ISABEL I: LA EDAD DE ORO

Muchas críticas ha recibido esta película, llamada en inglés Elizabeth: The Golden Age, por cuanto no es fiel a los acontecimientos históricos que relata, pero estos comentarios llevan a la observación de que el cine es un arte que se acerca a la realidad sin olvidar que como arte comulga con patrones inherentes a su forma de expresión y con cierta libertad para manifestarse. Sin embargo, trata de interpretar una época que refleja la lucha de la reina Isabel I por conservar su trono en medio de conspiraciones y traiciones familiares, de enemigos que intentan aniquilarla y del amor que debe controlar porque es figura emblemática del mundo occidental. Esta mujer, de 38 años, es la reina de Inglaterra en la segunda mitad del siglo XVI, “La Reina Virgen”, "La Madre del Pueblo" y "La Buena Reina" que gobernó durante más de 40 años. A la vez que tiene inseguridades y debilidades manifiesta grandes aciertos ya que ama inmensamente a su patria y lo demuestra con creces, aun a costa de su propia vida y del mismo amor. Es la reina que lucha, que conjuga poder con grandeza de alma, que es mujer por encima de todo.

Isabel I es protestante y sabe que en la Europa de su reinado se ha iniciado un cambio religioso por lo que el poderoso rey español Felipe II quiere conquistar su país para imponer el catolicismo y destronarla apoyado por su ejército y la Armada Invencible. Mientras tanto, muchas propuestas de príncipes y monarcas europeos le llegan a la reina para que contraiga matrimonio, a lo que ella responde con desinterés. A la vez, se presenta en su corte Walter Raleigh para ofrecerle presentes de su viaje al Nuevo Mundo como el oro, las patatas y el tabaco, y algunos indígenas americanos. Rechaza el oro, pero acepta los otros regalos, al tiempo que experimenta atracción por este pirata como lo llaman sus embajadores en señal de rechazo. Para tenerlo cerca, la reina Isabel I se lo recomienda a su dama de compañía preferida, situación que ésta aprovecha hasta conquistarlo.  Este peligroso acercamiento provoca la enemistad de la reina y encarcela a Raleigh, pero es la misma reina quien decidida a entregarse por completo a su país debe acudir al mismo Raleigh para que le ayude a combatir al enemigo nombrándolo Jefe de la Guardia Real. Así, van a la guerra y mientras la flota española que supera a la flota inglesa recibe una fuerte tormenta, la Armada Invencible es diezmada, situación que aprovechan los ingleses para disparar cañones contra los españoles y vencerlos. Mientras tanto, su consejero de confianza Francis Walsingham que trabaja para consolidar el poder monárquico absoluto se da cuenta que alguien trama la desaparición de la reina para apoderarse de su trono, y es la propia María Estuardo, prima de la reina, quien teje este complot.

Vamos a la guerra. Si morimos vamos a quedar en el cielo.

Si vivimos quedaremos en el campo de victoria.

Su director paquistaní Shekhar Kapur, en 114 minutos que tiene la duración de este drama, hace un trabajo de gran riqueza visual con buenos actores, increíble vestuario y excelente despliegue de cámara para conseguir escenas bien logradas como las presentadas en la corte y en el campo de batalla. Cate Blanchett realiza un papel protagónico de alta calidad al igual que muchos de sus acompañantes que se hicieron presentes en la primera versión de esta película en 1998. Fue nominada al premio Oscar por su desempeño actoral, al igual que en la versión anterior, sin lograr la estatuilla. En cambio, esta versión sí recibió el Oscar por el mejor vestuario.

LA JOVEN VICTORIA

Interesante llegar al tema de la monarquía y más aún protagonizado por una mujer: La reina Victoria. Una reina de la que se conoce su historia, la viuda de Windsor, marcada por la soledad y el luto permanente, pero poco se sabe de su adolescencia y juventud. Aparece entonces LA JOVEN VICTORIA, una historia humana en la que brilla el amor y la fuerza de una mujer que supo luchar en un mundo de hombres y aprender a tomar sus propias decisiones cuando apenas contaba con 18 años. En esta película, Emily Blunt, nominada al Globo de Oro como mejor actriz dramática, aparece representando a una joven de 16 años que muy pronto asumirá el trono de Inglaterra, como única heredera del rey William IV. Cuando es coronada reina en 1838, tras la muerte de su tío, debe hacer frente a muchas intrigas y conflictos políticos que se encargan de hacerle difícil el manejo del reino y amilanar su papel. Debe también enfrentar la oposición de su madre, la Duquesa de Kent, y de su asesor Sir John Conroy, quienes la consideran incapaz de asumir el trono y desempeñarse como reina. Se da un cambio vertiginoso en su vida: pasa de vivir constantemente vigilada y controlada por su madre a ser una mujer independiente y poderosa. No es fácil lograrlo, pero puede demostrar que tiene capacidades para ello. Por fortuna, encuentra el amor de Alberto, su primo y sobrino del rey de Bélgica, a quien conoce antes del reinado y logran sostener una buena amistad hasta llegar al matrimonio siendo ésta ya reina. A su lado puede exhibir sus habilidades para el baile, la música, montar a caballo, pintar y demostrar todo su romanticismo. Sin embargo, frente a él muestra sus prevenciones, pues no desea que asuma un papel protagónico y tome decisiones políticas, sólo que sea su obediente esposo. Por su parte, el pueblo la ama, pero debe enfrentar las manifestaciones iniciales de inconformismo frente a su gobierno y variadas situaciones adversas como el ataque del que fue víctima su esposo.

En esta película encontramos un tratamiento diferente al tema de la monarquía. Vemos una reina totalmente natural, inquieta, libre y sobre todo muy humana, en una historia agradable, que da prelación a las vivencias humanas y al mundo sentimental que vive la joven aristócrata entre las paredes del palacio. A través de ella percibimos sus sufrimientos y angustias como queriendo dar una visión diferente a la usual; así como también el tratamiento a su pueblo que fue cercano, con reformas en vivienda y de una fuerte visión social, característica esencial de la era Victoriana. Aunque reinó durante 64 años, el reinado más largo de la historia británica, este filme se detiene en la historia juvenil, en los primeros años de la reina Victoria. Todo esto se refuerza en la película con el manejo de ritmos que da su director, Jean-Marc Vallée.  Va de escenas lentas a rápidas con la ayuda de la música, de preferencia clásica, y con la iluminación, desde tonos oscuros hasta lograr claridad y brillantez. Para lograrlo encuentra un gran apoyo en locaciones naturales como son los palacios, castillos y catedrales europeos, y en el vestuario que la hizo merecedora al premio Oscar. Una buena reconstrucción de la época que hace énfasis en la música, en la arquitectura y en la moda. “Era importante recrear el lujo y la belleza con la mayor precisión posible para hacer justicia a la historia”, lo dijo su director. Un drama romántico cargado de entretenimiento y satisfacción.

MUJERES QUE HICIERON HISTORIA

Después de muchas dificultades para tener esta película en nuestro cine club, logramos nuestro objetivo y pudimos disfrutarla como lo merecía. Nos sorprendió ver la historia real que muestra el arduo proceso que ha vivido la mujer para defender sus derechos y lograr la igualdad. Es una lucha que sigue vigente puesto que aún no termina. Todavía estamos inmersos en una sociedad patriarcal en la que vivimos situaciones de posesión, sometimiento, desigualdad, discriminación y frustración  como nos muestra esta película. Aquí encontramos a la mujer representando variadas facetas que abordan su mundo desde la moda y los sueños, hasta la vida de hogar, los conflictos familiares y laborales, y la injusticia en todos sus ámbitos. Sin embargo, su energía, esa poderosa fuerza que la descubre como líder, hace que se percate de sus inconformidades y de su posición política ante el colectivo trabajador y ante la vida misma, y asuma el reto histórico que le ofrece su destino. La vemos entonces descubriendo lo mucho que puede hacer por su género y encontrando la solidaridad de sus pares que se unen a la lucha por los derechos igualitarios de la mujer en el aspecto laboral. Llega así a cambiar favorablemente cánones, prácticas empresariales, y aún las leyes.

Mujeres que hicieron historia o Made in Dagenham, dirigida por Nigel Cole, está basada en hechos reales que sucedieron en Dagenham, Inglaterra en 1968. En ella, Rita O’Grady (Sally Hawkins) trabaja en la fábrica de automóviles Ford con 186 mujeres que se dedican a la costura de los asientos de los coches, en un lugar en ruinas, y allí encuentra una situación totalmente desigual en salario y en condiciones laborales, comparada con la de los hombres. Ella y las mujeres que la acompañan deben entablar una lucha para obtener salarios igualitarios, en condiciones semejantes, sin discriminación de género. Inician una huelga en la que Rita asume el liderazgo y pone en grave riesgo su matrimonio y hasta su estabilidad laboral. Son muchas las dificultades que debe asumir, pero, por fortuna, encuentra apoyo en el representante sindical y en la secretaria de Estado para el Empleo y la Productividad que ayudan a la obtención de sus logros y a que su papel tenga un protagonismo histórico. Consigue que la remuneración por el trabajo tenga igual valor que la del hombre, llamada Ley de Igualdad Salarial.

Esta película que nos reivindica como féminas es toda una apología a la solidaridad, al liderazgo descubierto al azar y bien capitalizado, y al poder combinado con  autoridad que viven ellas en muchas instancias de su vida laboral. Vale la pena recordar lo expresado por Marx: "El progreso de una sociedad se puede medir por la posición social del sexo débil. Cualquiera que conozca algo de historia sabe que los grandes cambios sociales son imposibles sin el fermento femenino". Un buen trabajo actoral puede verse en esta película, realizada en el año 2010, con una duración de 113 minutos y estrenada como comedia dramática en el presente año.

(Elaborado con aportes de Olga Lucía Jaramillo, Juana Echeverri y Rodrigo Rojas)

SÓLO UN SUEÑO

Esta película, basada en una novela de Richard Yates, fue estrenada en el año 2009 y clasificada como drama. Mereció un buen título en español; en inglés se le conoce como Revolutionary Road, haciendo referencia a la calle donde se desarrolla la historia. Su director Sam Mendes, su esposa la actriz principal Kate Winslet y su acompañante el actor Leonardo di Caprio forman un equipo nominado a 4 Globos de Oro incluyendo mejor película, mejor director, mejor actor y mejor actriz principal. Y vale la pena mencionarlo ya que Winslet realiza un papel sobresaliente de principio a fin, al igual que Di Caprio, quien trabaja con un gran despliegue actoral.

Difícil entender la trama que viven sus protagonistas, Los Wheeler, que lo tienen todo, pero no logran atraer la felicidad por la insatisfacción de ella. Frank y April son una pareja joven y bella de los años 50 que parece disfrutar de su relación y de sus dos hijos pequeños, hasta que con el paso del tiempo es April quien intenta cambiar su cotidianidad tranquila y segura en Connecticut por una nueva vida en París que le permita ampliar sus sueños y realizarse profesionalmente. La fuga geográfica que ella se plantea, después de que llegan a su nueva casa en la calle Revolutionary, obedece a un deseo de huir de lo establecido, de querer variar su entorno aún a costa de la tranquilidad de los suyos y, al parecer, de buscar una vida con otros propósitos y satisfacciones. Se inicia entonces una especie de rompimiento con su pareja, cuando éste ya no acepta involucrarse en su proyecto, y son comunes las discusiones y riñas familiares ya que él va a luchar por salvarlo todo, a diferencia de ella que quiere escapar a toda costa. Igualmente se presenta la no aceptación de su nuevo embarazo porque aún en la legalidad, es un hijo no deseado que interfiere con sus sueños, con esa búsqueda de la felicidad fuera del entorno que la rodea. También vemos su infidelidad pasajera con una furia que le permite vengar su humillación de tener que renunciar a sus ideales y someterse a las normas de su vida de hogar. Y finalmente, su aborto premeditado que marca su partida definitiva y le da la oportunidad de expresar su inconformismo, su insatisfacción, su deseo de ser ella. Todo esto con la presencia aterradora de un esquizofrénico, el hijo matemático de una pareja de vecinos, que parece jugar a ser la propia conciencia de esta pareja, que no los deja escapar pues les plantea interrogantes provocativos sobre la vida familiar.

Muchos cambios se dan en la época de los 50 y 60 en Estados Unidos, tiempo de la postguerra que afectó al mundo civilizado y generó insatisfacción en la clase media. Esos deseos de renovación se visualizan  también en la mentalidad femenina que  inicia su liberación ante la presencia de una vida familiar cómoda y segura, pero al mismo tiempo llena de conformismo y monotonía. SÓLO UN SUEÑO muestra claramente esta realidad en medio del paisaje urbano más confortable, con un bosque lleno de encanto y atracción, único testigo de lo que allí sucede. Porque es allí donde se pueden captar las vivencias emocionales más difíciles que pueda soportar una pareja. Parecen morir en vida y acabar con el amor en una crisis matrimonial que va dejando espacio al dolor y a la debilidad humana. Sólo queda huir del vacío y de la desesperanza. Una película que vale la pena recomendar.

CEREZOS EN FLOR

“La belleza de los cerezos en flor es cosa de un día,
pero el recuerdo de haber amado dura toda la eternidad”.



“Nos tenemos el uno al otro. Esa es la verdadera felicidad”. Dice Rudi quien padece una enfermedad terminal que ignora y se deja llevar por su esposa Trudi a un paseo, para vivir sus últimos días según las instrucciones médicas: haciendo juntos lo que más desean. Parten de su pueblo ubicado en la montaña para iniciar la  visita a dos de sus hijos en Berlín, Karolin y Klaus -casado y con familia-, donde descubren que su presencia es inoportuna pues sus ocupaciones les impide compartir con ellos. Siguen entonces hacia el Báltico donde pueden asistir al teatro y observar la danza Butoh, pero inesperadamente Trudi muere. Esta situación no la acepta su enfermo esposo quien desesperado vuelve a su hogar para reencontrarse con ella en sus recuerdos y descubrir el mundo que ella hubiera querido disfrutar. Se va entonces a buscar los lugares y los momentos que para Trudi hubieran sido de plenitud y que no disfrutó por estar a su lado. Viaja a Japón donde reside su otro hijo y se encierra en una ciudad caótica que ofrece de todo, pero no encuentra libertad para hallar la magia de su esposa. Finalmente acude al festival de Los Cerezos en Flor, un lugar de encanto donde a través de Yu, una bailarina japonesa, y su arte logra lo soñado: “estar en su esposa y dejarse llevar por  la fascinación con la danza Butoh”.  Rudi desarrolla su máxima plenitud y encuentra en la danza frente al monte Fuji el contacto con su amada a la que se une, llegando a una forma de acercamiento definitivo.  

Esta película franco alemana, elaborada por la cineasta Doris Dörrie y rodada en escenarios alemanes y japoneses, ha sido ganadora de varios premios europeos, entre ellos el Baviera a mejor actor, mejor actriz y mejor producción, y nominada a muchos otros como el Oso de Oro de Berlín. Muestra la gran sensibilidad japonesa y su belleza poética en temas como la vida, la muerte, el amor, la vejez y los sueños. Es un canto a la vida, a pesar de que muestra el drama de la pérdida de un ser querido, porque lleva a enfrentar el futuro de una vida en soledad y a buscar la compañía de ese ser que aunque aparentemente lejano puede estar cerca. Es un gran elogio al amor y a la comunión conyugal, a esas personas con las que compartimos a diario nuestras vidas y que, a veces, no disfrutamos de su presencia ni les permitimos realizar sus propios sueños. En contraste con la vida de los hijos quienes a medida que se alejan del seno paterno, generalmente se hacen más distantes y desconocidos. Se verifica entonces cómo el mundo laboral absorbe a la gente y el trabajo se convierte en una adicción, en una amenaza para las buenas relaciones familiares. Se percibe también una gran simbología con la mosca que aparece constantemente en la película. Ella significa lo efímero que es la vida, el instante que vivimos, salvo el universo donde ella vuela, que sí permanece.

¡Alto, detente!,
¿qué quieres hacer?,
¡¿matarla?!

Una mosca sólo vive un día,
un día de dolor,
un día para sufrir,
un día para enmendar.

Déjala volar,
el cielo es para siempre.

Tan fugaz es la vida como los cerezos en flor, pero tan intensa como esos momentos que nos regala la naturaleza. Por ello la importancia de “no postergar nada”, para no decir después y tardíamente “si hubiéramos tenido tiempo, yo hubiera sido más amable”. Por último, vale la pena mencionar la importancia del Butoh, o baile de las sombras, una danza japonesa que expresa un estado del alma, que es el símbolo del nacer y morir, esa huella que dejamos todos en la vida después de muertos. Una danza muy valiosa para Trudi puesto que logró acercarla a su esposo, así haya sido para su encuentro definitivo con él. Todo un poema para celebrar el sentido de la vida con una música y una fotografía excelentes.

EL AMOR Y OTRAS DROGAS

“Lo importante no es conectar, ni siquiera el sexo… Es encontrar una o dos horas que alivien el dolor de ser tú mismo” lo dice Maggie (Anne Hathaway) cuando apenas conoce a Jamie (Jake Gyllenhaal), los protagonistas de esta película centrada en el sexo y el amor, en la industria y el comercio farmacéutico.  Maggie, una mujer independiente y libre de todo compromiso afectivo, padece de la enfermedad de Parkinson que empieza a vulnerar su estabilidad y a romper su eje biopsicológico, lo que reafirma su decisión de vivir sin ataduras. Conoce a Jamie, un visitador médico de la firma farmacéutica Pfizer, que sólo desea triunfar con las ventas del Viagra y aprovechar su gran atractivo y poder de seducción para conquistar a las chicas, sin ataduras. Inician entonces una serie de encuentros sexuales que los lleva a mostrar más de cada uno y finalmente a encontrar el amor sin esperarlo. Porque Maggie no quiere frustrar los sueños de un hombre que está cerca al éxito y a realizar su vida plenamente; además considera que atarlo a su mundo sería condenarlo a soportar su enfermedad. Argumentos que Jamie reconoce y acepta, pero que finalmente no puede conciliar con ellos porque el amor lo ha vencido. Sucede que la droga más poderosa los ha conquistado.  “Conoces a un montón de gente…y de repente conoces a una persona y tu vida cambia para siempre”.

Esta comedia, que tuvo su estreno en el año 2010, está basada en hechos reales que se narran en el libro Hard Sell: The Evolution of the Viagra Salesman cuyo autor es Jamie Reidy, un vendedor de Viagra. En sus páginas aparecen anécdotas del autor sobre sí mismo y sobre algunas prácticas de las compañías farmacéuticas que se desarrollaron a finales de los 90 cuando el comercio de las drogas se hizo libre y apareció el nuevo tratamiento para la disfunción erectil. El director de la película, Edward Zwick, y su productor Charles Randolph ponen en escena esta historia en la que prima el romance donde hay mucho sexo, pero finalmente hay amor. A la vez hacen una fuerte crítica al sistema de salud estadounidense en el que los médicos se venden a los laboratorios, los vendedores utilizan métodos un poco ridículos para lograr sus ventas y los consumidores son engañados porque son llevados al consumo de medicamentos no necesarios que terminan siendo imprescindibles. Vemos cómo el tratamiento dado a los pacientes convierten a esta pequeña píldora azul conocida Viagra en una droga revolucionaria, patrocinada por una industria rentable que comercializa las enfermedades con el lema “Por un mundo mejor”. De ahí el éxito en las ventas del protagonista Jamie que lo puso a la vanguardia de los vendedores comerciales de las grandes compañías farmaceúticas. Vale la pena mencionar que en este film no se descuida el tema de la enfermedad de Parkinson que padece Maggie y muestra los efectos de este mal degenerativo del sistema nervioso y cómo convivir con él.

Una película que muestra un contraste de valores
donde el éxito lleva al bienestar familiar y al sosiego,
donde la confianza es la clave.

CABARET

Considerada un clásico de la comedia musical, esta película es una de las más premiadas por la Academia de Hollywood en toda la historia. Fue ganadora en 1972 de 8 premios Oscar; recibió la estatuilla al mejor director (Bob Fosse),  a la mejor actriz (Liza Minelli), al mejor actor de reparto (Joel Grey), a la mejor banda sonora, al mejor montaje, fotografía y sonido. Sin embargo, no ganó la estatuilla a la mejor película, otorgada ese año a El Padrino.

En este gran musical se hace un paralelo con la época oscura del nazismo en la historia de Alemania, un periodo que muestra la grave situación económica, social y política de este país, gestada por Adolfo Hitler, líder del Partido Nacional Socialista quien terminó adquiriendo el poder. A través de las canciones y de las aventuras de sus protagonistas, la película logra mostrarnos la gran depresión vivida en manos de Hitler, al tiempo que encuentra una brillante salida con un espectáculo nocturno como CABARET. Un lugar marcado por la  música y baile que fue el sitio ideal para olvidar las penas y que tuvo su esplendor en la ciudad de Berlín. Aquí aparecen artistas que dan vida a personajes excéntricos como Liza Minelli que interpreta a Sally Bowles y su maestro de ceremonias Joel Grey, quienes representan papeles estelares que hacen de esta película una de las más inolvidables en la historia del cine.

“De la cuna a la tumba no hay un camino muy largo”
es una frase de la canción que Sally Bowles interpreta al final de la película,
en la que nos invita a vivir la vida pues ésta es un cabaret.

El cabaret es un nicho de ideas libertarias donde hay espacio para olvidar los problemas y disfrutar de un espectáculo apasionante y libre de prejuicios morales. En este lugar cobran vida personajes como: 1. Sally, artista principal del cabaret por su portentosa voz, extraño maquillaje y su genial manera de asumir la vida. Desea llegar a ser estrella del cine alemán y se enamora de Brian Roberts, un tímido estudiante inglés que se aloja en su misma pensión. 2. Brian Roberts, llega de Gran Bretaña con el fin de mejorar su alemán y encuentra a Sally quien le proporciona un refugio seguro. Ellos, que viven una estrecha relación, terminarán separados después de un aborto de Sally, pues la vida en común resulta inadecuada para cada uno de ellos. 3. Fritz Wender, un “cazafortunas” alemán que necesita aprender inglés y está enamorado de la belleza y el dinero de Natalia Brandauer hasta que descubre que es judía. Esto y su secreto sobre su verdadero origen, también judío, pone en peligro su relación que termina venciendo barreras y aceptando el valor del amor verdadero. 4. El Barón Maximilian von Heune, un rico aventurero que sólo busca placer. Encuentra en Brian la mejor posibilidad para asumir su homosexualidad, a la vez que intenta enamorar a Sally.  5. Joel Grey, lleva la comedia con maestría de principio a fin y representa la conciencia de cada uno. Aparece como “un fantasma de los deseos humanos que aporta ironía y sarcasmo a los números musicales”.  Todos ellos actuando en medio de espejos que aparecen al comienzo y al final de la película, lo que nos da como reflejo una visión deformada del ascenso al poder de los nazis en Alemania. Lo anterior sin olvidar temas sociales complejos que aborda este film como la bisexualidad, el aborto, la triangulación amorosa, la vida nocturna, el ingreso de la mujer al mercado laboral y la independencia económica. Porque Cabaret hace toda una indagación sobre el comportamiento humano, al tiempo que concluye lo importante que es “vivir y dejar vivir”.

ANITA

Un título que inspira ternura y respeto. La historia de esta película se basa en el brutal atentado a la Asociación Mutual Israelita Argentina (AMIA) con un carro bomba que dejó 85 muertos el 18 de julio de 1994. Así, Marcos Carnevale, su director, productor y guionista de procedencia argentina, llega a nosotros en el 2009 con Anita quien tiene el Síndrome de Down y es representada por Alejandra Manzo, una actriz natural de 36 años. Conmueve esta historia en la que su protagonista vive cómodamente atendida por su madre hasta que una explosión cambia todo su entorno y se ve obligada a caminar sin rumbo por las calles de su ciudad. Primero ingresa a un hospital donde recibe los primeros auxilios y luego continúa su deambular hasta que encuentra personas que finalmente se compadecen de su situación pues no entiende qué ha pasado, desconoce su dirección, el nombre de su mamá y sólo quiere alimento y que las agujas del reloj se unan en la parte superior para que ésta llegue. Un fotógrafo desempleado, alcohólico y con deudas pendientes es su primer ayudante. Difícil asumir este cargo pues como él mismo lo dice “Vos te caíste de la escalera y yo me caí de la vida”, y la abandona en un bus en una de sus salidas. Luego y después de mucho insistir frente a una tienda de comidas de una familia de coreanos, logra un refugio provisional y allí encuentra alimento y dónde dormir. Finalmente llega a la casa de una mujer que vive sola y tras algunas dificultades por entender su situación, es aceptada y tratada con cariño. A estas alturas de la película, su madre ha muerto, víctima del atentado, y su hermano ya no busca a Anita pues las pesquisas sobre su paradero han sido en vano. Sin embargo, en la televisión aparecen los rostros de los desaparecidos con sus nombres y el fotógrafo da la primera pista para iniciar su búsqueda. Finalmente es encontrada por su hermano, quien debe enfrentar la situación de hacerse cargo de ella y de contarle la muerte de su madre.

Sorprende en esta película el valor de la solidaridad. Vemos cómo los tres personajes que encuentra Anita en su transitar, le ayudan a su manera y logran salvarla de los peligros que la rodean durante el mayor ataque terrorista de la historia argentina. Con tonos claroscuro se marcan estos ambientes que aumentan o disminuyen de intensidad y que muestran un fuerte contraste con la vida cómoda que llevaba Anita al lado de su madre. Sin embargo, son ambientes que la protegen y están lejos de las autoridades e instituciones gubernamentales que sí generan una terrible desconfianza en los ciudadanos. Así mismo, la cámara enfoca planos aéreos interesantes y hace tomas a los pequeños pasos de Anita en ese mundo extraño y desconocido donde encuentra solidaridad y egoísmo. Captamos también la visión de un niño especial que asume la vida sin temores, con capacidad de adaptarse a diversas circunstancias y con un gusto infinito por la cercanía de sus semejantes, su amor y su comprensión. Es una película que plantea la universalidad de nuestro mundo donde todos los que vivimos en él debemos aceptarnos, sin dar cabida a hechos tan terribles como el que aquí se revive. Es preciso entonces evitar que “el hombre siga matando al hombre” en pleno siglo XXI. De ahí el inmenso valor que se le da a la bondad, a la caridad y a la generosidad, fundamentales en el ser humano. Fue declarada una película de interés social por su contenido humano y porque hace un llamado a la aceptación e integración de las personas con discapacidad.

ENAMORÁNDOME DE MI EX

Otra película con un tono jocoso que ayuda a combinar nuestra temática y a darle un poco de respiro al análisis profundo de la mujer. Sin embargo, es una comedia que trata de mostrar un tema denso y con humor nos lleva a la reflexión. Nos referimos al divorcio planteado durante 140 minutos por la directora Nancy Meyers con el título original de It’s complicated. Cuenta con el trabajo protagónico de Meryl Streep quien nos sorprende, una vez más, con su actuación estelar. Lo anterior, sin olvidarnos de la fotografía, la luz, los colores y la música que muestran un manejo excepcional; al igual que los diálogos, cargados de franqueza y fino humor.

Jane (Meryl Streep), separada de su esposo Jake (Alec Baldwin) desde hace más de diez años, lleva una vida tranquila, administra y trabaja en su propia panadería y está deseando ampliar su vivienda por lo que acude a los servicios de Adan (Steve Martin), un arquitecto divorciado. Con frecuencia recibe la visita de sus tres hijos y mantiene buenas relaciones con su ex­marido hasta el punto de compartir reuniones donde se encuentra él con Agness, su nueva y joven mujer. Sin embargo, desde la fiesta de graduación de uno de sus hijos, Jake empieza a ver a su antigua esposa con otros ojos, a buscarla y a encontrarla en diferentes sitios entre ellos un hotel en Nueva York. Jane, siente temor y vergüenza por lo sucedido, al tiempo que lo disfruta como si fuera su amante. Todo transcurre a escondidas de los hijos quienes se entristecen apenas tienen conocimiento de esto. Por fortuna, Jane reacciona a tiempo y pone límites a esta relación que casi la envuelve pues Jake ha dado fin a su nuevo matrimonio. Finalmente Jane atiende las invitaciones de Adan y sigue en su proyecto de mejorar su casa.

El tema de esta película, hecha en Estados Unidos en el 2009, resalta el triángulo amoroso y es un reencuentro con los amores del pasado. Vemos en ella, una pareja de esposos ya divorciados que no ha cerrado completamente su ciclo y debe vivir esta experiencia para descubrir que no es posible y hacer el verdadero duelo. Sobre todo él, que es un infiel consumado y de todas formas, es parte de la familia. Ella, quien ha vivido años difíciles en medio de la soledad, logra reconocer a tiempo su error y busca el camino que ya se había trazado desde el divorcio. Aprovecha entonces la cercanía de sus hijos que la apoyan y le dan ánimos para salir adelante; además cuenta con un grupo de amigas que son su mejor soporte.  Se resalta aquí el tema de la amistad y el valor que ésta adquiere cuando es firme en el tiempo y da placidez y soporte a la edad madura.  Una historia que profundiza en el amor y el desamor, y busca soluciones para evitar dejar heridas imposibles de sanar.

EL SECRETO DE VERA DRAKE

“Ahí va Vera Drake. Recorriendo los suburbios londinenses, transitando sus  estrechas callejuelas, poseyendo las llaves que abren muchas puertas verdes. Detrás de esas puertas están sus afectos, su familia y todas aquellas otras familias  para las que Vera trabaja o a las que, simplemente, ayuda desinteresadamente”. Vera es una mujer honesta y sencilla que vive feliz con su esposo y sus dos hijos ya mayores. Trabaja como ayudante en varias casas de familia, mientras su esposo Stan es mecánico, su hijo Sid aprende la sastrería y su hija Ethel colabora en una fábrica de bombillas. Todo transcurre en medio de la unión familiar y de la alegría constante de Vera quien algunas veces realiza una tarea que puede sorprender al espectador, mas no a ella ya que la considera una ayuda a mujeres necesitadas: poner fin a sus embarazos. Es un oficio silencioso, por el que no recibe dinero a cambio, mientras sí lo hace, su contacto, una dama de la sociedad. Sin embargo, cuando una de sus intervenciones pone en peligro la vida de una joven, la policía indaga hasta llegar a Vera. Lo hace cuando está toda la familia reunida para celebrar el compromiso de la hija Ethel con el vecino Reg, y el embarazo de su cuñada. Y aquí comienza su infierno. Debe enfrentar la acusación de practicar abortos clandestinos desde hace un buen tiempo y asumir ante su familia -ignorante de esto- y ante la sociedad el cargo y la pena que le asigna la ley. Esto sucede en 1950 en Londres, años antes de que se aceptara la ley del aborto en ese país (1967). Impacta el trabajo de Imelda Staunton como Vera, que la nominó al premio Oscar como Mejor Actriz en el 2004 y la hizo reconocedora de muchos otros por su excepcional interpretación. Con ella, el director y guionista británico Mike Leigh, propone un tema álgido y difícil de enfrentar en nuestro medio como es el aborto. Vemos a mujeres de diferentes edades y problemáticas ante esta situación: Una joven, una madre de familia con siete hijos, una mujer infiel, una soltera inmigrante, una pobre mulata y una mujer violada. En todos los casos se destaca el miedo, la soledad y la desesperación que encuentran tranquilidad ante la presencia de Vera y su procedimiento a seguir. Sólo cuenta con un cepillo de uñas, un jabón, un rallador, una botella de desinfectante, una toalla y un enema de goma. Todas tienen motivos para tomar esta decisión -excepto la joven violada quien tiene dinero y busca una clínica segura, con todas las atenciones-. Vera que es toda bondad, les ayuda a resolver su situación con una sonrisa amplia y tarareando siempre una canción. Sólo que ella desconoce el alcance de sus actos y el peso de la ley; actúa por compasión y sensibilidad social. Incluso se niega a aceptar el término aborto y asegura estar ayudando a mujeres con problemas, “no tienen a quien acudir y yo las ayudo”. Termina siendo culpada y debe pagar una prisión de dos años y seis meses.   Una película que contextualiza las relaciones humanas y hace ver el sexo como algo natural, incluso el planteamiento del aborto que se da con una visión humanitaria. Además asigna un valor inmenso a la mujer, a la figura maternal y a la familia ya que nos enseña cómo procrear con amor y cómo llevar relaciones firmes y duraderas, aún en medio de la estrechez económica. Una enseñanza que tiene gran validez frente a la manera cómo ve la sociedad y la ley la práctica del aborto.  Además, un drama humano que arroja una mirada al universo femenino, sin emitir juicios, para que seamos nosotros quienes saquemos las propias conclusiones.

LA CASA DE LOS ESPÍRITUS

Basada en la novela de Isabel Allende, dirigida por Bill August y con un maravilloso reparto: Jeremy Irons, Meryl Streep, Glenn Close, Winona Ryder y Antonio Banderas. En sus 138 minutos logra impactarnos la historia de esta brillante narradora latinoamericana y la puesta en escena de una obra cargada de drama y de romance. Porque vemos en ella al amor y a la vida como un milagro que logra salvar infinidad de obstáculos y que se impone a todas las fuerzas contrarias para salir adelante. Una lucha que deben enfrentar las mujeres sin temor a la muerte, como Clara, Blanca, Alba y Férula en esta historia de odio, sangre y venganza. Porque su protagonista, un famoso terrateniente y político de comienzos del siglo XX , asume su liderazgo con gran energía sin importar el daño que pueda causar a su alrededor. Él representa el dominio y el poder latinoamericano que subyugó buena parte de nuestros países a mediados siglo pasado y sus efectos están aún vigentes. Y a nivel particular, se observan los hechos violentos que permitieron el derrocamiento del gobierno de Salvador Allende en 1973.

En esta película, realizada en 1993, encontramos a la familia Trueba perteneciente a la clase alta chilena que debe vivir durante tres generaciones los altibajos del poder hasta que la violencia política logra vencerlos y desintegrarlos dolorosamente. Clara, una mujer clarividente, contrae matrimonio con el prometido de su hermana, Esteban Trueba, tiempo después de que ésta muere y de que sus padres han aceptado esta nueva relación. En un comienzo sus vidas se acoplan a la perfección, son felices y ha sido grande el trabajo de Esteban para ganarse el nombre y la fama de terrateniente poseedor de Las Tres Marías. Hasta que llega Férula, hermana de Esteban, a vivir con ellos y esto representa una gran molestia para él. Además crece su hacienda donde sus empleados son tratados como bestias y debe aislar a su hija Blanca para evitar el contacto con uno de ellos, un líder de la izquierda llamado Pedro. Transcurre el tiempo y regresa su hija que sigue enamorada de Pedro, lo que da comienzo a una persecución a muerte de éste y mayor desprecio hacia los trabajadores. Se inicia entonces una lucha política que nace desde la casa y termina por satisfacer los deseos de Esteban en el partido político conservador. Todo esto hasta que se da el triunfo socialista que no puede ser aceptado por la clase dominante. Muere su esposa y en medio de su dolor, comprueba que su hija es sometida a tratos inhumanos por dirigentes gubernamentales a los que antes servía y que ahora dan un golpe de estado en su país. Es tarde para darse cuenta de sus errores y enmendarlos. Ya solo queda "la casa de los espíritus" donde refugiarse para buscar la muerte, la única conciliadora con el alma tranquila y sosegada de Clara.

Esta obra cargada de realismo mágico, nos muestra a una Clara que semeja a Remedios La Bella, de García Márquez, como símbolo de la conciliación, de la tolerancia, la generosidad y el amor. En todos sus actos vemos cómo la mujer representa esa otra fuerza que sin violencia nos dice que la vida misma es lo más importante, un milagro por el que hay que luchar, y que la fuerza del amor es infinita. Otra película donde el rol de la mujer muestra vital importancia.

Todo lo anterior sin olvidar la música de Hans Zimmer: http://www.youtube.com/embed/UAdg-unia9Q

LOCO POR ELLA

Hacer reír es un arte que conlleva más dificultad que hacer reflexionar.  
Y si se unen estos dos elementos en una película encontramos motivos para una buena reflexión y un buen disfrute de nuestro tiempo libre.

En esta comedia americana de tipo romántico vemos a una mujer soltera, inteligente y deseosa de tener un hijo por medio de la inseminación artificial. Es así como Kassie Larson (Jennifer Aniston) acude a su gran amigo, algo neurótico e inseguro, Wally Mars (Jason Bateman) para que le ayude a encontrar un donante ideal. Cuando al fin logra cumplir con este deseo y en medio de una fiesta y unas buenas copas, Wally cambia el esperma del donante por el suyo, sin recordarlo siquiera al día siguiente. Deberán pasar siete años para que estos amigos se reencuentren y aparezca el hijo, Sebastián, un niño excéntrico y precoz que logra cautivar a Wally y a través de una interacción constante le ayuda a descubrir su paternidad. Muchas dificultades deberá superar el padre del niño para llegar a Kassie, contarle la historia, aceptarla y concluirla como buenos enamorados que han sido, sin ser conscientes de ello.

“Loco por ella” nos hace reflexionar sobre la pérdida del sentido de la familia tradicional que va de la mano con el ingreso de la mujer al mundo laboral. Vemos cómo el deseo de ser madre se impone hasta el punto de cambiar la estructura familiar y los roles que se dan en ella. Se van mostrando nuevas “masculinidades” y nuevas formas de asumir este papel en un mundo excesivamente cambiante. Sin embargo, nos lleva a reconocer que un hijo necesita de una madre y un padre para su sano desarrollo y crecimiento. Un hijo no debe crecer ajeno a estas necesidades fundamentales para su pleno desenvolvimiento. Finalmente nos dice que “la raza humana no está en una carrera en absoluto” y se deben buscar nuevas formas de hablar, nuevas maneras de comunicación, nuevos medios de escuchar al otro. Una película con un humor inteligente que deja buenas enseñanzas, bajo la dirección de Will Speck y Josh Gordon en el año 2010.

MADRES E HIJAS

Impacta el comienzo de esta película con una adolescente de 14 años dando a luz. De inmediato se piensa en las dificultades de la crianza y en el futuro de la pareja en cuestión. Pero la película no se detiene en ello y nos traslada de inmediato al lugar donde se encuentra una mujer de 50 años, ajena a su papel de madre porque dio la hija en adopción hace un buen tiempo, y la hija desempeñándose en el mundo moderno con propiedad y dominio. Sin embargo, no todo marcha bien. La madre, Karen, que continúa sola bajo la dominación de su progenitora enferma y es una mujer con mucha dificultad en las relaciones interpersonales, no deja de arrepentirse de su antigua decisión y piensa constantemente en su hija, Elizabeth. A diario le escribe en silencio y mucha angustia se refleja en su vida cargada de soledad y malestar. Sólo se relaciona y mal, con un compañero de trabajo, hasta que éste logra producir en ella un gran cambio e iniciar el proceso de aceptación de su papel y la búsqueda de su hija. Pero antes, debe morir su madre para dar inicio a esta transformación y enfrentar la realidad que no es tan fácil porque el mundo de Elizabeth va a un ritmo acelerado. Trabaja en otra ciudad y su jefe, un abogado negro, reconoce sus capacidades tanto laborales como en sus relaciones personales que van más allá de la mera atracción. Finalmente descubre que está embarazada, a pesar de su negativa a tener hijos. Abandona entonces su cargo, su amante y su vida en esa ciudad donde ha tenido otras relaciones y no sabe quién será el padre. Mientras tanto su verdadera madre, inicia los contactos para encontrarla y son esfuerzos inútiles pues nunca Elizabeth recibe su mensaje. Sí, en cambio, Karen logra saber de ésta, pero ya es tarde. Ha muerto y su pequeña criatura ha seguido su mismo rumbo, ser adoptada.

Rodrigo García Barcha, director y guionista de esta película, asume un papel de defensa del mundo femenino y nos muestra el valor de la maternidad en todo su esplendor a través de las actrices Annette Bening y Noami Watts. Debo aclarar que junto con esta historia, intercala otra protagonizada por Kerry Washington en la cual una joven desea ser madre a través de la adopción, sin lograrlo. Toda una trilogía que transmite la incertidumbre que vive toda mujer cuando llega el momento de tomar una decisión tan difícil como dar a su hijo en adopción. Así, nos hace ver la vida como una cadena de sucesos, en los que se involucran continuamente una causa y un efecto para dar paso a una realidad, en este caso la maternidad. Y es cuando García Barcha defiende el valor de los lazos de sangre que se conservan a pesar del rechazo y del abandono protagonizado por los progenitores; porque siempre existirán unos vínculos imposibles de romper. Defensa que lo hace ver como un gran director de mujeres que se adentra en el alma de ellas para redimirlas, olvidando un poco el papel masculino que llega a ser secundario en la película. Defensa que finalmente cuestiona la adopción y analiza de manera cuidadosa el valor de la concepción. Porque ser madre es una decisión tan importante que amerita toda una reflexión sobre este valioso rol.

NOTAS DE UN ESCÁNDALO

¿Cómo ganarnos el derecho de ser buenos? Muchos matices marcan nuestras vidas y ellos nos muestran qué umbrales podemos transgredir y cuáles debemos evitar. Una buena elección determinará el grado de responsabilidad con que asumimos la vida y nuestro papel en el mundo. Porque la responsabilidad marca la distancia entre la vida y los sueños, entre el bienestar y la angustia, entre la generosidad y la mezquindad. Y eso es lo que el director de esta película, Richard Eyre, nos quiere mostrar en este thriller psicológico hecho en el 2006. Nos enfrenta a una patología en serie en la que el hilo conductor es el escándalo. Y es un escándalo repetido en el que el primero se desdibuja para darle intensidad al segundo.

Una maestra de arte llega a una escuela secundaria de Inglaterra y de inmediato causa impacto en la comunidad. Sheba Hart (Cate Blanchett) es joven y bonita y tendrá que luchar con estudiantes molestos, deseosos de llamar su atención, y con compañeros que la están analizando para ver sus puntos fuertes y débiles. Uno de ellos es Barbara (Judi Dench),  una profesora mayor, estricta y solitaria -con un gato como su única compañía-, quien de inmediato la juzga como presa fácil, pero intenta ser su amiga, acercándose a ella para lograrlo. Surge entonces una amistad que marcará los momentos difíciles de la película. Barbara descubre que su aliada Sheba, una mujer de 40 años, casada y con dos hijos, uno de ellos con síndrome de Down, tiene relaciones sexuales con uno de los estudiantes de 15 años y de inmediato la enfrenta. Decide callar con ella esta situación tras escuchar su versión, proponiéndole de antemano que abandone al joven. Continúa la amistad hasta que descubre que su nueva amiga ha incumplido lo pactado. Inicia entonces una guerra silenciosa contra ella y hace que esta historia sea conocida por su familia y por el colegio. Sheba debe abandonar su hogar y su lugar de trabajo para ser asumir las consecuencias de su falta, pero antes se da cuenta de que la única persona que la protege y trata de ayudarle es quien ha provocado toda esta situación. Y lo más grave, Barbara tiene un diario sobre su relación con ella, un diario cómplice de sus tendencias lésbicas desconocidas por su amiga.

Una película que impacta por su guión, por la actuación de quienes representan a los personajes principales y por la música que predispone a sentir todas las dificultades de este drama. Cuesta entender la conducta de las protagonistas, sus relaciones y la búsqueda de salidas por caminos difíciles que producen escándalos.  Ellas viven con intensidad pasiones y traiciones, complicidad y chantaje, y sobre todo dejan al descubierto la parte más oscura de su comportamiento. Y no sólo ellas, vemos también al joven involucrado en la relación con Sheba que miente y engaña con facilidad hasta lograr su cometido: ser victimario, no víctima. Una manera de cuestionar la ilegalidad de las relaciones sexuales con menores de 18 años.  En fin, NOTAS DE UN ESCÁNDALO, basada en la obra de la novelista británica Zöe Heller hace toda una reflexión sobre la importancia de asumir la propia identidad,  evitando que otro pueda crear un vínculo que interfiera con nuestra  libertad, con esa independencia que todos necesitamos en este mundo poblado de soledades.

"ESTAMOS ATADOS POR LOS SECRETOS QUE COMPARTIMOS"

MI VIDA SIN MÍ

"Ésta eres tu, los ojos cerrados, bajo la lluvia. Nunca imaginaste que harías algo así, nunca te habías visto como… mmm… no sé como describirlo, como, una de esas personas a las que les gusta la luna o que pasan horas contemplando las olas o una puesta de sol. Seguro que sabes de qué gente estoy hablando… o tal vez no. Da igual, a ti te gusta estar así, desafiando el frío, sintiendo como el agua empapa tu camiseta y te moja la piel. Y notar como la tierra se vuelve mullida bajo tus pies y... el olor, y el sonido de la lluvia al golpear las hojas. Todas esas cosas que dicen en libros que no has leído… ésta eres tú. Quien lo iba a decir, tú".

Una película que hace la mejor invitación a vivir, a través de la proximidad de la muerte. Una despedida sensible y conmovedora de quien ha tenido una vida muy limitada y ahora, en los últimos días de su existencia, descubre el placer de vivir. Una búsqueda de espacios vitales para comprender el sentido de la muerte a través del valor de la vida.

Anne, de 23 años, que trabaja como aseadora nocturna en una universidad, sabe que va a morir y decide vivir intensamente, sin contárselo a nadie. Sólo nosotros, los espectadores, conocemos su situación y compartimos con ella los últimos dos meses que le diagnostica su médico. Así, mientras la vida se le escapa, olvida sus sufrimientos y da muestras de cariño y comprensión a su compañero Don, a la vez que se entrega con amor a sus dos pequeñas hijas a quienes les dedica mensajes que recibirán en cada uno de los cumpleaños venideros.  Con su madre, con quien ha tenido dificultades, trata de llevarla bien y visita a su padre en la cárcel donde lleva 10 años recluido. Por otra parte, encuentra a Lee, un amante a quien enamorar, y hasta intenta cambiar su aspecto físico para hacerle frente a esta dura realidad. Además trata de que su hogar no perezca y logra conseguir una persona con la intención de suplir su ausencia en el hogar.

En otras palabras, quiere vivir los últimos días con total intensidad y aprovechar este tiempo para cumplir con las cosas que deseó hacer antes de morirse. Quiere cambiar y ser mejor pues para ella ya no existe el “hasta pronto”, sólo el presente con toda una entrega de honestidad y transparencia. Quiere olvidarse de su enfermedad  y aprovechar el tiempo para buscar ese equilibrio entre el amor y el recuerdo, entre la vida y la muerte. Quiere hacer caso omiso del consumismo, de la publicidad, de la religión, de las posiciones políticas, y de toda clase de convencionalismos para despertar a la conciencia de un mundo libre, digno de ser vivido. Quiere lograr un verdadero sentido al derecho a morir dignamente que no es más que “el derecho a vivir dignamente”. Queda, eso sí, la discusión de si es egoísmo o valentía la decisión de llevar a cabo este derecho tan personal sin confiarle a nadie la proximidad de la muerte.

Encontramos en esta película toda una reflexión sobre la vida llevada a cabo por Isabel Coixet acompañada de Pedro Almodóvar. Estos dos valiosos nombres y la representación de Sarah Polley como Anne, logran una producción que conmueve, pero sin saciarse en el dolor. Difícil representar la muerte con valentía y con ese sentido de que lo más importante está en la vida, en el amor a ella, en esa lucha por ser felices.

LONDON RIVER

El río Londres es testigo de una historia que rompe las barreras del color de la raza, de la religión, de la procedencia. En ella vemos cómo el acercamiento a las personas y el conocimiento de ellas derriban todos los obstáculos que aíslan e impiden cualquier asomo de comunicación. A pesar de los hechos que narra la película, la explosión de varias bombas el 7 de julio de 2005 en el metro de Londres y el consecuente fatal accidente de los jóvenes Alí y Jane, ésta se centra en dos personajes totalmente disímiles que llegan a la ciudad en busca de sus hijos, sospechando que puedan ser víctimas de los terribles hechos que narra la televisión. El destino de ella, Elizabeth, una viuda blanca, cristiana y prejuiciada que habita en una isla del Canal de la Mancha se cruza con el de Ousmane, un negro africano residente en Francia, solitario, silencioso y de religión musulmana. Ella busca a su hija Jane y él a su hijo Alí. Muchas veces se encuentran en las calles, hospitales y morgues buscándolos y en muchos momentos ella lo rechaza hasta el punto de hacerlo detener por la policía. Finalmente se va dando un acercamiento al descubrir que los cobija un mismo dolor y una misma esperanza. Un dolor que los despoja de toda diferencia cultural para unir sus almas frente a la adversidad, y una esperanza que va dando paz en la mirada de quienes viven una tragedia compartida.

En esta bella historia sobre la comunicación y la solidaridad, el director Rachid Bouchareb une a dos intérpretes Brenda Blethyn y Sotigui Kouyaté, una valiosa actriz y un actor desconocido recientemente fallecido, para dar vida a una película dramática triunfadora en el Festival de Berlín 2009 y con Oso de Plata al mejor actor. En este desgarrador relato que es movido por la sinrazón humana conmueve el contraste físico y cultural entre los dos protagonistas. Sin embargo, ambos aman la tierra, ella la ara y la produce, y él es guardabosque y cuida los árboles. Toda una historia de reflexión que acerca y reconforta en un mundo invadido de atentados terroristas y conductas autodestructivas que nadie termina por entender. Valiosa entonces la conclusión de nuestro orientador Rodrigo: “Las tensiones en este mundo globalizado encuentran el camino a través del afecto y el amor”.

COCO CHANEL

"LA MODA SE PASA DE MODA, EL ESTILO JAMÁS"

Nos encontramos ahora frente a una película que encaja perfectamente con la idea propuesta para nuestro cine club. Qué mejor que este ícono de la liberación femenina, Coco Chanel. Una intrépida mujer de vanguardia que rompió el esquema de la dependencia con una inmensa capacidad de superación y un talento bien manejado. A pesar de sus difíciles primeros años de vida, supo salir adelante mostrando su creatividad en un mundo de hombres y manejando con destreza las ideas de la época, esa transición entre los siglos XIX y XX. Rompió con muchos esquemas y se atrevió a ser auténtica y revolucionaria hasta llegar a triunfar. Para lograrlo, qué mejor que la presencia de dos hombres especiales en su vida, Etienne Balsan y Boy Capel, quienes favorecieron su incursión en espacios vedados para las mujeres. Sin preocupación, montaba a caballo, fumaba, conducía auto, leía libros entre ellos de Nietzche, y vestía trajes sueltos, sencillos, sin corsé, con pocos adornos y de color negro. Aunque como amante se sintió sacrificada, no quiso ser objeto sexual de nadie y prefirió la soledad. Todo esto para llegar a su mayor éxito, el mundo de la moda concebido como un arte. Un arte que identifica la elegancia con la libertad de movimiento.

Esta mujer que sobresalió por sus dotes como diseñadora, tiene una historia como mujer y como persona que vale la pena resaltar. Su verdadero nombre fue Gabrielle Bonheur y vale la pena mencionar el significado de Bonheur, felicidad. Nació en Saumur (Francia) el 19 de agosto de 1883 y murió en París el 10 de enero de 1971. Procedente de una familia humilde y sin padres que la protegieran, se vio obligada a ingresar a un orfanato dirigido por monjas donde aprendió a coser durante seis años. De allí pasó a ganarse la vida como costurera, trabajo que combinaba con sus actuaciones como cantante en un lugar de diversión del ejército. Parece que fue allí donde surgió su nombre Coco ya que sus temas eran Ko ko ri ko y Qui qu'a vu Coco? Así, a la edad de 22 años su objetivo era conseguir dinero para sobrevivir y convertirse en una modista famosa. Por fortuna, conoció a Etienne Balsan, un burgués adinerado que le dio la oportunidad de conocer la sociedad parisina y llevar una vida de lujos mientras creaba su idea de diseñadora. A su lado, abrió una sombrerería y más tarde su propia línea de moda con bastante éxito. Sin embargo, apareció en su vida Arthur Boy Capel, un amigo de su amante, y se enamoró locamente de él, al tiempo que descubría sus proyectos de casarse con una rica aristócrata. No se dio entonces una completa ruptura con Balsan porque necesita de él para financiar sus creaciones y para sostener el apoyo a su propia línea de moda. Ambos hombres, de gran importancia en su vida, facilitaron sus creaciones y el surgimiento del mito "chanel".

En otras palabras, encontramos una película dirigida por Anne Fontaine y representada por Audrey Tautou, que presta una atención especial al origen del personaje, a sus amores y pasiones, a su aprendizaje y éxito en el mundo de la moda, y a sus ideales de mujer independiente y exitosa.