaridad; diferente a la situación de Reina, tan manipuladora y dominante que parece poseerlo todo y termina perdida.

Simon Brand, su director, se basó en la novela del mismo nombre cuyo autor es Jorge Franco Ramos y contó con la asesoría de él para hacer una película (2008) muy fiel al contenido del libro (2002). Recibió en el 2008 el premio a la mejor película y el premio del público en el Festival Internacional de Cine Latino en Los Ángeles, e igualmente fue bien recibida por el público en la mayoría de los festivales en los que participó. Vale la pena destacar el humor con que fue manejada, y el buen retrato de nuestros valores y costumbres. 

LOS COLORES DE LA MONTAÑA

Iniciamos este año con un interés especial por acercarnos a lo nuestro, a las películas colombianas que retratan nuestro ambiente y nuestro modo de vivir tan sui géneris que poco a poco han ido ganando un espacio importante en el campo cinematográfico. Puede decirse entonces que con producciones como ésta, y con las que esperamos enriquecer esta serie, el cine colombiano ha llegado a la madurez. 

Película con alto contenido social, que retrata de manera fidedigna la realidad de miles de familias campesinas sometidas al conflicto, al cruce de intereses -y balas- de grupos armados al margen de la ley. Está relatada desde la realidad de unos niños que van a la escuela, juegan, crecen y van despertando a la dura crudeza del conflicto porque uno a uno deben ser tachados de la lista de clase, pues son amenazados de muerte y deben desplazarse a lugares ajenos a empezar una vida sin sus pertenencias, sin sus casas, sin sus pequeñas tierras. Los niños se van quedando solos, y tras la presión infame, terminan por desplazar hasta el último, no sin antes saber del peso que conlleva, el hecho de que un campesino honesto, luchador, se revele ante los intereses de la guerra. Dolor y tragedia. 

Con una fotografía preciosa, la película está realizada en un paisaje muy del centro de Colombia entre montañas y verdes de toda intensidad. Fue estrenada el 11 de marzo del 2011 y galardonada en el Festival Internacional de Cine de San Sebastian. Juana María Echeverri Escobar

ANALÍZAME

Terminamos nuestra sesión de Cineclub por este año con una fina comedia, de esas que no dan aviso para causar risa, ni empalagan con sus chistes flojos y que disfrutamos a plenitud. En otras palabras, quisimos despedirnos con una película que al tiempo que provocara euforia supiera llegar a nosotros con su buena música, diálogos interesantes y personajes caricaturizados tomados de la vida real. 

Analízame es una película americana que fue nominada en 1999 a los Globos de Oro y dirigida por Harold Ramis. En ella Robert De Niro representa al mafioso Paul Vitti, un poderoso capo de la mafia neoyorkina quien presenta crisis de pánico que afecta su vida familiar y su decisión de querer abandonar su estilo de vida. Por ello, antes de la reunión de los jefes del crimen organizado, busca la ayuda de un psiquiatra -el Dr. Sobol interpretado por Billy Crystal- al que termina involucrándolo en sus problemas, y desestabilizándolo completamente hasta querer acabar con el matrimonio que éste está a punto de realizar. Muchas situaciones difíciles tiene que vivir este psiquiatra quien rechaza las continuas intromisiones de su paciente y en vano intenta evitarlo. Por su parte Vitti termina enfrentando a los otros jefes de la mafia y pagando una reducida pena en la cárcel. Todo esto hace de esta película una comedia negra que ridiculiza la saga de El padrino, al tiempo que se burla del mafioso atormentado y del psiquiatra confuso en un verdadero intercambio de roles que arranca risas en el público. 103 minutos de verdadera relajación.

HAPPY GO LUCKY - HAPPY: UN CUENTO SOBRE LA FELICIDAD

¿Qué produce la felicidad y cómo reacciona la gente ante ella? Tratar de dar respuesta a esta pregunta es la esencia de esta película en la que la cotidianidad juega su mejor parte y puede ser vista desde diferentes frentes. Tras la apariencia “empalagosa”, despreocupada y sumamente risueña de su protagonista, se esconde una forma grata de apreciar el mundo, con un optimismo capaz de enfrentar las situaciones más difíciles. Cuesta saber apreciarla y descubrir su esencia vital, esa gran energía cargada de espontaneidad y de positivismo. De manera caricaturesca muestra la manera de ser de los ingleses, se burla de su esencia, de su educación y de la forma de ver la vida. Descubrimos que ella es transparente con la palabra y hace de cada uno de sus actos un momento importante en el que hay claridad con el “deber ser”.  Vale la pena recordar los cuatro acuerdos de la sabiduría tolteca que vemos identificados en este personaje: 1. Ser impecable con la palabra. 2. No tomar nada personalmente. 3. No especular ni ser prejuicioso. 4. Dar lo mejor de cada uno en cualquier situación. Y finalmente encontramos su mejor elección: su deseo de ser feliz. Una opción de vida que asume con sencillez y sin ningún temor.

Esta comedia británica de 118 minutos fue candidata al Premio Oscar como mejor guion original en el 2008 y ganadora de muchos premios como el Globo de Oro por la mejor actriz en el mismo año. Fue adaptada y dirigida por Mike Leigh, y protagonizada por Sally Hawkins quien representó a Paulina Cruz, apodada como Poppy. Ella es una maestra londinense de educación primaria, de 30 años, que irradia una alegría y un optimismo únicos. Está siempre dispuesta a alegrar a quienes la rodean y a compartir con ella sus bromas y opiniones. Lleva 10 años viviendo en su apartamento con Zoe, su mejor amiga y su más cercana confidente. Enfrenta la pérdida de su bicicleta sin ningún escándalo y por el contrario, decide tomar de clases de conducción. Conoce entonces al profesor Scott, un hombre solo y amargado, insatisfecho con su vida y su trabajo, que ve el mundo colmado de problemas; sus instintos agresivos chocan duramente con la manera de ser de nuestra protagonista, confrontación que la fortalece y pone a prueba su personalidad. También recibe clases de flamenco con una profesora española que emana fuerza y vitalidad con sus estudiantes, a la vez que decae y explota en llanto al recordar su pasado amoroso. En su escuela trabaja con amor y entusiasmo, mostrando creatividad en sus clases y haciendo frente a las dificultades de sus estudiantes. Con su familia recibe la acusación de carecer de un plan de vida concreto que le permita ser feliz y tener éxito en la vida. Sus amigas, por su parte, corresponden a sus anhelos de mantener una actitud optimista, aunque le aconsejan dejar de ser agradable con todo el mundo. Un estilo que irradia alegría, colma de satisfacción y logra ponerla al lado del amor para completar su éxito. “Es duro ser adulto, es un viaje largo… sigamos remando” le dice finalmente a su amiga Zoe, mientras pasean por un lago.

Valiosa esta cinta, con muchos mensajes para la educación y la salud mental. Una historia que ayuda a mirar el mundo de manera positiva, a disfrutar de cada momento de la vida y en esencia, a buscar la felicidad en la cotidianidad, en cada momento por sencillo que parezca.

MANUAL DE AMORES 3

“El hombre no sabe porqué se enamora, el hombre se trastorna y punto. 

A veces se vuelve ridículo, a veces confuso, a veces llega a ser incluso peligroso...”

Tres historias diferentes hacen una semblanza del amor, “ese sentimiento que lo mueve todo” y que es vivido de variadas maneras a lo largo de la existencia. Manual de amores 3 forma parte de la saga italiana dedicada a exaltar el amor y a mostrarlo en sus diferentes manifestaciones. Una película italiana del 2011, que en 125 minutos exhibe de una manera clásica todo el picante y el erotismo que encierra una comedia romántica. Dirigida por Giovanni Cannevari quien con originalidad hace todo un contraste entre personajes: el campesino con el abogado, el profesor con el portero, el periodista con la supuesta psiquiatra. A nadie se le pide ser mejor y en cada caso enfrentan la vivencia de este sentimiento con madurez, así tengan que volver atrás en sus vidas o recomenzar una nueva. En tres etapas transcurre esta historia movida por Cupido, quien hace el engranaje de estos sucesos, es cómplice de ellos y está atento a su desenlace.

1. LA JUVENTUD: Esa etapa de la vida donde supuestamente se vive bien porque nadie te pide ser mejor de lo que eres. Se da en ella la toma de decisiones, lo que es difícil para el corazón. Aquí vemos a Roberto (Ricardo Scamarcio) planeando su matrimonio con Sara (Valeria Solarino) de quien está muy enamorado. Como abogado debe viajar a un pueblo de gente humilde y solidaria que se interesa por atraerlo a su grupo y compartir con él. Allí conoce a la bella Micol (Laura Chiati), una mujer que lo atrae y lo lleva a vivir sensaciones de las que no se puede resistir. Todos han estado enamorados de ella y han debido renunciar a esta locura. Veremos qué pasará con Roberto. 

2. LA MADUREZ: Ese momento cumbre donde se aclaran dudas y se dejan las rencillas amorosas, para dar paso al crecimiento interior. Sin embargo, no siempre hay satisfacción y se da la búsqueda de la ocasión para la infidelidad. En esta etapa se vive la historia de Fabio (Carlo Verdone), un reconocido presentador de televisión, felizmente casado desde hace 25 años y con una hija, cómplice eterna de su madre. De repente, tiene un encuentro con Eliana (Donatella Finocchiaro), una psiquiatra poseedora de una gran habilidad para conquistarlo y llevarlo a las fauces de sus temibles aventuras amorosas. No será capaz de evitarla cuando descubra su verdadera identidad y muchos serán los cambios que deberá afrontar en medio de nuestra risa y de su tragedia. 

3. EL MÁS ALLÁ: Es el espacio para el amor maduro, para la imagen bonita de la entrega sin condiciones porque no hay lugar para el temor ni para la espera. “A veces la vida es rara. Te esperas un puñetazo y te besan” lo dice su protagonista Adrian (Robert De Niro). Es él quien tras su divorcio y una cirugía de trasplante de corazón, decide establecerse en Roma. Allí conoce a Augusto -el portero del edificio donde vive y con el que comparte sus secretos-, y a su hija Viola (Monica Belluci), una irresistible mujer de la que se enamora y pierde con ella el miedo irresistible de seguir adelante. Una nueva vida lo espera.

EL GUERRERO PACÍFICO

Aprender a vivir el momento es la esencia de esta película colmada de enseñanzas para la vida y en la que combina tres elementos básicos, PALABRA-ACTO-EMOCIÓN. Esto invita a usar la mente y el cuerpo a plenitud, ayudando a la liberación de ataduras que guardan lo innecesario, aquellas ideas que no permiten alcanzar nuestros sueños ni ver más allá de lo que tenemos. Vale la pena recordar que el día a día está lleno de momentos sencillos y difíciles que nos llevan a esforzarnos para ir madurando y encontrar la sabiduría necesaria para crecer. Tener un maestro que nos marque la ruta es lo ideal, y ese derrotero puede ser marcado por nosotros mismos cuando nos señalamos metas y buscamos la forma de salir adelante. Por lo tanto, ser el mejor y lograrlo exige un largo camino orientado por premios y castigos que van moldeando ese proyecto de vida que conduce a la propia felicidad. Lo importante es dejar de competir con el otro y de buscar la perfección ya que como humanos somos vulnerables y esa obsesión por superar a los demás, nos llena de profundas tristezas.

El guerrero pacífico es la adaptación cinematográfica de la obra autobiográfica “El Camino del guerrero pacífico” de Dan Millman, con millones de copias vendidas y traducida a muchos idiomas. En el año 2006, el director Victo Salva hizo la producción germano-estadounidense en la Universidad de Berkeley y se acompañó de los actores principales Scott Mechlowicz y Nick Nolte. Una película de 120 minutos en la que el gimnasta Dan Millman sueña con ganar el premio dorado en los Juegos Olímpicos. Entrena para lograrlo y a la vez se acompaña de amigos con los que compite por tener mujeres, fiestas, comidas, motos y éxito a todo nivel. Todo lo tiene, sólo piensa en triunfar y sin embargo, empieza a sentir angustia por el futuro, lo que le impide conciliar el sueño. En una estación de servicio conoce a Sócrates, un maestro, que le ayudará a convertirse en un guerrero pacífico para poder luchar contra sus propios miedos y poder conquistar la sabiduría interior. Debe escucharlo y aprender tras cada encuentro una lección de vida. No será fácil este aprendizaje y menos, cuando sufre un grave accidente en su motocicleta que lo dejará inválido por muchos días y con secuelas para su futuro como deportista. Es dura su lucha por recuperarse y reparar su pierna y su corazón para volver a competir, a pesar del diagnóstico negativo. Aprenderá con su maestro a disfrutar a plenitud de cada momento y llegará a conquistar su sueño de ser un talentoso gimnasta, sin importar el color de su medalla. Solo vivir el presente.

Toda una filosofía en el arte de vivir. Una película que nos permite concluir que solo nosotros podemos decidir qué camino seguir y esa decisión marcará nuestra vida. 

“Puedes vivir toda una vida sin estar despierto”

“Lo único que tienes es el ahora”

“Cada momento es único, no hay instantes vacíos”

“La gente a quien cuesta más querer es quien necesita más el amor”

“El miedo es la raíz de toda maldad”

“Cuando tengas miedo, saca tu espada y corta tu mente en pedacitos”

“Los viajes nos hacen felices, no los destinos”

"Lo importante es hacer lo que a uno le apasiona sin apego a los resultados"

“La muerte no es triste, lo triste es que la gente no sepa vivir”

“Saca la basura de tu mente. Basura es todo aquel pensamiento que te distraiga de 

lo que realmente importa: estar presente en este momento, aquí, ahora”

“Cuando por fin logres vivir el presente, te sorprenderá todo lo que puedes hacer y 

lo bien que lo haces”

EL SEÑOR IBRAHIM Y LAS FLORES DEL CORÁN

“Hay textos que se llevan tan naturalmente dentro de uno mismo que ni siquiera nos damos cuenta de su importancia. Se escriben como se respira. Se expiran, más que componerlos” 

Eric-Emmanuel Schmitt 

Una obra de arte, como una fábula llena de enseñanzas que transmite una verdadera educación para la vida, es el contenido de esta película. Reivindica por completo el tema de la conversación y destaca cómo a través de ella se aprende a vivir. Todo un homenaje a la confianza y al respeto, al diálogo y a la tolerancia, a la fe en el otro,  a mostrar caminos y nuevas opciones para salir adelante. Sin distinción de religión, de raza, de cultura y de edad, se establece entre sus protagonistas una relación paternofilial cargada de ternura y profunda amistad. Un disfrute pleno de la sabiduría y la complicidad de la edad madura frente a la inexperiencia y los deseos de vivir de quien apenas llega a la adolescencia. 

 “Ayudar es relajante”

“Quien puede sonreír es feliz. Habla con tu sonrisa”

“Donde quiera que mires puedes encontrar la belleza”

“Si tus zapatos te lastiman, cámbiatelos. Los pies no se cambian”

 “Cuando quieras entender algo no cojas un libro, basta con que hables con alguien”
“No responder una pregunta es responder”

“Suicidarse es peor que abandonar un hijo”

“Cuando bailas tu corazón canta y se libera de la carga del equilibrio”

“Sólo lo que das es verdaderamente tuyo, lo que guardas estará perdido para siempre”

“Trabaja duro toda la vida pero siempre con calma”

¿Cómo se las arregla el señor Ibrahim para ser feliz? Este viejo musulmán y librepensador que vive de su trabajo en una tienda de víveres parisina donde nada le falta -ni siquiera el cariño de su esposa que murió hace años porque siempre la lleva consigo- encuentra el hijo que nunca tuvo y termina adoptándolo. Son los años 60 cuando descubre que Momo, un muchacho judío de solo 13 años, vive con su padre en continuas discusiones y en la más completa soledad. Ha sido abandonado por su madre y lo atormenta el recuerdo de un hermano mayor que parece tener todas las cualidades que un padre desea y de las que él carece.  Momo solo establece contacto con las prostitutas vecinas de la calle azul –quienes terminan siendo sus amigas- y con el señor Ibrahim con quien ha encontrado una nueva forma de ver el mundo a través de su relación con él. Mientras hace las compras para su sustento diario, se establece un vínculo de padre-hijo y es el señor Ibrahim quien se interesa por darle alegría a su vida y llenarla de enseñanzas. Así, después de que su verdadero padre muere en circunstancias difíciles, Momo es adoptado por el señor Ibrahim y juntos viajan por Europa donde el joven aprende muchas lecciones que quedan grabadas como enseñanzas de vida.  Descubre en cada espacio y en cada momento compartido una oportunidad para crecer y para llenar su vida de satisfacción. 

Ganadora en el año 2003 del Globo de Oro a la mejor película extranjera y al mejor actor en el Festival de Venecia, El señor Ibrahim y las flores del Corán está dirigida por Françoise Dupeyron y basada en la novela de Éric-Emmanuel Schmitt. Sorprende la actuación de sus protagonistas –Omar Shariff y Pierre Boulanger–  que con sencillez y naturalidad dan vida a estos personajes; sus diálogos llegan a lo profundo del alma, y sus inquietudes y soledades no impiden el encuentro cercano con el otro. En 94 minutos y con una fotografía estupenda nos permite ser partícipes de sentidas emociones y de un disfrute pleno de la vida. Terminamos reconciliándonos con nosotros mismos y soñando con un mundo en el que sea agradable vivir, buscando la felicidad propia y la ajena, sin hacer daño a nadie... como lo demuestra con sabiduría el Señor Ibrahim. 

  <!--[endif]-->“Abrir el Corán y encontrar una flor es una buena fórmula para no perdernos en las palabras, 

para conectar con el corazón y alejarnos de cualquier fundamentalismo 

que nos lleve en una sola dirección”.

EL JARDINERO FIEL

Una denuncia social y una historia de amor son los móviles de esta película. Su protagonista Tessa Quayle (Rachel Weisz) es una brillante activista que trabaja en el norte de Kenya, entregada a las comunidades menos favorecidas. Está casada con Justin Quale (Ralph Fiennes), un diplomático británico y amigo del cuidado de su jardín, al que ama inmensamente y evita inmiscuirlo en su trabajo pues han hecho un pacto de completa libertad en sus acciones. En su trabajo descubre que los medicamentos que las multinacionales farmacéuticas europeas proporcionan a los habitantes del tercer mundo no son adecuados e inicia un estudio, junto con un médico local, que termina dejándola fuera de toda posibilidad de avanzar; aparece muerta. Su esposo, asume esta noticia con entereza y se dedica a investigar las causas de su muerte, hecho que los miembros del Alto Comisionado Británico no esperaban ya que lo sucedido parece ser un crimen pasional.  Tessa será entonces ese personaje al que Justin se aferra para vivir, para luchar y poder investigar las razones de su asesinato que lo llevarán a darle continuidad a su trabajo. Es intensa la investigación que debe hacer, muchos los momentos en que parece dudar de su esposa, e innumerables las búsquedas que debe seguir por dos continentes para limpiar su imagen y descubrir lo que realmente sucedió. Aprende cómo funciona la industria farmacéutica y encuentra que el medicamento Dypraxa empleado contra la tuberculosis está causando la muerte de muchas personas inocentes con la complicidad de los gobiernos de Kenia y Gran Bretaña. Finalmente esclarece la verdad, así su vida esté en peligro y corra el mismo riesgo de su esposa.

"En África no hay homicidios, solo muertes lamentables."
"Matamos a gente que de todas formas iba a morir".

 "Fármacos desechables para pacientes desechables".

" …y de esas muertes se originan los beneficios de la civilización."
"Ninguna compañía farmacéutica hace algo gratis".
"Se acerca una epidemia de tuberculosis. Afectará al mundo entero. Si el mercado de la 
tuberculosis funciona como se espera, se ganarán miles de millones".

Una película británica, de 129 minutos, hecha por el brasilero Fernando Meirelles en el 2005 y basada en la novela de John Le Carré, inspirada en una amiga suya que murió en un accidente automovilístico y vivió dedicada al trabajo con refugiados a los ayudó sin descanso.  Refleja una triste realidad que lucha contra la pobreza y pone en cuestión la moral. Una vez más, la trampa de la globalización en la que las grandes empresas nunca pierden y se impone sin reservas el dios dinero, así se menosprecie la vida humana.  Aquí conocemos cómo actúan las multinacionales farmacéuticas en los países menos favorecidos donde se incrementan sus beneficios al comprometer la salud de la población con la promesa de “ayuda humanitaria”. Y no solamente las multinacionales realizan esta tarea, son los gobiernos de estas comunidades desfavorecidas con ayuda de los países desarrollados. En este caso, es en África donde se pretende poner a prueba un medicamento contra la tuberculosis, a sabiendas que tiene efectos lesivos para algunas personas, los pacientes con VIH. Sin embargo, no se puede detener el proceso de aplicación ya que esta investigación sería más costosa y demandaría años, lo que pondría en ventaja a la competencia. Además, sus prioridades son las enfermedades del mundo occidental y cuentan con un bajo presupuesto para las enfermedades endémicas. Una manera de degradar la vida humana ante el bienestar económico que producen estos medicamentos. Surge una luz cuando aparecen activistas como Tessa que se atreven a buscar el bienestar de estas comunidades y a denunciar las irregularidades con un deseo de justicia y reparación. Nos queda en cuestión la negativa de Tessa de compartir esta lucha con su esposo. El que era su ancla, su control, pudo haber sido su apoyo; aunque no nos olvidamos de su compromiso previo.

Valiosas las imágenes de la película donde se muestra al verdadero país de  Kenia, sus colores, sus comunidades y su forma de vida. En el suburbio de Kibera residen alrededor de un millón de personas que carecen de los servicios de agua, luz y alcantarillado, sin calles, ni vías adecuadas; a estas situaciones infrahumanas se le añade la presencia del VIH positivo, muy alta en la población. Fernando Meirelles dice: "Me cuesta reconocerlo, pero creo que Kibera es incluso peor que las favelas de Río donde filmamos Ciudad de Dios… Kibera nos asombró… La pobreza nos dejó helados". 

AGORA

Alejandro Almenábar dirigió esta película que se estrenó en el 2009 y ganó 7 Premios Goya en su edición XXIV de la academia del cine español. Es protagonizada por Rachel Weisz que representa a Hypatia de Alejandría, la primera mujer matemática conocida en la historia, fue además astrónoma y filósofa. Se considera la producción más costosa del cine español ya que el reto de su director fue darle un matiz histórico, mostrando la famosa ciudad de Alejandría en el siglo IV, lo más parecida a sus construcciones, templos, calles, personajes, vestuario, hasta su faro y famosa biblioteca –maravillas del mundo antiguo-. Para lograrlo contó con asesores históricos y científicos que hicieron los ajustes necesarios, aunque no deja de tener elementos subjetivos propios de una película de este siglo.       

    

Ágora se refiere al espacio del pensamiento, a ese centro cultural, religioso y político donde se realizaban las asambleas de la ciudad. Allí aparece Hipatia que nace entre el 355 o el 370 d.C. y logra adquirir conocimientos avanzados para la época, gracias al apoyo de su padre quien está convencido de su independencia. Llega a ser la directora de la famosa Biblioteca de Alejandría donde se convierte en símbolo de la sabiduría y es líder y maestra de los hijos de la élite. Tiene a la ciencia como su religión y enseña a pensar y a dudar para llegar al saber. Parece no tener en cuenta su condición de mujer, por la que vive y muere, siendo fiel a sus principios y sin dejarse involucrar por la religiosidad predominante en su época. Son tiempos de enfrentamientos religiosos en los que lucha por proteger la sabiduría del Mundo Antiguo y especialmente su legendaria Biblioteca, con la ayuda de sus discípulos. El Imperio Romano está a punto de extinguirse debido al ascenso del Cristianismo y se da una verdadera lucha entre los judíos, paganos y cristianos. Aparecen sus pupilos Orestes, guerrero impetuoso que se convierte en el Prefecto Romano en Alejandría, y Davo quien busca su libertad y parece encontrarla si se une al movimiento cristiano. Ambos están enamorados de Hipatia y sólo reciben de ella su rechazo pues está dispuesta a vivir por lo que cree. Aduce su independencia y su libertad respecto a los hombres, y habla de su entrega y dedicación a la ciencia. Busca desesperada una explicación para las órbitas de los planetas y la trayectoria de los astros. Mientras tanto se da el auge del cristianismo, que llega a ser la religión dominante y controladora de la política, en medio de masacres, destrucciones -entre ellas la Biblioteca- y expulsiones de la ciudad. Hipatia, sola y sin el respaldo de ningún hombre, es  juzgada por sus enemigos y la llaman “puta”, “escoria”, “pagana” y bruja”. Cirilo de Alejandría y sus seguidores la condenan y es asesinada por ellos quienes aseguran que Dios es solo uno y hay que darle muerte a los paganos.

Una película que trata el tema del multiculturalismo y de la lucha de poderes, donde se resalta el papel invisible que tuvo la mujer a fines de la era pagana, cuando aparece el cristianismo. Antes era más libre y tenía derechos, ahora la intención de sus contradictores es acabar con ella para quitarle fuerza al caudillo Orestes e ir en contra de su condición de mujer sin ataduras. Además la denominación pagana aparece creada por el cristianismo y detrás de los dioses están los seres humanos buscando el poder, ese asidero que permite aglutinarlos y darles posesión sin misericordia. Toda una crítica a la religión, a ese fanatismo vivido por los cristianos, por un pueblo necesitado, que ve lo que quiere ver.  Situación que se revive cada día con la aparición del fundamentalismo y de innumerables iglesias que pululan por doquier. Su director, Almenábar asegura que esta película hace una crítica “a cualquier tipo de fanatismo e irracionalidad y se puede aplicar a otros ámbitos, diferentes al de la religión”. Respecto a la mujer, vemos cómo su entereza y su fuerza transmitidas a la crianza y educación de los hijos, han logrado vincularla permanentemente a la cultura en todas las sociedades.