EL OLVIDO QUE SEREMOS

 “La vida es suficientemente dura como para tener que añadirle más dureza”.

“Si quiere hacer a un niño bueno, hágalo feliz. Si lo quiere más bueno, hágalo más feliz”.

“Cinco aes que necesita el hombre para desarrollarse saludablemente: aire, agua, alimento, abrigo y afecto”.

“Enseñar he enseñado bien poco. Si acaso siempre pretendí enseñar a pensar con libertad”.

 “La prevención es la mejor de las medicinas”.

“Mis sentimientos están como mi corazón, a la izquierda; mi razón, como mi cerebro, al centro; mis odios y resentimientos en mi pequeña vesícula biliar, a la derecha".

Toda una cátedra de valores y educación es esta película, en la que el espectador puede apreciar a un verdadero maestro interactuando con su hijo, su grupo familiar, sus estudiantes universitarios y personas de escasos recursos. Un maestro de maestros que enseñó a pensar con libertad y con el ejemplo. No se arrodilló ante nadie y criticó la educación que se impartía en su medio, muy religioso, donde primaba la culpa y el pecado. Siempre tuvo la seguridad de que el mero conocimiento no daba la sabiduría; era necesario acompañarlo de amor y de bondad.

Estamos hablando del docente Héctor Abad Gómez, médico salubrista, escritor y diputado de Medellín, cuyo mayor interés fue mejorar la salud de los colombianos, defender los derechos humanos y crear la Escuela Nacional de Salud Pública de la Universidad de Antioquia. Luchó por causas justas, independiente de toda posición política, pero fue perseguido por las fuerzas oscuras del narcoterrorismo, propias de la época de violencia de los años 80. Terminó siendo asesinado por grupos paramilitares el 25 de agosto de 1987 y este hecho cruel y despiadado marcó la historia del país y muy especialmente de su tierra natal.

Sin embargo, la película basada en el libro del mismo nombre, cuyo autor es su hijo Héctor Abad Faciolince, se centra en la vida de una familia paisa, alegre, sensible e innovadora. Él mismo lo dice: “No es el testimonio de un crimen, es un testimonio del amor de un padre”. En este filme hay un antes y un después, marcado por el cambio de color a blanco y negro. Inicialmente, aparecen las vivencias de la familia en su crecimiento y la conmovedora relación del hijo con su padre quien le permite ser un niño y un joven libre y feliz.  Este padre desconoce el machismo, tan acentuado en la sociedad de entonces, y es tierno, llora, puede besar a su esposa e hijos y expresar su afecto sin temor. Una tarea que ejerce con naturalidad en un hogar conformado por cinco mujeres y un hombre, y acompañado de una mujer independiente y trabajadora que también rompe los moldes de la época; labora fuera del hogar y en tiempos de crisis es abanderada de la economía familiar.

El blanco y negro en la película caracteriza la cercanía y presencia de una época violenta, que no ha dejado de caracterizar la historia de Colombia. Las reacciones ante la muerte de este padre inolvidable ocupan un buen espacio puesto que se detiene a descubrir cómo se enteró cada uno de los integrantes de esta familia y cómo expresó su dolor. Un momento desgarrador y sentido. De este modo, el autor de la obra rinde un homenaje a su padre y no puede negar que esta tragedia “es la conciencia del dolor, la desesperanza y el escepticismo”. Sin embargo, "siente esta producción como una venganza simbólica al asesinato de su padre".

Una película muy bien lograda por el español David Trueba, reconocido escritor y libretista. Se acerca mucho al libro, “con poesía y belleza”, siendo fiel a su contenido y dándole un manejo adecuado al lenguaje propio de la época y del medio sociocultural de sus protagonistas. Además, cuenta con un reparto de alto nivel, todos colombianos, excepto el actor principal, el español Javier Cámara, quien sorprende por su brillantez en la actuación. Este largometraje de 136 minutos es el ganador del Premio Goya a la Mejor Película Iberoamericana 2021, por primera vez en la historia de Colombia.  

El título del libro está basado en el poema Aquí. Hoy. de Jorge Luis Borges y que fue encontrado por Héctor Abad Faciolince en uno de los bolsillos de su padre, el día de su muerte. 

https://www.letraslibres.com/mexico-espana/un-poema-en-el-bolsillo

RETABLO

Y volvimos al cine club año 2021. No podíamos continuar en este silencio, dándole protagonismo a la pandemia y cerrando puertas al compartir, al disfrute de nuestras charlas y de nuestros encuentros. Esta vez más animadas y menos temerosas, nos atrevimos a realizar el foro de cuerpo presente y en un espacio amplio y seguro. 

La película invitada fue RETABLO, una producción peruana de 95 minutos, muy aclamada por la crítica en los tres últimos años. Ha obtenido muchos premios como Mejor Película, Mejor Ópera Prima y Mejor Película Latinoamericana en variados festivales internacionales. También fue escogida para representar a Perú como candidata a los premios Oscar y Goya 2020. Su director, Álvaro Delgado Aparicio, nacido en Inglaterra e hijo de padres peruanos, quiso ir a la tierra de sus mayores para grabar su primer largometraje de ficción, del que también es autor.

RETABLO está filmada en Quechua, el idioma de los pobladores de Ayacucho, una región apartada del Perú, donde se conservan las costumbres ancestrales y la comunidad sobrevive en el campo, lejos de toda modernidad. Allí se puede apreciar la fabricación de retablos o figuras esculpidas y pintadas en madera y arcilla que exhiben vivencias locales, llenas de colorido. En este caso, es Noé (Amiel Cayo) la persona dedicada a este arte y quiere –junto con su esposa Anatolia (Magaly Solier)- que su hijo de 14 años, Segundo (Junior Béjar), lo aprenda. Así, seguiría el oficio de su padre y se alejaría de la ocupación habitual de los muchachos de su edad, dedicados al juego, al trago, a la pelea y a la búsqueda de muchachas para poseerlas. La familia sostiene una buena relación, en medio de la austeridad y el aislamiento en que vive. Comparte la comida, la breve charla diaria, las noches frías y oscuras, y el paisaje polvoriento, rodeado de montañas verdes y cielo azul. Con cierta frecuencia y con dificultades para transportarse, ellos van al pueblo a vender el fruto de su trabajo y comprar los materiales para su producción. Noé siente orgullo por lo que hace y por la cercanía de su hijo a quien le enseña con amor y paciencia. Hasta que esta normalidad se altera. Noé quiere ir solo al pueblo, bebe con frecuencia y parece angustiado e inseguro; por su parte Segundo empieza a alejarse de sus padres, se torna agresivo, no quiere hablarles y prefiere los hábitos de los chicos del lugar. Aparece un secreto que será el desencadenante de la ruptura familiar y empezará a demarcar la esencia de este filme.

Nos gustó mucho esta producción por las imágenes y los silencios que terminan siendo más poderosos que las palabras, por los espacios colmados a veces de folclor y otras veces de gran amenaza producto del machismo circundante, por la interpretación de los protagonistas, y la temática que quiere resaltar el autor. Delgado Aparicio la cataloga como “una historia de amor filial” en la que intenta promover relaciones sociales pacíficas, respetuosas y solidarias. Hace una crítica a las prácticas culturales que rodean a Segundo, tan comunes en nuestra cultura latinoamericana y que reflejan el machismo y la intolerancia hacia otras formas del comportamiento humano. Valió la pena nuestro regreso.

CANDELARIA

La vejez, la actitud de las personas mayores ante la vida y el disfrute de momentos felices en compañía son los móviles de esta película. No importa que se viva en Cuba, en el Periodo Especial de los años 80-90, cuando abunda el hambre, la falta de electricidad y la escasez; tampoco, que aparezca el cansancio y el desgaste de los cuerpos por el paso de los años. Lo que sobresale es esa tentación de amansar la nostalgia para dar espacio al renacer del amor y del erotismo entre dos personajes que han estado juntos por muchos años -manteniendo una relación cordial, aunque monótona- y que, de pronto, descubren ese “amor liberador de la tercera edad”. Candelaria nos enseña que “el alma puede reír cuando se acerca la muerte” y su compañero asombrado no deja de sorprenderse, “¿Cuándo dejé de verte?”.

Candelaria, una empleada de aseo en un hotel y cantante ocasional, y Víctor Hugo, un lector de noticias de una tabacalera, se empeñan en disfrutar de las pequeñas cosas, en descubrir esa “magia del corazón” y en renovarse a pesar de su deterioro físico y de su pobreza. El telón de fondo que es Cuba muestra también sus grandes fisuras, producto de sus bloqueos e innumerables pérdidas, sin dejar a un lado su belleza. De la misma manera, Candelaria no abandona su coquetería, ni su vanidad, que nunca se apagan porque es una mujer sensible y fuerte, y porque acepta sus padecimientos sin desesperanza. El espectador vivirá entonces interesantes momentos que harán de esta trama, a veces dolorosa y otras veces cargada de humor, una historia bella y profunda.

El director de esta película del año 2017 es el colombiano Jhonny Hendrix Hinestroza y sus protagonistas son los cubanos Alden Knight y Verónica Lynn. Ha sido exhibida en importantes festivales internacionales con buen número de premios y reconocimientos. Una película artística, con música caribeña, y plena de símbolos y de valores, entretejida en el trasfondo político que la envuelve.

LAS SALAMANDRAS DE VUELTA

Por primera vez en forma virtual, nos encontramos en nuestro cineclub. ¡Qué dicha reunirnos de nuevo! Cada una en su casa, como obligan las circunstancias de distanciamiento, vio la película Candelaria con el propósito de hacerle el foro posteriormente. 

No sabemos por qué nos demoramos tanto para reaccionar y encontrarnos de esta manera. Puede ser porque esperábamos, como todo el mundo, que la situación se superaría más pronto. De modo que ver cine en privado fue el paso previo a nuestro fraternal encuentro. El algo (cafecito con pastel) fue el otro paso en privado. Pero los dos últimos: el desatrasarnos sobre nuestras vivencias, y el foro fueron en grupo. Así que compartimos todo lo experimentado en esta Pandemia. La soledad, la ansiedad, los miedos, esa privación de la libertad, ese aislamiento tan marcado y hasta la falta de sueño no estuvieron ajenos en nuestra charla. Duele pensar en la situación del país y del mundo. En nuestro caso, ayudó mucho el contacto que siempre hemos tenido a través del WhatsApp y ningún día hemos dejado de comunicarnos.

Después de un buen rato, pasamos al foro de CANDELARIA que se prestó para un fecundo análisis. Una película llena de arte, con gran calidad en la actuación, un buen guion y excelente dirección para mostrar el caos del socialismo cubano de una manera sutil y divertida. Como adultas de edad media que somos, la vivimos con intensidad, desde el interior de nuestras sensibilidades. Pudimos apreciar sus mensajes dignos de seguir: 

* Tomar la vida con alegría a pesar de sus dificultades.

* Humor como antídoto al tedio y la preocupación.

* Asumir el envejecimiento y la enfermedad con dignidad e independencia.

* Sentirse en capacidad de amar y en libertad de expresarse aun si se es adulto mayor.  

* Ver la muerte como una opción por encima del sufrimiento.                                                                                                                                                                                                                                                               GALU       

GIFTED

UN DON EXCEPCIONAL es el nombre en español de esta película que muestra lo que significa tener un hijo superdotado y las dificultades que enfrenta con su medio. Mary (Mckenna Grace) es una niña de siete años que va a la escuela y no logra adaptarse a ella puesto que los conocimientos allí dados son mínimos para su nivel intelectual. Vive con su tío soltero Frank Adler (Chris Evans) en pueblo costero de Florida ya que su madre murió y su padre desapareció. Él sigue las instrucciones de su hermana quien siempre quiso que su hija fuera feliz bajo su custodia, viviendo una infancia normal, sin aislamientos de ninguna clase. Pronto se descubrirá quién fue abuela y por qué abandonó sus investigaciones al contraer matrimonio. Ahora llega en busca de su nieta con la intención de llevarla a estudiar a la ciudad donde vive, en medio del dinero y de los recursos para esta niña prodigio. Empieza la tensión familiar que va creciendo a medida que aparece la razón de la ausencia de su madre, el verdadera propósito de su abuela Evelyn (Lindsay Duncan), el interés de la profesora Bonnie (Jenny Slate) por ayudarla, la protección de su amiga Roberta (Octavia Spencer), y sobre todo el indiscutible papel de su adorado tío Frank, su tutor.

Marc Webb es el director de esta cinta americana del año 2017 que parece sencilla y de temática común, pero que resulta interesante y agradable. En 101 minutos degustamos la presencia de una pequeña que, a pesar de sus altas capacidades intelectuales, puede ajustarse al ambiente propio para su edad cargado de risas y de juegos con otros niños, del amor sin límites a su mascota, y del llanto y las rabietas generadas por las presiones que debe enfrentar. Se muestra obediente y respetuosa con su tío y disfruta de los paseos en barco y de las puestas del sol en su compañía. Estos dos compañeros luchan por defender sus sentimientos frente a las exigencias de una abuela frustrada y controladora que solo quiere potenciar las habilidades de su nieta, trasmitiendo a la vez su propio resentimiento. Una película que se centra en el papel de los padres frente a la educación de sus hijos y en este caso, en la toma de decisiones frente a una niña genio.

WHIPLASH

“No hay dos palabras que sean más dañinas en nuestro idioma que buen trabajo”. Fletcher

“Exijo a la gente más de lo que se espera de ella. Lo considero absolutamente necesario”. Fletcher

Whiplash, llamada en español Música y Obsesión, es una película que tiene a la competencia como motor de máxima aspiración, y al perfeccionismo como herramienta usada para dominar, infundir el terror y la degradación. Convierte al éxito en una lucha que atraviesa los límites y produce pánico ya que genera una tensión de máxima hostilidad: Triunfas o desapareces. Peligrosos extremos que atentan contra la salud mental, el amor, y el gusto por la vida de quienes se enfrentan a ellos. Se aplica aquí la máxima con que se educó en épocas anteriores, “La letra con sangre entra”, en un sentido literal. Esta fórmula -propia de los ambientes de guerra- se ha extendido a la música, los deportes, la educación y al trabajo en general. Duele saber que es una ideología dominante de la época actual cuando prima la competencia en los ambientes laborales y ante todo se exigen metas, cada vez más altas para alcanzar los más elevados estándares de desempeño. Es plantear el reto: Lo logras o estás por fuera.                          

Whiplash es la historia de Andrew Neiman (Miles Teller), un estudiante de música de 19 años, deseoso de triunfar y llegar a ser uno de los más grandes bateristas de la historia. Recibe sus clases en la ciudad de Nueva York, en el prestigioso Conservatorio de Shaffer donde trabaja el director de orquesta Terence Fletcher (J.K.Simmons). Este joven aspira llegar a ser parte del conjunto de jazz del famoso Fletcher y se empeña en alcanzarlo a toda costa, aún de los tratos y estilo brutal de este maestro. Una batalla feroz es la que enfrenta Andrew ante la enseñanza bélica de su maestro, con un lenguaje vulgar y tonos agresivos, con lágrimas y sangre, en un ambiente hostil y cargado de dolor. Fletcher no perdona un solo error y despide de inmediato a quien lo presenta. El espectador puede captar aquí todo lo que un ser humano puede soportar con el fin de lograr sus sueños y alcanzar sus metas. Valiosa esta lección, en el sentido de la lucha y la insistencia por alcanzar un ideal; sin embargo, se torna muy negativa cuando esta energía flota en la insensatez de arrasar con todo, sin importar los conflictos que genere.

Esta película estadounidense de 2014 fue dirigida por Damien Chazelle, quien también la escribió a partir de su experiencia como músico frustrado en su juventud. Con ella abrió el Festival de Cine de Sundance en la Categoría Drama, en el mismo año.  Estuvo nominada a los premios Óscar en cinco categorías: Mejor Película, Mejor Guion Original, Mejor actor secundario (para Simmons), Mejor Montaje y Mejor Mezcla de Sonido. Una película con “ritmo trepidante” que genera angustia y cuestionamiento en el espectador frente al estilo de vida de sus protagonistas. Sus piezas musicales son tan fuertes e impetuosas que llevan a la batería a ser el “alma de la música”, con movimientos tan violentos como el drama que plantea.

JOJO RABBIT

Hitler imaginario: Déjame darte un buen consejo. Sé el conejo. El humilde conejo puede burlar a todos sus enemigos. Es valiente, escurridizo y fuerte. Sé el conejo.

Jojo: Estoy muy ocupado como para tener una novia.   Elsa: Un día tendrás tiempo. No pensarás en nada más. Conocerás a alguien y pasarás cada día soñando con el momento en que la tengas entre tus brazos. Eso es el amor."

Elsa: No sé nada sobre cómo ser mujer. ¿Es así? ¿Haces cosas como tomar vino? 

 Rosie: Claro. Tomas champaña si estás feliz, champaña si estás triste. Manejas un auto. Apuestas si quieres. Tienes joyas. Aprendes a usar una pistola. Viajas a Marruecos. Tienes amantes. Los haces sufrir. Ves a un tigre a los ojos. Y confías sin sentir temor. Eso es ser una mujer.

Elsa: La última vez que vi a mis padres fue en la estación. Los pusieron en el tren. Me escapé. Lentamente, encontré mi camino de regreso a la ciudad. Un amigo de mi padre me escondió. Luego, otro amigo, luego amigos de amigos... Hasta que tu madre me acogió. Y hasta ahora sigo aquí. Pero mis padres se fueron a un lugar del que no regresas.

Recordar lo monstruoso que ha vivido la humanidad es una necesidad constante de todos los tiempos y de todas las culturas y se hace más valiosa ahora desde la mirada de un niño. No es fácil aceptar vivencias y sentimientos cargados de dolor y de tragedia, y, menos aún visualizar con ojos infantiles, personajes que tanto daño le han causado al hombre. Sin embargo, el director neozelandés Taika Waititi, basado en la novela de Christine Leunens, se atrevió a hacerlo el año pasado en esta película estadounidense, con todo lo que implica relacionar la guerra con la infancia y a Hitler con la presencia de un chiquillo. 

Una relación amigable entre Hitler y un chico solitario alemán que pertenece a las juventudes hitlerianas choca de inmediato con el espectador. Así es el inicio de esta película que se sale de los estereotipos y cuenta la historia de una manera diferente y apta para todos los públicos. Este niño (Roman Griffin Davis) vive con Rosie (Scarlett Johansson) su madre soltera y cuenta con un amigo imaginario, Adolf Hitler (Taika Waititi), que estará siempre a su lado para imponer su ideología y su estilo de vida intransigente. El nombre que se le asigna, Jojo Rabbit, nacerá de su primera experiencia con compañeros y tutores que lo obligan a hacerle daño a un conejo y ante su negativa, terminan poniéndole este apodo como una burla a su cobardía. Como medio de defensa ante esta y muchas otras situaciones, acude a su amigo imaginario quien será fuerte en sus apreciaciones y Jojo Rabbit irá evidenciando que sus consejos van siempre contra su propia naturaleza. Todo será más difícil cuando descubra a una niña judía oculta en el ático de su casa, bajo el amparo de su mamá. Jojo se sentirá desesperado con esta compañía que atenta contra su seguridad y los consejos de su fantasma, en medio de una guerra absurda que impone una presión antisemita, por lo que debe callar y esperar. 

El niño estará siempre entre el bien y el mal, la mentira y la verdad, y la realidad y la fantasía. Muchos críticos opinan que “es un tira y afloje entre el drama y la comedia”, semejante a lo vivido en “La vida es bella”. Jojo irá experimentando un cambio de su visión del mundo y descubrirá la verdad con sus vivencias que harán de esta película una sátira al odio en una sociedad en la que prima la intolerancia y el fanatismo. Jojo también mantendrá una relación admirable con su madre, quien le da respeto y libertad para pensar y actuar. Esta producción ha recibido muchos elogios por su contenido, las actuaciones de sus protagonistas, la banda sonora y los mensajes optimistas que trasmite. Ganó el Premio Oscar 2020 por ser el Mejor Guión Adaptado, y recibió las nominaciones a la Mejor Película, Mejor Actriz Secundaria (Scarlett Johansson), Mejor Dirección de Arte, Mejor Diseño de Vestuario y Mejor Montaje.

"Deja que todo te pase. Belleza y terror. Solo sigue adelante. Ningún sentimiento es final". Reiner María Rilke 

YESTERDAY

Un homenaje a los Beatles hace Danny Boyle en esta comedia musical, con guión de Richard Curtis y basado -a su vez- en la historia de Jack Bark. Un proyecto en el cual trabajaron estos tres personajes para hacerlo realidad en Inglaterra, en el año 2018. El resultado es una película alegre, entretenida y romántica, con un amor por la música y en especial por las canciones de esta banda británica.

Jack Malik (Himesh Patel) es un cantautor con buen talento, pero ve lejos su sueño de ser un músico famoso. Su manager, Ellie Appleton (Lily James) se esfuerza por apoyarlo y no logra el éxito. Sin embargo, después de ser atropellado por un autobús, Jack despierta herido, con algunos dientes destrozados, al igual que su guitarra y con la sorpresa de que es la única persona en el mundo que puede recordar a los Beatles. Nadie los conoce. Esta situación llevará a este músico inglés a salir adelante, con el apoyo de su amiga Ellie que está enamorada de él. Empieza entonando las canciones que promueve como de su autoría en una fiesta de amigos, con Yesterday a la cabeza, y continúa con presentaciones en diferentes lugares del país y fuera de él donde serán escuchadas las melodías clásicas de este inolvidable grupo. Impacta su voz en los espectadores, pero más el contenido y la música de sus canciones. Jack seguirá aceptando invitaciones de otras estrellas y productores musicales, y Ellie ya no estará a su lado. Tampoco existirán algunos objetos y personajes que han desaparecido de la vida cotidiana y nadie los conoce como Coca Cola, Harry Potter, la banda Oasis y los cigarrillos. ¿Hasta cuándo durará este milagro?

La ficción de esta película resulta bien manejada, a pesar de lo que ella plantea. La intención de recordar a los Beatles de este modo termina siendo una idea muy original, divertida y un verdadero tributo a los Cuatro de Liberpool. Valioso también es el encuentro del protagonista con John Lennon a sus 78 años, edad que debiera tener en la actualidad, con un mensaje claro sobre el amor. Un filme que logró mantener nuestro interés y rescató nuestro gusto por las canciones inolvidables de los intérpretes de Yesterday.

PARÁSITOS

Parásitos con 6 nominaciones y 4 Premios Oscar, entre ellos a la mejor película del año 2020, es una producción surcoreana que por primera vez recibe esta distinción, además de ser considerada la Mejor Película de Habla no Inglesa. A su vez, su director Bong Joon-ho es reconocido como el Mejor Director y su trabajo aclamado como el Mejor Guión Original. Ha obtenido muchos elogios de la crítica en todo el mundo, con una alta aceptación y ya hace historia por su temática y las emociones que desata. 

Esta comedia negra de 132 minutos impacta porque muestra al ser humano como el peor enemigo de nuestra sociedad, hasta el punto de ser calificada de “hiriente y conmovedora”. Para lograrlo presenta una marcada división de clases, como dos polos en los que aparecen los ricos y los pobres; los primeros acomodados, manipuladores y ajenos a todas las dificultades que viven los que están a su alrededor, y los segundos, inmensamente miserables e incapaces de ascender en el plano social, a pesar de los mecanismos empleados, muchas veces absurdos. Dos clases que, no obstante las diferencias, deben coexistir. Sin embargo, en ese abismo que los une, Bong Joon-ho intenta penetrar y diseñar una radiografía de los verdaderos parásitos de la sociedad, de la cual nadie saldrá libre, ni estará ajeno a tanta maldad.

Nos costó aceptarla y entenderla, en especial los excesos desaforados en la sección final de la película. Para concluir, después de muchos comentarios y opiniones encontradas, adoptamos las palabras de Piedad Bonett que consideramos bastante acertadas y las incluimos en este blog para que nuestros lectores tengan acceso a ellas. Anexamos una parte de dicha crítica:

"Hay muchas razones para ver esta obra de humor negro, a la vez hilarante y brutal, de la que salimos golpeados. En primer lugar, que Parásito es una obra emblemática de estos tiempos, pues nos permite evidenciar la atroz naturalización con que vivimos la desigualdad, la discriminación y la utilización del otro. Y en segundo lugar, que lo logra de forma muy original, con recursos cinematográficos cercanos al teatro —a la comedia de equivocaciones con sus simetrías y su poder de síntesis— y a la picaresca, y con un manejo de lo desmesurado que la mantiene en el filo de lo absurdo y que, a pesar de rozar lo inverosímil, atrapa desde un comienzo al espectador, que oscila entre la risa abierta y el estupor". 

http://www.elespectador.com/opinion/los-de-abajo-columna-900370

NUEVE AÑOS DEL CINE CLUB SALAMANDRA

Ya son nueve años de Salamandra Cine Club. Siempre unidas compartiendo este espacio que nos regalamos cada semana con historias interesantes de la pantalla, conversatorios en torno a la experiencia fílmica y vivencias personales relacionadas con lo visto y lo escuchado. Sigue siendo un cruce de emociones, de reflexiones, de diálogos y de aprendizajes que nos fortalecen como personas y como amigas. Continuaremos este año 2020, ahora sin la presencia de Cine Espiral en Manizales, que por años fue nuestro refugio preferido para darle luz y brillo a muchas de nuestras tardes. Sin embargo, seguiremos, y como ya lo hemos establecido, aprovechando otros ambientes que nos ofrece la ciudad. Esperamos tener la puerta abierta para más lectores.  

Despedida del año 2019 de nuestro grupo Salamandra

LA DESPEDIDA

“En Oriente la vida de uno es parte de un todo: La familia. En Occidente crees que tu vida te pertenece a ti”.

“La vida no consiste solo en lo que uno hace, sino en cómo lo hace”.

“Tú sales adelante, eres tú la que puede lograrlo”.

Una reflexión sobre el amor de una abuela, la familia y las relaciones entre los que la conforman es esta película que se sitúa en una cultura con un fuerte arraigo en el entorno familiar. Es la cultura china donde la abuela es el centro y quien brinda gran apoyo para que sus integrantes salgan adelante. Es quien atrae a los hijos que viven lejos, a los nietos y a todos los miembros de su grupo; de ahí el temor a que ella muera, una pérdida que afectará gravemente a quienes la rodean y cuando esto sucede aparece la necesidad de ocultar esta dolorosa verdad.

En esta comedia del año 2019, que además es un drama, su directora y guionista Lulu Wang centra su interés en una familia china que descubre que su abuela Nai Nai (Zhao Shuzhen) tiene un cáncer terminal. Todos los saben, menos ella, y por eso planean celebrar la boda de un primo para recuperar los vínculos de unión, antes de que muera. Será una mentira forzada por las circunstancias que atraerá a los ausentes, entre ellos a Billi (Awkwafina), una nieta que reside en Nueva York y se empeña en recuperar el afecto y la cercanía con su abuela. A pesar de la tristeza que la embarga, Billi debe esconder su dolor por decisión de su familia. Enfrentará con dificultad esta situación puesto que allí no se asume el duelo ni la muerte abiertamente, más bien se busca refugio en el sufrimiento y se esconde la pena sin importar las posiciones culturales, generacionales y emocionales de los afectados. A diferencia de los occidentales que asumen como un derecho legal la información sobre la muerte y se preparan para ella saldando cuentas con antelación, solucionando problemas y en muchos casos, aprovechando para viajar y darse gusto. Vale la pena anotar también la aceptación de la eutanasia en los casos dramáticos, una posición que ya cuenta con muchos adeptos.

Wang se inspira en la enfermedad de su propia abuela y en sus vivencias como ciudadana china que debe desplazarse a Estados Unidos desde muy temprana edad. Al mismo tiempo, plantea en su película el tema de la vejez en un ambiente que considera al viejo como un enfermo, un problema para la familia. Lo hace con angustia, pero también con humor dando importancia a la música, a la fotografía y a las fiestas familiares en las que destaca la comida y la danza. Obtuvo numerosos premios y nominaciones en el 2019, entre ellos el premio Globos de Oro por mejor actriz principal y la nominación a Mejor Película Extranjera en los Premios Bafta. Una película muy humana y reconfortante.

CAFARNAÚM

JUEZ: ¿Por qué has demandado a tus propios padres?

ZAIN: Por darme la vida.

Interesante, aunque muy dolorosa, es la historia contada por la directora libanesa Nadime Labaki en su película Cafarnaúm, una coproducción de tres países: Líbano, Estados Unidos y Francia. Se considera la de mayor recaudo de todos los tiempos en el Medio Oriente.  Fue nominada a los Premios Oscar 2018 como mejor película de habla no inglesa, y recibió el premio del jurado en el Festival de Cannes.

Su protagonista Zain es un niño, cuya edad se calcula de 12 años ya que no tiene identificación y vive con su familia en una situación de extrema pobreza. Son habitantes de un barrio marginal de Beirut donde sus padres solo tienen tiempo para hacer hijos, sin la mínima atención hacia ellos y total descuido de sus necesidades básicas. Desde la cárcel, donde paga una condena de cinco años por haber apuñalado a un hombre, Zain les entabla una demanda ante un tribunal internacional por haberle dado la vida. De inmediato vuelven atrás las escenas dolorosas, en las que domina su deambular por las calles en busca de sustento, la relación cercana con su hermana de 13 años que será vendida por sus padres a un vividor, los golpes constantes, la relación caótica con ellos, y la venta de droga a cambio de dinero que camufla en la ropa para traspasar las puertas de la cárcel, a donde llegará finalmente, acusado de su crimen. Sin embargo, en este duro transitar, conoce a Rahil, una mujer etíope que pasa dificultades trabajando indocumentada y madre de un bebé que muchas veces camufla en su morral para poder cumplir con su jornada. Con ellos, Zain parece encontrar el hogar que nunca tuvo y desarrollará su creatividad y su ingenio para enfrentar infinidad de obstáculos y desgracias.

Se plantea aquí el grave problema de los migrantes, desplazados y refugiados de todo el mundo, rodeados de extrema pobreza e ignorancia. Una ignorancia que vemos en padres completamente irresponsables que traen hijos al mundo, a engrosar las filas de la miseria, el abandono y la injusticia. Como carecen de lo básico para sobrevivir, fácilmente llegan al mercado descomunal del narcotráfico, la prostitución y la saturación de las cárceles, porque la pobreza es un negocio que favorece la inequidad o la desigual distribución de la riqueza en el mundo. Una experiencia dura para quienes asistimos a su puesta en escena, pero, a la vez, una película que nos conmovió no solo por la actuación maravillosa de este pequeño, sino también por su capacidad de supervivencia y la habilidad para enfrentar tanta maldad con un tinte de esperanza y un asomo de fe en la condición humana. 

ROSTROS Y LUGARES

Un documental artístico hecho con mucho sentimiento y creatividad por la directora francesa Agnès Varda y el fotógrafo y muralista Jean René, conocido como JR. Aquí se unen estos dos personajes, al parecer muy diferentes, para mostrar su arte. Él es un artista urbano que tiene 34 años, y ella, también artista, cuenta con 88 y está perdiendo la visión. Sin embargo, la fotografía, la mayor pasión de ambos, facilitará un encuentro que creará vínculos fuertes entre ellos y los llevará por la campiña francesa en una camioneta que parece una cámara, en la que llevan una impresora que agigantará sus imágenes. Harán que la gente se vincule a su proyecto y les permita capturar sus rostros y sus cuerpos, para después ampliarlos en blanco y negro, y finalmente ubicarlos en fachadas, edificaciones gigantescas y lugares inesperados. Este será un homenaje de JR ­­-que siempre lleva puestos unos lentes negros y un sombrero-, para su admirada colega –quien luce su cabello en dos colores diferentes-, con el fin de darle sentido a sus 60 años de inspiración y de trabajo artístico. Será un tributo a todas las personas que como sus modelos ejercen oficios, al parecer invisibles: obreros, granjeros, carteros, meseras de restaurantes, criadoras de cabras, esposas de trabajadores y mujeres solas y aisladas de la sociedad. Quiere darles la voz, en especial a ellas, para que muestren cómo han vivido y lo que significa ese paso del tiempo en su existencia. Una obra con un tono feminista, en la que además se resalta el valor del arte, ese idioma universal que traspasa la barrera de las diferencias individuales y permite acercar con cariño a jóvenes deseosos de aprender y adultos con una carga de sabiduría y experiencia.  

Obtuvo el premio de mejor documental 2017 en el Festival de Toronto, en el National Board of Review, Círculo de Críticos de Nueva York y Asociación de Críticos de Los Angeles y de Chicago. Fue declarado fuera de concurso en la sección oficial del Festival de Cannes y fue nominado a los premios Oscar en la misma categoría. Esta última nominación la convirtió en la mujer nominada de mayor edad en toda la historia de estos premios. 

DOLOR Y GLORIA

“Las noches en que coinciden varios dolores, esas noches creo en Dios, y le rezo. Los días en que padezco solo un tipo de dolor, soy ateo”. 

“…escribir es como dibujar pero con letras”.

“El amor no basta para salvar a la persona que amas”

Una reconciliación con el pasado es la película de Pedro Almodóvar de este año, en la que parece plasmar muchos aspectos de su propia vida y reencontrarse con personajes, lugares y escenas que han sido parte importante de sus recuerdos. Y qué mejor manera de iniciarla, partiendo de las memorias infantiles de su protagonista, Salvador Mallo (Antonio Banderas), en un río al lado de su madre, oyéndola cantar con sus amigas mientras ellas lavan la ropa. Al mismo tiempo, añade escenas tan vitales como el traslado de su vivienda a una cueva -en un pueblo rural de Valencia- que sus padres y él fueron llenándola de color y de amor hasta convertirla en uno de los mejores recuerdos de su infancia. Allí fue feliz porque tuvo la vista del cielo que llegaba a su hogar tras un enrejado en un patio trasero. Allí degustó la lectura y dio clases de lectoescritura a un joven adolescente que marcó su homosexualidad. Allí también fijó su mente en un cuadro que hizo este mismo joven aficionado a la pintura y fue capaz de soportar el deseo de su madre de llevarlo a un seminario para que pudiera estudiar y salvarlo de su extrema pobreza. Cuando el personaje mencionado va a la realidad –en un ir y venir de imágenes-, ya es un hombre de 60 años, enfermo, que no come ni duerme, hastiado de su profesión como productor de cine, y dedicado a la soledad y a la droga. Es la heroína, la que nos lleva a conocer su pasado, junto con “Adicción”, el libro que él escribió y que ahora un actor (Asier Etxeandia,) comparte con el público, a través de un monólogo.

Una historia bien llevada de 108 minutos, en la que combina el presente y el pasado de su protagonista con situaciones emocionales, que afectan el trascurrir de su existencia hasta agotar su creatividad y sumirlo en una profunda depresión. Urge hacer un alto en el camino, replantearse su vida -juzgando lo positivo y lo negativo de su situación física y psicológica-, para tomar una decisión sobre su futuro. Un personaje pacífico y sereno, a pesar de sus vivencias, es el representado por Antonio Banderas que lo lleva a ser postulado para el Oscar 2020 como mejor actor (premio ya ganado en el reciente Festival de Cannes), junto con Almodóvar como mejor director, después de una larga carrera de más de cuarenta años. Un estreno que cuenta también con la presencia de Penélope Cruz, la madre del Salvador, y de Leonardo Sbaraglia, su gran amor. Esta historia fuerte y emotiva, con un tono íntimo y cargado de sabiduría, penetra en temas como la infancia y la vejez, la figura de la madre en la adolescencia y en la madurez, la presencia de las enfermedades en la edad adulta y cercana a la muerte, el erotismo de la juventud y el amor frustrado de los años mayores, y el valor de la literatura y del cine como medios precisos para abrir las puertas de la intimidad. Será la recuperación de su pasado el mejor medio para liberarse, perdonarse y reconciliarse consigo mismo y con el mundo. ¿Le sucede lo mismo a Almódovar? Es la pregunta que los críticos y espectadores nos hacemos ahora.

MARÍA, REINA DE ESCOCIA

María Estuardo de Escocia e Isabel I de Inglaterra protagonizan este drama histórico del siglo XVI que tiene como fin mostrar la verdadera historia de esta reina escocesa.  En 124 minutos, su director Josie Rourke adapta la biografía de este personaje realizada por John Guy, y la película termina siendo nominada a los Premios Oscar 2019 por Mejor vestuario y maquillaje.

Resulta incomprensible para dos mujeres reinar en una tierra de hombres, cargada de dificultades políticas y religiosas, y enfrentadas por sus deseos de querer gobernar. María Estuardo (Saoirse Ronan), reina católica de Francia desde los 16 años, acaba de enviudar a los 18 y debe casarse de nuevo. Como no lo acepta, regresa a su país donde la espera el trono de Escocia que también le pertenece. Sin embargo, allí encuentra a su prima Isabel I (Margot Robbie), reina de Inglaterra, apoderada de su gobierno y a los protestantes ejerciendo un fuerte control sobre su pueblo. Será una tarea ardua para María hacer valer sus derechos y rescatar su soberanía hasta el punto de querer sobrepasar y derrocar a su pariente. Un encuentro doloroso vivirán estas dos reinas que se atraen y se odian, y que, en vano, intentan resolver sus conflictos ante la falsedad y la sublevación presentes en sus cortes.

Vemos a María como una mujer fuerte, inteligente, amorosa, sensible y segura de ella misma. Actúa como una verdadera heroína, cargada de dotes para el manejo del poder, pese a las múltiples oposiciones e intrigas que encuentra. No obstante, todo acabará mal en un mundo masculino que la acusa y la persigue, reforzado por la presencia de su pariente Isabel que hará todo lo posible para destruir sus planes y llevarla a su fin. Una película triste y dura para esta mujer que se adelantó en siglos a las épocas más marcadas de negación y desprecio por el género femenino.

CUESTIÓN DE GÉNERO

“El buen juicio es el alma de la luz”.

“Para cambiar las leyes, hay que cambiar las mentes”.

“- La palabra mujer no aparece ni una vez en la constitución de los EU.

-Tampoco la palabra libertad”.

Una batalla contra la discriminación de género nos plantea esta película. Es el año de 1956 y en Estados Unidos hace su aparición una mujer que inicia una lucha por la igualdad de género. Ruth Bader Ginsburg (Felicity Jones), una joven estudiante de derecho de la Universidad de Harvard con un desempeño brillante, no teme enfrentar el rechazo de sus compañeros durante su carrera, ni de sus profesores que la ignoran constantemente, pues se atreve a “ocupar una plaza que podría haber sido para un hombre”. Está casada con el abogado Martin Ginsburg (Armie Hammer) quien la apoya incondicionalmente y le ayuda a vencer todas las adversidades que encuentra durante sus estudios y en la práctica profesional. Tienen una hija que deben sacar adelante, pese a los obstáculos que enfrentan y a los problemas de salud que presenta Martin. Sin embargo, junto con su esposo, acepta el reto de resolver un caso tributario que promoverá la igualdad de los derechos entre hombres y mujeres.

Mimi Leder dirige esta película en el año 2018 y en 120 minutos logra impactar a sus espectadores con la biografía de este valioso personaje femenino. Una cuestión de género fue escrita por el sobrino de la protagonista, con participación de ella, una jueza de los EU que aún vive y ejerce -a sus 86 años- sus funciones en la Corte Suprema de los Estados Unidos desde 1993. Vale la pena destacar el ejemplo de esta familia ya que su hija mayor siguió el legado de sus padres y fue Martin Ginsburg quien canalizó la rebeldía de su heredera para darle a entender el valor de su madre, su pasado difícil como judía y el verdadero sentido de su motivación para la lucha. Una familia, con un equipo adelantado a los tiempos, fue el soporte de Rose Bader Ginsburg quien se enfrentó sola a un mundo de hombres y contra la ley que siempre estuvo intentando ganarle. Así, esta abanderada de las reivindicaciones de los derechos de millones de mujeres pudo finalmente demostrar que la discriminación sexual era anticonstitucional y abrió la puerta a este largo camino de la búsqueda de la igualdad entre los sexos. Una película de gran sensibilidad y marcada inspiración.

«Quería contar su historia porque yo también he sufrido adversidades y discriminación, y he tenido que luchar por trabajos que han conseguido hombres inferiores». Mimi Leder

¿PODRÁS PERDONARME ALGÚN DÍA?

Una mujer solitaria e infeliz, escritora de obras literarias con algún éxito, se encuentra al borde del abismo. Carece de dinero, acaba de perder su empleo, y su único acompañante -un gato- está enfermo. Ella es Lee Israel, interpretada por Melissa McCarthy, también aficionada a la bebida, al desorden extremo en su residencia, a los modales bruscos y a la cleptomanía. No teme, entonces, asumir el reto de vender cartas falsificadas de grandes escritores ya fallecidos. Para ello dedica todo su talento demostrado en la literatura y el conocimiento detallado de la vida y obra de sus elegidos. Sus escritos tienen la acogida que esperaba y el dinero empieza a hacerse visible. De repente, reaparece un antiguo conocido, Jack Hock, interpretado por Richard E. Grant, el prototipo del engaño y de la vida fácil quien le ayuda en la venta de sus producciones a coleccionistas incautos. Entablarán una buena amistad y él será el mejor complemento para romper con esa personalidad hosca y amargada de ella, a pesar de la conducta antisocial de ambos. La veremos feliz en su declaración final ante las autoridades del FBI ya que fue creativa durante su delito, pudo engañar con su aporte intelectual y su cambio le dio tanta frescura que rió, lloró y volvió a escribir.

Marielle Heller, la directora de esta película, explora en 106 minutos temas como el alcoholismo, la homosexualidad y la delincuencia; además del coleccionismo y la amistad. En esta película americana del año 2018, crea personajes que acabarán poniendo al público de su parte, no obstante los rasgos negativos que presentan y de la situación delincuencial que asumen. Es el caso de McCarthy que sobresale por su interpretación, hasta el punto de ser nominada al Oscar como mejor actriz y de Grant como mejor actor de reparto. El personaje central está basado en la vida de la escritora del mismo nombre de su protagonista, que vivió en Nueva York en los años 90 en medio de la amargura y del desengaño, y fue víctima del rechazo social y la baja autoestima. Buenos diálogos, buena música y cuidadosa fotografía se destacan en este filme.