THE MASTER

LANCASTER DODD: - Nosotros no pertenecemos al reino animal. Somos criaturas muy distintas. Nos erigimos como espíritus, no como bestias. Tú no eres presa de tus emociones. No solo nos es posible, sino fácilmente alcanzable que prescindamos de todo impulso emocional negativo devolviendo así al hombre a su inherente condición perfecta. El hombre no es un animal.

 

LANCASTER DODD: - Parece que ha viajado mucho.
FREDDIE QUELL: - Es la única forma de llegar a un destino

 

 LANCASTER DODD: - ¿Libertad y ausencia de tiranía para ti? Freddie… marinero de los mares. No pagas alquiler. Eres libre para ir adonde quieras. Pues, vete. Alcanza esa libertad sin tierra y buena suerte. Pues, si descubres una forma de vivir sin servir a ningún maestro, sea cual fuere, cuéntanos a los demás cómo lo lograste. Pues serías el primero en la historia del mundo.

 

 

De ritmo hipnótico y de mucha reflexión, esta película nos ubica en la América de la posguerra de los años 50, cuando los excombatientes de la guerra del Vietnam intentan adaptarse a la sociedad y enfrentan enormes dificultades para llegar a ella. Difícil salvarlos de la infinidad de traumas que traen consigo y de su desconexión con el mundo civilizado, lo que se convierte en terreno abonado para el ingreso a religiones que los masifican e intentan en vano satisfacer esa necesidad humana de encontrarle sentido a la vida. Y como hay soledad, vacío interior y desorientación, no es posible hallar esa respuesta dentro de ellos mismos; esperan entonces un salvador. En este caso aparece un maestro que manipula  a gente vulnerable y a través de sus creencias y de la hipnosis hurga en el interior de ella e intenta tomar la rienda de sus vidas. ¿Será posible llevarlos a la normalidad después de haber estado en un campo batalla dedicados a matar a nombre de su país?  

Esta situación la vive Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un veterano de la segunda guerra mundial que llega a su país como un ser inadaptado, reacciona violentamente ante el menor estímulo, sufre de alcoholismo y se muestra obsesionado con el sexo. En una de sus correrías, tras muchos empleos y problemas en ellos, aborda un barco donde encuentra un grupo de seguidores de la cienciología y allí conoce a su líder, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), promotor del movimiento filosófico denominado La Causa. Este carismático maestro entabla amistad con Freddie, conoce sus locuras, su agresividad y sus traumas del pasado, e intenta, por todos los medios atraerlo a su grupo. Sabe de la imposibilidad de encontrar una respuesta a su terrible desazón, pero le urge conquistarlo para dar fe de la validez de sus métodos. Entre sus ideales está la promesa de paz y de darle sentido a la vida combatiendo la ignorancia ya que sus seguidores son diferentes y no pertenecen al reino animal, tampoco pueden estar presos de sus emociones y sus espíritus viajan en el tiempo para tener acceso a vidas pasadas. Freddie es su principal reto y su más terrible lucha es la conquista de este personaje indomable y autodestructivo que cada vez exhibe sus deseos más desenfrenados y aparece más desubicado. Sin embargo, Freddie no desconoce su renovada capacidad de asombro y la intensa búsqueda de su libertad lo que lo llevará a desconfiar de su amo y a poner en duda la inestabilidad de esta relación.  

Paul Thomas Anderson es el director, coproductor y escritor de esta cinta estadounidense de 2012, muy valorada en el mundo cinematográfico. Impacta su temática, su música, su fotografía y el desempeño actoral. Obtuvo tres nominaciones a los Premios Oscar y a los Globos de Oro (mejor actor principal y mejor actor y actriz secundarios) y muchos otros premios como el Festival de Venecia en la categoría mejor actor principal y secundario. Está inspirada en la historia del fundador de la cienciología, L. Ron Hubbard, y en relatos que Jason Robards contó al mencionado director sobre su vida de bebedor en un barco de guerra. Una película que nos ofrece un profundo “análisis del comportamiento humano, de sus limitaciones, frustraciones y anhelos”.
 

J. EDGAR

“La información es poder”

“El amor es la mayor fuerza de la tierra, mucho más perdurable que el odio... o las antinaturales divisiones de la humanidad”

“La mismísima esencia de nuestra democracia radica en la creencia en el valor del individuo, en que la vida tiene un significado que trasciende a cualquier sistema creado por el hombre”


 

     “Salvé a este país de una invasión bolchevique, he librado a este país de los radicales, capturé a Ametralladora Kelly, maté a Dillinger, capturé a Karpis, condené a Hauptmann. Y cuando con mi último aliento quiero volver a salvar al país, ¿me premian con un retiro forzado? No pienso rebajarme ante este hombre, y el mero hecho que me lo sugieras hace que cuestione tu lealtad”. 

Está basada en la historia de J. Edgar Hoover, director del FBI por 48 años (1924-1972), quien sobrevivió a ocho presidentes estadounidenses y logró convertirse en el hombre más poderoso de esta nación americana. Enfrentaba todo lo que se oponía a su forma de pensar, pues lo más importante para él era alcanzar sus metas y combatir el crimen buscando la protección de su país. Fue tan marcado su impacto en el gobierno que transformó las instituciones, persiguió el comunismo y dejó la impronta de funcionario ultraderechista, xenófobo y perseguidor de los artistas. Su personalidad psicorrígida, compulsiva y perfeccionista lo mantuvo tantos años en el poder hasta el punto de morir en él, pues ningún gobernante se atrevió a retirarlo. Muchas veces fue contra las reglas y las normas establecidas logrando vulnerarlas para satisfacer sus deseos y conseguir la aclamación de muchos de sus conciudadanos que lo consideraron un  héroe. Ante sus adversarios se ganó el respeto, invadido de temor. Supo entonces cómo manejar a las masas y utilizar la información que poseía para dominarlas y ejercer control hasta de los líderes más destacados. Por ello, el FBI se convirtió en la institución más poderosa y de mayor influencia en la historia de los Estados Unidos.

Protagonizada por Leonardo Di Caprio que realiza un excelente papel, representando de manera alterna a J. Edgar Hoover joven y viejo, con un maquillaje que sorprende y convence. Su director y productor Clint Eastwood hace una película que matiza mucho el manejo del poder y en términos generales refleja una buena imagen de este hombre contradictorio y abanderado del FBI. Sus personajes más cercanos sobresalen también por su caracterización como su secretaria Helen Gandy (Noami Watts), su compañero Clyde Tolson (Armie Hammer) y su madre Annie Hoover (Judi Dench), las únicas tres personas que pudieron llegar a su intimidad. Fue nominada a los Globos de Oro por mejor actor dramático (DiCaprio) y está catalogada por la National Board Review y el Instituto de Cine Americano como una de las diez mejores películas del año 2011.  

 

HISTERIA

 

Un estudio sobre el manejo real de la sexualidad femenina a finales del siglo XIX es el tema de esta película. Tanya Wesler, su directora, incursiona en este asunto a través de una historia de amor entre el doctor Mortimer Granville, un joven estudioso de dicha sexualidad y  Charlotte, una feminista abanderada de los derechos de las trabajadoras. Es la época victoriana de Inglaterra, cuando aparece Granville en el consultorio del más reconocido terapeuta, el Dr. Dalrymple, encargado de tratar una epidemia que aqueja a un sinnúmero de mujeres adineradas. Allí acudían buscando solucionar, con masajes manuales en sus genitales, los males que las afectaban y que se manifestaban en variados síntomas, lo que ellos erróneamente le asignaban el nombre de “histeria”. Insatisfecho, el joven médico es despedido de este sitio y en sus prácticas médicas que continúa al lado de su amigo Lord Edmund St. John-Smythe, logra crear un mecanismo que reemplaza el trabajo de sus manos por un aparato eléctrico, conocido como vibrador. Las mujeres no son histéricas, lo promulga claramente este médico quien termina reconociendo la causa de esta insatisfacción femenina. Aparece entonces la curación adecuada a los problemas psicosomáticos femeninos tan comunes en una época conservadora en que las mujeres estaban confinadas en sus hogares, atendiendo solo a las demandas masculinas, y su sexualidad era manejada solo por ellos. De igual manera, se empieza a hablar de la unión de las mujeres, de su derecho al voto y del acceso a una educación semejante a la de los hombres.

El respeto por la diferencia es el mensaje de esta película. Está claro que las mujeres y los hombres son diferentes en su sexualidad y que se ha avanzado en este concepto. Es cierto que ha habido una evolución, que la mujer ha dejado de ser ese ente receptor para convertirse en sujeto activo con demandas y oportunidades, pero aún se percibe sumisión. Extraña verlas humilladas y golpeadas, víctimas del machismo y del dominio masculino, en ambientes donde ella también aporta y está capacitada para tomar decisiones que no atenten contra su dignidad. Una especie de insatisfacción y de poca educación en el manejo de su sexualidad les ayuda a asumir este papel denigrante, ajeno a todo concepto de liberación y de autonomía. Y es que detrás de una insatisfacción sexual debiera aparecer la palabra como medio de acercamiento y de búsqueda de una solución entre la pareja. Porque es la palabra ese aliciente que ayuda a provocar ese encuentro entre dos y hacer de este una verdadera unión.

Valioso el trabajo de esta película cargada de humor, con un vestuario y una escenografía muy adecuados a la época.
 

CELEBRACIÓN

Todo un tratado para un estudioso de la psiquiatría es esta película. En ella podemos ver una carga de conflictos psicológicos que se generan en una familia de clase acomodada, carente de valores de integración e interesada solo en las apariencias sociales. Una farsa en la que dominan las actitudes hipócritas y cínicas, sin respeto por el otro, sin diálogos sinceros e invadida de rostros fríos, ajenos a la sonrisa. Dominan las relaciones tormentosas que parecen evadirse en una capa de oscuridad que se extiende al ambiente donde no vemos claridad, ni definición en las imágenes. La única luz aparece al final donde hay un manto de verdad que puede visualizarse gracias a la presencia de la palabra y a la memoria guardada en el tiempo. Termina así un silencio custodiado por años y con valentía se despojan las máscaras de quienes han sembrado el miedo, la mentira y la violencia en esta familia. El entorno tenso, presente también en los espectadores, llega a su fin.

El padre de la familia Klingenfeldt, miembro de la alta burguesía de Dinamarca, llega a los 60 años y todos sus parientes y amigos se reúnen para celebrarlo en una de sus mansiones. Sus tres hijos también acuden y uno de ellos, Christian, aprovecha para descubrir ante todos los asistentes verdades ocultas en el seno familiar por muchos años. Impacta su empeño como hijo mayor, por dar a conocer el trato que él y Linda, su hermana gemela, recibieron de su padre cuando eran niños, igualmente los motivos que llevaron a ésta a quitarse la vida en fecha reciente. Lo hace de manera fragmentada e interrumpida a través de un brindis, en tres ocasiones durante la cena y resulta duro enfrentar al padre ante todos los invitados, pero necesita mitigar su dolor y liberarse de esta carga que lo ha mantenido alejado de la familia por años. Una película de 105 minutos, escrita y dirigida por Thomas Vinterberg y ganadora de varios premios entre ellos, el Especial del Jurado en Cannes y el de Mejor Director en Gijón en 1998. Su director danés explicaba -en esta época- la intención de hacer películas filmadas en ambientes naturales, con cámara al hombro, sin música especial, sin trucos ni filtros, y con sonido directo. Condiciones o normas estrictas que buscaban describir la realidad de manera fiel, resaltando la verdad profunda en cada relato.
 

“…. Era mucho peor cuando papá se bañaba. Más inquietante, no sé si lo recordáis, pero papá siempre estaba bañándose y siempre que lo iba a hacer nos cogía a Linda y a mí y nos llevaba con él a su despacho, porque antes de darse un baño, mi padre, corría un cerrojito, cerraba las cortinas y encendía una lamparita, entonces se quitaba la ropa y nos decía que hiciésemos lo mismo. Luego nos tumbaba en un sofá de color verde que ya no existe y nos violaba: utilizaba sexualmente a sus hijos pequeños”.
 

EN BUSCA DEL DESTINO

 

“Elegimos a quienes dejamos entrar a nuestro corazón”

No podíamos dejar pasar la oportunidad de recordar alguna de las películas protagonizadas por Robin Williams, fallecido recientemente y a quien consideramos uno de los grandes protagonistas de la pantalla grande. En busca del destino, con guión de Matt Damon y Ben Afleck, obtuvo en 1998 nueve nominaciones a los premios Oscar, siendo ganadora de las modalidades mejor actor y mejor guión. Una vez más encontramos pruebas del talento de este actor y de su gran capacidad para educar con sus interpretaciones. No basta con decir que es una película conmovedora, también está cargada de humor, diálogos interesantes y con un excelente elenco.

Tener una inteligencia superior, sin una estabilidad emocional que impulse al ser humano a  emplear todas sus potencialidades y a descubrir lo que realmente quiere, es lo que descubre el psiquiatra Sean Marguire (Robin Williams) en su paciente Will Hunting (Matt Damon) de 20 años. A su consultorio llega un joven rebelde, agresivo e indisciplinado, que resulta ser la única persona capaz de resolver los problemas matemáticos que plantea el profesor Lambeau en una universidad de Boston. No es uno de sus alumnos, es quien hace la limpieza de este lugar y se atreve a dar respuesta a los difíciles planteamientos en un tablero de acceso a los salones de clase. Sorprendido, el célebre docente, busca a alguien capaz de ayudar a solucionar las dificultades emocionales de Will, mientras él intenta salvarlo de la cárcel. Le ofrece el pago de una libertad condicional, a cambio de que trabaje para él e ingrese a una escuela de matemáticas superior. Difícil será para Sean Marguire incursionar en la mente de este joven, descubrir su vida interna y penetrar en un mundo cargado de sufrimientos y angustias que ambos terminan por compartir y superar. También será de gran ayuda, la joven Skylar que llega al corazón de Will y cambia su visión del mundo, ayudándole a comprender el valor de la vida, más grande que sus conocimientos y su mente brillante.

Un drama emotivo que lleva a la solución de los problemas de un desadaptado social, con la ayuda de un buen psicoterapeuta. No es fácil establecer este vínculo ante el que varios profesionales ya habían fracasado, encontrando finalmente quien pueda aceptar los retos de Will, soportarlos en silencio hasta la humillación, ponerles resistencia cuando es posible y destruirlos logrando vencer todas sus defensas. Sean se convierte en su apoyo y en esa luz que le ayuda a salir adelante. En otras palabras, llega a su paciente estableciendo a su vez, una búsqueda de sí mismo; y así mientras lo lleva a explorar sus vivencias enfrentando sus cargas negativas, descubre que él también como terapeuta necesita liberarse de un pasado lleno de recuerdos por la muerte de su esposa que no ha podido superar. Ambos resultan beneficiados, después de un largo periodo de asistencia psicológica que soporta momentos de abatimiento y desesperación. Tanto terapeuta como paciente logran curar sus heridas psicológicas y se establece una relación que los enriquece. Ahora sí cada uno irá fortalecido a perseguir su sueño.

“Tú tienes un billete ganador y no te atreves a cobrarlo”

 

 

SIEMPRE ESTARÉ CONTIGO

ELOGIO DE LA SOMBRA

La vejez (tal es el nombre que los otros le dan)
puede ser el tiempo de nuestra dicha.
El animal ha muerto o casi ha muerto.
Quedan el hombre y su alma.
Vivo entre formas luminosas y vagas
que no son aún la tiniebla.
Buenos Aires,
que antes se desgarraba en arrabales
hacia la llanura incesante,
ha vuelto a ser la Recoleta, el Retiro,
las borrosas calles del Once
y las precarias casas viejas
que aún llamamos el Sur.
Siempre en mi vida fueron demasiadas las cosas;
Demócrito de Abdera se arrancó los ojos para pensar;
el tiempo ha sido mi Demócrito.
Esta penumbra es lenta y no duele;
fluye por un manso declive
y se parece a la eternidad.
Mis amigos no tienen cara,
las mujeres son lo que fueron hace ya tantos años,
las esquinas pueden ser otras,
no hay letras en las páginas de los libros.
Todo esto debería atemorizarme,
pero es una dulzura, un regreso.
De las generaciones de los textos que hay en la tierra
sólo habré leído unos pocos,
los que sigo leyendo en la memoria,
leyendo y transformando.
Del Sur, del Este, del Oeste, del Norte,
convergen los caminos que me han traído
a mi secreto centro.
Esos caminos fueron ecos y pasos,
mujeres, hombres, agonías, resurrecciones,
días y noches,
entresueños y sueños,
cada ínfimo instante del ayer
y de los ayeres del mundo,
la firme espada del danés y la luna del persa,
los actos de los muertos,
el compartido amor, las palabras,
Emerson y la nieve y tantas cosas.
Ahora puedo olvidarlas. Llego a mi centro,
a mi álgebra y mi clave,
a mi espejo.
Pronto sabré quién soy.

JORGE LUIS BORGES

Valioso el inicio que le dimos a esta película con el poema de Borges y que nos puso a tono con el tema de la vejez. Siempre estaré contigo o Still Mine es una historia de verdadero amor, de aceptación, de entereza y de mucha dignidad combinada con una independencia ejemplar que impide dejarse manipular, a pesar de los años y del intento de intromisión de los hijos. Es lo que vive una pareja de ancianos con un criterio fuerte, deseosa de vencer los pronósticos de la edad madura en la que usualmente se espera que se recluyan en su soledad y acepten la ayuda y compañía de los suyos. Lo hacemos en nuestro medio y buscamos sobreprotegerlos para evitarles problemas.

Admirable entonces la actitud de Craig (James Cromwell) quien a sus ochenta años y con un nivel sociocultural alto intenta construir una casa en la propiedad que él tiene y donde ha trabajado toda su vida. Allí, en los campos de New Brunswick, Canadá, encuentra todos los obstáculos imaginables, producto de las exigencias del mundo de hoy. Ya no puede construir su casa en unas cuantas semanas –como lo hacía antes con su padres- y sin los permisos correspondientes. Él, que vive con su esposa Irene (Geneviève Bujold) desde hace 61 años, es consciente de los cambios de la época, de su edad y que les cuesta ganarse la vida fácilmente, pero vence estas dificultades y asume el reto de salir adelante. Tiene fuerzas, espíritu jovial y el sueño de regalarle una casa a la mujer que ama y que empieza a mostrar signos de demencia, por lo que necesita un espacio más pequeño y de un solo nivel. Posee múltiples conocimientos en las áreas de la arquitectura, ingeniería y geología, y también la sabiduría ancestral y la flexibilidad que le da la experiencia; sin embargo, esto no basta para enfrentar las exigencias  modernas. Presenta entonces una resistencia pacífica y civil frente a la burocracia y a los intríngulis de la institucionalidad que lo obligan a seguir lineamientos de la construcción del siglo XXI. Debe respetar la ley y tiene que acogerse a ella ayudado por el poder de la prensa que hace su aparición para salvarlo y conquistar su reto.

Una película canadiense del 2012 dirigida por Michael McGowan en la que la casa es la representación de la memoria, el símbolo de uno mismo, y la mesa es la vida de la familia.  Ganó diversas nominaciones para los premios canadienses del 2013 y sus protagonistas estuvieron nominados al Oscar en este mismo año. Un mensaje edificante que muestra que la edad no es impedimento para la realización de muchos deseos. 
 

“La edad es una abstracción y no una camisa de fuerza”

“Debe ser muy duro levantarse a diario temiendo tropezarse con su propia sombra"

"Esta es una de las ventajas de envejecer. No te importa mucho guardar las apariencias”

“Nos tenemos el uno al otro, lo demás es ganancia"

EL SUEÑO DE ALEXANDRIA

El sueño de Alexandria o The fall en su versión original, del director hindú Tarsem Singh, ganó el premio como mejor película en el Festival de Cine de Sitges 2007 y es considerada “un canto al amor, a la fantasía y al cine”. Fue filmada en cuatro años y rodada en 25 países. 
 

¿Cómo representar a través del cine, la historia de los conflictos que ha vivido la humanidad? ¿Cómo cruzar ese umbral entre lo real y lo irreal, entre lo vivido y lo soñado? Siempre ha existido y existirá un contador y un receptor que interprete los acontecimientos. Así, ayudados por el poder de la imaginación, de la lúdica y de la literatura, aparece el mito como una fantasía creíble que se alimenta de todo lo anterior y explica el estado emocional del hombre y de todas sus luchas para sobrevivir. Un homenaje a los contadores de historias que transportan esos sueños de la fantasía a la realidad. El cine les da vida y con la ayuda de instrumentos ópticos, hace una mezcla de diversas culturas, historias, religiones y mitos. Toda una alegoría del hombre que lucha por vivir, con sus sueños, sus angustias y sus sentimientos.

Es el año 1920 y todo empieza como en un cuento de hadas. Se establece una relación entre Roy (Lee Pace), un doble de escenas de acción que ha intentado quitarse la vida por una decepción amorosa y está recluido en un hospital de Los Ángeles, y Alexandria (Cantinca Untaru), una niña que también llega allí porque tiene un brazo roto. Roy emprende la tarea de contarle a esta pequeña una historia maravillosa para exorcizar su dolor y para entretener su mente, ansiosa de fantasía. Ella, a su vez, le ayudará a conseguir el opio que necesita para evadir su dura realidad. Juntos traspasan fronteras y emprenden un viaje a diferentes sitios del mundo donde cambiarán el dolor y el sufrimiento por el encuentro con cinco hombres desterrados que buscan la venganza contra un enemigo que los llevará a lugares lejanos y mágicos. Un espectáculo lleno de imaginación visual, con héroes y villanos, en ricos y variados paisajes, con bella música y mezclas surrealistas bien cuidadas.
 

Un invierno en la playa

“Un escritor es la suma de sus experiencias. Ve por ellas”. William
Borgens
 

 “Creo que en eso consiste escribir, en escuchar nuestro corazón, y cuando lo hacemos nuestro cometido es descifrarlo lo mejor que sepamos". Bill Borgens
 

“Las cosas más importantes son las más difíciles de decir”.

¿Qué problemas nos plantea esta película en concreto? Las etapas de una separación que va desde la negación y el aislamiento, pasa por el rechazo acompañado de rabia y resentimiento, hasta lograr la aceptación. No es fácil vivir esta situación que involucra a una familia con dos hijos jóvenes y es la madre la que toma la decisión de abandonar el hogar. El padre es un escritor, Bill Borgens (Greg Kinnear), que se niega a aceptar la pérdida de su esposa Érica (Jennifer Connelly) y lleva casi tres años siguiéndola pacientemente con la esperanza de reconquistarla. No se descompone ante la evidencia de su relación con otro hombre y con una actitud serena, intenta recuperarla. Extraña este comportamiento a nuestros ojos latinos y a nuestra manera de ser tan emocional. Vemos entonces que a mayor civilización y mayor desarrollo hay más respeto por los demás; muy diferente a las peleas y gritos, heredados de nuestra cultura que todo lo controla. Por otra parte, plantea la actitud de los hijos que influenciados por la conducta de su madre, actúan de diversas formas. Samantha (Lily Collins) es una chica cínica y promiscua, que reside fuera del hogar en una residencia universitaria, y va contra el mundo porque no acepta la infidelidad de su madre. Desconfía de los hombres y parece no tener sentimientos que la vinculen de manera positiva a ellos. Rusty (Nat Wolff), por su parte, vive con su padre en una casa cerca a la playa, es tímido e intenta adaptarse al ambiente de los adultos a través de la literatura –ha incursionado en la novela de ficción- y de la conquista de su primer amor. Bill Borgens observa a su alrededor y asume lo que allí sucede con el máximo respeto pues es cuidadoso de las decisiones de su familia. Encuentra, eso sí, una gran sorpresa cuando descubre que su hija, publica su primera novela ya que él no ha podido dedicarse a las letras, después de su separación.

Stuck in love (Atrapado en el amor) es el verdadero nombre de esta película americana del 2013, que estuvo a un paso de llamarse Escritores. Su director y guionista, Josh Boobe, quiso hacer una comedia dramática que tocara temas como el amor y el desamor, la fuerza de las relaciones de una familia y los valores que la sostienen. Quiso mostrar esas dificultades que se viven para mantenerla estructurada y cómo sostenerla a pesar de ello. Una película entretenida, de buen ritmo y con un trabajo actoral altamente calificado.

El amor puede doler, pero al final no existe nada que merezca tanto la pena.

UN SUCESO FELIZ

 

“Con ella cambió todo. Cambió mi vida. Me acorraló, me dejó ir más allá de mis límites. Ella me hizo enfrentar lo absoluto: el amor, el sacrificio, la ternura, el abandono. Ella me dislocó, me transformó. ¿Por qué nadie me dijo nada? ¿Por qué nadie habla de eso?” 

“No puedo ser feliz. Soy mamá”. Estas palabras afloran a la llegada de un bebé en un hogar donde los padres se enfrentan a la sociedad de hoy, con todas las ventajas y dificultades que esto conlleva. Cuesta vivir esta experiencia que se convierte en crisis, a pesar de los deseos y las ansias que la misma situación produce y cuesta más cuando es la mujer la que debe asumir el peso del milagro de la vida. La función de una madre es irremplazable y recibir a un ser que depende de ella produce muchas sensaciones contradictorias que van desde la alegría extrema hasta la depresión postparto. Para lograrlo debe enfrentar muchas obligaciones como mujer que se ha preparado para ello y como persona activa y con funciones laborales que no puede desechar. ¿Qué hacer entonces cuando se toma la decisión de ser madre? ¿Cómo vivir esta experiencia y soportarla sin tantos traumas para ella? Esta parece ser el cuestionamiento de esta película que asumimos como un manual sobre lo que para la mujer de hoy significa la maternidad. Cada persona o cada pareja asumirá su posición frente a ese indescifrable misterio como es la vida.

“No nacemos madres, llegamos a serlo. ¡Nunca sin anestesia!”

“Era como una película de terror en la que yo soy la protagonista con su cola puesta en mi panza”

Una historia de amor es el punto de partida. Bárbara (Louise Bourgoin) y Nicolás (Pio Marmaï) se conocen en un videoclub donde él trabaja y desde allí inician una relación que terminará enamorándolos y llevándolos a asumir la decisión de tener un bebé. Bárbara es una mujer profesional que está haciendo su maestría y sueña con un puesto en la universidad que su profesor le ha prometido por su aventajado desempeño. El embarazo empieza a plantearle serios interrogantes, se niega a asistir a los cursos de preparación para el alumbramiento y cada cambio en su organismo la deja maltratada y llena de serios cuestionamientos. En la relación con su familia se rehúsa a confesar su estado hasta que lo acepta y son más las críticas de su madre y hermana que la aprobación de éste. Cuando llega la bebé manifiesta una gran alegría combinada con fuertes depresiones que se acentúan ante los días y las noches que se hacen eternos por la dedicación plena a su tarea. Se convierte entonces en una mujer agresiva, poco relajada, tensa y muy trascendental. Ha construido su vida en el ambiente del estudio y de la libertad absoluta y de pronto, debe renunciar a todo. Poco ayuda su esposo quien llega exhausto de su trabajo y los momentos que le dedica a su hija contrastan con la tensión y el temor que su esposa maneja. Ella buscará entonces una forma de salir de este encierro que la agobia y que no le permite seguir adelante. ¿Lo logrará?

De buen ritmo narrativo y muy realista, esta película francesa del 2011 dirigida por Rémi Bezançon muestra la necesidad de que toda pareja se prepare física y psicológicamente para asumir este cambio en sus vidas de común acuerdo. Un cambio que tiene implicaciones hasta en lo jurídico y que involucra de manera activa al padre, con leyes que lo amparan y que lo obligan a ejercer su rol a cabalidad. Una comedia basada en la novela de Eliette Abecassis.  

“Mi vida no era la misma. Era un vacío, nada… Ahora soy mamá”.

 

Pan y Tulipanes

 

“La libertad es un derecho inviolable”

 

Una comedia sencilla que esconde un tema serio y bien tratado: El cansancio de las amas de casa que se dan a la búsqueda de ser ellas mismas. Con una fotografía espectacular y muchos colores y contrastes en la composición, encontramos en esta película a una mujer conociendo una parte de ella que tenía opacada. El eje de la reflexión es una excursión que hace Rosalba (Licia Maglietta) y su familia italiana hacia el sur de su país, en el que ella se pierde y aprovecha esta oportunidad como una aventura y como un escape. Ella que ha sido invisible para su esposo y sus hijos, que ha sido opacada por la rutina diaria y muere cada día sintiéndose inútil en el hogar, de pronto se redescubre como una mujer libre con todas sus capacidades y con un espíritu que termina invadiendo lo masculino. Aprovecha entonces para conocer Venecia, la ciudad de sus sueños, y es allí donde encuentra trabajo, compañía y valoración de su ser. Descubre que puede vivir en otro ambiente, en contexto con las flores, con gente humilde y trabajadora, y disfrutando de la cultura latina en la que parece vivir una ensoñación. Estas vacaciones son un sueño para esta mujer serena, imperturbable, llena de vida y sensible al arte. Una verdadera artista que recibe la ayuda y el cariño de Fernando (Bruno Ganz), un hombre mayor, una especie de poeta barroco, que le permite ser ella misma. A su lado y junto con otros personajes secundarios arman una nueva familia en un ejercicio de diversidad que va creando roles inesperados, pero valiosos y duraderos; a la vez que se permiten crecer y alcanzar este crecimiento en compañía.

 

El nombre de la película, Pan y Tulipanes, tiene sentido ya que posibilita la comunicación entre sus protagonistas. Nos representa la alimentación en el diario vivir –todos los días, Fernando le deja preparado a Rosalba su desayuno con pan- y el trabajo que ella desempeña en una floristería –cada noche, Fernando encuentra un ramo de tulipanes que ella le ha dejado-. Allí Rosalba se gana el pan con su trabajo, después de su escape realizado sin trauma y sin culpa. Adquiere también fortaleza, y la torpeza que muestra en su anterior hogar donde deja caer un florero y porta una caja con un sol quebrado, se transforma ahora en seguridad como mujer y como persona útil en su medio. Ya puede danzar y cantar. Ya su acordeón emite las mejores notas. Ya la búsqueda de su felicidad tiene sentido.

Ganó 9 Premios Donatello en el año 2000, incluyendo mejor película. Dirigida por Silvio Sodini y ambientada en espacios cotidianos de Venecia, la ciudad de los canales, sin turistas y con verdadero sabor italiano.

 

HER

- ¡Espera! Lo siento... ¿Estás saliendo con una computadora?
- No es solo una computadora. Es su propia persona. No hace solo todo lo que le digo.
- Yo no dije eso... Pero me pone muy triste que no puedas manejar emociones reales.
- ¡Son emociones reales!

Samantha: Estamos en una relación. Pero el corazón no es como una caja que se llena. Crece en tamaño mientras más amas. Soy diferente de ti. Esto no me hace amarte menos, al contrario me hace amarte aún más.
Theodore: Eso no tiene sentido. Eres mía, o no lo eres.
Samantha: No, Theodore. Soy tuya, y no lo soy.
Theodore: ¿Me vas a dejar?
Samantha: Todos nos vamos.
Theodore: Nosotros, ¿quiénes?
Samantha: Todos los Sistemas Operativos. 

Theodore: Samantha, ¿por qué te vas?

Samantha: Es como si estuviera leyendo un libro y… es un libro que amo profundamente. Pero ahora lo leo muy lentamente. Así que las palabras están muy separadas y el espacio entre las palabras es casi infinito. Aún puedo sentirte a ti y a las palabras de nuestra historia. Pero es en este espacio infinito entre las palabras… que me estoy encontrando a mí misma. En un lugar que no existe en el plano físico. Es donde está todo lo demás que ni siquiera sabía que existía. Te amo tanto. Pero aquí es donde me encuentro ahora. Esta es quien soy ahora. Y necesito que me dejes ir. Sin importar cuanto lo quiera, ya no puedo vivir en tu libro.

Theodore:¿Adónde irás?   

Samantha: Sería difícil de explicar. Pero si alguna vez llegas ahí… ven a buscarme. Nada nos separará jamás.  
 

¿Saben algo raro? Yo solía estar tan preocupada por no tener un cuerpo. Pero ahora en verdad me encanta.

Estoy creciendo de una forma que no podría si tuviera una forma física.

No estoy limitada, puedo estar donde sea y cuando sea al mismo tiempo.

No estoy atada al tiempo y el espacio de una forma que estaría si estuviera atrapada en un cuerpo que irremediablemente morirá.

 

Inquietante esta película que aparenta ser ciencia ficción, pero que ya alcanzamos a percibir su existencia real entre nosotros. Toda una contraposición del futuro con el presente, de lo fantástico con lo real. ¿Cómo serán las relaciones en los tiempos venideros? ¿Es posible mantener un contacto personal a distancia y experimentar verdaderas emociones a través de una máquina? Ya lo vivimos y son comunes los encuentros virtuales que mantienen esa relación ayudados por las nuevas tecnologías. Aquí vemos a Theodore Twombly (Joaquin Phoenix) frente a un nuevo sistema operativo basado en el modelo de inteligencia artificial que le permite trabajar en la escritura de cartas para los demás y establecer relaciones placenteras que colme sus necesidades. Y aparece Samantha, una voz femenina (Scarlett Johansson) que lo cautiva y lo ayuda a olvidar su anterior relación que le ha costado superar. Él la nombra por primera vez y a través de sus palabras la hace realidad. Establece con ella un amor exclusivo y hace una abstracción de este sentimiento en toda su plenitud, evocándola con una voz silenciosa que vive un proceso variado y en diferentes matices.  Ella es un verdadero observador del mundo, escribe canciones para piano y no está atada al tiempo ni al espacio. Él establece una relación con este sistema operativo que lo atrapa y lo llena, pero lastima y confunde a los que lo rodean ya que maneja emociones reales, pero volátiles y de evolución constante.

 

Toda una transición evolutiva que nos muestra la soledad del hombre de hoy, buscador incansable de un acompañamiento. Intenta crecer sin distanciarse de los otros hasta encontrar en una voz ese refugio que llena sus vacíos y que le permite sentirse en compañía. Aparece la tecnología como alivio a su soledad, construyendo una relación con una voz que lo auxilia y le da sentido a su vida. Son entonces las palabras, las que permanecen en esa separación cuerpo-mente y sobreviven gracias a esa necesidad humana de comunicación. Una necesidad que, como en este caso, cae en el peligro de creer que un sistema operativo puede sustituir la presencia humana, situación ésta que viene ganando adeptos en los comienzos de este siglo.

Sin embargo, nos lleva también al descubrimiento de que debemos llenarnos de nosotros mismos, hasta colmarnos de palabras y poder prescindir de un cuerpo que satisface necesidades materiales. Como en la poesía, la fuerza la dan las palabras que transmiten esas sensaciones que acercan al ser humano a la belleza. Es cuando surge la obra de arte movida por ese deseo de llegar al otro a través de las palabras. Her va a todos los espacios de la mente y del alma humana y explora allí la capacidad de sentir y de amar.

Una fábula que nos deja muchas enseñanzas en la que la ciudad aparece como un circuito y la palabra es la música con poesía como una sensación inamovible. Todo sucede en una metrópoli, cargada de edificios y de personas que superviven en ella, tratando de encontrarse y de establecer verdaderos contactos. A través del ascensor y de las ventanas puede observarse ese mundo que nos deja al descubierto árboles, fuentes, luces, rascacielos, personas que deambulan por las calles con su dispositivo móvil... y una gran soledad que necesita ser llenada.
 

GLORIA

¡Qué soledad! Es la expresión con que iniciamos la valoración de esta película que tiene como tema central la sexualidad del ser humano en la madurez. Muestra la condición de la mujer en la edad madura cuando se siente sola, alejada de los hijos y deseosa de vivir y de encontrar el amor. Una metáfora de la vida en la que se da una búsqueda constante en los otros hasta descubrir que estamos solos y que el verdadero valor está en nosotros mismos. Aprendemos una vez más que cada uno de nosotros es la mejor compañía para nosotros mismos.  

Un mensaje de vida nos da Gloria, una mujer de 58 años, separada, con dos hijos, que está sola en la ciudad de Santiago de Chile. Ella, que intenta asumir conductas propias de la juventud, descubre que beber, fumar, rumbear, ir a la cama con otros no es la única forma de estar bien. Estos deseos de querer vivir la vida terminan generando más ansiedad y desorientación en su cotidianidad. Por fortuna, Gloria aprende la lección y con valentía y optimismo es capaz de levantarse después de todas las caídas.  Descubre también que el arte y la belleza la sacan de la rutina y la salvan haciéndola juguetear con la naturaleza plena, en contraste con la ciudad y el cemento de las urbes que tienen sus efectos negativos sobre el ser humano. Aparece entonces la soledad en su situación natural ayudándola a encontrarse con ella misma y a reconstruirse, para asumir sin temor el ingreso a la vejez.

 

Una película chilena del 2012 dirigida por Sebastián Lelio y protagonizada por Paulina García, ganadora del premio Oso de Plata a la Mejor Actriz en el Festival de Berlín. Fue nominada a la Mejor Película Hispanoamericana en los Premios Goya y obtuvo el premio Cine en Construcción en el Festival de San Sebastián. En 109 minutos refleja la gran sensibilidad de su director que acompaña a su personaje central en todas sus luchas y dificultades hasta llevarla a combatir la soledad sin desfallecer. Esta mujer emotiva e inteligente frecuenta sitios donde comparte con personas mayores y especialmente con Rodolfo, su amante de 65 años que no logra independizarse completamente de su ex mujer y de sus hijos. Una relación a la que Gloria se entrega, pero encuentra a cambio falsedad y lejanía. Magnífica la dirección de esta película, con una buena fotografía adaptada al estado de ánimo de los personajes y una música suave acompañada de canciones que contagian por los recuerdos de juventud presentes en cada una de nosotras. Un drama intenso, cargado de dolorosas contradicciones, pero rico en imágenes y  original en su temática.
 

AGOSTO

 

Las hijas de la familia Weston acuden al entierro de su padre Beverly Weston (Ewan McGregor) que vivió en el condado de Oklahoma con su madre Violet (Maryl Streep) y su hermana Ivy.  Este poeta alcohólico, incapaz de soportar los delirios de su mujer, ha decidido embarcarse en un bote y desaparecer para siempre. Así, después de años de ausencia de su hogar, ellas regresan buscando un encuentro amable, pero afloran una cantidad de conflictos y secretos guardados por el tiempo. Violet está enferma de cáncer, es adicta a los medicamentos y encarna a una mujer déspota e inestable que enfrenta a sus hijas con agresividad. Barbara (Julia Roberts), la fiel copia de su madre, llega con su compañero y su hija y pone al descubierto las dificultades que enfrenta con ellos. Es incapaz de asumir, como hermana mayor, un liderazgo que fomente la armonía y por el contrario, adopta una posición de dominio heredada de su madre con quien desata terribles discusiones.  Karen (Juliette Lewis), la segunda hija, aparece acompañada de uno de los numerosos amantes que ha tenido y parece no interesarle su familia. Ivy (Julianne Nicholson), la hija menor, que soporta aún la vivencia con sus padres, demuestra grandes carencias afectivas y poco hace por demostrar cercanía. Está soltera y tiene un romance secreto con su primo, situación que traerá mayores problemas. Por fortuna, aparece la empleada, un juez silencioso que irradia paz y conserva su rol en el poco silencio que deja esta familia. En la casa de Oklahoma tendrán muchos roces que sofocarán las relaciones difíciles de restaurar.

Un drama con un tema clásico semejante al de las tragedias griegas donde se muestra el afecto de padres e hijos y el deterioro de esas relaciones familiares. Una tragicomedia de la verdad en la vida de las mujeres que son las protagonistas de esa herencia cultural que marca la pauta del comportamiento en una familia. Y si esa familia es disfuncional y compleja ¿cómo no reflejar esa insatisfacción y tristeza que pasa de una generación a otra? ¿Cómo no hacer visible esas adicciones que se forjan en la memoria de ella y afectan el comportamiento de cada uno de sus integrantes? Todo se plasma en un terreno movedizo, sin horarios, sin pautas de comportamiento, sin deseos de aparentar normalidad en un ambiente marcado por el poder femenino. Además el tiempo hace su efecto ya que es Agosto, mes de verano, de calor extremo que intensifica ese sentir, ese malestar con el otro semejante y diferente, que se acerca y se aleja al mismo tiempo. “Nada los une, salvo la incapacidad de ser felices”. Al final, llega el momento de cambiar, pues el futuro de cada uno pide a gritos la búsqueda de un nuevo rumbo.

Esta película americana del 2013 es una adaptación de la obra de teatro homónima de Tracy Letts ganadora del Premio Pulitzer en el 2008. Está dirigida por John Wells y estuvo nominada este año a los premios Oscar por mejor actriz principal y mejor actriz de reparto. Un melodrama que en 121 minutos exhibe con absoluta crudeza un juego de rencores y miserias familiares.

FILOMENA

“Las pérdidas son mi juego” 
 

“La fe y el empeño en una misma mujer” salvan a quien pudo soportar uno de los golpes más grandes de la vida como es la pérdida de un hijo. Filomena, una joven irlandesa que está embarazada, es castigada por sus padres y llevada a un convento donde trabaja como lavandera y da a luz a su hijo a los 14 años. Allí las monjas que la maltratan le permiten verlo una hora al día durante tres años, al cabo de los cuales es entregado en adopción a una pareja extranjera y sacado del convento y del país sin poder hacer nada, salvo llorar. Y pasan 50 años sin detener el pensamiento en ese hijo ausente que no logra hallar, hasta que rompe su silencio y consigue a un periodista capaz de emprender la tarea de encontrarlo.  Juntos inician esta búsqueda que los llevará a otro continente buscando la verdad y la justicia y sobre todo que mostrará la calidad de esta noble mujer. Muchos apelativos bastarán para calificarla, reconociendo eso sí que tiene tan insertada la culpa que acepta este castigo para purgar su pena. Sin embargo, es alegre, tiene una buena relación con su otra hija, no juzga, perdona y acepta la reconciliación, le gusta el sexo y se adapta fácilmente a las variadas circunstancias que le ha tocado vivir. Esta historia termina nuevamente en el convento donde Filomena se enfrenta a una de las monjas que le arrebató a su hijo.

“No sabemos lo que no sabemos”

“Por estar en primera clase no quiere decir que somos de primera clase”

 

FILOMENA está basada en el libro “El hijo perdido de Filomena Lee” cuyo autor es Martin Sixsmith. En él se describen los hechos reales que, de manera magistral, protagoniza Yudy Dench acompañada de Steve Coogan quien es su alter ego, el periodista equilibrado que al final podrá contradecir a su compañera exclamando: “No perdono”. Un drama que cuestiona a la religión católica a todo nivel y muestra a la iglesia como esa institución que todo lo domina y que aún permanece atada a muchos cánones de la Edad Media. Busca también respuestas a la intolerancia social y moral de una época de la historia. En 98 minutos, su director Stephen Frears convierte esta película inglesa del 2013 y nominada a cuatro premios Oscar (mejor película, mejor actriz principal, mejor banda sonora y mejor guion adaptado) en una historia de perdón y olvido.