EL SECRETO DE VERA DRAKE

“Ahí va Vera Drake. Recorriendo los suburbios londinenses, transitando sus  estrechas callejuelas, poseyendo las llaves que abren muchas puertas verdes. Detrás de esas puertas están sus afectos, su familia y todas aquellas otras familias  para las que Vera trabaja o a las que, simplemente, ayuda desinteresadamente”. Vera es una mujer honesta y sencilla que vive feliz con su esposo y sus dos hijos ya mayores. Trabaja como ayudante en varias casas de familia, mientras su esposo Stan es mecánico, su hijo Sid aprende la sastrería y su hija Ethel colabora en una fábrica de bombillas. Todo transcurre en medio de la unión familiar y de la alegría constante de Vera quien algunas veces realiza una tarea que puede sorprender al espectador, mas no a ella ya que la considera una ayuda a mujeres necesitadas: poner fin a sus embarazos. Es un oficio silencioso, por el que no recibe dinero a cambio, mientras sí lo hace, su contacto, una dama de la sociedad. Sin embargo, cuando una de sus intervenciones pone en peligro la vida de una joven, la policía indaga hasta llegar a Vera. Lo hace cuando está toda la familia reunida para celebrar el compromiso de la hija Ethel con el vecino Reg, y el embarazo de su cuñada. Y aquí comienza su infierno. Debe enfrentar la acusación de practicar abortos clandestinos desde hace un buen tiempo y asumir ante su familia -ignorante de esto- y ante la sociedad el cargo y la pena que le asigna la ley. Esto sucede en 1950 en Londres, años antes de que se aceptara la ley del aborto en ese país (1967). Impacta el trabajo de Imelda Staunton como Vera, que la nominó al premio Oscar como Mejor Actriz en el 2004 y la hizo reconocedora de muchos otros por su excepcional interpretación. Con ella, el director y guionista británico Mike Leigh, propone un tema álgido y difícil de enfrentar en nuestro medio como es el aborto. Vemos a mujeres de diferentes edades y problemáticas ante esta situación: Una joven, una madre de familia con siete hijos, una mujer infiel, una soltera inmigrante, una pobre mulata y una mujer violada. En todos los casos se destaca el miedo, la soledad y la desesperación que encuentran tranquilidad ante la presencia de Vera y su procedimiento a seguir. Sólo cuenta con un cepillo de uñas, un jabón, un rallador, una botella de desinfectante, una toalla y un enema de goma. Todas tienen motivos para tomar esta decisión -excepto la joven violada quien tiene dinero y busca una clínica segura, con todas las atenciones-. Vera que es toda bondad, les ayuda a resolver su situación con una sonrisa amplia y tarareando siempre una canción. Sólo que ella desconoce el alcance de sus actos y el peso de la ley; actúa por compasión y sensibilidad social. Incluso se niega a aceptar el término aborto y asegura estar ayudando a mujeres con problemas, “no tienen a quien acudir y yo las ayudo”. Termina siendo culpada y debe pagar una prisión de dos años y seis meses.   Una película que contextualiza las relaciones humanas y hace ver el sexo como algo natural, incluso el planteamiento del aborto que se da con una visión humanitaria. Además asigna un valor inmenso a la mujer, a la figura maternal y a la familia ya que nos enseña cómo procrear con amor y cómo llevar relaciones firmes y duraderas, aún en medio de la estrechez económica. Una enseñanza que tiene gran validez frente a la manera cómo ve la sociedad y la ley la práctica del aborto.  Además, un drama humano que arroja una mirada al universo femenino, sin emitir juicios, para que seamos nosotros quienes saquemos las propias conclusiones.

LA CASA DE LOS ESPÍRITUS

Basada en la novela de Isabel Allende, dirigida por Bill August y con un maravilloso reparto: Jeremy Irons, Meryl Streep, Glenn Close, Winona Ryder y Antonio Banderas. En sus 138 minutos logra impactarnos la historia de esta brillante narradora latinoamericana y la puesta en escena de una obra cargada de drama y de romance. Porque vemos en ella al amor y a la vida como un milagro que logra salvar infinidad de obstáculos y que se impone a todas las fuerzas contrarias para salir adelante. Una lucha que deben enfrentar las mujeres sin temor a la muerte, como Clara, Blanca, Alba y Férula en esta historia de odio, sangre y venganza. Porque su protagonista, un famoso terrateniente y político de comienzos del siglo XX , asume su liderazgo con gran energía sin importar el daño que pueda causar a su alrededor. Él representa el dominio y el poder latinoamericano que subyugó buena parte de nuestros países a mediados siglo pasado y sus efectos están aún vigentes. Y a nivel particular, se observan los hechos violentos que permitieron el derrocamiento del gobierno de Salvador Allende en 1973.

En esta película, realizada en 1993, encontramos a la familia Trueba perteneciente a la clase alta chilena que debe vivir durante tres generaciones los altibajos del poder hasta que la violencia política logra vencerlos y desintegrarlos dolorosamente. Clara, una mujer clarividente, contrae matrimonio con el prometido de su hermana, Esteban Trueba, tiempo después de que ésta muere y de que sus padres han aceptado esta nueva relación. En un comienzo sus vidas se acoplan a la perfección, son felices y ha sido grande el trabajo de Esteban para ganarse el nombre y la fama de terrateniente poseedor de Las Tres Marías. Hasta que llega Férula, hermana de Esteban, a vivir con ellos y esto representa una gran molestia para él. Además crece su hacienda donde sus empleados son tratados como bestias y debe aislar a su hija Blanca para evitar el contacto con uno de ellos, un líder de la izquierda llamado Pedro. Transcurre el tiempo y regresa su hija que sigue enamorada de Pedro, lo que da comienzo a una persecución a muerte de éste y mayor desprecio hacia los trabajadores. Se inicia entonces una lucha política que nace desde la casa y termina por satisfacer los deseos de Esteban en el partido político conservador. Todo esto hasta que se da el triunfo socialista que no puede ser aceptado por la clase dominante. Muere su esposa y en medio de su dolor, comprueba que su hija es sometida a tratos inhumanos por dirigentes gubernamentales a los que antes servía y que ahora dan un golpe de estado en su país. Es tarde para darse cuenta de sus errores y enmendarlos. Ya solo queda "la casa de los espíritus" donde refugiarse para buscar la muerte, la única conciliadora con el alma tranquila y sosegada de Clara.

Esta obra cargada de realismo mágico, nos muestra a una Clara que semeja a Remedios La Bella, de García Márquez, como símbolo de la conciliación, de la tolerancia, la generosidad y el amor. En todos sus actos vemos cómo la mujer representa esa otra fuerza que sin violencia nos dice que la vida misma es lo más importante, un milagro por el que hay que luchar, y que la fuerza del amor es infinita. Otra película donde el rol de la mujer muestra vital importancia.

Todo lo anterior sin olvidar la música de Hans Zimmer: http://www.youtube.com/embed/UAdg-unia9Q

LOCO POR ELLA

Hacer reír es un arte que conlleva más dificultad que hacer reflexionar.  
Y si se unen estos dos elementos en una película encontramos motivos para una buena reflexión y un buen disfrute de nuestro tiempo libre.

En esta comedia americana de tipo romántico vemos a una mujer soltera, inteligente y deseosa de tener un hijo por medio de la inseminación artificial. Es así como Kassie Larson (Jennifer Aniston) acude a su gran amigo, algo neurótico e inseguro, Wally Mars (Jason Bateman) para que le ayude a encontrar un donante ideal. Cuando al fin logra cumplir con este deseo y en medio de una fiesta y unas buenas copas, Wally cambia el esperma del donante por el suyo, sin recordarlo siquiera al día siguiente. Deberán pasar siete años para que estos amigos se reencuentren y aparezca el hijo, Sebastián, un niño excéntrico y precoz que logra cautivar a Wally y a través de una interacción constante le ayuda a descubrir su paternidad. Muchas dificultades deberá superar el padre del niño para llegar a Kassie, contarle la historia, aceptarla y concluirla como buenos enamorados que han sido, sin ser conscientes de ello.

“Loco por ella” nos hace reflexionar sobre la pérdida del sentido de la familia tradicional que va de la mano con el ingreso de la mujer al mundo laboral. Vemos cómo el deseo de ser madre se impone hasta el punto de cambiar la estructura familiar y los roles que se dan en ella. Se van mostrando nuevas “masculinidades” y nuevas formas de asumir este papel en un mundo excesivamente cambiante. Sin embargo, nos lleva a reconocer que un hijo necesita de una madre y un padre para su sano desarrollo y crecimiento. Un hijo no debe crecer ajeno a estas necesidades fundamentales para su pleno desenvolvimiento. Finalmente nos dice que “la raza humana no está en una carrera en absoluto” y se deben buscar nuevas formas de hablar, nuevas maneras de comunicación, nuevos medios de escuchar al otro. Una película con un humor inteligente que deja buenas enseñanzas, bajo la dirección de Will Speck y Josh Gordon en el año 2010.

MADRES E HIJAS

Impacta el comienzo de esta película con una adolescente de 14 años dando a luz. De inmediato se piensa en las dificultades de la crianza y en el futuro de la pareja en cuestión. Pero la película no se detiene en ello y nos traslada de inmediato al lugar donde se encuentra una mujer de 50 años, ajena a su papel de madre porque dio la hija en adopción hace un buen tiempo, y la hija desempeñándose en el mundo moderno con propiedad y dominio. Sin embargo, no todo marcha bien. La madre, Karen, que continúa sola bajo la dominación de su progenitora enferma y es una mujer con mucha dificultad en las relaciones interpersonales, no deja de arrepentirse de su antigua decisión y piensa constantemente en su hija, Elizabeth. A diario le escribe en silencio y mucha angustia se refleja en su vida cargada de soledad y malestar. Sólo se relaciona y mal, con un compañero de trabajo, hasta que éste logra producir en ella un gran cambio e iniciar el proceso de aceptación de su papel y la búsqueda de su hija. Pero antes, debe morir su madre para dar inicio a esta transformación y enfrentar la realidad que no es tan fácil porque el mundo de Elizabeth va a un ritmo acelerado. Trabaja en otra ciudad y su jefe, un abogado negro, reconoce sus capacidades tanto laborales como en sus relaciones personales que van más allá de la mera atracción. Finalmente descubre que está embarazada, a pesar de su negativa a tener hijos. Abandona entonces su cargo, su amante y su vida en esa ciudad donde ha tenido otras relaciones y no sabe quién será el padre. Mientras tanto su verdadera madre, inicia los contactos para encontrarla y son esfuerzos inútiles pues nunca Elizabeth recibe su mensaje. Sí, en cambio, Karen logra saber de ésta, pero ya es tarde. Ha muerto y su pequeña criatura ha seguido su mismo rumbo, ser adoptada.

Rodrigo García Barcha, director y guionista de esta película, asume un papel de defensa del mundo femenino y nos muestra el valor de la maternidad en todo su esplendor a través de las actrices Annette Bening y Noami Watts. Debo aclarar que junto con esta historia, intercala otra protagonizada por Kerry Washington en la cual una joven desea ser madre a través de la adopción, sin lograrlo. Toda una trilogía que transmite la incertidumbre que vive toda mujer cuando llega el momento de tomar una decisión tan difícil como dar a su hijo en adopción. Así, nos hace ver la vida como una cadena de sucesos, en los que se involucran continuamente una causa y un efecto para dar paso a una realidad, en este caso la maternidad. Y es cuando García Barcha defiende el valor de los lazos de sangre que se conservan a pesar del rechazo y del abandono protagonizado por los progenitores; porque siempre existirán unos vínculos imposibles de romper. Defensa que lo hace ver como un gran director de mujeres que se adentra en el alma de ellas para redimirlas, olvidando un poco el papel masculino que llega a ser secundario en la película. Defensa que finalmente cuestiona la adopción y analiza de manera cuidadosa el valor de la concepción. Porque ser madre es una decisión tan importante que amerita toda una reflexión sobre este valioso rol.

NOTAS DE UN ESCÁNDALO

¿Cómo ganarnos el derecho de ser buenos? Muchos matices marcan nuestras vidas y ellos nos muestran qué umbrales podemos transgredir y cuáles debemos evitar. Una buena elección determinará el grado de responsabilidad con que asumimos la vida y nuestro papel en el mundo. Porque la responsabilidad marca la distancia entre la vida y los sueños, entre el bienestar y la angustia, entre la generosidad y la mezquindad. Y eso es lo que el director de esta película, Richard Eyre, nos quiere mostrar en este thriller psicológico hecho en el 2006. Nos enfrenta a una patología en serie en la que el hilo conductor es el escándalo. Y es un escándalo repetido en el que el primero se desdibuja para darle intensidad al segundo.

Una maestra de arte llega a una escuela secundaria de Inglaterra y de inmediato causa impacto en la comunidad. Sheba Hart (Cate Blanchett) es joven y bonita y tendrá que luchar con estudiantes molestos, deseosos de llamar su atención, y con compañeros que la están analizando para ver sus puntos fuertes y débiles. Uno de ellos es Barbara (Judi Dench),  una profesora mayor, estricta y solitaria -con un gato como su única compañía-, quien de inmediato la juzga como presa fácil, pero intenta ser su amiga, acercándose a ella para lograrlo. Surge entonces una amistad que marcará los momentos difíciles de la película. Barbara descubre que su aliada Sheba, una mujer de 40 años, casada y con dos hijos, uno de ellos con síndrome de Down, tiene relaciones sexuales con uno de los estudiantes de 15 años y de inmediato la enfrenta. Decide callar con ella esta situación tras escuchar su versión, proponiéndole de antemano que abandone al joven. Continúa la amistad hasta que descubre que su nueva amiga ha incumplido lo pactado. Inicia entonces una guerra silenciosa contra ella y hace que esta historia sea conocida por su familia y por el colegio. Sheba debe abandonar su hogar y su lugar de trabajo para ser asumir las consecuencias de su falta, pero antes se da cuenta de que la única persona que la protege y trata de ayudarle es quien ha provocado toda esta situación. Y lo más grave, Barbara tiene un diario sobre su relación con ella, un diario cómplice de sus tendencias lésbicas desconocidas por su amiga.

Una película que impacta por su guión, por la actuación de quienes representan a los personajes principales y por la música que predispone a sentir todas las dificultades de este drama. Cuesta entender la conducta de las protagonistas, sus relaciones y la búsqueda de salidas por caminos difíciles que producen escándalos.  Ellas viven con intensidad pasiones y traiciones, complicidad y chantaje, y sobre todo dejan al descubierto la parte más oscura de su comportamiento. Y no sólo ellas, vemos también al joven involucrado en la relación con Sheba que miente y engaña con facilidad hasta lograr su cometido: ser victimario, no víctima. Una manera de cuestionar la ilegalidad de las relaciones sexuales con menores de 18 años.  En fin, NOTAS DE UN ESCÁNDALO, basada en la obra de la novelista británica Zöe Heller hace toda una reflexión sobre la importancia de asumir la propia identidad,  evitando que otro pueda crear un vínculo que interfiera con nuestra  libertad, con esa independencia que todos necesitamos en este mundo poblado de soledades.

"ESTAMOS ATADOS POR LOS SECRETOS QUE COMPARTIMOS"

MI VIDA SIN MÍ

"Ésta eres tu, los ojos cerrados, bajo la lluvia. Nunca imaginaste que harías algo así, nunca te habías visto como… mmm… no sé como describirlo, como, una de esas personas a las que les gusta la luna o que pasan horas contemplando las olas o una puesta de sol. Seguro que sabes de qué gente estoy hablando… o tal vez no. Da igual, a ti te gusta estar así, desafiando el frío, sintiendo como el agua empapa tu camiseta y te moja la piel. Y notar como la tierra se vuelve mullida bajo tus pies y... el olor, y el sonido de la lluvia al golpear las hojas. Todas esas cosas que dicen en libros que no has leído… ésta eres tú. Quien lo iba a decir, tú".

Una película que hace la mejor invitación a vivir, a través de la proximidad de la muerte. Una despedida sensible y conmovedora de quien ha tenido una vida muy limitada y ahora, en los últimos días de su existencia, descubre el placer de vivir. Una búsqueda de espacios vitales para comprender el sentido de la muerte a través del valor de la vida.

Anne, de 23 años, que trabaja como aseadora nocturna en una universidad, sabe que va a morir y decide vivir intensamente, sin contárselo a nadie. Sólo nosotros, los espectadores, conocemos su situación y compartimos con ella los últimos dos meses que le diagnostica su médico. Así, mientras la vida se le escapa, olvida sus sufrimientos y da muestras de cariño y comprensión a su compañero Don, a la vez que se entrega con amor a sus dos pequeñas hijas a quienes les dedica mensajes que recibirán en cada uno de los cumpleaños venideros.  Con su madre, con quien ha tenido dificultades, trata de llevarla bien y visita a su padre en la cárcel donde lleva 10 años recluido. Por otra parte, encuentra a Lee, un amante a quien enamorar, y hasta intenta cambiar su aspecto físico para hacerle frente a esta dura realidad. Además trata de que su hogar no perezca y logra conseguir una persona con la intención de suplir su ausencia en el hogar.

En otras palabras, quiere vivir los últimos días con total intensidad y aprovechar este tiempo para cumplir con las cosas que deseó hacer antes de morirse. Quiere cambiar y ser mejor pues para ella ya no existe el “hasta pronto”, sólo el presente con toda una entrega de honestidad y transparencia. Quiere olvidarse de su enfermedad  y aprovechar el tiempo para buscar ese equilibrio entre el amor y el recuerdo, entre la vida y la muerte. Quiere hacer caso omiso del consumismo, de la publicidad, de la religión, de las posiciones políticas, y de toda clase de convencionalismos para despertar a la conciencia de un mundo libre, digno de ser vivido. Quiere lograr un verdadero sentido al derecho a morir dignamente que no es más que “el derecho a vivir dignamente”. Queda, eso sí, la discusión de si es egoísmo o valentía la decisión de llevar a cabo este derecho tan personal sin confiarle a nadie la proximidad de la muerte.

Encontramos en esta película toda una reflexión sobre la vida llevada a cabo por Isabel Coixet acompañada de Pedro Almodóvar. Estos dos valiosos nombres y la representación de Sarah Polley como Anne, logran una producción que conmueve, pero sin saciarse en el dolor. Difícil representar la muerte con valentía y con ese sentido de que lo más importante está en la vida, en el amor a ella, en esa lucha por ser felices.

LONDON RIVER

El río Londres es testigo de una historia que rompe las barreras del color de la raza, de la religión, de la procedencia. En ella vemos cómo el acercamiento a las personas y el conocimiento de ellas derriban todos los obstáculos que aíslan e impiden cualquier asomo de comunicación. A pesar de los hechos que narra la película, la explosión de varias bombas el 7 de julio de 2005 en el metro de Londres y el consecuente fatal accidente de los jóvenes Alí y Jane, ésta se centra en dos personajes totalmente disímiles que llegan a la ciudad en busca de sus hijos, sospechando que puedan ser víctimas de los terribles hechos que narra la televisión. El destino de ella, Elizabeth, una viuda blanca, cristiana y prejuiciada que habita en una isla del Canal de la Mancha se cruza con el de Ousmane, un negro africano residente en Francia, solitario, silencioso y de religión musulmana. Ella busca a su hija Jane y él a su hijo Alí. Muchas veces se encuentran en las calles, hospitales y morgues buscándolos y en muchos momentos ella lo rechaza hasta el punto de hacerlo detener por la policía. Finalmente se va dando un acercamiento al descubrir que los cobija un mismo dolor y una misma esperanza. Un dolor que los despoja de toda diferencia cultural para unir sus almas frente a la adversidad, y una esperanza que va dando paz en la mirada de quienes viven una tragedia compartida.

En esta bella historia sobre la comunicación y la solidaridad, el director Rachid Bouchareb une a dos intérpretes Brenda Blethyn y Sotigui Kouyaté, una valiosa actriz y un actor desconocido recientemente fallecido, para dar vida a una película dramática triunfadora en el Festival de Berlín 2009 y con Oso de Plata al mejor actor. En este desgarrador relato que es movido por la sinrazón humana conmueve el contraste físico y cultural entre los dos protagonistas. Sin embargo, ambos aman la tierra, ella la ara y la produce, y él es guardabosque y cuida los árboles. Toda una historia de reflexión que acerca y reconforta en un mundo invadido de atentados terroristas y conductas autodestructivas que nadie termina por entender. Valiosa entonces la conclusión de nuestro orientador Rodrigo: “Las tensiones en este mundo globalizado encuentran el camino a través del afecto y el amor”.

COCO CHANEL

"LA MODA SE PASA DE MODA, EL ESTILO JAMÁS"

Nos encontramos ahora frente a una película que encaja perfectamente con la idea propuesta para nuestro cine club. Qué mejor que este ícono de la liberación femenina, Coco Chanel. Una intrépida mujer de vanguardia que rompió el esquema de la dependencia con una inmensa capacidad de superación y un talento bien manejado. A pesar de sus difíciles primeros años de vida, supo salir adelante mostrando su creatividad en un mundo de hombres y manejando con destreza las ideas de la época, esa transición entre los siglos XIX y XX. Rompió con muchos esquemas y se atrevió a ser auténtica y revolucionaria hasta llegar a triunfar. Para lograrlo, qué mejor que la presencia de dos hombres especiales en su vida, Etienne Balsan y Boy Capel, quienes favorecieron su incursión en espacios vedados para las mujeres. Sin preocupación, montaba a caballo, fumaba, conducía auto, leía libros entre ellos de Nietzche, y vestía trajes sueltos, sencillos, sin corsé, con pocos adornos y de color negro. Aunque como amante se sintió sacrificada, no quiso ser objeto sexual de nadie y prefirió la soledad. Todo esto para llegar a su mayor éxito, el mundo de la moda concebido como un arte. Un arte que identifica la elegancia con la libertad de movimiento.

Esta mujer que sobresalió por sus dotes como diseñadora, tiene una historia como mujer y como persona que vale la pena resaltar. Su verdadero nombre fue Gabrielle Bonheur y vale la pena mencionar el significado de Bonheur, felicidad. Nació en Saumur (Francia) el 19 de agosto de 1883 y murió en París el 10 de enero de 1971. Procedente de una familia humilde y sin padres que la protegieran, se vio obligada a ingresar a un orfanato dirigido por monjas donde aprendió a coser durante seis años. De allí pasó a ganarse la vida como costurera, trabajo que combinaba con sus actuaciones como cantante en un lugar de diversión del ejército. Parece que fue allí donde surgió su nombre Coco ya que sus temas eran Ko ko ri ko y Qui qu'a vu Coco? Así, a la edad de 22 años su objetivo era conseguir dinero para sobrevivir y convertirse en una modista famosa. Por fortuna, conoció a Etienne Balsan, un burgués adinerado que le dio la oportunidad de conocer la sociedad parisina y llevar una vida de lujos mientras creaba su idea de diseñadora. A su lado, abrió una sombrerería y más tarde su propia línea de moda con bastante éxito. Sin embargo, apareció en su vida Arthur Boy Capel, un amigo de su amante, y se enamoró locamente de él, al tiempo que descubría sus proyectos de casarse con una rica aristócrata. No se dio entonces una completa ruptura con Balsan porque necesita de él para financiar sus creaciones y para sostener el apoyo a su propia línea de moda. Ambos hombres, de gran importancia en su vida, facilitaron sus creaciones y el surgimiento del mito "chanel".

En otras palabras, encontramos una película dirigida por Anne Fontaine y representada por Audrey Tautou, que presta una atención especial al origen del personaje, a sus amores y pasiones, a su aprendizaje y éxito en el mundo de la moda, y a sus ideales de mujer independiente y exitosa.

LA OLA

Aunque esta película se sale del contexto de género propuesto para nuestros encuentros con el cine, la aceptamos para nuestro análisis por la profundidad de su temática y por la realidad que encierra.  Se desarrolla en la Alemania de hoy, en un ambiente educativo donde el profesor Rainer Wenger quiere imponer un modelo basado en la autocracia, un régimen de  extrema disciplina en el aula. Sus estudiantes fácilmente lo siguen y van copiándolo con gestos semejantes, uso de camisa blanca como uniforme, ideales comunes y un espíritu de grupo avasallador. Cada día aumenta el número de integrantes y su grupo muestra sentimientos de comunidad inigualables, en completo orden y disciplina. A su vez, se superan las diferencias sociales, mejoran su autoestima, diseñan el logo que los caracteriza –una ola enérgica- y lo imprimen en toda la ciudad. Solo Karo no acepta vestirse como ellos quieren, se rebela y asume su propia identidad. Mientras tanto el entusiasmo del grupo va superando los límites de la normalidad y empieza el choque violento con la sociedad, con grupos anarquistas y con la misma compañera. Finalmente, el grupo actúa con violencia y desconociendo los límites de su movimiento, se descontrola  completamente  hasta perder la cordura. Es demasiado tarde para el profesor frenar la ola y las consecuencias son desastrosas.

Esta película, con una mirada cercana al mundo adolescente y su cultura, está dirigida por Dennis Gansel y se basa en el libro “The Wave” del escritor estadounidense Tod Strasser. Éste se inspira en los hechos ocurridos en 1967 cuando un profesor de historia se vio obligado a interrumpir su proyecto “La tercera ola” ya que al pretender mostrar a sus alumnos los peligros de la autocracia, obtiene resultados contrarios. Este filme de gran éxito en el Festival de Sundance, logró excelentes resultados en la taquilla alemana cuando fue estrenado.

Aquí vemos la necesidad de los adolescentes de pertenecer a un grupo con un líder como referente, de protegerse del entorno y de reafirmarse a través de signos externos como la ropa, los gestos, el lenguaje y las actitudes. Entonces se les da responsabilidad y se eliminan las diferencias individuales hasta formar una comunidad donde todos tienen la oportunidad de distinguirse: “Fuerza a través de la unidad”, “Si todos trabajamos juntos, seremos más fuertes”. Y cuando aparece esa necesidad de identificación, que esconde miedos, incomprensión y soledad, el que tiene la capacidad para ser líder puede lograrlo y conducir a la gente. Sin embargo, existen peligros en esa fascinación de líder al manipular a la colectividad y lograr transformarla en un grupo agresivo y excluyente. Es el caso de esta película y de líderes carismáticos tan nocivos para la humanidad como Adolfo Hitler que producen una obediencia extrema de resultados preocupantes. Y es aquí donde aparece el interrogante sobre lo que pasaría en cualquier parte del mundo si en el siglo XXI el nazismo fuera posible. Sin lugar a dudas, un material de mucha utilidad para debatir en clase.

LA VIE EN ROSE

Piaf o “pequeño gorrión” es el nombre que recibió Édith Giovanna Gassion cuando su pequeña estatura y su extrema pobreza y abandono contrastaron con su inmensa voz, como de un pájaro cantor. Este reconocimiento dio origen a la aparición de una de las cantantes francesas más admiradas, Edith Piaff. Una artista que el director de cine Olivier Dahan se encargó de mostrarnos combinando tiempos y espacios a modo de variados recuerdos que surgen del lecho de muerte de esta inolvidable mujer. El resultado, una película de un éxito semejante a la miseria que soportó desde su infancia y cuyo objetivo es justificar una vida de abusos y la inmensa genialidad de esta gran artista.

Abandonada por sus padres, un acróbata y una cantante callejera y alcohólica, queda en manos de su abuela paterna, dueña de un prostíbulo donde pasa buena parte de su niñez. En este ambiente depravado encuentra el cariño de las prostitutas que la acompañan y le ayudan cuando una enfermedad la mantiene ciega durante un buen tiempo. Su padre regresa para recogerla y obligarla a trabajar en un circo de donde pasarán a la calle posteriormente. Allí muestra su voz interpretando “La Marseillaise” y el público la aclama. Inicia entonces su vida artística con su nuevo nombre en un cabaret de moda. Empieza también su fama y reconocimiento, con grandes altibajos, venturas y desventuras, importantes presentaciones en grandes teatros y salas de música de Europa y Estados Unidos hasta llegar a su temprana muerte causada por un cáncer en el hígado. Todo esto sin olvidar su adicción al alcohol y la droga, su vida bohemia y sus grandes amores, especialmente su romance con Marcel Cerdan, representado en uno de los mejores momentos de esta película.

En otras palabras, Edith Piaff se debatió entre los problemas, las canciones y el amor. Aunque vivió momentos felices, estuvo marcada por el infortunio y al final de su vida, cuando sacaba fuerzas para cantar como nunca lo había hecho, su cuerpo se fue consumiendo por la enfermedad y la drogadicción a la edad de 47 años. Después de una existencia cargada de dificultades queda entonces la pregunta: ¿La vida en rosa?

En este paso por la infancia, la juventud, el esplendor y el decaimiento de esta valiosa artista vale la pena reconocer la gran interpretación hecha por Marion Cotillard, ganadora del Oscar por la mejor interpretación femenina del 2007. Así mismo la ambientación y la música que no olvida lo mejor de la producción de Edith Piaff.

Esta canción que aparece al final de la película refleja la vida de Edith Piaff.

MUJERES AL BORDE DE UN ATAQUE DE NERVIOS

Nominada al Oscar como la mejor película extranjera, Mujeres al borde de un ataque de nervios lanzó a su director Pedro Almodóvar a la fama internacional y al reconocimiento de ésta como Mejor Película,  Mejor guión original, Mejor actriz protagónica (Carmen Maura) y Mejor actriz de reparto (María Barranco) en los premios Goya.

Esta comedia, creada en 1987, pone en juego el drama que sufren las protagonistas porque buscan ser amadas y a su paso encuentran desamor, buscan comprensión y hallan engaño e indiferencia. En ellas se percibe el abandono y la soledad, el desamor y la locura causados por el hombre que concibe esta relación de una manera diferente.  Parece que Almodóvar quisiera representar el universo femenino y mostrarlo al mundo masculino para encontrar en él más comprensión.

“Es más fácil aprender mecánica que psicología masculina,

a una moto la puedes llegar a conocer a fondo,

pero a un hombre jamás”.

La película cuenta la historia de Pepa quien es abandonada por Iván y con gran tristeza se dedica a buscarlo para darle la noticia de su embarazo. Muchas historias debe conocer y enfrentar, antes de encontrarlo y decidir finalmente callar. Es así como a su casa llega Candela, su mejor amiga, huyendo de la persecución policíaca debido a su enamoramiento de un terrorista chiíta y posteriormente debe enfrentarse a la antigua amante de su enamorado, Lucía, que se encuentra psicótica y buscando al mismo hombre. Por fortuna, aparece Carlos, el hijo de Iván y Lucía, interpretado por Antonio Banderas, que asume un papel más generoso al llegar al apartamento de Pepa con su novia Marisa, con el fin de alquilarlo. Sin embargo, su papel de hombre bueno se desdibuja al dejar a su novia por Candela. Finalmente, Pepa salva a su hombre en el aeropuerto donde está a punto de subir a un avión con su nueva amante y es atacado por Lucía. Iván quiere volver con Pepa en señal de agradecimiento, pero sólo encuentra el abandono definitivo. Después de una búsqueda desesperada ya no lo necesita, ya no tiene interés en contarle su gran secreto. En otras palabras, Pepa, Candela, Lucía y Marisa son mujeres abandonadas que forman un conjunto de soledad e incomprensión. Todas están al borde de un ataque de nervios y en estas circunstancias tan exageradas sólo queda lugar para la risa.

En este film de 95 minutos, encontramos nuevamente el color rojo simbolizando la pasión, la locura, el amor y el desamor; lo vemos en muchas imágenes en contraste con la luz y la sombra, y haciendo juego con ambientes hiperrealistas. Al mismo tiempo, las canciones expresan un amor no correspondido, un desamor unido al dolor de la separación. Color y música que se combinan para crear una buena historia. LVV

"Almodóvar demuestra que el estudio de la humanidad empieza con la mujer:

lo que Eva tiene, Adán lo quiere".   Guillermo Cabrera Infante

LOS ABRAZOS ROTOS

Qué mejor director de cine para evocar que Pedro Almodóvar y qué mejor película para dedicar nuestras miradas femeninas que Los abrazos rotos. No es fácil penetrar en esta cinta por la cantidad de sensaciones y perspectivas que maneja y por la variedad de historias que narra. Sin embargo, en la frase del mismo Almodóvar “Las películas hay que terminarlas aunque sea a ciegas” encontramos motivos para entender su trama y para adentrarnos en su temática de tensiones psicológicas fuertes.

En ella, vemos dos historias en torno a un mismo hombre: Mateo Blanco, el nombre de pila de quien filma sus películas y vive momentos de extrema lucidez y gusto por la vida, sobre todo cuando conoce a Lena representada por Penélope Cruz y la hace protagonista de un video paralelo a este film; y Harry Caine, el nombre que debe asumir para firmar sus trabajos y enfrentar su ceguera y soledad, una vez es víctima de la persecución y el odio de Ernesto Martel, el compañero sentimental de su enamorada. Ahora, que ella no existe y después de catorce años de silencio sobre su pasado, tiene cerca a Judit García, su fiel directora de producción, y a su hijo Diego a quien decide contarle su trágica historia y quien es el vehículo para armar la película.

Este relato lo recrea en dos tiempos, el emocionante y el trágico, a la vez que nos presenta el video Chicas y Maletas a modo de comedia, dándole un tono chispeante para contrarrestar los problemas vividos por los protagonistas de la producción de fondo. En otras palabras, encontramos una obra que adelanta y retrocede en el tiempo, dando saltos continuos del presente al pasado y revolviendo completamente el guión hasta que finalmente podemos reconstruir una historia emocionante. Llama mucho la atención en este film cargado de dualidad la presencia constante de una escenografía con dominio del rojo que simboliza la pasión, y de blanco y negro a modo de claroscuro para atenuar esta exaltación melodramática que domina la obra. Por otra parte, la música que acompaña a las escenas de una genial fotografía es impactante y habla de un director que se empeña en mostrarnos su gran pasión que como él mismo lo expresó “Los abrazos rotos es mi historia de amor por el cine, es una declaración mía al cine”. LVV

LA DECISIÓN DE SOPHIE

Una obra publicada en 1979 en Estados Unidos por William Styron y llevada al cine por Alan J. Pakula, con los actores Maryl Streep quien obtuvo un Oscar en 1982 como mejor actriz, Kevin Klane y Peter MacNicol. Es un film que impacta por la temática, por el manejo del color, por el trabajo actoral y por el ambiente culto que la enmarca, incluyendo la música y los trozos poéticos de Walt Whitman y Emily Dickinson.

"Al hacer el amor estaba haciendo retroceder a la muerte".

Stingo, un joven que llega a Nueva York en 1947 para hacerse escritor, conoce a una pareja conformada por Sophie y Nathan, una mujer polaca y un judío al que ella ama apasionadamente. Esta relación entre los tres se hace fuerte y termina siendo un triángulo amoroso del que sólo el joven es consciente. La película ofrece una mezcla de tonos impactantes donde el sepia acompaña los momentos de intimidad, la luz es cómplice de las escenas de recreación y alegría, y los tonos grises son testigo de un pasado que Sophie ha querido ocultar porque ha marcado su vida de dolor y miseria. Es la vida en los campos de concentración nazi, donde esta sobreviviente de Auschwitz sufre los horrores de la guerra y tiene que tomar la más difícil decisión, condenar al holocausto a uno de sus hijos para evitar la muerte de ambos. De este modo, vemos temáticas impactantes como la alegría y el dolor, el amor y la desilusión, la vida y la muerte que se combinan para explicar todo un drama en el que Sophie termina siendo manejada por su pasado y por la personalidad fuerte, sensual y esquizofréncia de su amante. Esto sin olvidar que el joven Stingo también resulta enamorado de ella y debe renunciar a su amor una vez conoce el trágico destino de sus acompañantes.

Una película que, además de contarnos una triste historia de supervivencia, muestra cómo el pasado marca la vida de una persona que algunas veces toma la decisión de sobreponerse a él, pero finalmente se deja dominar y destruir. Una difícil decisión.LVV

LOS PUENTES DE MADISON

Qué buen comienzo para nuestra apreciación del cine que esta película basada en la obra “Los viejos puentes de madera” (1992) de Robert James Waller. Tomo del libro algunas de las más bellas frases pronunciadas por los dos protagonistas, y de la cinta destaco la puesta en escena de una historia de amor conmovedora por su sencillez y profundidad, con un manejo delicado de las emociones. En ella dos reconocidos actores, Meryl Streep y Clint Eastwood, adquieren forma cuando Francesca, un ama de casa que sirve a marido e hijos, queda sola en su granja durante cuatro días y allí conoce al fotógrafo Robert quien llega de la ciudad a captar las imágenes de los puentes de Madison. El encuentro se va llenando de gran sensualidad y el conocimiento de la pareja es tan impactante que los lleva a vivir un romance único e inolvidable para ambos. Francesca y Robert florecen en su madurez y sacan a relucir un sentimiento que permanecía dormido en su interior, pero que sólo lo viven durante cuatro días aunque en sus corazones queda marcado para siempre. Es toda una reflexión sobre el amor verdadero que aparece “sin pedir permiso” y se hace eterno mientras dura, así se interponga la realidad que tiene normas difíciles de romper. Queda el dolor de los instantes finales cuando aparecen las lágrimas de Robert bajo la lluvia y cuando Francesca, frente al semáforo, intenta abrir la puerta del auto para dar vía libre a sus deseos. Toda una historia cuyo verdadero testimonio es el diario que ella deja escrito para que sus hijos, después de muerta, se interesen por conocerla verdaderamente y puedan buscar la respuesta de muchos interrogantes en sus vidas; así, se establece un puente entre el pasado de la madre que poco fue escuchada mientras se tuvo cerca y el presente de los hijos que necesitan de su aliento para seguir adelante. Finalmente, debo decir que Madison no es el único lugar en el que esto ocurre. Esta frustración aparece en ciertas vidas cuyo destino queda marcado por la soledad y el desencuentro, pero con la huella indeleble de haber vivido plenamente un sentimiento maravilloso e inolvidable. LVV

“Ahora sé que estuve yendo hacia ti, y tú hacia mí desde hace largo tiempo.
Aunque ninguno de los dos percibía al otro antes de que nos conociéramos,
había una especie de certeza inconsciente que cantaba alegremente
bajo nuestra ignorancia, asegurando que nos reuniríamos.
Como dos pájaros solitarios que vuelan
por las grandes praderas por designio de Dios,
en todos estos años y estas vidas
hemos estado yendo el uno hacia el otro”.

“No estoy seguro de que estés dentro de mí,
o de que yo esté dentro de ti, o de que te posea.
Al menos no deseo poseerte.
Creo que los dos estamos dentro de otro ser que hemos creado
y que se llama “nosotros”.
En realidad no estamos dentro de otro ser.
Somos ese otro ser.
Los dos nos hemos perdido a nosotros mismos
y hemos creado otra cosa, algo que solo existe como la unión entre los dos.
Dios mío, estamos enamorados.
De la manera más profunda que es posible enamorarse”.

"Por más que te desee y quiera estar contigo y ser parte tuya
no puedo arrancarme a la realidad de mis responsabilidades…
Si me obligas, física o mentalmente a irme contigo,
no podré luchar contra eso…
Pero, por favor, no me hagas ir.
No puedo hacerlo y vivir pensando en ello.
Si parto ahora, ese pensamiento me convertirá
en una mujer diferente de la que has llegado a amar".

"En un universo de ambigüedad,
este tipo de certidumbre llega una sola vez,
y nunca más, no importa cuántas vidas hayas de vivir".

LOS VIEJOS PUENTES DE MADERA