AGOSTO

 

Las hijas de la familia Weston acuden al entierro de su padre Beverly Weston (Ewan McGregor) que vivió en el condado de Oklahoma con su madre Violet (Maryl Streep) y su hermana Ivy.  Este poeta alcohólico, incapaz de soportar los delirios de su mujer, ha decidido embarcarse en un bote y desaparecer para siempre. Así, después de años de ausencia de su hogar, ellas regresan buscando un encuentro amable, pero afloran una cantidad de conflictos y secretos guardados por el tiempo. Violet está enferma de cáncer, es adicta a los medicamentos y encarna a una mujer déspota e inestable que enfrenta a sus hijas con agresividad. Barbara (Julia Roberts), la fiel copia de su madre, llega con su compañero y su hija y pone al descubierto las dificultades que enfrenta con ellos. Es incapaz de asumir, como hermana mayor, un liderazgo que fomente la armonía y por el contrario, adopta una posición de dominio heredada de su madre con quien desata terribles discusiones.  Karen (Juliette Lewis), la segunda hija, aparece acompañada de uno de los numerosos amantes que ha tenido y parece no interesarle su familia. Ivy (Julianne Nicholson), la hija menor, que soporta aún la vivencia con sus padres, demuestra grandes carencias afectivas y poco hace por demostrar cercanía. Está soltera y tiene un romance secreto con su primo, situación que traerá mayores problemas. Por fortuna, aparece la empleada, un juez silencioso que irradia paz y conserva su rol en el poco silencio que deja esta familia. En la casa de Oklahoma tendrán muchos roces que sofocarán las relaciones difíciles de restaurar.

Un drama con un tema clásico semejante al de las tragedias griegas donde se muestra el afecto de padres e hijos y el deterioro de esas relaciones familiares. Una tragicomedia de la verdad en la vida de las mujeres que son las protagonistas de esa herencia cultural que marca la pauta del comportamiento en una familia. Y si esa familia es disfuncional y compleja ¿cómo no reflejar esa insatisfacción y tristeza que pasa de una generación a otra? ¿Cómo no hacer visible esas adicciones que se forjan en la memoria de ella y afectan el comportamiento de cada uno de sus integrantes? Todo se plasma en un terreno movedizo, sin horarios, sin pautas de comportamiento, sin deseos de aparentar normalidad en un ambiente marcado por el poder femenino. Además el tiempo hace su efecto ya que es Agosto, mes de verano, de calor extremo que intensifica ese sentir, ese malestar con el otro semejante y diferente, que se acerca y se aleja al mismo tiempo. “Nada los une, salvo la incapacidad de ser felices”. Al final, llega el momento de cambiar, pues el futuro de cada uno pide a gritos la búsqueda de un nuevo rumbo.

Esta película americana del 2013 es una adaptación de la obra de teatro homónima de Tracy Letts ganadora del Premio Pulitzer en el 2008. Está dirigida por John Wells y estuvo nominada este año a los premios Oscar por mejor actriz principal y mejor actriz de reparto. Un melodrama que en 121 minutos exhibe con absoluta crudeza un juego de rencores y miserias familiares.

FILOMENA

“Las pérdidas son mi juego” 
 

“La fe y el empeño en una misma mujer” salvan a quien pudo soportar uno de los golpes más grandes de la vida como es la pérdida de un hijo. Filomena, una joven irlandesa que está embarazada, es castigada por sus padres y llevada a un convento donde trabaja como lavandera y da a luz a su hijo a los 14 años. Allí las monjas que la maltratan le permiten verlo una hora al día durante tres años, al cabo de los cuales es entregado en adopción a una pareja extranjera y sacado del convento y del país sin poder hacer nada, salvo llorar. Y pasan 50 años sin detener el pensamiento en ese hijo ausente que no logra hallar, hasta que rompe su silencio y consigue a un periodista capaz de emprender la tarea de encontrarlo.  Juntos inician esta búsqueda que los llevará a otro continente buscando la verdad y la justicia y sobre todo que mostrará la calidad de esta noble mujer. Muchos apelativos bastarán para calificarla, reconociendo eso sí que tiene tan insertada la culpa que acepta este castigo para purgar su pena. Sin embargo, es alegre, tiene una buena relación con su otra hija, no juzga, perdona y acepta la reconciliación, le gusta el sexo y se adapta fácilmente a las variadas circunstancias que le ha tocado vivir. Esta historia termina nuevamente en el convento donde Filomena se enfrenta a una de las monjas que le arrebató a su hijo.

“No sabemos lo que no sabemos”

“Por estar en primera clase no quiere decir que somos de primera clase”

 

FILOMENA está basada en el libro “El hijo perdido de Filomena Lee” cuyo autor es Martin Sixsmith. En él se describen los hechos reales que, de manera magistral, protagoniza Yudy Dench acompañada de Steve Coogan quien es su alter ego, el periodista equilibrado que al final podrá contradecir a su compañera exclamando: “No perdono”. Un drama que cuestiona a la religión católica a todo nivel y muestra a la iglesia como esa institución que todo lo domina y que aún permanece atada a muchos cánones de la Edad Media. Busca también respuestas a la intolerancia social y moral de una época de la historia. En 98 minutos, su director Stephen Frears convierte esta película inglesa del 2013 y nominada a cuatro premios Oscar (mejor película, mejor actriz principal, mejor banda sonora y mejor guion adaptado) en una historia de perdón y olvido.
 

NEBRASKA

 

“¿Qué daño hace dejar que viva su fantasía un par de días más?”

“Por lo general, una persona tiene que morir antes de que los buitres comiencen a dar vueltas”.   

 David Grant 

Un viaje a la memoria es el tema de esta película de generoso aliento poético que describe un viaje hacia el fondo del ser humano, hacia el pasado, con una carga fuerte de compasión y de nostalgia por la vida. Woody Grant (Bruce Dern) que caracteriza a un anciano alcohólico, huraño y casi demente, desea ir a Nebraska donde cree que se ha ganado un premio y contra la voluntad de toda su familia que le advierte del engaño, emprende su aventura. Por fortuna, uno de sus hijos considera que se puede dar esta oportunidad para conocer a su padre y lo acompaña. Pasarán por el pueblo natal de Woody donde éste hace llegar la falsa noticia y surgen encuentros con sus habitantes llenos de sorpresas y dificultades. Al final del viaje es David Grant (Will Forte), su hijo menor, quien se convierte en su redentor y le hace vivir su más grande sueño.

 

A pesar del deterioro cultural y neurológico que vemos en el protagonista de esta película y de la actitud de su esposa –una persona fuerte y primaria-, encontramos a los hijos (especialmente el menor) deseosos de restablecer un diálogo, de darle sentido a los deseos de su padre y de apoyarlo en la idea de emprender su fantasía. Así, ante la realidad aplastante que los incomunica, se encuentra la máscara que ayuda al padre a realizar su sueño, llevándolo a mostrar su valentía y todas sus capacidades. Van tras el millón de dólares, una hazaña que parece quijotesca, pero que los pone a puertas de su mayor logro, la recuperación de la unión familiar. Muchas dificultades tienen que vivir en medio del choque intergeneracional y del cambio frecuente de estados de ánimo, hasta que se descubre que es la adversidad la que los une. También advierte cómo engaña la publicidad y cómo caen los más vulnerables ante sus atractivos. Muy propio de la cultura americana en la que prima el poder del dinero y el consumismo.

Se presenta en blanco y negro, una forma ideal de ponerse a tono con el pasado y de acentuar el efecto del paisaje. Es otoño y la luz que refleja es un personaje más; es el ocaso, la melancolía, la soledad y proximidad de la oscuridad. La música country de Mark Orton atrae y acompaña este viaje por carretera o road movie en el que hay una buena carga de humor, manejado con sencillez y realismo. Muy valioso el trabajo de su director y guionista, Alexander Payne, que le valió la nominación en el 2013 a cinco premios Oscar, entre ellos a Mejor Película, y la Palma de Oro en el Festival de Cannes, por mejor actor.
 

LA PIEDRA DE LA PACIENCIA

 

“Usted es un pedazo de carne sin voz” dice la protagonista de esta película a su marido en estado de coma que yace en el suelo con una lesión en el cuello causada por arma de fuego. Desde allí y en un monólogo silencioso, esta mujer afgana (Golshifteh Farahani) le cuenta su vida y sus infortunios en una tierra donde prima la misoginia, hay demasiada miseria y se vive la guerra. Logra llevar a sus dos hijas pequeñas donde su tía y salvarlas del hambre y de las balas enemigas, pero ella es incapaz de desligarse de su esposo. Todos los días y vestida con burka acude a visitarlo tras las cortinas de su casa destruida, le lleva suero, le reza y le cuenta sus más íntimos secretos. Frente a este héroe de la guerra que está inconsciente, ella confiesa todo la discriminación y el sometimiento del que ha sido objeto como mujer musulmana y a medida que lo hace va encontrando su liberación. También le confía sus sueños y sus deseos, entre ellos su relación con un soldado tartamudo que la posee a cambio de dinero y cómo con el correr de los días va mejorando esta apreciación. Así, su marido se convierte, según la mitología persa, en esa “piedra de la paciencia” a la que se le cuentan los sufrimientos nunca antes confesados y ella los recibe como una esponja hasta que al final explota y libera a su confidente. Algunas veces piensa que se está enloqueciendo y teme contradecir las reglas de Corán, pero actúa como Scheherezade que llega cada día con una historia que atrapa y determina su liberación. Mucho tiempo tendrá qué vivir así, en este angustiante mundo islámico, esta mujer llena de bondad y dispuesta a perdonar a su mayor verdugo que la tiene cerca y cada vez más lejos.

“Los que no saben de amor, hacen la guerra”

 
“Te han herido a ti, pero la que sufre soy yo”

“Me casé contigo sin ti”

“Nunca he besado a mi marido"  

La piedra de la paciencia del 2012, está basada en el libro escrito por el director afgano radicado en París, Atiq Rahimi, con la colaboración del guionista Jean-Claude Carrière. Ganadora del Festival de Gijón del 2012 por la  Mejor Actriz y premio del Jurado Joven. Un monólogo inquietante, valioso e intensamente pasivo que tiene como marco protector a  la palabra con todo su poder calmante y liberador. Con demasiada fuerza contenida, muestra como es el trato que recibe la mujer en la cultura árabe, sin ningún canal de comunicación y completamente marginada y sometida. Sin embargo, va a la defensa de ella y la presenta fuerte, rebelde y luchadora. Excelente la actuación de su protagonista y ese crecimiento que exhibe a nivel de sensibilidad, madurez y presentación personal. Valioso el tejido visual que se da en medio de una bruma de luz y de color, muy semejante al tejido narrativo alrededor del mundo íntimo de la mujer. Una forma de llegar a niveles profundos de la sensibilidad, a través del arte.
 

“Me he convertido en profeta”.

 

INFANCIA CLANDESTINA

Dedicada a la memoria de mi madre, Sara E. Zermogilo, detenida y desaparecida el 13 de octubre de 1979.

A mis hermanos, mis padres y mis hijos.

Y a todos los hijos, nietos, militantes y a todos aquellos que han conservado la fe.

 

 

Después de haber realizado el documental Nietos sobre los nietos recuperados por las Abuelas de la Plaza de Mayo, el director argentino Benjamín Ávila aparece en el 2011 con su ópera prima Infancia clandestina. Una película con marcado acento autobiográfico en la que muestra parte de sus vivencias en su país donde padeció la dictadura del régimen militar que tomó el poder en 1976. En medio de la clandestinidad y después de un largo exilio, Juan (Teo Gutiérrez) llega a Argentina, con su pequeña hermana y sus padres Cristina (Natalita Oreiro) y Horacio (César Troncoso) que acatan los ideales de la lucha armada. Ernesto es el nombre que se le da a este muchacho de 12 años que intenta llevar una vida normal, con sus obligaciones escolares, sus amigos, sus reuniones, y María, su primer amor; pero es testigo de todo lo ocurre en casa. Su padre y su madre abrazan las armas cuyas municiones llegan camufladas en cajas de maní con chocolate, orientan a militantes de la contraofensiva montonera que aparecen a oscuras y en medio de vendajes, y le indican a Ernesto donde debe refugiarse con su hermanita cuando escuchen sirenas. El niño todo lo ve, todo lo observa. Un día llega su abuela, también vendada y le plantea a su hija la urgencia de integrarse a la normalidad, lo que desata una fuerte discusión entre ellas. Logra insertar a su tío en su corazón por la calidez y la confianza que éste le transmite en sus diálogos, y termina rechazando su muerte y muchas más. ¿Cómo combinar sus experiencias infantiles –colmadas de amor y de entusiasmo- con ese mundo cargado de temores y de conflictos?  
 

“No te traiciones nunca”

“La fidelidad a los ideales jamás puede cerrar las puertas al deseo”   Tío Beto

Después de experimentar el dolor causado por el fanatismo de esta pareja de padres guerrilleros, entregados a la militancia política, no podemos ocultar nuestro cuestionamiento respecto al derecho que tienen de involucrar a los niños en su lucha. No justificamos tanta hostilidad y violencia en las que se ubica a gente inocente, ni mucho menos  envolver a la infancia en ese manto de sangre y de oscuridad. Por fortuna esos ideales de las luchas armadas han ido desapareciendo para dar paso a diálogos y encuentros de paz que favorecen la esencia humana y la liberación de tanta esclavitud. Es imposible pensar que una familia guerrillera pueda supervivir en medio de la resistencia armada y que sus hijos paguen un costo político de esas propociones. ¿Cuáles son entonces sus prioridades? La mirada de este niño introvertido, que algunas veces tiene matices oníricos, termina dando la razón en un film donde la clandestinidad y la memoria están siempre presentes.

 

Una película bien manejada, con un acierto enorme al emplear imágenes artísticas al estilo del comic policíaco para reemplazar las escenas violentas que tanto impactan al espectador. Excelente fotografía y valioso trabajo de los actores especialmente el del niño que actúa con una conmovedora convicción. Nominada en los Premios Goya a la Mejor Película Hispanoamericana en el 2012 y elegida por la Academia Argentina para representar a su país en los premios Oscar. Ganó el Premio Casa de América en el Festival de San Sebastián.

 

BEKAS

Qué buen homenaje a la hermandad hace Karzan Kader, el director sueco-iraquí de esta película, al querer contarnos parte de su vida en Iraq donde vivió una infancia terrible marcada por la miseria y la orfandad. Nos introduce en una aventura donde prima el humor  asociado a la alegría y al entusiasmo infantil. Así logra camuflar ese dolor del conflicto -por el régimen represivo de Saddam Hussein a principios de los 90- y recrear su experiencia traumática de manera agradable, con un final feliz en cada riesgo. Sin guerra, sin planteamientos sociopolíticos directos nos plantea sus vivencias con un verdadero equilibrio de emociones.

 

"Kurdistán ha estado en guerra durante tanto tiempo que ésta se ha convertido en el estado habitual de las cosas allí. Quiero que esta historia sea la voz del pueblo kurdo en el resto del mundo". Karzan Kader

Los protagonistas son dos niños ingenuos de Kurdistán, Dana de 10 y Zana de 7 años, que sobreviven en medio de la nada, aferrados el uno al otro frente a las amenazas externas. Conservan su dignidad a pesar de su pobreza y de la aridez del paisaje, en un ambiente cerrado y machista donde los hombres se dedican a la oración en las mezquitas y sobreviven fumando y jugando. Fantasean con llegar a América buscando a Supermán, el hombre fuerte que sabe volar, habla todos los idiomas y nunca morirá; además creen que resolverá sus problemas y castigará a quienes les han hecho daño. Son también irreverentes ante el poder pues desconocen las normas que éste impone y en un burro emprenden su fantástica aventura, salvando infinidad de obstáculos y  permaneciendo siempre unidos. Dos niños que logran sostener un buen balance entre la realidad y los recuerdos.

"Uno solo puede adelantarse cuando logra equilibrar las emociones". K. Kader

Un drama comedia del año 2012 que se desenvuelve en 97 minutos de manera fácil y lineal. Cuenta con actores naturales bien dirigidos, una fotografía cálida y una música que mueve las emociones.  Bekas, “huérfanos” en kurdo, es una película semejante a “La vida es bella” en la que la alegría enmascara la tragedia y la realidad se vuelve conmovedora.
 

EN LA CASA

 “La vida sin historias no vale nada”. 

 

“Ni siquiera la lluvia baila descalza”. 

Una nueva forma de mirar el mundo es con la ayuda del lenguaje. Este nos ayuda a diseñarlo, a entretejer esa realidad con las palabras y a hacer de ellas un cúmulo de fantasías y de deseos, de verdades y de ilusiones. El poder de la libertad nos hace sentir esa belleza, nos hace estremecer con esos sonidos, con esa búsqueda de la armonía, de hallarle otro sentido a lo que se vive. Porque el mundo del arte es un mundo traspasado por los sueños, por esa riqueza tan propia del ser humano que le da la oportunidad de crear. En este caso, una narrativa que se teje continuamente sin encontrar muchas veces esos hilos que separan lo expresado de lo vivido. ¿Qué es lo verosímil y lo inverosímil? ¿Qué es lo real y lo irreal? 

Este ejercicio de escribir fue el que llevó al profesor de literatura Germain (Fabrice Luchini) a la búsqueda de un estudiante que pudiera encontrar placer en el manejo de la palabra, de transmitir con el lenguaje una nueva forma de ver el mundo y de expresarlo. Cansado de su tarea, encuentra al fin a un joven de 17 años, Claude Garcia (Ernst Umhauer), que se ubica en la última fila de su salón de clases y lo deslumbra por su capacidad para escribir y transmitir emociones con sus textos. Inicia con él un trabajo intenso de escritura creativa que poco a poco los va llevando a terrenos prohibidos en los que el maestro debió medir las consecuencias de sus actos y poner límites a situaciones que el muchacho no podía transgredir. Un giro intenso da la película y se castiga al profesor que ha permitido al joven cruzar fronteras indeseadas, pero que a la vez ha incentivado su  creatividad y ha podido ir más allá de su mundo inmediato. 

Una película cargada de ironía y con un tejido narrativo muy bien logrado. Es inherente al ser humano saber cómo vive el otro, cómo siente y cómo desea el otro; al mismo tiempo, organizar ese mundo y penetrar en él para saciar esa sed morbosa de estar ahí. Eso hace el joven, un buen ejercicio de observación que lo lleva a infiltrarse a hurtadillas en la vida del otro. Se atreve a penetrar en la vida familiar de uno de sus compañeros y a fisgonear cada uno de sus actos y pertenencias. Terminará entonces confundiendo la literatura con las vivencias ajenas, y llevando al espectador a mezclar la realidad con la imaginación del protagonista. Además de perturbar cada vez más a su profesor con sus narraciones atrevidas, sin tener en cuenta las correcciones que éste le hace. Al final, podemos ver a un maestro contento porque pudo dar origen a un verdadero escritor, y así, tal vez, su sueño insatisfecho de adulto encuentre el rumbo que él no pudo lograr. Y de paso, nos invita a seguir mirando el mundo con ojos de creador para encontrar en lo que vemos y leemos una forma de alentar nuestros anhelos y exorcizar nuestros temores.  

El pequeño mono me mira...

¡Quisiera decirme

algo que se le olvida!

                                                      José Juan Tablada 

François Ozon es el director de En la casa, película francesa nominada a varios premios en el 2012 y ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por mejor película y mejor guión. Se basó en la obra El último chico de la fila, de Juan Mayorga donde hace una crítica a maestros y estudiantes, y explora el arte de la escritura. Está plagada de excelentes actores, variadas referencias literarias que le dan riqueza al contenido y una rica banda sonora.
 

ANTES DEL ANOCHECER

"Si quieres amor verdadero, esto es lo que hay. Ésta es la vida real, no es perfecta pero es real". Jesse

"Me siento cercana a ti. Pero a veces siento que tú respiras helio y yo oxígeno". Celine

"Te estoy dando mi vida entera, no tengo nada más importante que darte, no se la doy a nadie más. Si quieres permiso para descalificarme, no te lo pienso dar". Jesse

"Si no le dejara ganar siempre a todo, nunca haríamos el amor". Celine

"Ésta es la condición humana natural, el estar siempre un poco insatisfechos, continuamente descontentos". Jesse

 

Un repaso a la vida de las relaciones de pareja, a ese sentirse diferentes aunque estén juntos, con todos los aciertos y errores que esto genera, es la esencia de esta película que se presenta a modo de caricatura. En ella se da una exageración de la palabra, con intervenciones constantes e interminables y muchas veces irritables que parecen alejadas de un verdadero diálogo. Ella defiende la vida y su derecho a salir adelante, él disfruta la relación y defiende su rol de padre y esposo. Ambos tratan de ser compañeros en esa edad de los 40, antes del anochecer, en la que se van acomodando los roles de cada uno y se descubre que la vida no es perfecta. Difícil encontrar ese acomodo entre dos personas tan opuestas que tratan de formar la unidad, de construir ese romanticismo y esa relación de comprensión que está a punto de fracasar. Lo oscuro y misterioso de ella se enfrenta a lo racional y organizado de él.

Jesse y Céline (Ethan Hawke, Julie Delpy) un norteamericano y una francesa, conforman esa pareja que disfruta de dos hijas, pero que no puede olvidarse del hijo de Jesse que él quiere atraer a su nuevo hogar sin lograrlo. Después de muchas conversaciones en distintos tiempos y espacios que nos permiten conocer su historia de amor y desamor, sus ilusiones y angustias, sus  sueños y frustraciones, los vemos en Grecia donde se disponen a celebrar un encuentro más de sus vidas, con planes de seducción y de conquista que se convierten en un muro de soledad y de silencio. Las palabras empiezan a herir, la cotidianidad los atrapa y el desencanto tiende su sombra en ese anochecer que ahora sí da sus primeros pasos. Dudamos si seguirán juntos ya que todo parece desmoronarse, pero sabemos que ese momento oscuro puede ser el preludio de un futuro mejor, ese ideal de la imperfección que muchas veces termina en un nuevo amanecer.  

Esta película estadounidense dirigida por Richard Linklater hizo su aparición en el 2013, después de Antes del atardecer en el 2004 y Antes del amanecer en el 1995. Estuvo nominada al Oscar por Mejor Guión Adaptado en el 2013 y a los Globos de Oro por Mejor actriz. Sin lugar a dudas nos hizo falta la apreciación de las dos películas anteriores para lograr su verdadera comprensión y valoración. 
 

BLUE JASMINE

Qué buena celebración de nuestro tercer aniversario con Blue Jasmine de Woody Allen.  Nuevamente lo encontramos dirigiendo una película que caricaturiza a las mujeres y en la que hace una crítica a la sociedad americana. Vemos en ella a esa clase emergente y trabajadora de Nueva York donde el perdedor o fracasado manifiesta dolores extremos y vive una crisis que lo lleva a un choque con la realidad. Es el personaje de Jasmine (Cate Blanchett), una mujer atractiva y elegante, manipuladora y egocéntrica, incapaz de salir adelante sin la compañía de un hombre adinerado que todo lo da, hasta el punto de mostrar a su lado habilidades sociales y tener éxito en la alta sociedad. Y cuando él falla, cuando se descubre su rostro de estafador, todo se desmorona. Actúa como una demente, toma vodka y antidepresivos, habla sola sin interlocutores y sin comunicación alguna con la sociedad. Acude entonces a su única tabla de salvación, su hermana Ginger (Sally Hawkins). Llega a su hogar en San Francisco y encuentra a una mujer trabajadora, pero burda y sin mayores aspiraciones que cambiar constantemente de compañero y llevar una vida libre. Se da un choque profundo entre estas dos hermanas que poco han compartido en la vida, salvo su adopción a edades tempranas y la presencia de una madre protectora de Jasmine. Difícil para ella salir de esta encrucijada y poder diferenciar la realidad de la fantasía, el bien del mal.

Una producción del 2013 y candidata a los premios Oscar de este año, con tres nominaciones por guión, actriz principal y actriz secundaria. Un retrato completo de las mujeres vulnerables, histéricas e insatisfechas que se conocen poco a sí mismas. Una burla al falso romanticismo, a ese  tipo de relación que raya en el consumismo, donde se cohonesta con el otro, con el engaño para no dejarse atrapar. Una comedia romántica con un tono triste y en una combinación de tiempos narrativos -pasado y presente-, en la que Woody Allen intenta nuevamente describir a las mujeres. ¿Lo logra? Parece que seguimos siendo impredecibles y difíciles de definir. 

“Woody está fascinado por las mujeres. Las adora. Está enamorado de sus excentricidades, de sus emociones, de su forma de pensar, de su psicología, en ocasiones extremas, de cuán pintorescas podemos llegar a ser”.  

Cate Blanchett 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director

2013: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original

2013: Premios César: Nominada

NUESTRO ANIVERSARIO

Han sido tres años de satisfacción por el sentir y el disfrutar los placeres del séptimo arte.

 

Tres años compartidos en una cálida amistad que nos regala lazos de  unión y de complicidad en las tardes dedicadas a nuestro CINECLUB SALAMANDRA.

 

Tres valiosos años que, sin lugar a duda, han enriquecido nuestras vidas.

                Agradecemos las visitas de quienes nos han acompañado en este tiempo y han sido parte activa de este blog.

                         Esperamos seguir publicando nuestras experiencias y comentarios por muchos años más.

 

CHOCOLAT

Una película que logra atraparnos como en un cuento de hadas, donde el blanco y el chocolate son un bálsamo para el alma y donde todo se presenta como en un ambiente mágico. Vemos en ella a Vianne Rocher (Juliette Binoche) quien llega acompañada de su hija a un poblado francés llamado Lansquenet. Allí solo se respira moralismo y represión pues se vive en un ambiente conservador que no da cabida a lo nuevo y mucho menos a lo ajeno a su catolicismo. Vianne, que es indiferente a su religión, llega con su hija ilegítima, abre una tienda de chocolates en cuaresma y frente a la iglesia del pueblo donde trabaja hasta los domingos. Encuentra entonces un rechazo enorme de sus pobladores que poco a poco logra trasformar en aceptación a través de sus dulces y pasteles que contienen el aroma con que atrapa a cada uno de ellos, y convierte este alimento seductor en un remedio para sus males. Sin embargo, hay repudio de sus dirigentes que la persiguen y encuentran la manera de atacarla en uno de los eventos que ella realiza, el festival del chocolate. Por fortuna, algo cambiará el cambiará el final de esta historia. Vianne, que ata nudos y que es buscadora de lazos podrá desafiar todos los pronósticos negativos.

 

Con un lenguaje hipnótico y con un buen ritmo narrativo, Chocolat invita a la sensualidad no solo de la piel, sino también del gusto y del olfato. Las imágenes en tonos pastel, el viento, la música sensual y serena, y la actuación de su protagonista dan magia a esta historia que es toda una metáfora a la vida y a la libertad. Una especie de fábula donde se hacen visibles los trajes rojos de sus protagonistas y los pasteles que atrapan, la presencia de un juglar que enamora a Vianne, los platos girando como la rueda del destino, y la imagen del río con la idea de ventura. También refleja el poder político de una época -1959- en que la religión y el clero dominan y reprimen hasta crear solo insatisfacción. En el año 2000, esta película británica clasificada como comedia romántica obtuvo cinco nominaciones a los premios Oscar: mejor película, mejor actriz principal, mejor actriz de reparto, mejor guión adaptado y mejor música. 

ANTONIA

 

Antonia, una mujer librepensadora y respetuosa del pensamiento del otro, asume con autonomía el liderazgo de una familia que crece a su alrededor en un ambiente campestre holandés alrededor del año 1945, después de la II Guerra Mundial. A su lugar de origen, regresa convertida en madre de una hija y con ella asume la tarea de salir adelante y ser ejemplo de lucha y de entrega desmedida al otro. En 50 años, logra cambiar el entorno frío, machista y oscuro donde vive por un lugar acogedor donde todos tienen cabida y se respira un diálogo de miradas que fomenta la paz y la concordia. Antonia es la autoridad moral de su grupo familiar y social, una persona de avanzada y demasiado generosa que respeta la diversidad y logra convertir el ambiente del campo en un paraíso. Cuatro generaciones crecen allí, cada una con nombre de mujer -Antonia, Daniela, Teresa y Sara-, capaces de crear en su poblado un laboratorio de tolerancia, frente a un tradicional mundo masculino que intenta sofocarlas y excluirlas.

Toda una reflexión sobre el tiempo humano que va tejiendo la vida y va dando vueltas hasta asumir con simplicidad esa relación hombre-naturaleza. Reivindica, a su vez, temas como el amor y el sexo tratados con absoluta independencia por madres e hijas que tienen la habilidad de atraer otras personas a su generoso clan. Un mensaje incluyente y solidario, cercano a esa red que intentamos construir las mujeres en el quehacer diario; esa búsqueda  de una educación permanente capaz de liberar ese potencial que nos asocie y nos permita la fraternidad. Muchos otros mensajes se tejen en esta historia de espíritu feminista, ganadora del Premio Oscar a la Mejor Película Extranjera en 1996, dirigida por Marleen Gorris y protagonizada por Willeke Van Ammelrooy.

La directora holandesa Marleen Gorris, es una reconocida activista del movimiento feminista, los derechos de las personas homosexuales y la libertad sexual en general.

LAS SESIONES

POEMA DE AMOR PARA NADIE EN PARTICULAR

“Déjame tocarte con mis palabras,
ya que mis manos yacen inertes
como guantes vacíos.
Deja que mis palabras
acaricien tu cabello,
se deslicen por tu espalda
y te cosquilleen el vientre,
ya que mis manos tan livianas
y aladas como ladrillos,
ignoran mis deseos
y se rehúsan tercamente
a realizar mis más
silenciosos deseos.
Deja que mis palabras
entren en tu mente
portando antorchas,
déjalas entrar
voluntariamente a tu ser
para que te acaricien
suavemente desde dentro”.            Mark O´Brien
 

La vida de este escritor y periodista americano, Mark O´Brien, es el tema de la película Las sesiones. Padeció de una poliomielitis en su infancia y al quedar tetrapléjico permaneció sin movimiento en una cama dependiendo de un respirador artificial. Sin embargo, a través de una camilla eléctrica pudo llegar a la universidad, licenciarse en literatura anglosajona, ingresar a la Escuela de Periodismo de Berkeley y abrir las puertas para que otras personas con sus mismas condiciones tuvieran el mismo acceso. Escribió varios ensayos, artículos y poemas, entre los que se encuentra el Poema de amor para nadie en particular que aparece al final de este film americano del 2012 cuyo director y guionista es Ben Lewin. 

Respirar es una fortuna para quien no puede valerse de su cuerpo y está ansioso de un abrazo. Sabe que puede vivir con el corazón y a través de él realizar un viaje ayudado por su voz y sus palabras. Porque no hay nada que toque más que las palabras y con ellas iniciar ese contacto con el otro, con ese ser deseado que pueda llevarlo a experimentar el anhelado placer sexual. Y es que nuestro protagonista, a sus 38 años, solo ha intentado vivirlo consigo mismo en su soledad. Así, Mark O´Brien (John Hawkes) inicia la búsqueda de una terapeuta sexual Cheryl Chen-Greene (Helen Hunt),  que no es una prostituta y con la asesoría de un sacerdote amigo (William H. Macy) descubre que puede aprender a reconocer su cuerpo y a encontrar placer a pesar de su discapacidad. Con ella pierde su virginidad, recorre caminos inexplorados y descubre el valor del sexo y del erotismo. En seis sesiones reglamentarias y sin moverse de su cama, recorre el mundo, lo recrea junto con ella y van a la búsqueda de un placer infinito que solo las palabras pueden conjugar. Todo un homenaje al orgasmo simultáneo  y al sexo como parte de la emocionalidad, sin manejo de culpas y sin represiones. Un mensaje muy positivo para esta sociedad en la que el sexo se ha trivializado hasta el punto de ser manipulado por los medio, aprovechado también por la religión con el eterno manejo de la culpa para frenar al ser humano.  

Una película que ha recibido muchos premios y nominaciones entre las que se destaca la nominación al Oscar 2012 por la mejor actriz secundaria (Helen Hunt) y el premio del público y mejor reparto en el Festival de Sundance. Con diálogos muy profundos y un excelente tratamiento de la intimidad, descubrimos las maravillas que hace la educación ayudada, por supuesto, del dinero. Un trato honesto y emotivo al tema del sexo y la discapacidad.

 

EL HOMBRE QUE AMABA A LAS MUJERES

“Las piernas de las mujeres son compases que recorren el planeta en todo sentido dándole equilibrio y armonía” Bertrand

Como en un monólogo, podemos ver al protagonista de esta historia -Bertrand- que sin tratar de esforzarse por ser viril, logra conquistar un buen número de mujeres a las que les permite ser felices a su lado, así sea unas pocas horas. Esto lo escribe en su biografía dedicada a describir sus experiencias eróticas con ellas. No busca una relación a largo plazo ya que no le interesan las mujeres como tal, únicamente el sexo. Al parecer solo tuvo una relación duradera de la que salió perdedor y en adelante vive la relación con ellas de manera desaforada. La compañía femenina le es indispensable únicamente para saciar sus necesidades sexuales y afectivas, dándole a cada una lo que cada una quiere. Además copia el comportamiento de su madre, del que fue víctima en su infancia cuando la veía casi desnuda exhibiéndole sus piernas y buscando en el sexo su forma de vivir. Todo un tópico freudiano que exhibe las teorías edípicas con un trasfondo psicológico fuerte en el que las piernas juegan un papel importante. Así, este Casanova que conoce la debilidad de las mujeres, descubre la manera de atraerlas con su ternura, galanteo y creatividad. Porque nunca es agresivo y tiene una forma especial de conquistarlas hasta ganarse su atención y su corazón. Pudiera decirse que solo ama la idea del amor como lo demostró hasta su muerte.

¿Por qué se espera encontrar en tantas personas lo que se podría encontrar en una sola? Es la pregunta que muchas veces nos hacemos al enfrentarnos a estos casos de conquista múltiple o de soledad acompañada. Vivimos una época que acabó con el ritual del enamoramiento y de la conquista porque todo se trivializó, hasta las relaciones de pareja. Solo interesa el sexo por el sexo y las relaciones libres entre hombres y mujeres. Es cierto que se busca la libertad, pero también encontramos que con la premisa de “somos libres” evitamos cualquier enamoramiento o acercamiento al temible tema del amor. “Somos libres” marca esa libertad y esa negativa al contacto generoso con el otro. Una película que explora las relaciones del hombre y la mujer en estos tiempos de cambio.

L´Homme que Aimait les Femmes es el título original de esta película, mezcla de drama, comedia y romance, dirigida por Truffaut en 1977. Truffaut, que murió en 1984, era un hombre que amaba a las mujeres. Por algo dirigió una película con este título y por algo dijo lo siguiente:

“La mujer domina siempre la situación; domina antes, durante y después. Y también cuando una mujer cambia de amor, su reacción es muy bonita, porque la mujer que ha dejado de amar detesta su vida anterior, y aunque él se tire por la ventana es igual; ya no tiene corazón, no siente nada. Si el otro la quiere, ella hace sus maletas y se va con él. Una mujer sabe partir. El hombre no. Tiene todavía un pie dentro, otro fuera, está preocupado, se pasea”.

 

GRAVEDAD

 

 

En tiempo de receso quisimos aprovechar lo más novedoso que nos ofrece la pantalla gigante en nuestra ciudad –que muy pocas veces es interesante para nosotras- y le dimos un sitio especial a la película GRAVEDAD. Al parecer se aleja de nuestra temática habitual, pero encontramos en ella un espacio gigante para profundizar en la validez humana y especialmente en la forma en que dos personas enfrentan las dificultades. Sus protagonistas, Ryan Stone y Matt Kowalsky, él y ella en el espacio, se encuentran a la deriva después de un accidente de su nave, carentes de gravidez, asediados por trozos de satélites y basura espacial, y luchando por sobrevivir y por regresar a la tierra. Tratan en vano de establecer comunicación con alguien mientras se les va acabando el oxígeno y van sorteando la terrible tormenta que los asedia. No hay posibilidad de rescate y el pánico se apodera de ella, mientras su experimentado compañero intenta tranquilizarla y darle un aliento para salir adelante. Difícil enfrentar esta catástrofe de dos seres humanos atrapados en la nada y donde parece imposible mantener la vida y rescatar esa fragilidad humana. Y es ella, la mujer, quien realiza su primer viaje espacial, la que debe demostrar su capacidad para desafiar todas las adversidades. Es ella, lejos de todo contacto humano pues ha quedado sola  y sin esperanzas de salvarse, la que debe sobreponerse a las dificultades dando la lucha a favor de la vida. Todo un viaje al interior de su ser, toda una prueba a su validez como ser humano deseoso de vivir y de volver a la tierra.

Sorprende que una película de suspenso y de ficción, hecha con la más moderna tecnología jamás mostrada en la historia del cine y en un largo tiempo de preparación y ejecución –alrededor de seis años-, tenga el respaldo de un director mejicano, Alfonso Cuarón, quien también escribió el guión con su hijo Jonás.  Sus protagonistas, Sandra Bullock y George Clooney, dan muestras de un excelente desempeño y mucha disciplina en su trabajo actoral que logran transmitirnos verdadero suspenso, diversión y arte por lo bien lograda. Se espera una valoración positiva por parte de la crítica que ya ha iniciado su trabajo para la ceremonia de los Oscar 2014. Una película para ver en una sala de cine y en 3D.

“A lo largo del filme hay referencias visuales constantes
de la Tierra como un sitio hermoso y protector.
Flotando arriba hay una mujer que está aislada de ella y cuidándose sola.
Quisimos explorar el potencial alegórico de un personaje en el espacio que
está moviéndose en espiral hacia el vacío, víctima de su propia inercia,
alejándose de la Tierra donde radican las conexiones vitales y humanas.
Entre todas las herramientas y efectos, siempre tuvimos claro que la lucha de Ryan
es una metáfora sobre cualquiera que debe superar alguna adversidad
en la vida y llegar al otro lado. Es un viaje de renacimiento”.
Jonás Cuarón