UNA NOCHE

“Quise contar una historia real sobre las personas y las emociones, algo que es familiar para mí. La película habla de las circunstancias de tres personas que cambian en el contexto de su sociedad. No estoy interesada en decirle a la gente qué pensar Cuba, sino en explorar las conductas de los personajes”. Lucy Mulloy

Con un tono macondiano, esta película cubana del 2012 nos da una clara muestra de la improvisación, en una aventura de una noche. Tres jóvenes, al parecer sin sentido común, asumen un desplazamiento forzoso, sin ninguna planeación. Quieren salir de Cuba para llegar a los Estados Unidos, siguiendo el sueño americano y buscando el cambio que solo uno de ellos anhela.

En esta producción dos hermanos gemelos, Elio y Lila, que se quieren profundamente van tras los pasos de Raúl quien aprovecha la devoción que Elio le profesa para convencerlo de que abandonen la isla.   Será un episodio lleno de riesgos que los atrapará y los dejará más vacíos que al comienzo. Un suceso que tiene como fondo las vivencias en una ciudad decadente, víctima de la revolución, con una arquitectura mustia y deteriorada, colmada por la pornomiseria. Allí encontramos a estos jóvenes sin esperanza que con un diálogo desordenado terminan refugiados en una balsa que ellos mismos construyen y que transmite un componente visual intenso. Aferrados a su barca, viven un drama que mostrará otro naufragio dentro de ellos. Mientras afuera, los turistas huelen diferente y respiran ese aire de alegría que los cubanos transmiten con sus ritmos y sus danzas;  cantan y bailan en una fiesta a la creatividad y al buen recibimiento de quien llega. Sin embargo, sabemos que esconden la tragedia que encierra este lugar y que los lleva a buscar una salida de cualquier modo.

Su directora inglesa, Lucy Mulloy, asume un papel neutro en el que pretende mostrar una realidad, sin tomar una posición negativa frente a este país donde vivió durante diez años. En el Festival de Tribeca, recibió los premios a Mejor Director, Mejor Fotografía y  Mejor Actor. Ha recibido también muchas aclamaciones en diferentes festivales, a pesar de su estructura simple. Sus actores son personajes de la vida real que terminan asumiendo el mismo papel que representan; aprovechan entonces su salida de la isla para la presentación de la película en el festival de Nueva York y no regresan a ella. 

RECONSTRUCCIÓN

“Un hombre entra a un bar. Ve a una mujer hermosa. ¿Se conocen? No parece. Pero aún así parecen conocerse. ¿Quién conoce a quién? ¿Esto es un comienzo o un fin? Esto es lo que estamos por ver. El comienzo y el fin, el amor y el adiós. Sé que no necesito decirlo, pero recuerden: Todo es una película, una reconstrucción, y aún así, duele”. 

Todos están buscando amor. Puede ser un poco una batalla. ¿Qué comience!

... Creo que el amor significa algo diferente para un hombre que para una mujer. Para una mujer, el amor es una necesidad. Algo sin lo que no puede vivir, es una elección consciente, algo que ella decide....   ...Los hombres sólo queremos que el amor nos tome por sorpresa. Es algo que no queremos planear, porque en realidad es algo bastante vergonzoso. Algo que interfiere en el camino. Ya sea un fin o un medio, el amor tiene que ser impuesto para seguir siéndolo.

 Un escritor arma su historia en la que plasma su vida, sus deseos, sus temores. Para lograrlo, se devuelve, borra, se replantea, crea un escenario, lo cambia y reconstruye la historia, hasta formar una realidad que termina siendo discontinua. Como la memoria que crea escenarios, aislados de la consciencia y nos lleva a vivir en permanente RECONSTRUCCIÓN. Un continuo abrir y cerrar de puertas que da la ilusión de que tenemos las opciones y podemos crear. Parecido a un collage, a partir de imágenes cortadas que hacen un todo. Así, cada individuo ve su historia personal y, de acuerdo con su educación, sus conocimientos, sus vivencias, va revelando su vida. Una revelación que se asemeja a un triángulo en el que hay variados espejos: lo que yo soy, lo que pienso de mí y lo que reflejo ante los demás.  Es por ello, que el espectador de esta película reconstruye la historia de acuerdo con la visión que construye de cada personaje.

Un proceso creativo es el que vive Augusto, el narrador de esta historia, en la que él mismo muestra la posibilidad de tener, de poseer, de perder. Él, que está en el centro de un triángulo amoroso, quiere parar todas las posibilidades de traición y detener su amor. Muestra entonces a su amada Aimée asediada continuamente por el compañero de Simone, el fotográfo Alex. En una ciudad que no duerme y ubicados en un bar y en un café, estos personajes se desplazan con la ayuda de mapas geográficos, semejantes a mapas mentales. El escritor, el fotográfo y Aimée forman un grupo que no puede estar desligado de otro conformado por Aimée, Simone y Mónica (la secretaria de Augusto). El novelista altera los hechos y al proponer un juego de encuentros y desencuentros, con mucha semejanza a un sueño, lleva a Alex a un verdadero complot emocional y a perderse en sentimientos contradictorios. Una historia relatada por cada uno de manera diferente, en la que pretenden encontrar su propia verdad.

Los sucesos que se narran en esta película danesa suceden en un día. Su director Christoffer Boe trabajó con su propio guión, y fue protagonizada por Marie Bonnevie y Nikolaj Lie Kaas. Obtuvo la Cámara de Oro en el Festival de Cannes 2003 y esto le valió la admiración por presentar un trabajo sugestivo y elegante, en el que entrelaza lo real con lo fantasioso. En él condensa sus propios esfuerzos por diferenciar la pasión, la confusión y los deseos del amor joven.

DESPUÉS DE LA BODA

La directora de esta película danesa, Susan Bier, se basa en una historia escrita por ella cuyo contenido encierra mucho simbolismo. Altruismo y filantropía parecen ser las claves de su realización. Es un testimonio de amor al prójimo que traspasa las barreras de la manipulación y de lo que compra el dinero. El tránsito de los sucesos que aquí se presentan no se hace por las calles, sino por ese relieve humano que son los personajes que interactúan en este film. Hay un acercamiento tan grande a ellos que nos pone a su lado, penetramos en su interioridad y sentimos la realidad de manera convincente. Al final, sus protagonistas transmiten tanta seguridad que así estén ubicados en contextos diferentes, descubrimos en ellos valores que logran opacar sus terribles defectos y dar un cambio positivo a su rol.

Jacob (Mads Mikkelsen) es un empleado de un orfanato pobre de la India, entregado a su labor con los niños de escasos recursos y quien debe buscar la forma de subsidiar la alimentación y las necesidades básicas de miles de infantes que está a punto de fracasar. Jorgen (Rolf Lassgård ) es un multimillonario hombre de negocios  que reside en Dinamarca y quiere hacer una donación a la obra de Jacob. Por lo tanto, lo invita a su país y aprovecha la boda de su hija Anna para acercarlo a su hogar y hacerlo partícipe de este acontecimiento. Todo parece normal, pero muchos sucesos entran en juego al llegar Jacob a esta familia y descubrir una extraña cercanía con sus integrantes. Se abren heridas y se conocen verdades inesperadas que resultan difíciles de aceptar. Esto alterará sus planes de regresar pronto a la India y estar cerca del corazón de Pramad que pide a gritos su retorno. También de su comunidad que al parecer necesita de su presencia para salir adelante y poder sobrevivir.  

Nominada al Oscar por Mejor Película Extranjera en el 2007, Después de la boda muestra las diferencias abismales entre los países ricos y pobres, y sobre todo se detiene a analizar dilemas morales y éticos, el papel de la paternidad, la intimidad de la vida familiar, y esa interrelación entre las dinámicas internas y externas. Una narración centrada en secretos familiares invadidos por problemas y rencores que logran develarse y sobrepasar la barrera del odio para buscar un reencuentro positivo entre el pasado y el presente. Al final, surgen esos sentimientos necesarios para sanar heridas y para aprovechar el tiempo que queda por venir.  Y no basta con lo que hacen o lo que dicen sus personajes. Cuenta también con la ayuda de la cámara para profundizar en sus emociones, recurriendo al cruce de miradas, a silencios reveladores, y a esos acercamientos permanentes a los ojos, a las manos, a la boca, y a la piel de los protagonistas. De igual manera se acerca a las hojas marchitas y a la mirada de los animales disecados. Una cámara que termina siendo cómplice del deseo de conocer la verdad y de buscar la solución a los conflictos.

CÓDIGO ENIGMA

“A veces la gente de la que nadie puede imaginar nada, hace cosas que nadie puede imaginar” Alan Turing

 

“¿Sabes por qué a la gente le gusta la violencia? Porque la violencia se siente bien. La encuentran profundamente satisfactoria” A. Turing

 

 

Interesante ver cómo el misterio del mundo se descubre entre números y palabras, y cómo la mayor oportunidad para el desarrollo de la ciencia es la guerra. Una vez más, la ciencia y la guerra unidas en la carrera del hombre hacia la conquista del futuro. Una tarea ardua es la que realiza Alan Turing –un célebre matemático, científico y pionero de la computación- con un grupo de científicos que tiene como objetivo controlar la Segunda Guerra Mundial, hasta el punto de lograr acortarla dos años. Esto salvó la vida de 14 millones de personas y dio las pautas para la aparición del invento que ha revolucionado la vida moderna, el computador. Poco sabíamos de Alan Turing puesto que una vez termina su trabajo con la máquina Enigma es condenado por su homosexualidad. El gobierno británico le quita todo su poder y lo calla, sometiéndolo durante años a una terapia inhibitoria de castración sexual. Mucho tiempo después de su muerte –en 1954 cuando se suicida a los 41 años-, la reina Isabel de Inglaterra le da la absolución post mortem. Es el año 2009 y apenas empieza a reconocérsele su inmenso valor en la ciencia moderna.  

The imitation game es el nombre original de esta película inglesa del año 2014, dirigida por Morten Tyldum y basada en la biografía de Alan Turing, conocida como El enigma, de Andrew Hodges. Acaba de ganar el Oscar 2015 como mejor guión adaptado y estuvo nominada a mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz de reparto, mejor diseño de producción, mejor montaje y mejor banda sonora. Turing (Benedict Cumberbatch) se presenta en el ultrasecreto Cuartel General de Comunicaciones del Gobierno del Reino Unido, con la intención de ayudar a descubrir en tiempo rápido, el código secreto de los alemanes que lideraban la Segunda Guerra Mundial. Era necesario vencerlos, pero imposible de lograrlo. Solo una mente brillante, como la de Turing, podía hacerlo. Sin embargo él, de mente ágil e imperturbable, carece del sentido del humor, y es una persona obsesiva, poco sociable y a veces arrogante. Inicia entonces su trabajo con un equipo de inteligencia que él mismo selecciona, entre el que se halla una mujer. Ella, Joan Clarke (Keira Knightley) supera a sus compañeros en la prueba de selección y se convierte en la amiga de Turing. Todos juntos enfrentan las dificultades que supone el manejo de Cristopher, la máquina Enigma de la Alemania Nazi. Mucho será su trabajo y grande su alegría al hallar la clave. Todo volverá a la normalidad y en completo secreto. Sin embargo, se filtra información sobre una relación homosexual que cambia la vida de este genio.

Otro símbolo del acoso injusto a los homosexuales, con un mensaje humanitario que condena la homofobia. También resalta el valor de la mujer, dándole un rol sobresaliente en un equipo de hombres –a pesar de la época y del concepto machista sobre su papel–, y pone en entredicho el pensamiento de las máquinas ya que éstas “piensan”, aunque “de manera diferente”. Valiosa la fidelidad histórica de este film de 114 minutos que se ubica en locaciones reales como el colegio de Turing y el sitio donde este genio realizó su gran hazaña.

 

LA TEORIA DEL TODO

"No importa lo difícil que pueda parecer la vida. Siempre hay algo que puedes hacer y tener éxito. Mientras haya vida, habrá esperanza".  (Stephen Hawking)
 

Mucho se ha hablado del célebre astrofísico y cosmólogo Stephen Hawking por su enorme aporte a la ciencia de los tiempos modernos y el inmenso poder de su mente brillante. Esto contrasta con su discapacidad física de grandes proporciones hasta el punto de ser diagnosticado por los científicos de los años 60, cuando su enfermedad pareció aislarlo del mundo, de padecer una esclerosis lateral amiotrófica E.L.A. En otras palabras, significaba vivir tan solo dos años más, o sea llegar apenas a los 22. Sin embargo, acaba de cumplir 72 y todavía sorprende a los científicos con sus teorías y la capacidad de vencer todos los pronósticos. ¿El secreto? Parece que lo encontramos en esta película inglesa del año 2014, dirigida por James Marsh y ganadora del Oscar al mejor actor (Eddie Redmayne) en el presente año. Recibió muchas otras nominaciones como mejor película, mejor actriz, mejor guión adaptado y mejor banda sonora. Además de una larga la lista de otros premios y nominaciones.

La vida interior de un célebre científico, enriquecida por la dinámica familiar que se teje a través de su esposa, es el centro de esta película basada en las memorias de Jane Hawking. En ella, Jane (Felicity Jones) brinda a Stephen el mejor ambiente para desarrollar su ciencia y creer en él. No fue fácil para la estudiante de arte de la Universidad de Cambridge, la joven bonita y enamorada, enfrentarse a la situación de su novio, pero lo amaba inmensamente y tenía la certeza de ayudarlo y ser feliz a su lado. Así que contraen matrimonio y viven juntos 30 años desafiando las expectativas científicas y personales, y creciendo como pareja en una familia con tres hijos. La ciencia, el dinero, los recursos y el amor llegan a ser sus acompañantes. Juntos vencen todas las dificultades que una enfermedad degenerativa como la que padece Stephen puede causar. A pesar de ello, lo vemos manifestando un profundo respeto por su familia, muy humano y colaborador. Todo un ejemplo de inteligencia, ingenio, buen humor y tenacidad en el que prima la libertad hasta convertirla en un estado mental. Su proceso físico ha sido devastador, pero su capacidad intelectual ha superado todos los pronósticos. Mientras tanto, Jane que luchó sin tregua por su esposo, no pierde su identidad y sigue adelante con sus propios deseos.

Interesante su puesta en escena con un mosaico colorido de recursos. Un verde nebulosa parece ser la clave estética de esta película, además de otros cambios de colores y mucha textura en la iluminación. Vemos en ella cómo el tiempo se puede retroalimentar hacia adelante y hacia atrás, como en un feedback que permite recordar la vida de este científico y reafirmar su teoría. Se acompaña también de la música de Wagner que ayuda a darle ese toque de intensidad e inspiración.
 

MILK

 Yo nací con unos padres heterosexuales y tuve profesores heterosexuales, en una sociedad ferozmente heterosexual... ¿Por qué entonces soy homosexual?

 

 Pido que el movimiento continúe, porque no se trata de la ganancia de una persona, ni del ego, ni del poder... es por nosotros. Y no sólo los gay, negros, asiáticos, ancianos, discapacitados... nosotros... los sin esperanza... que nos rendimos y no podemos vivir solos. Pero sin esperanza no vale la pena vivir. Así que tú, y tú y tú tienes que darles esperanza. Tienes que darles esperanza. 

Si una bala entra en mi cerebro que destruya las puertas de todos los armarios. Os pido que el movimiento continué porque no importa el beneficio personal ni el ego ni el poder, solo importa que las minorías estén ahí arriba.

“Mi nombre es Harvey Milk”, como se le conoce en español, es una película estadounidense basada en hechos reales que atiende el tema de la lucha que han dado los homosexuales para ganar sus derechos. En este caso, se centra en la historia del primer gay elegido en los EU para ocupar un cargo público en la Junta de Supervisores de San Francisco en 1977. Llegar allí no ha sido fácil para Harvey Milk. Él, un tipo carismático, agradable y expresivo no puede soportar tanta represión. Debe revalidarse ya que necesita mostrarse para que la sociedad lo acepte. Por ello, ha debido salir del clóset a sus 42 años, dejar su empleo y huir a un barrio de San Francisco donde inicia su lucha política a favor de los derechos de los gays. Será rechazado por su orientación sexual, dará la cara al recelo y a las amenazas de un buen número de norteamericanos y se ganará la enemistad de los políticos cercanos y artistas del momento. Sin embargo, logrará despertar entre sus seguidores ese sentimiento de igualdad y de búsqueda de los derechos vulnerados hasta poder representarlos en un puesto público. Animará entonces a los gays y lesbianas a que revelen su opción sexual en su trabajo, en sus hogares, en su grupo de amigos porque no deben aceptar más discriminación y deben empezar a existir. En sus marchas e intervenciones públicas hablará de la necesidad de vivienda, empleo, educación y esperanzas de un futuro mejor. Su voz no dejará de oírse, así sea acallada por los enemigos cercanos en los gobierno.

 

No ha sido fácil abrir este camino en la sociedad moderna y hacer historia. Ha sido difícil poder ganar derechos donde la homosexualidad ha sido considerada como una enfermedad mental, tratada incluso con electrochoques, y vista como una anormalidad o depravación del ser humano. Por fortuna, aparecen seres como Harvey Milk que llegan a ser abanderados de una generación que los mira con otros ojos, más abiertos a la tolerancia y a la comprensión. Porque no solo defendió a los homosexuales, sino también a otros grupos minoritarios buscando siempre la igualdad de derechos y la oportunidad para todos. En la actualidad, el nombre de este héroe aún resuena. Se necesitan personajes como él en muchos ámbitos de nuestra sociedad que todavía sufre el hostigamiento y la animadversión hacia los homosexuales. Es marcado el número de suicidios por esta causa y de quienes aún, de forma clandestina, manifiestan sus preferencias sexuales.

En 128 minutos, Gus Van Sant logra impactar con esta cinta que tuvo ocho nominaciones a los Oscar del 2008, y los premios a mejor actor y mejor guión original. Sean Penn es su protagonista con una destacada actuación cargada de humanismo y emotividad, incapaz de dejar indiferente al espectador. La película fue filmada en San Francisco en su totalidad y algunas escenas fueron grabadas en los lugares originales de la historia.
 

NUESTRO CUARTO ANIVERSARIO

No podría empezar las reseñas de las películas que vamos a disfrutar en este 2015, sin hacer un comentario sobre NUESTRO CUARTO ANIVERSARIO.

Increíble la constancia de nuestro grupo y la dedicación de cada una de nosotras a este programa que sigue en pie y se sostiene  con ligeras variaciones. Dejamos "la casa de Caticas" que siempre nos albergó con calidez y confianza y pasamos este año al Centro Colombo Americano donde su directora, nuestra amiga Clara Lucía López, nos abrió las puertas sin condiciones y dispuesta a colaborarnos en todo momento. Gracias a ellas, podemos decir que el CINECLUB SALAMANDRAS vive y sigue siendo ese espacio cultural que podemos disfrutar en nuestro tiempo libre.  Gracias también a todas por permitirnos este encuentro semanal, y gracias a Rodrigo y Juana por seguir liderando esta actividad con profesionalismo y sincera amistad.

DE HOMBRES Y DE DIOSES

¿Deben quedarse o irse los monjes cistercienses que mantienen una relación cordial con la población musulmana, pero que son amenazados por un grupo de fundamentalistas islámicos? Este reto se lo plantean ocho monjes laboriosos y disciplinados que viven en un monasterio ubicado en las montañas de Magreb, Argelia. Saben que cuentan con la protección del ejército, pero la rechazan. Descubren la amenaza que los circunda, y algunos hasta piensan en huir, pero finalmente todos optan por quedarse. Establecen lazos de unión con quienes viven a su alrededor, los apoyan y hasta les ofrecen sus servicios médicos. Sin embargo, no tienen otra elección que resistir. Terminan entonces siendo víctimas de los islamistas que siembran el terror en el territorio musulmán.

 

Ganadora del Premio del Jurado en el Festival de Cannes y con tres premios Cesar en el 2010, por mejor película, actor secundario y fotografía. Fue nominada al Oscar como mejor película extranjera. Un film basado en el libro de John W. Kiser en el que revive los hechos sucedidos en Argelia a los monjes del Tibhirine (Argelia), durante tres años que duró su secuestro -desde 1993 hasta 1996-. En 120 minutos Xavier Beauvois, su director francés, y con un reparto de oro, nos plantea la lucha interior que viven quienes son amenazados permanentemente y deben explorar entre el miedo y la decisión. Una lucha que se intensifica en quienes mantienen esa relación especial con Dios, ese ser poderoso a quien le comunican sus dudas y temores, y es testigo de su soledad y de su abandono. Sin fanatismo religioso, están dedicados al cultivo de la tierra y a la oración y deben tomar la opción de la paz y de la serenidad. Les cuesta asumirla, por cuanto cada uno de los monjes posee un carácter diferente con motivaciones e impulsos propios, y entran en desconfianza con la figura de Dios que parece no escuchar sus súplicas. Al final alcanzan tal desprendimiento que terminan viviendo como una familia y asumiendo las características de ecuanimidad y fortaleza del líder del grupo. Encuentran dominio en el diálogo y la convivencia, en la fe y el amor. Han crecido como grupo y ahora sí pueden enfrentar los dos fuegos, el ejército y los terroristas, porque se sienten dominados por la fe, principal arma para buscar la paz y enfrentar el miedo. Instantes conmovedores acompañan los últimos momentos de esta película cuando se reúnen todos a celebrar lo que presienten será una despedida.

 

Una puesta en escena muy sobria, cargada de tonos grises y blancos y del silencio del convento, e iluminada con la luz de las velas, lo que contrasta con la belleza natural del paisaje. Un paisaje argelino en el que dominan las ovejas -símbolo del rebaño verdadero- y la niebla que termina cubriendo la imagen de los protagonistas cuando estos se retiran a las montañas. Un film con un profundo mensaje humanista.
 

“La vida y la muerte de los siete hermanos de Atlas es un testimonio que no puede ser olvidado. ¡Que ni la diplomacia, ni la política, ni una mirada carente de trascendencia sobre estos acontecimientos vaya a privarnos de la voz de nuestros mártires ni acalle el clamor de ese grito de amor y de fe!”



 



SECRETOS DE ESTADO

"La lealtad es la única moneda confiable"
 

 

Esta frase enmarca el sentido de la película del año 2011 The Ides of March o Secretos de Estado donde desaparece toda muestra de lealtad para dejarnos ver un espectáculo de magia dominado por el ego y la vanidad. Un juego perverso que tiene como protagonista a la política con su discurso prefabricado, buscando acaparar cada vez más adeptos y sin darle la más mínima importancia al electorado, a los ciudadanos de un país. Porque no importan los medios, lo importante es el fin, como lo decía Maquiavelo en su famosa frase “El fin justifica los medios”. Y no hay temor, ni arrepentimiento por haber actuado contra principios éticos, lo único que interesa es llegar triunfante a la meta. La corrupción y el fraude hacen su aparición a nombre de un partido o de un programa político en época electoral, así aparezcan los medios de comunicación con su papel fiscalizador. Porque los jueces juzgan y condenan sin compasión, pero muchas veces se involucran en estos juegos de poder que terminan acaparándolos y confundiendo su preparación ética. Desaparece entonces la lealtad, esa moneda confiable cuyo nombre se desconoce en la mayoría de los ambientes donde el hombre ansioso de poder hace su aparición. ¡Hasta donde llegamos los seres humanos por el poder!

Esta película es la caricatura de una campaña política a la presidencia de los Estados Unidos, instaurada en el año 2004 por el candidato demócrata y gobernador de Pensilvania Mike Morris, representado por George Clooney quien es también su director. Su protagonista Stephen Meyers (Ryan Golsling) es uno de sus asesores y el jefe de campaña es  Paul Zara (Philip Seymour Hoffman); ambos trabajan para la elección de este político que se enfrenta a un candidato republicano. En ellos domina el afán de ganar. Los discursos y promesas se adecúan al sentir de la gente representando sus intereses, y las palabras empleadas tienen la fuerza de quien las vive y las expresa realmente. Poco interés despierta si lo prometido se cumple, y los políticos y amigos que dan su apoyo solo buscan retribución. Se hace lo que sea con tal de ganar, así prime lo incorrecto, y se enloda una campaña para seguir con el juego sucio de la política. Es el caso del protagonista Stephen Meyers que se olvida de su carrera y sigue con sus ambiciones de poder, haciendo caso omiso a la palabra prometida, a la verdad y a los valores de la vida.  
 

HAPPY, un documental sobre LA FELICIDAD

Partimos de la frase con la que nos identificamos -“La felicidad no es una meta a la que se llega, sino una manera de viajar”-  para iniciar nuestro foro sobre el documental Happy. Su director Rocko Belic hace un viaje a los cinco continentes donde busca el secreto de la gente para ser feliz y explora en las entrañas de ella esa clave que los hace felices. En 76 minutos y pasando por el desierto de Namibia, las montañas de Bután, los barrios pobres de Calcuta, las playas de Brasil y los pantanos de Louisiana, Belic despierta nuestro interés por esas historias de personas sencillas que desafían la vida gozando el milagro de vivir.

Un bello trabajo que nos invita a jugar, a disfrutar de nuevas experiencias y aprovechar lo que tenemos. Es cierto que la vida nos presenta problemas y adversidades, pero también nos regala la capacidad para enfrentarlos y recuperarnos. La clave es hacerlo con valentía y rapidez. Muy valioso también es la presencia de amigos y familiares cercanos. Ellos son el mejor apoyo en las dificultades, con ellos funcionamos mejor y somos más productivos. El hecho de estar juntos alimenta esos deseos de cooperación, solidaridad, generosidad y bondad.

Ser felices es una disciplina que apunta a estar agradecidos con lo que poseemos, a buscar las cosas positivas de la vida, a encontrar esa paz interior que tanto buscamos. “Uno elige ser feliz” y poco importan las posesiones materiales o los muchos clichés que se inventa la gente en su día a día hasta el punto de darle más valor a lo que se tiene que a lo que se es. Importa sí ese deseo de ayudar a los demás, que se traduce en un ayúdate a ti, como lo expresó San Francisco de Asís cuando dijo “dando recibo”. Todo un llamado a encontrar felicidad en uno mismo. Una situación contagiosa que se extiende al ambiente en el que nos movemos y  a los seres queridos que nos rodean.

¿Qué nos hace felices? No podemos abandonar este cuestionamiento. Vale entonces la pena tener siempre presente este documental que intenta darle sentido a la vida.
 

LAS VENTAJAS DE SER UN INVISIBLE

“Aceptamos el amor que creemos merecer”
 

"Quiero alguien que me ame por lo que soy y no por lo que parezco ser"

“Somos lo que somos por muchas razones… No podemos elegir de dónde venimos, pero sí podemos elegir a dónde ir”

“Hay gente que ha olvidado qué es tener 16 cuando tiene 17”

“En ese momento en el que sabes que no eres una triste historia, estás vivo. Y te paras y ves las luces en los edificios y todo lo que te hace maravilloso. Y estás escuchando esa canción con la gente que más quieres en este mundo. Y en ese momento juro… Somos infinitos”
 

Con cierto tono nostálgico pudimos apreciar esta película que muestra a la juventud en su efervescencia, con ese romanticismo y esa pulsión de vida que dan las primeras experiencias y cambios propios de la adolescencia. Aparecen también los problemas exclusivos de esta época marcada por las dificultades para ser aceptado por un grupo, por esa exploración del mundo que muchas veces genera preocupación en los padres y adultos, por ese manejo de la sexualidad que exige educación y por ese deseo de libertad que traspasa las fronteras de la normalidad y muchas veces genera caos y autodestrucción. Todo esto sin olvidar el bullying, el abuso sexual, la homosexualidad, el alcohol y las drogas que siempre ha existido en las relaciones entre los jóvenes y que atentan contra su sano desarrollo. En otras palabras, esta película cuestiona los valores presentes y pasados y nos acerca a la realidad de una etapa de la vida que debe ser mirada con atención para evitar heridas que marcan el crecimiento y dejan profundas huellas. La búsqueda de un diálogo sincero es el centro de esta reflexión. Deja ver el gran valor de la amistad y del libre desarrollo de la personalidad, que lleva hasta el pensamiento de “vivir el aquí y el ahora para ser infinitos”. Muy válida entonces esa educación en lo afectivo, en lo emocional y en lo social que con la ayuda de un arte puede canalizar esos sentimientos negativos que aquejan a muchos jóvenes. En esta película, es precisamente la literatura ese pretexto para encontrar la liberación con la ayuda de la palabra y de un maestro noble y consagrado a su labor; sin olvidar la presencia de unos padres y hermanos, un apoyo valioso en esta dura tarea de crecimiento y madurez;  teniendo además como brebaje salvador al valor de la amistad.

Charlie es un joven tímido e inseguro que acaba de perder a su único amigo, a quien le escribe cartas donde le habla de su soledad, de los traumas vividos en su infancia, de su incapacidad para establecer amistad con otros chicos, y le comparte sus lecturas pues le encantan los libros. Ingresa al primer año de preparatoria donde es ignorado por sus compañeros y se comporta como un ser marginado. En su afán de aceptación se une a dos jóvenes populares Sam y Patrick, quienes lo ayudan a salir de su encierro. Con ellos vive cantidad de experiencias, comete errores que lo frustran, pero aprende de ellos y gana puntos en su descubrimiento del mundo. Se enamora de Sam sin atreverse a confesarlo. Puede experimentar el mundo de quien está loco de amor y sufrir decepciones porque no es él el elegido por ella. A su vez, su profesor de literatura descubre las habilidades de Charlie en esta área, comparte sus libros con él y se convierte en su apoyo durante su estancia en el colegio, al tiempo que le suscita los deseos de convertirse en escritor. Son innumerables las experiencias que vive este joven y que le ayudan en su formación porque cuenta con unos padres sensatos que le dan libertad, pero están atentos a sus llamados de auxilio.

Stephen Chbosky es el guionista y director de esta película del año 2012 basada en su misma novela que colmó las ventas en los Estados Unidos. Un buen elenco hizo posible transmitir la problemática adolescente y despertar interés en los espectadores, sobre todo en los más jóvenes. Vale la pena resaltar el valor de la música empleada que acentúa el ambiente descrito en la pantalla y conmueve al público espectador.
 

THE MASTER

LANCASTER DODD: - Nosotros no pertenecemos al reino animal. Somos criaturas muy distintas. Nos erigimos como espíritus, no como bestias. Tú no eres presa de tus emociones. No solo nos es posible, sino fácilmente alcanzable que prescindamos de todo impulso emocional negativo devolviendo así al hombre a su inherente condición perfecta. El hombre no es un animal.

 

LANCASTER DODD: - Parece que ha viajado mucho.
FREDDIE QUELL: - Es la única forma de llegar a un destino

 

 LANCASTER DODD: - ¿Libertad y ausencia de tiranía para ti? Freddie… marinero de los mares. No pagas alquiler. Eres libre para ir adonde quieras. Pues, vete. Alcanza esa libertad sin tierra y buena suerte. Pues, si descubres una forma de vivir sin servir a ningún maestro, sea cual fuere, cuéntanos a los demás cómo lo lograste. Pues serías el primero en la historia del mundo.

 

 

De ritmo hipnótico y de mucha reflexión, esta película nos ubica en la América de la posguerra de los años 50, cuando los excombatientes de la guerra del Vietnam intentan adaptarse a la sociedad y enfrentan enormes dificultades para llegar a ella. Difícil salvarlos de la infinidad de traumas que traen consigo y de su desconexión con el mundo civilizado, lo que se convierte en terreno abonado para el ingreso a religiones que los masifican e intentan en vano satisfacer esa necesidad humana de encontrarle sentido a la vida. Y como hay soledad, vacío interior y desorientación, no es posible hallar esa respuesta dentro de ellos mismos; esperan entonces un salvador. En este caso aparece un maestro que manipula  a gente vulnerable y a través de sus creencias y de la hipnosis hurga en el interior de ella e intenta tomar la rienda de sus vidas. ¿Será posible llevarlos a la normalidad después de haber estado en un campo batalla dedicados a matar a nombre de su país?  

Esta situación la vive Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un veterano de la segunda guerra mundial que llega a su país como un ser inadaptado, reacciona violentamente ante el menor estímulo, sufre de alcoholismo y se muestra obsesionado con el sexo. En una de sus correrías, tras muchos empleos y problemas en ellos, aborda un barco donde encuentra un grupo de seguidores de la cienciología y allí conoce a su líder, Lancaster Dodd (Philip Seymour Hoffman), promotor del movimiento filosófico denominado La Causa. Este carismático maestro entabla amistad con Freddie, conoce sus locuras, su agresividad y sus traumas del pasado, e intenta, por todos los medios atraerlo a su grupo. Sabe de la imposibilidad de encontrar una respuesta a su terrible desazón, pero le urge conquistarlo para dar fe de la validez de sus métodos. Entre sus ideales está la promesa de paz y de darle sentido a la vida combatiendo la ignorancia ya que sus seguidores son diferentes y no pertenecen al reino animal, tampoco pueden estar presos de sus emociones y sus espíritus viajan en el tiempo para tener acceso a vidas pasadas. Freddie es su principal reto y su más terrible lucha es la conquista de este personaje indomable y autodestructivo que cada vez exhibe sus deseos más desenfrenados y aparece más desubicado. Sin embargo, Freddie no desconoce su renovada capacidad de asombro y la intensa búsqueda de su libertad lo que lo llevará a desconfiar de su amo y a poner en duda la inestabilidad de esta relación.  

Paul Thomas Anderson es el director, coproductor y escritor de esta cinta estadounidense de 2012, muy valorada en el mundo cinematográfico. Impacta su temática, su música, su fotografía y el desempeño actoral. Obtuvo tres nominaciones a los Premios Oscar y a los Globos de Oro (mejor actor principal y mejor actor y actriz secundarios) y muchos otros premios como el Festival de Venecia en la categoría mejor actor principal y secundario. Está inspirada en la historia del fundador de la cienciología, L. Ron Hubbard, y en relatos que Jason Robards contó al mencionado director sobre su vida de bebedor en un barco de guerra. Una película que nos ofrece un profundo “análisis del comportamiento humano, de sus limitaciones, frustraciones y anhelos”.
 

J. EDGAR

“La información es poder”

“El amor es la mayor fuerza de la tierra, mucho más perdurable que el odio... o las antinaturales divisiones de la humanidad”

“La mismísima esencia de nuestra democracia radica en la creencia en el valor del individuo, en que la vida tiene un significado que trasciende a cualquier sistema creado por el hombre”


 

     “Salvé a este país de una invasión bolchevique, he librado a este país de los radicales, capturé a Ametralladora Kelly, maté a Dillinger, capturé a Karpis, condené a Hauptmann. Y cuando con mi último aliento quiero volver a salvar al país, ¿me premian con un retiro forzado? No pienso rebajarme ante este hombre, y el mero hecho que me lo sugieras hace que cuestione tu lealtad”. 

Está basada en la historia de J. Edgar Hoover, director del FBI por 48 años (1924-1972), quien sobrevivió a ocho presidentes estadounidenses y logró convertirse en el hombre más poderoso de esta nación americana. Enfrentaba todo lo que se oponía a su forma de pensar, pues lo más importante para él era alcanzar sus metas y combatir el crimen buscando la protección de su país. Fue tan marcado su impacto en el gobierno que transformó las instituciones, persiguió el comunismo y dejó la impronta de funcionario ultraderechista, xenófobo y perseguidor de los artistas. Su personalidad psicorrígida, compulsiva y perfeccionista lo mantuvo tantos años en el poder hasta el punto de morir en él, pues ningún gobernante se atrevió a retirarlo. Muchas veces fue contra las reglas y las normas establecidas logrando vulnerarlas para satisfacer sus deseos y conseguir la aclamación de muchos de sus conciudadanos que lo consideraron un  héroe. Ante sus adversarios se ganó el respeto, invadido de temor. Supo entonces cómo manejar a las masas y utilizar la información que poseía para dominarlas y ejercer control hasta de los líderes más destacados. Por ello, el FBI se convirtió en la institución más poderosa y de mayor influencia en la historia de los Estados Unidos.

Protagonizada por Leonardo Di Caprio que realiza un excelente papel, representando de manera alterna a J. Edgar Hoover joven y viejo, con un maquillaje que sorprende y convence. Su director y productor Clint Eastwood hace una película que matiza mucho el manejo del poder y en términos generales refleja una buena imagen de este hombre contradictorio y abanderado del FBI. Sus personajes más cercanos sobresalen también por su caracterización como su secretaria Helen Gandy (Noami Watts), su compañero Clyde Tolson (Armie Hammer) y su madre Annie Hoover (Judi Dench), las únicas tres personas que pudieron llegar a su intimidad. Fue nominada a los Globos de Oro por mejor actor dramático (DiCaprio) y está catalogada por la National Board Review y el Instituto de Cine Americano como una de las diez mejores películas del año 2011.  

 

HISTERIA

 

Un estudio sobre el manejo real de la sexualidad femenina a finales del siglo XIX es el tema de esta película. Tanya Wesler, su directora, incursiona en este asunto a través de una historia de amor entre el doctor Mortimer Granville, un joven estudioso de dicha sexualidad y  Charlotte, una feminista abanderada de los derechos de las trabajadoras. Es la época victoriana de Inglaterra, cuando aparece Granville en el consultorio del más reconocido terapeuta, el Dr. Dalrymple, encargado de tratar una epidemia que aqueja a un sinnúmero de mujeres adineradas. Allí acudían buscando solucionar, con masajes manuales en sus genitales, los males que las afectaban y que se manifestaban en variados síntomas, lo que ellos erróneamente le asignaban el nombre de “histeria”. Insatisfecho, el joven médico es despedido de este sitio y en sus prácticas médicas que continúa al lado de su amigo Lord Edmund St. John-Smythe, logra crear un mecanismo que reemplaza el trabajo de sus manos por un aparato eléctrico, conocido como vibrador. Las mujeres no son histéricas, lo promulga claramente este médico quien termina reconociendo la causa de esta insatisfacción femenina. Aparece entonces la curación adecuada a los problemas psicosomáticos femeninos tan comunes en una época conservadora en que las mujeres estaban confinadas en sus hogares, atendiendo solo a las demandas masculinas, y su sexualidad era manejada solo por ellos. De igual manera, se empieza a hablar de la unión de las mujeres, de su derecho al voto y del acceso a una educación semejante a la de los hombres.

El respeto por la diferencia es el mensaje de esta película. Está claro que las mujeres y los hombres son diferentes en su sexualidad y que se ha avanzado en este concepto. Es cierto que ha habido una evolución, que la mujer ha dejado de ser ese ente receptor para convertirse en sujeto activo con demandas y oportunidades, pero aún se percibe sumisión. Extraña verlas humilladas y golpeadas, víctimas del machismo y del dominio masculino, en ambientes donde ella también aporta y está capacitada para tomar decisiones que no atenten contra su dignidad. Una especie de insatisfacción y de poca educación en el manejo de su sexualidad les ayuda a asumir este papel denigrante, ajeno a todo concepto de liberación y de autonomía. Y es que detrás de una insatisfacción sexual debiera aparecer la palabra como medio de acercamiento y de búsqueda de una solución entre la pareja. Porque es la palabra ese aliciente que ayuda a provocar ese encuentro entre dos y hacer de este una verdadera unión.

Valioso el trabajo de esta película cargada de humor, con un vestuario y una escenografía muy adecuados a la época.
 

CELEBRACIÓN

Todo un tratado para un estudioso de la psiquiatría es esta película. En ella podemos ver una carga de conflictos psicológicos que se generan en una familia de clase acomodada, carente de valores de integración e interesada solo en las apariencias sociales. Una farsa en la que dominan las actitudes hipócritas y cínicas, sin respeto por el otro, sin diálogos sinceros e invadida de rostros fríos, ajenos a la sonrisa. Dominan las relaciones tormentosas que parecen evadirse en una capa de oscuridad que se extiende al ambiente donde no vemos claridad, ni definición en las imágenes. La única luz aparece al final donde hay un manto de verdad que puede visualizarse gracias a la presencia de la palabra y a la memoria guardada en el tiempo. Termina así un silencio custodiado por años y con valentía se despojan las máscaras de quienes han sembrado el miedo, la mentira y la violencia en esta familia. El entorno tenso, presente también en los espectadores, llega a su fin.

El padre de la familia Klingenfeldt, miembro de la alta burguesía de Dinamarca, llega a los 60 años y todos sus parientes y amigos se reúnen para celebrarlo en una de sus mansiones. Sus tres hijos también acuden y uno de ellos, Christian, aprovecha para descubrir ante todos los asistentes verdades ocultas en el seno familiar por muchos años. Impacta su empeño como hijo mayor, por dar a conocer el trato que él y Linda, su hermana gemela, recibieron de su padre cuando eran niños, igualmente los motivos que llevaron a ésta a quitarse la vida en fecha reciente. Lo hace de manera fragmentada e interrumpida a través de un brindis, en tres ocasiones durante la cena y resulta duro enfrentar al padre ante todos los invitados, pero necesita mitigar su dolor y liberarse de esta carga que lo ha mantenido alejado de la familia por años. Una película de 105 minutos, escrita y dirigida por Thomas Vinterberg y ganadora de varios premios entre ellos, el Especial del Jurado en Cannes y el de Mejor Director en Gijón en 1998. Su director danés explicaba -en esta época- la intención de hacer películas filmadas en ambientes naturales, con cámara al hombro, sin música especial, sin trucos ni filtros, y con sonido directo. Condiciones o normas estrictas que buscaban describir la realidad de manera fiel, resaltando la verdad profunda en cada relato.
 

“…. Era mucho peor cuando papá se bañaba. Más inquietante, no sé si lo recordáis, pero papá siempre estaba bañándose y siempre que lo iba a hacer nos cogía a Linda y a mí y nos llevaba con él a su despacho, porque antes de darse un baño, mi padre, corría un cerrojito, cerraba las cortinas y encendía una lamparita, entonces se quitaba la ropa y nos decía que hiciésemos lo mismo. Luego nos tumbaba en un sofá de color verde que ya no existe y nos violaba: utilizaba sexualmente a sus hijos pequeños”.
 

EN BUSCA DEL DESTINO

 

“Elegimos a quienes dejamos entrar a nuestro corazón”

No podíamos dejar pasar la oportunidad de recordar alguna de las películas protagonizadas por Robin Williams, fallecido recientemente y a quien consideramos uno de los grandes protagonistas de la pantalla grande. En busca del destino, con guión de Matt Damon y Ben Afleck, obtuvo en 1998 nueve nominaciones a los premios Oscar, siendo ganadora de las modalidades mejor actor y mejor guión. Una vez más encontramos pruebas del talento de este actor y de su gran capacidad para educar con sus interpretaciones. No basta con decir que es una película conmovedora, también está cargada de humor, diálogos interesantes y con un excelente elenco.

Tener una inteligencia superior, sin una estabilidad emocional que impulse al ser humano a  emplear todas sus potencialidades y a descubrir lo que realmente quiere, es lo que descubre el psiquiatra Sean Marguire (Robin Williams) en su paciente Will Hunting (Matt Damon) de 20 años. A su consultorio llega un joven rebelde, agresivo e indisciplinado, que resulta ser la única persona capaz de resolver los problemas matemáticos que plantea el profesor Lambeau en una universidad de Boston. No es uno de sus alumnos, es quien hace la limpieza de este lugar y se atreve a dar respuesta a los difíciles planteamientos en un tablero de acceso a los salones de clase. Sorprendido, el célebre docente, busca a alguien capaz de ayudar a solucionar las dificultades emocionales de Will, mientras él intenta salvarlo de la cárcel. Le ofrece el pago de una libertad condicional, a cambio de que trabaje para él e ingrese a una escuela de matemáticas superior. Difícil será para Sean Marguire incursionar en la mente de este joven, descubrir su vida interna y penetrar en un mundo cargado de sufrimientos y angustias que ambos terminan por compartir y superar. También será de gran ayuda, la joven Skylar que llega al corazón de Will y cambia su visión del mundo, ayudándole a comprender el valor de la vida, más grande que sus conocimientos y su mente brillante.

Un drama emotivo que lleva a la solución de los problemas de un desadaptado social, con la ayuda de un buen psicoterapeuta. No es fácil establecer este vínculo ante el que varios profesionales ya habían fracasado, encontrando finalmente quien pueda aceptar los retos de Will, soportarlos en silencio hasta la humillación, ponerles resistencia cuando es posible y destruirlos logrando vencer todas sus defensas. Sean se convierte en su apoyo y en esa luz que le ayuda a salir adelante. En otras palabras, llega a su paciente estableciendo a su vez, una búsqueda de sí mismo; y así mientras lo lleva a explorar sus vivencias enfrentando sus cargas negativas, descubre que él también como terapeuta necesita liberarse de un pasado lleno de recuerdos por la muerte de su esposa que no ha podido superar. Ambos resultan beneficiados, después de un largo periodo de asistencia psicológica que soporta momentos de abatimiento y desesperación. Tanto terapeuta como paciente logran curar sus heridas psicológicas y se establece una relación que los enriquece. Ahora sí cada uno irá fortalecido a perseguir su sueño.

“Tú tienes un billete ganador y no te atreves a cobrarlo”

 

 

SIEMPRE ESTARÉ CONTIGO

ELOGIO DE LA SOMBRA

La vejez (tal es el nombre que los otros le dan)
puede ser el tiempo de nuestra dicha.
El animal ha muerto o casi ha muerto.
Quedan el hombre y su alma.
Vivo entre formas luminosas y vagas
que no son aún la tiniebla.
Buenos Aires,
que antes se desgarraba en arrabales
hacia la llanura incesante,
ha vuelto a ser la Recoleta, el Retiro,
las borrosas calles del Once
y las precarias casas viejas
que aún llamamos el Sur.
Siempre en mi vida fueron demasiadas las cosas;
Demócrito de Abdera se arrancó los ojos para pensar;
el tiempo ha sido mi Demócrito.
Esta penumbra es lenta y no duele;
fluye por un manso declive
y se parece a la eternidad.
Mis amigos no tienen cara,
las mujeres son lo que fueron hace ya tantos años,
las esquinas pueden ser otras,
no hay letras en las páginas de los libros.
Todo esto debería atemorizarme,
pero es una dulzura, un regreso.
De las generaciones de los textos que hay en la tierra
sólo habré leído unos pocos,
los que sigo leyendo en la memoria,
leyendo y transformando.
Del Sur, del Este, del Oeste, del Norte,
convergen los caminos que me han traído
a mi secreto centro.
Esos caminos fueron ecos y pasos,
mujeres, hombres, agonías, resurrecciones,
días y noches,
entresueños y sueños,
cada ínfimo instante del ayer
y de los ayeres del mundo,
la firme espada del danés y la luna del persa,
los actos de los muertos,
el compartido amor, las palabras,
Emerson y la nieve y tantas cosas.
Ahora puedo olvidarlas. Llego a mi centro,
a mi álgebra y mi clave,
a mi espejo.
Pronto sabré quién soy.

JORGE LUIS BORGES

Valioso el inicio que le dimos a esta película con el poema de Borges y que nos puso a tono con el tema de la vejez. Siempre estaré contigo o Still Mine es una historia de verdadero amor, de aceptación, de entereza y de mucha dignidad combinada con una independencia ejemplar que impide dejarse manipular, a pesar de los años y del intento de intromisión de los hijos. Es lo que vive una pareja de ancianos con un criterio fuerte, deseosa de vencer los pronósticos de la edad madura en la que usualmente se espera que se recluyan en su soledad y acepten la ayuda y compañía de los suyos. Lo hacemos en nuestro medio y buscamos sobreprotegerlos para evitarles problemas.

Admirable entonces la actitud de Craig (James Cromwell) quien a sus ochenta años y con un nivel sociocultural alto intenta construir una casa en la propiedad que él tiene y donde ha trabajado toda su vida. Allí, en los campos de New Brunswick, Canadá, encuentra todos los obstáculos imaginables, producto de las exigencias del mundo de hoy. Ya no puede construir su casa en unas cuantas semanas –como lo hacía antes con su padres- y sin los permisos correspondientes. Él, que vive con su esposa Irene (Geneviève Bujold) desde hace 61 años, es consciente de los cambios de la época, de su edad y que les cuesta ganarse la vida fácilmente, pero vence estas dificultades y asume el reto de salir adelante. Tiene fuerzas, espíritu jovial y el sueño de regalarle una casa a la mujer que ama y que empieza a mostrar signos de demencia, por lo que necesita un espacio más pequeño y de un solo nivel. Posee múltiples conocimientos en las áreas de la arquitectura, ingeniería y geología, y también la sabiduría ancestral y la flexibilidad que le da la experiencia; sin embargo, esto no basta para enfrentar las exigencias  modernas. Presenta entonces una resistencia pacífica y civil frente a la burocracia y a los intríngulis de la institucionalidad que lo obligan a seguir lineamientos de la construcción del siglo XXI. Debe respetar la ley y tiene que acogerse a ella ayudado por el poder de la prensa que hace su aparición para salvarlo y conquistar su reto.

Una película canadiense del 2012 dirigida por Michael McGowan en la que la casa es la representación de la memoria, el símbolo de uno mismo, y la mesa es la vida de la familia.  Ganó diversas nominaciones para los premios canadienses del 2013 y sus protagonistas estuvieron nominados al Oscar en este mismo año. Un mensaje edificante que muestra que la edad no es impedimento para la realización de muchos deseos. 
 

“La edad es una abstracción y no una camisa de fuerza”

“Debe ser muy duro levantarse a diario temiendo tropezarse con su propia sombra"

"Esta es una de las ventajas de envejecer. No te importa mucho guardar las apariencias”

“Nos tenemos el uno al otro, lo demás es ganancia"