EN LA CASA

 “La vida sin historias no vale nada”. 

 

“Ni siquiera la lluvia baila descalza”. 

Una nueva forma de mirar el mundo es con la ayuda del lenguaje. Este nos ayuda a diseñarlo, a entretejer esa realidad con las palabras y a hacer de ellas un cúmulo de fantasías y de deseos, de verdades y de ilusiones. El poder de la libertad nos hace sentir esa belleza, nos hace estremecer con esos sonidos, con esa búsqueda de la armonía, de hallarle otro sentido a lo que se vive. Porque el mundo del arte es un mundo traspasado por los sueños, por esa riqueza tan propia del ser humano que le da la oportunidad de crear. En este caso, una narrativa que se teje continuamente sin encontrar muchas veces esos hilos que separan lo expresado de lo vivido. ¿Qué es lo verosímil y lo inverosímil? ¿Qué es lo real y lo irreal? 

Este ejercicio de escribir fue el que llevó al profesor de literatura Germain (Fabrice Luchini) a la búsqueda de un estudiante que pudiera encontrar placer en el manejo de la palabra, de transmitir con el lenguaje una nueva forma de ver el mundo y de expresarlo. Cansado de su tarea, encuentra al fin a un joven de 17 años, Claude Garcia (Ernst Umhauer), que se ubica en la última fila de su salón de clases y lo deslumbra por su capacidad para escribir y transmitir emociones con sus textos. Inicia con él un trabajo intenso de escritura creativa que poco a poco los va llevando a terrenos prohibidos en los que el maestro debió medir las consecuencias de sus actos y poner límites a situaciones que el muchacho no podía transgredir. Un giro intenso da la película y se castiga al profesor que ha permitido al joven cruzar fronteras indeseadas, pero que a la vez ha incentivado su  creatividad y ha podido ir más allá de su mundo inmediato. 

Una película cargada de ironía y con un tejido narrativo muy bien logrado. Es inherente al ser humano saber cómo vive el otro, cómo siente y cómo desea el otro; al mismo tiempo, organizar ese mundo y penetrar en él para saciar esa sed morbosa de estar ahí. Eso hace el joven, un buen ejercicio de observación que lo lleva a infiltrarse a hurtadillas en la vida del otro. Se atreve a penetrar en la vida familiar de uno de sus compañeros y a fisgonear cada uno de sus actos y pertenencias. Terminará entonces confundiendo la literatura con las vivencias ajenas, y llevando al espectador a mezclar la realidad con la imaginación del protagonista. Además de perturbar cada vez más a su profesor con sus narraciones atrevidas, sin tener en cuenta las correcciones que éste le hace. Al final, podemos ver a un maestro contento porque pudo dar origen a un verdadero escritor, y así, tal vez, su sueño insatisfecho de adulto encuentre el rumbo que él no pudo lograr. Y de paso, nos invita a seguir mirando el mundo con ojos de creador para encontrar en lo que vemos y leemos una forma de alentar nuestros anhelos y exorcizar nuestros temores.  

El pequeño mono me mira...

¡Quisiera decirme

algo que se le olvida!

                                                      José Juan Tablada 

François Ozon es el director de En la casa, película francesa nominada a varios premios en el 2012 y ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por mejor película y mejor guión. Se basó en la obra El último chico de la fila, de Juan Mayorga donde hace una crítica a maestros y estudiantes, y explora el arte de la escritura. Está plagada de excelentes actores, variadas referencias literarias que le dan riqueza al contenido y una rica banda sonora.
 

ANTES DEL ANOCHECER

"Si quieres amor verdadero, esto es lo que hay. Ésta es la vida real, no es perfecta pero es real". Jesse

"Me siento cercana a ti. Pero a veces siento que tú respiras helio y yo oxígeno". Celine

"Te estoy dando mi vida entera, no tengo nada más importante que darte, no se la doy a nadie más. Si quieres permiso para descalificarme, no te lo pienso dar". Jesse

"Si no le dejara ganar siempre a todo, nunca haríamos el amor". Celine

"Ésta es la condición humana natural, el estar siempre un poco insatisfechos, continuamente descontentos". Jesse

 

Un repaso a la vida de las relaciones de pareja, a ese sentirse diferentes aunque estén juntos, con todos los aciertos y errores que esto genera, es la esencia de esta película que se presenta a modo de caricatura. En ella se da una exageración de la palabra, con intervenciones constantes e interminables y muchas veces irritables que parecen alejadas de un verdadero diálogo. Ella defiende la vida y su derecho a salir adelante, él disfruta la relación y defiende su rol de padre y esposo. Ambos tratan de ser compañeros en esa edad de los 40, antes del anochecer, en la que se van acomodando los roles de cada uno y se descubre que la vida no es perfecta. Difícil encontrar ese acomodo entre dos personas tan opuestas que tratan de formar la unidad, de construir ese romanticismo y esa relación de comprensión que está a punto de fracasar. Lo oscuro y misterioso de ella se enfrenta a lo racional y organizado de él.

Jesse y Céline (Ethan Hawke, Julie Delpy) un norteamericano y una francesa, conforman esa pareja que disfruta de dos hijas, pero que no puede olvidarse del hijo de Jesse que él quiere atraer a su nuevo hogar sin lograrlo. Después de muchas conversaciones en distintos tiempos y espacios que nos permiten conocer su historia de amor y desamor, sus ilusiones y angustias, sus  sueños y frustraciones, los vemos en Grecia donde se disponen a celebrar un encuentro más de sus vidas, con planes de seducción y de conquista que se convierten en un muro de soledad y de silencio. Las palabras empiezan a herir, la cotidianidad los atrapa y el desencanto tiende su sombra en ese anochecer que ahora sí da sus primeros pasos. Dudamos si seguirán juntos ya que todo parece desmoronarse, pero sabemos que ese momento oscuro puede ser el preludio de un futuro mejor, ese ideal de la imperfección que muchas veces termina en un nuevo amanecer.  

Esta película estadounidense dirigida por Richard Linklater hizo su aparición en el 2013, después de Antes del atardecer en el 2004 y Antes del amanecer en el 1995. Estuvo nominada al Oscar por Mejor Guión Adaptado en el 2013 y a los Globos de Oro por Mejor actriz. Sin lugar a dudas nos hizo falta la apreciación de las dos películas anteriores para lograr su verdadera comprensión y valoración. 
 

BLUE JASMINE

Qué buena celebración de nuestro tercer aniversario con Blue Jasmine de Woody Allen.  Nuevamente lo encontramos dirigiendo una película que caricaturiza a las mujeres y en la que hace una crítica a la sociedad americana. Vemos en ella a esa clase emergente y trabajadora de Nueva York donde el perdedor o fracasado manifiesta dolores extremos y vive una crisis que lo lleva a un choque con la realidad. Es el personaje de Jasmine (Cate Blanchett), una mujer atractiva y elegante, manipuladora y egocéntrica, incapaz de salir adelante sin la compañía de un hombre adinerado que todo lo da, hasta el punto de mostrar a su lado habilidades sociales y tener éxito en la alta sociedad. Y cuando él falla, cuando se descubre su rostro de estafador, todo se desmorona. Actúa como una demente, toma vodka y antidepresivos, habla sola sin interlocutores y sin comunicación alguna con la sociedad. Acude entonces a su única tabla de salvación, su hermana Ginger (Sally Hawkins). Llega a su hogar en San Francisco y encuentra a una mujer trabajadora, pero burda y sin mayores aspiraciones que cambiar constantemente de compañero y llevar una vida libre. Se da un choque profundo entre estas dos hermanas que poco han compartido en la vida, salvo su adopción a edades tempranas y la presencia de una madre protectora de Jasmine. Difícil para ella salir de esta encrucijada y poder diferenciar la realidad de la fantasía, el bien del mal.

Una producción del 2013 y candidata a los premios Oscar de este año, con tres nominaciones por guión, actriz principal y actriz secundaria. Un retrato completo de las mujeres vulnerables, histéricas e insatisfechas que se conocen poco a sí mismas. Una burla al falso romanticismo, a ese  tipo de relación que raya en el consumismo, donde se cohonesta con el otro, con el engaño para no dejarse atrapar. Una comedia romántica con un tono triste y en una combinación de tiempos narrativos -pasado y presente-, en la que Woody Allen intenta nuevamente describir a las mujeres. ¿Lo logra? Parece que seguimos siendo impredecibles y difíciles de definir. 

“Woody está fascinado por las mujeres. Las adora. Está enamorado de sus excentricidades, de sus emociones, de su forma de pensar, de su psicología, en ocasiones extremas, de cuán pintorescas podemos llegar a ser”.  

Cate Blanchett 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director

2013: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original

2013: Premios César: Nominada

NUESTRO ANIVERSARIO

Han sido tres años de satisfacción por el sentir y el disfrutar los placeres del séptimo arte.

 

Tres años compartidos en una cálida amistad que nos regala lazos de  unión y de complicidad en las tardes dedicadas a nuestro CINECLUB SALAMANDRA.

 

Tres valiosos años que, sin lugar a duda, han enriquecido nuestras vidas.

                Agradecemos las visitas de quienes nos han acompañado en este tiempo y han sido parte activa de este blog.

                         Esperamos seguir publicando nuestras experiencias y comentarios por muchos años más.

 

CHOCOLAT

Una película que logra atraparnos como en un cuento de hadas, donde el blanco y el chocolate son un bálsamo para el alma y donde todo se presenta como en un ambiente mágico. Vemos en ella a Vianne Rocher (Juliette Binoche) quien llega acompañada de su hija a un poblado francés llamado Lansquenet. Allí solo se respira moralismo y represión pues se vive en un ambiente conservador que no da cabida a lo nuevo y mucho menos a lo ajeno a su catolicismo. Vianne, que es indiferente a su religión, llega con su hija ilegítima, abre una tienda de chocolates en cuaresma y frente a la iglesia del pueblo donde trabaja hasta los domingos. Encuentra entonces un rechazo enorme de sus pobladores que poco a poco logra trasformar en aceptación a través de sus dulces y pasteles que contienen el aroma con que atrapa a cada uno de ellos, y convierte este alimento seductor en un remedio para sus males. Sin embargo, hay repudio de sus dirigentes que la persiguen y encuentran la manera de atacarla en uno de los eventos que ella realiza, el festival del chocolate. Por fortuna, algo cambiará el cambiará el final de esta historia. Vianne, que ata nudos y que es buscadora de lazos podrá desafiar todos los pronósticos negativos.

 

Con un lenguaje hipnótico y con un buen ritmo narrativo, Chocolat invita a la sensualidad no solo de la piel, sino también del gusto y del olfato. Las imágenes en tonos pastel, el viento, la música sensual y serena, y la actuación de su protagonista dan magia a esta historia que es toda una metáfora a la vida y a la libertad. Una especie de fábula donde se hacen visibles los trajes rojos de sus protagonistas y los pasteles que atrapan, la presencia de un juglar que enamora a Vianne, los platos girando como la rueda del destino, y la imagen del río con la idea de ventura. También refleja el poder político de una época -1959- en que la religión y el clero dominan y reprimen hasta crear solo insatisfacción. En el año 2000, esta película británica clasificada como comedia romántica obtuvo cinco nominaciones a los premios Oscar: mejor película, mejor actriz principal, mejor actriz de reparto, mejor guión adaptado y mejor música. 

ANTONIA

 

Antonia, una mujer librepensadora y respetuosa del pensamiento del otro, asume con autonomía el liderazgo de una familia que crece a su alrededor en un ambiente campestre holandés alrededor del año 1945, después de la II Guerra Mundial. A su lugar de origen, regresa convertida en madre de una hija y con ella asume la tarea de salir adelante y ser ejemplo de lucha y de entrega desmedida al otro. En 50 años, logra cambiar el entorno frío, machista y oscuro donde vive por un lugar acogedor donde todos tienen cabida y se respira un diálogo de miradas que fomenta la paz y la concordia. Antonia es la autoridad moral de su grupo familiar y social, una persona de avanzada y demasiado generosa que respeta la diversidad y logra convertir el ambiente del campo en un paraíso. Cuatro generaciones crecen allí, cada una con nombre de mujer -Antonia, Daniela, Teresa y Sara-, capaces de crear en su poblado un laboratorio de tolerancia, frente a un tradicional mundo masculino que intenta sofocarlas y excluirlas.

Toda una reflexión sobre el tiempo humano que va tejiendo la vida y va dando vueltas hasta asumir con simplicidad esa relación hombre-naturaleza. Reivindica, a su vez, temas como el amor y el sexo tratados con absoluta independencia por madres e hijas que tienen la habilidad de atraer otras personas a su generoso clan. Un mensaje incluyente y solidario, cercano a esa red que intentamos construir las mujeres en el quehacer diario; esa búsqueda  de una educación permanente capaz de liberar ese potencial que nos asocie y nos permita la fraternidad. Muchos otros mensajes se tejen en esta historia de espíritu feminista, ganadora del Premio Oscar a la Mejor Película Extranjera en 1996, dirigida por Marleen Gorris y protagonizada por Willeke Van Ammelrooy.

La directora holandesa Marleen Gorris, es una reconocida activista del movimiento feminista, los derechos de las personas homosexuales y la libertad sexual en general.

LAS SESIONES

POEMA DE AMOR PARA NADIE EN PARTICULAR

“Déjame tocarte con mis palabras,
ya que mis manos yacen inertes
como guantes vacíos.
Deja que mis palabras
acaricien tu cabello,
se deslicen por tu espalda
y te cosquilleen el vientre,
ya que mis manos tan livianas
y aladas como ladrillos,
ignoran mis deseos
y se rehúsan tercamente
a realizar mis más
silenciosos deseos.
Deja que mis palabras
entren en tu mente
portando antorchas,
déjalas entrar
voluntariamente a tu ser
para que te acaricien
suavemente desde dentro”.            Mark O´Brien
 

La vida de este escritor y periodista americano, Mark O´Brien, es el tema de la película Las sesiones. Padeció de una poliomielitis en su infancia y al quedar tetrapléjico permaneció sin movimiento en una cama dependiendo de un respirador artificial. Sin embargo, a través de una camilla eléctrica pudo llegar a la universidad, licenciarse en literatura anglosajona, ingresar a la Escuela de Periodismo de Berkeley y abrir las puertas para que otras personas con sus mismas condiciones tuvieran el mismo acceso. Escribió varios ensayos, artículos y poemas, entre los que se encuentra el Poema de amor para nadie en particular que aparece al final de este film americano del 2012 cuyo director y guionista es Ben Lewin. 

Respirar es una fortuna para quien no puede valerse de su cuerpo y está ansioso de un abrazo. Sabe que puede vivir con el corazón y a través de él realizar un viaje ayudado por su voz y sus palabras. Porque no hay nada que toque más que las palabras y con ellas iniciar ese contacto con el otro, con ese ser deseado que pueda llevarlo a experimentar el anhelado placer sexual. Y es que nuestro protagonista, a sus 38 años, solo ha intentado vivirlo consigo mismo en su soledad. Así, Mark O´Brien (John Hawkes) inicia la búsqueda de una terapeuta sexual Cheryl Chen-Greene (Helen Hunt),  que no es una prostituta y con la asesoría de un sacerdote amigo (William H. Macy) descubre que puede aprender a reconocer su cuerpo y a encontrar placer a pesar de su discapacidad. Con ella pierde su virginidad, recorre caminos inexplorados y descubre el valor del sexo y del erotismo. En seis sesiones reglamentarias y sin moverse de su cama, recorre el mundo, lo recrea junto con ella y van a la búsqueda de un placer infinito que solo las palabras pueden conjugar. Todo un homenaje al orgasmo simultáneo  y al sexo como parte de la emocionalidad, sin manejo de culpas y sin represiones. Un mensaje muy positivo para esta sociedad en la que el sexo se ha trivializado hasta el punto de ser manipulado por los medio, aprovechado también por la religión con el eterno manejo de la culpa para frenar al ser humano.  

Una película que ha recibido muchos premios y nominaciones entre las que se destaca la nominación al Oscar 2012 por la mejor actriz secundaria (Helen Hunt) y el premio del público y mejor reparto en el Festival de Sundance. Con diálogos muy profundos y un excelente tratamiento de la intimidad, descubrimos las maravillas que hace la educación ayudada, por supuesto, del dinero. Un trato honesto y emotivo al tema del sexo y la discapacidad.

 

EL HOMBRE QUE AMABA A LAS MUJERES

“Las piernas de las mujeres son compases que recorren el planeta en todo sentido dándole equilibrio y armonía” Bertrand

Como en un monólogo, podemos ver al protagonista de esta historia -Bertrand- que sin tratar de esforzarse por ser viril, logra conquistar un buen número de mujeres a las que les permite ser felices a su lado, así sea unas pocas horas. Esto lo escribe en su biografía dedicada a describir sus experiencias eróticas con ellas. No busca una relación a largo plazo ya que no le interesan las mujeres como tal, únicamente el sexo. Al parecer solo tuvo una relación duradera de la que salió perdedor y en adelante vive la relación con ellas de manera desaforada. La compañía femenina le es indispensable únicamente para saciar sus necesidades sexuales y afectivas, dándole a cada una lo que cada una quiere. Además copia el comportamiento de su madre, del que fue víctima en su infancia cuando la veía casi desnuda exhibiéndole sus piernas y buscando en el sexo su forma de vivir. Todo un tópico freudiano que exhibe las teorías edípicas con un trasfondo psicológico fuerte en el que las piernas juegan un papel importante. Así, este Casanova que conoce la debilidad de las mujeres, descubre la manera de atraerlas con su ternura, galanteo y creatividad. Porque nunca es agresivo y tiene una forma especial de conquistarlas hasta ganarse su atención y su corazón. Pudiera decirse que solo ama la idea del amor como lo demostró hasta su muerte.

¿Por qué se espera encontrar en tantas personas lo que se podría encontrar en una sola? Es la pregunta que muchas veces nos hacemos al enfrentarnos a estos casos de conquista múltiple o de soledad acompañada. Vivimos una época que acabó con el ritual del enamoramiento y de la conquista porque todo se trivializó, hasta las relaciones de pareja. Solo interesa el sexo por el sexo y las relaciones libres entre hombres y mujeres. Es cierto que se busca la libertad, pero también encontramos que con la premisa de “somos libres” evitamos cualquier enamoramiento o acercamiento al temible tema del amor. “Somos libres” marca esa libertad y esa negativa al contacto generoso con el otro. Una película que explora las relaciones del hombre y la mujer en estos tiempos de cambio.

L´Homme que Aimait les Femmes es el título original de esta película, mezcla de drama, comedia y romance, dirigida por Truffaut en 1977. Truffaut, que murió en 1984, era un hombre que amaba a las mujeres. Por algo dirigió una película con este título y por algo dijo lo siguiente:

“La mujer domina siempre la situación; domina antes, durante y después. Y también cuando una mujer cambia de amor, su reacción es muy bonita, porque la mujer que ha dejado de amar detesta su vida anterior, y aunque él se tire por la ventana es igual; ya no tiene corazón, no siente nada. Si el otro la quiere, ella hace sus maletas y se va con él. Una mujer sabe partir. El hombre no. Tiene todavía un pie dentro, otro fuera, está preocupado, se pasea”.

 

GRAVEDAD

 

 

En tiempo de receso quisimos aprovechar lo más novedoso que nos ofrece la pantalla gigante en nuestra ciudad –que muy pocas veces es interesante para nosotras- y le dimos un sitio especial a la película GRAVEDAD. Al parecer se aleja de nuestra temática habitual, pero encontramos en ella un espacio gigante para profundizar en la validez humana y especialmente en la forma en que dos personas enfrentan las dificultades. Sus protagonistas, Ryan Stone y Matt Kowalsky, él y ella en el espacio, se encuentran a la deriva después de un accidente de su nave, carentes de gravidez, asediados por trozos de satélites y basura espacial, y luchando por sobrevivir y por regresar a la tierra. Tratan en vano de establecer comunicación con alguien mientras se les va acabando el oxígeno y van sorteando la terrible tormenta que los asedia. No hay posibilidad de rescate y el pánico se apodera de ella, mientras su experimentado compañero intenta tranquilizarla y darle un aliento para salir adelante. Difícil enfrentar esta catástrofe de dos seres humanos atrapados en la nada y donde parece imposible mantener la vida y rescatar esa fragilidad humana. Y es ella, la mujer, quien realiza su primer viaje espacial, la que debe demostrar su capacidad para desafiar todas las adversidades. Es ella, lejos de todo contacto humano pues ha quedado sola  y sin esperanzas de salvarse, la que debe sobreponerse a las dificultades dando la lucha a favor de la vida. Todo un viaje al interior de su ser, toda una prueba a su validez como ser humano deseoso de vivir y de volver a la tierra.

Sorprende que una película de suspenso y de ficción, hecha con la más moderna tecnología jamás mostrada en la historia del cine y en un largo tiempo de preparación y ejecución –alrededor de seis años-, tenga el respaldo de un director mejicano, Alfonso Cuarón, quien también escribió el guión con su hijo Jonás.  Sus protagonistas, Sandra Bullock y George Clooney, dan muestras de un excelente desempeño y mucha disciplina en su trabajo actoral que logran transmitirnos verdadero suspenso, diversión y arte por lo bien lograda. Se espera una valoración positiva por parte de la crítica que ya ha iniciado su trabajo para la ceremonia de los Oscar 2014. Una película para ver en una sala de cine y en 3D.

“A lo largo del filme hay referencias visuales constantes
de la Tierra como un sitio hermoso y protector.
Flotando arriba hay una mujer que está aislada de ella y cuidándose sola.
Quisimos explorar el potencial alegórico de un personaje en el espacio que
está moviéndose en espiral hacia el vacío, víctima de su propia inercia,
alejándose de la Tierra donde radican las conexiones vitales y humanas.
Entre todas las herramientas y efectos, siempre tuvimos claro que la lucha de Ryan
es una metáfora sobre cualquiera que debe superar alguna adversidad
en la vida y llegar al otro lado. Es un viaje de renacimiento”.
Jonás Cuarón

 

MANOS MILAGROSAS

 

Primera película hecha para televisión basada en la historia real de Ben Carson, un famoso neurocirujano estadounidense que nació en 1951 y su vida es un ejemplo para millones de jóvenes. Su director, Thomas Carter, la realizó en el año 2009 y logró mostrar en 90 minutos un buen filme que ha constituido un reto para quienes buscan traspasar las fronteras de su raza y condición social  con esfuerzo y tenacidad hasta alcanzar sus metas. Está protagonizada por Cuba Gooding Jr. y Kimberly Elise.

"Tú puedes hacer todo lo que los demás pueden, solo que mejor”.

“No encuentres el libro. Tú tienes el libro dentro de ti”.

“Debes mirar más allá de lo que ves”.

El mejor neurocirujano del mundo va a su pasado y encuentra a un niño negro, con escaso interés por el estudio y dificultades en el aprendizaje, sin padre y sin recursos económicos en su familia compuesta solo por su madre, su hermano menor y él. Sin embargo, posee la mayor riqueza: una madre luchadora y empeñada en la superación de ellos. No sabe leer ni escribir, pero trabaja en la casa de un intelectual rico donde aprende el valor de la educación y la cultura que debe traspasar a sus hijos. Busca esos enemigos del aprendizaje y de los jóvenes de hoy, los enfrenta y se sobrepone a ellos. Fomenta entonces el desarrollo de la imaginación y la creatividad en sus hijos y la fe en ellos mismos, y los familiariza, aún contra su voluntad, en valiosas prácticas como la lectura, las matemáticas, el programa de preguntas y respuestas por tv, la música clásica, la visita a museos y bibliotecas, el cine y la pintura. Con firmeza, se convierte en una verdadera heroína que crea el ambiente, la disciplina y las armas propias para que sus hijos enfrenten el mundo. Es así como Ben Carson llega a convertirse en el especialista más reconocido en EU, con unas manos milagrosas para enfrentar grandes retos en su trabajo como neurocirujano desde 1961 a 1987. El mayor reconocimiento lo obtiene a través de la separación de unas siamesas unidas por la parte posterior de sus cabezas, tema que se incluye en esta película y que significó meses de preparación y 22 horas de ejecución.

Un buen ejemplo para todos. El amor de una madre valiente y luchadora por el crecimiento intelectual de sus hijos, con la fe puesta en Dios y en la confianza de sobresalir a pesar de las adversidades.

LA GUERRA DE LOS BOTONES

Algunos conceptúan que “la guerra es una especie de catarsis social” que la humanidad necesita para sacar de la psique tanta angustia, dolor y presiones de la vida. Una guerra que esperamos agonice y la humanidad se canse al fin de sobrevivir para matarnos. Es cierto que la lucha es propia del ser humano y que hemos vivido bajo el estandarte de guerreros y criminales enfrentándonos a la violencia en todo su rigor, pero consideramos que ya es tiempo de sacar una generación que sea capaz de buscar la solución. Las nuevas generaciones deben educarse bajo el lema de la no violencia y evitar que el ser humano esté buscando siempre la razón para vengarse. Ahora, ser correcto, debe apuntar a la no guerra, a la no agresión, al pulimiento de esa psique perversa que tanto mal nos ha hecho. La inquietud es ¿cómo educar para el postconflicto, para incluir, para encontrar la diferencia, para ser correctos usando la razón?

 

Esa guerra es la realidad de esta película en la que los botones están representando una situación anómala. En un poblado de Francia, en 1944 cuando todavía hay huellas de la ocupación alemana, en la segunda guerra mundial, se enfrenta un grupo de chicos llamados los pillos de Longeverne con otro grupo de un pueblo vecino, los Velrans, y en cada uno de sus encuentros -que parecen una verdadera batalla campal- deciden arrancar los botones de la ropa del equipo que resulte vencido. Quien más botones adquiera, será el vencedor. Esta situación mina la estima del grupo perdedor ya que no solo implica arrancar los botones sino la humillación y las burlas que reciben del contrincante a quien siempre han odiado. Así vemos al héroe virtuoso ufanándose de su papel y al grupo vencedor burlado e intentando cambiar su rumbo en la próxima lucha que cada vez adquiere tintes de mayor agresividad. En medio de esto, se encuentra una niña judía que ha logrado camuflarse entre la población y hacerse amiga del grupo de Longeverne, quien recibe especial atención de su líder. Más tarde cuando se desata el temor entre todos los niños por la llegada de militares alemanes a su pueblo, todos se unen para ayudarla a salvar de esta persecución nazi, con la ayuda del profesor y de los adultos que aportan para que la verdadera guerra no traspase sus fronteras.

Una película francesa del 2011 basada en la novela del mismo nombre de Louis Pergaud, con la dirección de Christophe Barratier. Es una crítica a la constante rivalidad entre los hombres, así parta de un juego de niños y parezca una situación cómica. Por fortuna, tiene un final acogedor ya que se logra la unión, y la solidaridad hace su camino en la búsqueda de una verdadera solución.

INVICTUS

"El perdón libera el alma y elimina el miedo. Por eso es un arma tan poderosa".

“¿Cómo ha podido pasar 30 años en una celda minúscula y luego salir y perdonar a los que lo encerraron ahí?”
 

"Si no puedo cambiar cuando las circunstancias lo demandan, ¿cómo puedo esperar que los demás lo hagan?"

"La educación es el arma más poderosa que puedes usar para cambiar el mundo".

“El deporte tiene el poder de cambiar el mundo. Tiene el poder de inspirar, el poder de unir a la gente de un modo que pocos consiguen”.

Mandela: ¿Qué posibilidades tenemos de ganar la copa mundial de rugby?
Asesor: Según los expertos no podremos pasar de cuartos de final.
Mandela: Según los expertos, tú y yo deberíamos seguir en la cárcel. Y aquí estamos presidiendo el país.
 

Un ejemplo total de reconciliación a través de un guía que cambia la mentalidad de un país es la esencia de Invictus. La imagen es Nelson Mandela. Un hombre grande que sembró el perdón después de pasar más de 27 años en una cárcel y se atrevió a rescatar a Sudáfrica de las garras del Aparheid, buscando la igualdad entre todos, negros y blancos. Y lo hace a través de un lenguaje universal, el deporte. Así Mandela, ya liberado y ejerciendo como presidente de su país, busca al capitán del equipo de rugby, Francois Pienaar, y juntos crean la manera de conseguir que su equipo pueda llegar a la final de la Copa del Mundo de ese deporte en 1995. Extraordinario que alguien quiera dar una imagen política mediante el deporte y más válido aún que a través del ejemplo de un equipo se empiece a generar identidad en una nación que por años estuvo sometida a discriminaciones raciales. Mandela logra entonces equilibrar las aspiraciones de los negros con los temores de los blancos, sin acabar con ningún grupo, ni tratar de vencerlo, sino de balancear esta relación. Toda una obra centrada en el perdón y en la reconciliación que tuvo eco en todo un país que pudo cambiar de opinión, no con temor sino con persuasión. Hay que ceder para poder perdonar es lo que promueve este líder de la liberación étnica con un mensaje de paz y de tolerancia. El relato de este milagro lo hace John Carlin, el autor del libro El factor humano en el que se basó el director de esta película, Clint Eastwood. 

Queda la reflexión para nosotros, los colombianos, que no hemos podido lograr nuestra identidad. Se hace necesario pensar en nuestra historia y en todas en todas las exclusiones sociales que a diario vivimos. Tenemos tristezas en casi todas las familias de nuestra patria y el odio y la venganza luchan por imponerse de un modo visceral. La parte económica domina y la corrupción se implanta hasta el punto de que todos queremos salir adelante sin importar cómo. Urge entonces la búsqueda de soluciones. Los tiempos cambian y nosotros tenemos que cambiar. Empezar por cambiar nuestro ser en el decir. Hemos llegado a un lenguaje “guerrerista” que invade todas las esferas de nuestra cotidianidad. Hay que desarmar el lenguaje, empezando por la televisión, lo que exige un manejo diferente de éste por otro que pueda sembrar la pedagogía que necesitamos para perdonar y renovarnos. Una transformación que impregne todas las relaciones y reanime ese deseo de creer y confiar en el otro.

INVICTUS

En la noche que me envuelve
negra como el abismo insondable,
yo agradezco al dios que fuere
por mi espíritu inconquistable.

En las azarosas garras de las circunstancias
yo he gemido pero no he llorado
Bajo los golpes del destino
mi cabeza ensangrentada sigue erguida.

Más allá de este lugar de furia y lágrimas
donde yace el Horror de la Sombra,
la amenaza de los años
me encuentra, y me encontrará, sin miedo.

No importa cuán estrecho sea el camino,
cuán cargada de castigos la sentencia,
soy el amo de mi destino:
soy el capitán de mi alma.

                                       Poema escrito por William Ernest Henley en 1875, que Mandela entrega al capitán del equipo de rugby para animarlo a ser líder de su causa, buscando el éxito. 

http://www.eltiempo.com/gente/entrevista-con-el-periodista-john-carlin_12890270-4
 

UNA FAMILIA EN APUROS

 

Llamada también “Abuelos al poder”. Esta comedia americana fue dirigida por Andy Fickman y fue estrenada en diciembre de 2012. La historia se ubica en una familia compuesta por los padres y tres hijos que deben dejar al cuidado de sus abuelos mientras ellos viajan de vacaciones a otra ciudad. No es fácil hacerlo cuando sus hijos desconocen la forma de vivir de sus padres y jamás han estado encargados de esta tarea, que supone un total control del hogar y manejo de tecnicismos propios; es decir con una “casa inteligente” que  desconocen por completo.  Viejos y nuevos métodos de enseñanza chocan hasta encontrar técnicas ajustables a la realidad y a la forma de ser de estos pequeños. Al parecer es una película para divertirse, pero con un contenido valioso sobre la educación de los hijos y el valor de los abuelos en la vida actual.

 

Las familias crecen ahora con muchas dificultades y generalmente, son los abuelos quienes ayudan a que este proceso sea menos fatigante porque ellos equilibran esa relación de padres e hijos y hacen que las exigencias de una y otra parte sean más manejables. Son los abuelos quienes tienen la sabiduría que va dando la vida y enfrentan las situaciones con menos temores a equivocarse; ya saben reconocer el error y no le temen a ello. En contraste con esto, vemos en el extremo a padres imbuidos en el mundo de la tecnología queriendo buscar la perfección y por ende, intentando estar más cerca de los hijos. ¿El resultado? Claramente nos lo muestra esta película: Una familia en apuros. Se da en ella marcados abismos generacionales que por un lado muestran a los padres imbuidos en teorías de la perfección, llenos de rigidez y tecnicismos; y por otro lado, a los niños tiranizados por los adultos, con agenda y sin control del tiempo. Reciben una educación experimental, tan de moda e impersonal y tan llena de tecnicismos, que se teme decir NO y se vive con todos los derechos, pasando por el umbral de la permisividad muy fácilmente.

Una película recomendada para parejas jóvenes que deben comprender la diferencia entre lo real y lo virtual, y sacar a flote ese sentido común que se ha ido perdiendo en nuestra sociedad. Muchos contrastes podrán apreciar con mucho humor, aunque también con algo de melancolía. Hay que reconocer que se pierde igual, por exceso o por defecto. Vale la pena anotar el comentario de una de nuestras compañeras: "Somos la última generación que le tuvo miedo a los padres y la primera que le tiene miedo a los hijos".
 

DELICADEZA

 

Resulta difícil romper con los estereotipos valorados por el cine para el acercamiento de un hombre y una mujer y, precisamente, para establecer una relación de pareja. Siempre se ha buscado el encuentro fácil de dos estrellas que formalizan una relación, cargados de belleza y de atributos y los pone frente a frente para realizar las vivencias propias del formato propuesto. Sin embargo, en esta película del año 2011, dirigida por los hermanos David y Stéphane Foenkinos y protagonizada por Audrey Tatou, la situación cambia y el resultado es un formato raro que va desde lo simple y común a lo tierno e inesperado.  Con una visión diferente se reivindica la fuerza de lo sensible, lo sencillo, lo noble y bondadoso. Muestra en ella cómo reconciliarse con la vida: aunque ésta nos golpee hay que seguir adelante, aunque se nos mueran los seres que amamos, hay que continuar con ella. Es el caso de Nathalie, una joven que desborda pasión y vitalidad, y de pronto debe asumir inesperadamente la muerte de la persona que ama y elaborar su duelo de manera rápida pues ha empezado un trabajo que tiene la inmersa y la convertirá en una brillante trabajadora. Su jefe se ha enamorado de ella, pero esto poco le interesa a Nathalie. Después de algunos años, un día cualquiera y sin ninguna razón, ella sufre un arrebato en el que le da un beso apasionado a uno de sus compañeros de oficina, Markus (Francois Damiens), que jamás se había atrevido a mirarla. De inmediato, él inicia un proceso de conquista en el que no tiene éxito, ya que ella lo desconoce por completo. Continúan sus encuentros en la empresa en los que él con infinita bondad y ternura, aunque con torpeza e inseguridad, insiste en su tarea de lograr un acercamiento a ella. Poco a poco es aceptado y para sorpresa de todos logran traspasar la barrera de la amistad.

Al parecer, la protagonista de esta película vuelve a la vida a través del amor que se va tejiendo en la cotidianidad, con esas cosas simples y con esa alma de niño de su compañero que termina “escondiéndose en el jardín de su corazón”. Logra entrar allí con respeto, dejándola ser y encontrando una mejor versión de sí mismo. Porque él, a pesar de ser un nórdico inexpresivo y poco agraciado, le da equilibrio y sostén a ella. Así todo el mundo se sorprenda y vea esta relación como improbable. Una historia que muestra lo impredecible que puede llegar a ser enamorarse. Una comedia francesa que recaudó seis millones de dólares en este país  y estuvo nominada a los premios César en las categorías de mejor ópera prima y mejor guión adaptado.  
 

LA FUENTE DE LAS MUJERES

  “La mujer es un pájaro

que anuncia el amanecer.

Es la energía

que hace avanzar el tiempo”.

 “Muchas hormigas baten a un león”.

“A nosotras las mujeres la paz no nos da miedo”.

 “¿Por qué hemos de tener menos voz y voto que los hombres sobre nuestro futuro? No debemos temer”.



Una protesta a los abusos cometidos contra la mujer árabe es la esencia de esta película. Nos representa la lucha de las mujeres de todas las edades en la cultura musulmana por lograr una igualdad de género, con argumentos firmes y actitud rebelde, hasta implantar una revolución sin armas. Así, encontramos cómo de manera pacífica, con humor y poesía, llegan a cambiar su realidad en un ambiente marcado por el aislamiento propio de países del tercer mundo; y por una interpretación de la ley islámica, acomodada a la conveniencia del más fuerte. Esto sucede en una remota aldea del norte de África, donde se carece de transporte y de contacto con el exterior, sin agua, ni electricidad, ni atención del estado. Allí, los hombres son tratados con benevolencia, y las mujeres son las encargadas de traer el agua desde una lejana montaña y buscar toda forma de manutención de la familia. Son esclavas de un trabajo que diezma sus vidas, pues muchas han muerto en los largos recorridos que deben hacer a diario para alcanzar la supervivencia de la población. En medio de esta situación, aparece una mujer joven llamada Leila (Leila Bekhi) que procede de una aldea diferente, que sí sabe leer y escribir, y no logra entender la actitud de sumisión de sus congéneres. Con la complicidad y la ayuda de la persona que ama, Sami, se empeña en cambiar las costumbres de este mundo rural, dando peso al trabajo del hombre y buscando dignificar la esencia femenina. Muchas dificultades debe vivir para lograr ese cambio y muchos rechazos encuentra entre sus habitantes por ser ella la que lo impulsa. Su propósito inicial es negarse a satisfacer los deseos sexuales de sus maridos hasta que ellos no lleven el agua al poblado.

 

A pesar del tema planteado, se vive en esta película una fiesta de principio a fin. Una celebración de la diversidad en el amor para evitar la violencia y hacer con ello un homenaje al cuerpo que se decide a decir NO. No al maltrato femenino, no al dominio del hombre, no al sometimiento de la mujer a los cánones de ellos y para ellos. SÍ, en cambio, al amor por la vida, a la búsqueda de esa fuente que inunda el alma de paz. Se asume el cuerpo como un botín de guerra, como un territorio marcado por la violencia, que logra alcanzar niveles de igualdad hasta lograr ese andar paralelo de hombres y mujeres. Se destaca también la presencia de la televisión mejicana cuando las mujeres entran en contacto con la civilización, una manera de hacer un paralelo con esta cultura caracterizada por el machismo tan presente en sus telenovelas. A esto se le añade la incursión del celular, como una sorpresa para el espectador que entiende esta transición de lo rural a lo urbano, y que es, a la vez, una invasión desmedida de la tecnología en el mundo moderno.

Con humor picante y con la presencia de la música árabe que inunda las trovas y la lírica de los juglares se hace toda una exhibición de la expresión folclórica en esta cultura que emplea el canto como protesta. El franco-rumano Rau Mihaileanu es el director de esta película del 2011, que fue nominada a los premios Cesar por mejor actriz y mejor vestuario.       

"Nunca hay que darse por vencido. La infinita pequeñez puede resultar más majestuosa que lo que parece más grande".

 

EL OLOR DE LA PAPAYA VERDE

"Si existiera un verbo que expresara la idea moverse armoniosamente, debería aplicarse aquí".

Anh Hung Tran

 

Toda una poesía visual, de ritmo hipnótico casi lento, pero cargada de imágenes de gran belleza que producen en el espectador un goce que lleva a la saciedad. Su composición de estancias intimistas está llena de ensoñación y de un diálogo sutil con lo bello. También con el silencio, que es otra forma de comunicación muy marcada en los orientales que se inclinan ante la naturaleza para hacerle un homenaje de respeto y adoración. Una manifestación de entrega a los sentidos, a ese contacto del cuerpo con infinidad de detalles que resaltan la presencia del aquí y el ahora como protagonista. Imágenes como hormigas cargando piedritas, grillos, sapos, pájaros, lagartijas, mariposas, hojas, flores, velas, porcelanas, cajas decoradas, jarrones, puertas talladas, balcones, la lluvia, el corazón de la papaya verde y otras imágenes ecológicas hacen presencia en esta película a modo de haikú, buscando un asombro instantáneo. Se necesita entonces una disposición previa para disfrutarla con toda la sensibilidad y emoción, y una gran capacidad para dejarse absorber por el movimiento de la cámara, con una sensación voyerista. 
 

Describe la vida de una niña del campo, Mui, que llega a una casa de Saigon donde aprenderá a cocinar y a desempeñarse en las labores del hogar. Allí, al lado de Ti, una vieja sirvienta, conocerá cómo vive una familia conformada por los padres y dos hijos donde éstos reciben el ejemplo de un padre irresponsable y son víctimas de los sufrimientos de una madre  sumisa y abnegada. Mui convierte el trabajo doméstico en un arte que la lleva a la apreciación estética presente en todas imágenes que la rodean. No se deja amilanar por las difíciles circunstancias familiares que muchas veces intentan vulnerarla, más bien hace caso omiso de ellas y busca la paz interior en su contacto con la naturaleza. Termina representando la abnegación y la obediencia -propia de la mujer vietnamita del siglo XX- de manera no consciente ya que su motor es la contemplación de la belleza natural. Por fortuna, en esta exploración que desentraña capas profundas de la realidad y de diversas estancias mentales, Mui encuentra su felicidad. Toda una evocación al papel de La Cenicienta en nuestra cultura occidental. Se nace pobre, se crece en medio de dificultades con una vida sencilla, y se logra la felicidad como premio a ese estilo de vida.  

Su director, el vietnamita Anh Hung Tran, realizó esta película de 103 minutos en el año 1993 y fue nominada al Oscar como mejor producción extranjera. Ganó el premio de la Juventud a la mejor cinta francesa en el Festival de Cannes, en el mismo año. Es considerado todo un poeta que confía en su sensibilidad e intenta transmitir placer, buscando la armonía entre el hombre y la naturaleza. 

LA CAZA

"Hoy es el día en que los niños se vuelven hombres y los hombres niños"

 

 

En un tema similar a “La duda”, encontramos ahora a Mads Mikkelsen viviendo una dificultad semejante en un poblado de Dinamarca que lo hace blanco de falsas acusaciones y lo deja sin palabras ni argumentos para defenderse. Nada hace para salvarse, ni limpiar su nombre de toda culpa. Es un profesor entregado al cariño de los niños y a jugar con ellos en sus ratos libres mientras se recupera de un duro divorcio. Lejos está de su mente que pueda ser señalado en su ambiente educativo como una persona peligrosa que ha buscado a una de sus pequeñas para saciar sus deseos pederastas. Difícil creerlo, pero una de sus estudiantes, una niña de cinco años, ha asegurado ante la rectora y el psicólogo del colegio que Lucas le ha enviado un mensaje amoroso y ha tratado de abusar de ella. De inmediato, corre la noticia y son citados los padres de familia a una reunión en la que se les informa sobre esta situación. Todo el pueblo termina dándole la espalda a Lucas, desaparecen sus amigos de juego y de taberna, y es detenido justo cuando llega su hijo adolescente a vacaciones. Difícil será para este chico afrontar el rechazo del pueblo hacia su padre y más difícil aún para Lucas limpiar su nombre; él que poco hace por lograrlo y que termina siendo inocente, aunque su nombre ya ha sido manchado y ha encontrado la destrucción de su vida social, laboral y sentimental.

Un drama psicológico que muestra la necesidad de limitar la espontaneidad y el cariño hacia los niños en ambientes cerrados donde se juzga con facilidad y donde los medios de comunicación ayudan a confundir las verdaderas intenciones de quienes se acercan a ellos. En este caso, faltó tacto de la directora del jardín infantil que sólo se interesó por difundir la noticia recibida, sin el menor respeto por la búsqueda de la verdad y terminó dándole un tratamiento funesto junto con su acompañante, el psicólogo. Desconocen que la niña, que actúa sin mala intención, es llevada a mentir por influencia de las imágenes pornográficas que su hermano adolescente tiene en su iPad y que ella ha visto. Además causa impacto la actitud acusadora de sus padres, que poco interés desplegaban hacia la educación de su hija, y eran los mejores amigos del acusado. Por fortuna, la policía apuntó a algo bueno, haciendo un seguimiento juicioso del caso y dándole la libertad a la víctima que sorprende en toda la película por su actitud silenciosa y por las manifestaciones de tristeza y cansancio ante la acusación. Queda en la mente del espectador esta imagen inocente cargada de tanta culpa y con tan poca autodefensa que nos lleva a contagiarnos de angustia ante la injusticia, y de molestia por su actitud pasiva tan marcada. Una víctima que termina siendo cazada por los juicios de valor de una sociedad cerrada, con doble moral que cree ciegamente en la acusación de un niño hasta dejar sin palabras al acusado. ¿Valdría la pena defenderse, cuando en nuestra sociedad también se pregona la idea de que todo niño dice siempre la verdad?

Recibió el premio al mejor guión en el Festival de Cine Europeo y al mejor actor principal en el Festival de Cannes en el 2012. Valiosa la interpretación de la pequeña Annika Wedderkopp. Una película que Thomas Vintenberg realizó en Dinamarca en medio de pasajes desolados y ambientes invernales que intensifican el tono duro de esta valiosa cinta.