DIFRET

EN DEFENSA PROPIA es el nombre en español de DIFRET que en su idioma original significa valor, osadía. Su productora ejecutiva es Angelina Jolie quien demuestra su activismo filantrópico a la hora de apoyar a las personas más necesitadas. En este caso, a las mujeres de Etiopía, víctimas de tradiciones bárbaras, que parecen estar por encima de la ley. Ellas son maltratadas en una sociedad patriarcal donde imperan las condiciones de dureza contra el género femenino. La mujer es captada por su raptor, sin importar la edad, y secuestrada con violencia para hacerla su mujer. Al mismo tiempo existe la ablación en zonas rurales donde la ley no se aplica aún, a pesar de que desde el año 2004 el Código Penal empezó a castigar estos delitos con años de cárcel. No es fácil romper con estas tradiciones y creencias tan arraigadas, y cuesta abrir un espacio de igualdad de derechos promovido por las nuevas generaciones.

Hirut (Tizita Hagere) es una niña de 14 años, procedente de una comunidad campesina de Etiopía de los años 90. Allí  estudia y sueña con salir adelante hasta que una tarde, cuando regresa de su estudio, sufre el ataque de un grupo de hombres a caballo. Es maltratada, secuestrada y violada por uno de ellos.  Sin embargo, aprovecha un descuido de este grupo, coge un arma e intenta huir. De inmediato es perseguida por sus captores y su única solución es utilizar el arma para defenderse. Da muerte a uno de sus raptores y termina siendo encarcelada. Será condenada a la pena de muerte, desconociendo su actuación en defensa propia. Esto se convierte en un atentado contra uno de los ritos tradicionales de su pueblo: “el telefa” o matrimonio por rapto. Por fortuna, llega allí la abogada Meaza Ashenafi (Meron Getnet) que se interesa por las mujeres desprotegidas y ha creado una red de ayuda para ellas. Será incansable su trabajo en la defensa de Hirut. Tendrá que enfrentar las críticas y censuras de representantes de la policía y del Gobierno, y pondrá la ley por encima de ellas.

Su director, Zeresenay Mehari, hace una defensa de la mujer africana en este drama de 99 minutos. A través de la actriz, dramaturga y poeta etíope, Meron Getnet, reivindica los derechos femeninos y rompe con esquemas culturales tan arraigados en muchas partes de este continente. La película ganó en el 2014 el Premio del Público en el Festival de Sundance y en el Festival de Berlín. Fue rodada con gran sensibilidad evitando la crudeza de escenas violentas, con excelente música y un bello paisaje.

LA CHICA DANESA

"Esta película es el retrato de un matrimonio que vive un profundo cambio con el amor como guía". Tom Hooper

La historia de la pintora danesa Lili Elbe es el tema de esta película británica del año 2015, basada en la novela homónima de David Ebershoff. Obtuvo el premio Oscar 2016 por Mejor Actriz de Reparto (Alicia Vikander) y cuatro nominaciones más al mismo premio, incluyendo Mejor Actor (Eddie Redmayne).

Einar y Gerda Wegener son una pareja de pintores daneses que trabajan plácidamente y gozan de su relación. Él se dedica a los paisajes, mientras que el tema de ella son las modelos femeninas. En una ocasión, Gerda debe terminar un cuadro y ante la ausencia de su modelo, es Einar quien posa con ropa de mujer. Él disfruta de esta transformación y se entrega al placer de tocar texturas suaves con formas envolventes que le recuerdan otras épocas de su vida cuando tuvo que frenar sus instintos. Ambos gozan con esta locura y alcanzan el éxito, pues las pinturas encuentran una acogida inesperada. No obstante, es el año 1912, lo que puede afectar su trabajo pues en Copenhague esta historia ya empieza a tener una versión popular. Viajan entonces a París donde se vive abiertamente y encuentran buena aceptación de sus obras. Einar, por su parte, ya no esconde su secreto: es Lili en todas partes quien acompaña a “su hermana Gerda”. Juntos asisten a eventos sociales donde Lili coquetea con oficiales que desconocen su situación. Así, el juego que disfrutaban ambos empieza a resquebrajar esta relación y mayor será el esfuerzo de Gerda quien pierde definitivamente a su marido. Sin embargo, será ella la cómplice incondicional de la transformación de Einar en Lili y lo acompañará en todas las tareas que conlleva este proceso.

Se plasma aquí uno de los primeros casos de operación y cambio de sexo basado en una historia real de comienzos del siglo XX. Sin lugar a dudas, David Hooper, el director de esta película, lo ha hecho con sutileza y elegancia. El juego de travestirse lleva al personaje a descubrir su verdadera naturaleza y con demasiados temores y obstáculos lo acerca a este nuevo rol. Tendrá que caminar por senderos difíciles en los que temerá enfrentarse a una sociedad intolerante que no acepta la diferencia. Así mismo, las vivencias dolorosas por la ruptura con su yo anterior, contrastará con ese positivo hallazgo al final de su conversión. Lili termina siendo motivo de inspiración y orgullo en el movimiento transgenérico mundial, aunque su aporte es mínimo puesto que no podemos olvidar la marcada discriminación y opresión que sufre esta comunidad en muchas partes del mundo. Una producción muy valiosa.

"Soy Lili, vital y he probado que he tenido el derecho a vivir durante 14 meses. Puede que 14 meses no sea mucho tiempo, pero a mí me han parecido una vida entera y feliz".

VIOLETTE

10 de marzo

“El amor es algo que cuando corremos no lo encontramos. El problema del amor es que primero lo tenemos que encontrar en nosotros mismos. Todos conocemos a buenas personas con mala suerte sentimental porque arrastran problemas de autoestima que les impiden relacionarse naturalmente en ese plano. Violette estaba muy marcada por su infancia difícil, por su condición de bastarda. Eso le generó mucho sufrimiento pero al mismo tiempo fue un motor muy importante de su creación. Los escritores suelen ser personajes solitarios porque la escritura requiere un gran compromiso, es un trabajo que aparta del mundo”.  Martin Provost

La soledad y la depresión acompañan a Violette Leduc (Emmanuelle Devos), una mujer sin afecto alguno y con una autoestima totalmente negativa. ¿Cómo salvarla? Su habilidad por la literatura se convierte en su defensa. Después de un pasado doloroso -sin padre, con una madre casi ausente y sin hallar el amor del hombre que la acompaña-, encuentra el mejor escape en sus escritos. Ellos van teniendo éxito en el ambiente parisino de 1960, cuando conoce a Simone de Beauvoir (Sandrine Kiberlain) quien valora y apoya su trabajo. Esta famosa escritora francesa de la posguerra halla riqueza en su mundo interior y le transmite a Violette una imagen positiva de sí misma y del mundo que la rodea. No es fácil lograrlo, pero con el paso del tiempo y de múltiples altibajos, encuentra al fin un verdadero cambio que se traduce en su comportamiento. Mejoran las relaciones con su madre y el hallazgo de una vivienda y un compañero que la ame, le inyectan la energía necesaria para triunfar. Así, la relación entre estas dos mujeres de Saint German de Près será intensa y llevará a Violette a descubrir la libertad en la literatura, y a Simone de Beauvoir, a ayudarla a encauzar su destino y convertirla en una gran escritora.

El director de esta película de 132 minutos, Martin Provost, nos presenta la vida de Violette Leduc, una escritora de la literatura francesa del siglo pasado. Sin ser muy conocida en el ámbito literario, sobresalió por ser la primera mujer que utilizó el género de la autoficción y quien se atrevió a plantear en sus escritos temas como el aborto y las relaciones lésbica, prohibidos en esta época de la historia. Usó la literatura para escapar de una existencia que la aprisionaba y la reprimía; por eso, terminó plasmando sus vivencias, sus emociones y sus temores en novelas como La asfixia y La bastarda, unas de las más importantes. Este filme está construido en siete actos, cada uno de los cuales recibe el nombre de una persona clave en la vida de la protagonista (1907-1972). Una película oscura que transmite la angustia y el desasosiego dominantes de la época. Por eso, es notorio el cambio cuando Violette encuentra al fin lo que la vida le había negado; una verdadera lucha por la dignificación de la mujer. Interesante producción para los amigos de la cultura, la literatura y el despliegue de emociones.

"Todo escritor que cuenta su vida aspira a la sinceridad". Simone de Beauvoir

“La fealdad en una mujer es un pecado mortal. Una mujer bella queda condicionada por su belleza. Una mujer fea queda condicionada por su fealdad”. Violette Leduc

"Incapaces de amarse, son incapaces de amar". Simone de Beauvoir

PELÍCULAS NOMINADAS A MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Empezamos el 2016 en el Teatro CINE ESPIRAL de Manizales, una sala de cine independiente, con los ojos puestos en las producciones nominadas al Oscar de este año, en la categoría de mejor película extranjera. Ellas son:

 EL ABRAZO DE LA SERPIENTE
MUSTANG
SPOTLIGHT 
THEEB
KRIGEN
EL HIJO DE SAÚL

4 de febrero 

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

      Por primera vez una producción colombiana es nominada al Oscar y lo hace como Mejor Película en Lengua Extranjera. Su director Ciro Guerra, junto con su esposa Cristina Gallego, encargada de la producción, enfrentaron el gran reto de desarrollarla en el Amazonas utilizando actores naturales y mostrando una historia autóctona. En ella se encuentran protagonistas valiosos como los indígenas, los exploradores extranjeros, la selva y el río que marcan el destino propuesto de encontrar una planta medicinal llamada yakruna, con poder sanador y mágico. Toda una búsqueda que lleva a los personajes de la cinta al interior de ellos mismos. Para lograrlo, aparece filmada en blanco y negro y hace del río ese camino que se transita en largas canoas, con remos precisos y mucha paciencia.

   Es el caso de Karamakate, su protagonista, un poderoso chamán del Amazonas, quien realiza un viaje lleno de aventuras y sacrificios, pero centrado en las vivencias internas que lo llevan a él y a sus acompañantes al hallazgo de sí mismos. Ellos son dos científicos y exploradores extranjeros que en realidad existieron (el etnógrafo alemán Theodor Koch-Grünberg y el biólogo estadounidense Richard Evans) y recorren el río y la selva con la ayuda de Kamakate –en diferentes momentos- intentando acercarse a su cultura y a los misterios que encierran sus plantas. El espectador termina enganchado con los sentimientos de estos personajes y en conexión con la naturaleza, en un sentido ecológico. Aquí, el río es como una serpiente mítica que abraza a quienes se acercan a esa selva que parece impenetrable pero que hace respetarla y valorarla en toda su inmensidad. Además y muy valioso para la película, es la mezcla de varios idiomas y dialectos que se combinan con las razas que muestra el elenco: europea, americana e indígena. Una historia universal que ha participado en diferentes festivales como el Festival de Cine de Cannes y el Festival de San Sebastián donde logró buena crítica y aceptación por parte del público.


11 de febrero

  MUSTANG

  En un pequeño pueblo, al norte de Turquía, cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años pasan el verano en un jardín paradisíaco de risas y juegos inocentes sobre las olas del Mar Negro con los chicos de la escuela. Sin embargo, la condición de la mujer en el país no tardará en provocar rumores de inmoralidad y escándalo de las jóvenes. Así que sus familiares, a través de la abuela y el tío, deciden hacerse cargo del asunto; esto es, prepararlas y precipitarlas hacia su destino de futuras esposas. (FILMAFFINITY)

      Una película realizada en conjunto por Turquía, Francia y Alemania bajo la dirección de la cineasta turca, radicada en Francia, Deniz Gamze Ergüven. Ella nos da su visión crítica sobre el doloroso proceso que viven las niñas de esa cultura y región para madurar y ser aceptadas en la sociedad. Una historia dramática reflejada en tonos de comedia y mucha calidez para alejarla de la manera usual de contar una realidad absurda, pero todavía arraigada en muchos países. Excelente la actuación de estas cinco hermanas que, a pesar del infierno en que viven, conservan su hermandad y un inmenso amor por la libertad. Aquí se percibe claramente la sensibilidad femenina de su directora: las niñas despliegan sentimientos delicados cargados de emociones que solo una mujer puede manifestar. Y mientras avanza la película, se muestra cómo cada una de las cinco hermanas enfrenta de manera diferente el destino que su familia le depara.


25 de febrero
SPOTLIGHT

    “Spotlight se enfrentó a esa institución que tenía poder, dinero y recursos y demostró a la gente que nadie es intocable”.  Blye Pagon Faust, uno de los productores

   "Esta historia no trata de despotricar contra la Iglesia. Trata de preguntar: ¿Cómo pudo pasar algo así?” Tom McCarthy

Conocida en Latinoamérica con el nombre de En primera plana y premiada este año con el Oscar a Mejor Película y Mejor Guión Original. Revive uno de los casos de pedofilia más nombrados en la iglesia católica a través de las investigaciones del periódico Boston Globe que en el 2003 le mereció el Premio Pullitzer. Con una presentación sobresaliente y brillantemente interpretada, se ubica dentro del género de investigación periodística. Su director y guionista Tom McCarthy afronta un tema espinoso ya que se dirige a quienes abusan y a quienes son cómplices silenciosos de este drama. Un mal que está cerca de nosotros y aparece muchas veces disfrazado de bien.

En esta película un grupo de expertos periodistas del Boston Globe, de la sección Spotlight, son retados por su nuevo director a enfrentar un caso de encubrimiento de pederastia registrado por décadas en los niveles más altos de la jerarquía religiosa de su ciudad. Asumen con interés esta tarea que desata una ola de revelaciones pues los lleva a “rastrear archivos, entrevistar víctimas, contrastar testimonios y luchar contra el secretismo de la Iglesia”. No fue fácil para ellos hablar con las víctimas y abusadores, con mujeres y niños, y con representantes de la iglesia que siempre buscaban limpiar su nombre. Un caso que inundó las portadas de los periódicos internacionales y desató el mayor escándalo por abusos sexuales a menores, en una de las instituciones más antiguas y confiables de Boston. A la vez, impactó por la presencia de este mal oculto en muchas partes del mundo bajo el amparo de los mismos sacerdotes de la iglesia católica. Una dura verdad que produce tristeza y obliga a no cerrar los ojos porque aún continúa.

3 de marzo
THEEB

    Theeb, significa LOBO en árabe, lengua en la que está escrita y dirigida esta película. Naji Abu Nowar la estrenó en el año 2014, en el Festival de Venecia donde ganó el premio a mejor director. Él cuenta que una vez fue al desierto Badya, ubicado en el sur de Jordania, donde se inspiró con su cultura y su estilo de vida. Durante un año, escribió el guión en el mismo sitio y vivió allí con la tribu beduina hasta lograr con su equipo una interesante coproducción entre Jordania, Arabia Saudí, Emiratos Árabes Unidos y Reino Unido.

Está ambientada en el año 1916, en la primera guerra mundial, cuando Theeb de 10 años y Hussein su hermano mayor, que viven en el desierto junto a su tribu, encuentran a un oficial del ejército británico y a su guía solicitando apoyo para una misión misteriosa.  Hussein quiere ayudarlos a hallar el lugar que buscan, un pozo de agua en la antigua ruta de peregrinación a la Meca. Sin embargo, Theeb que teme perder de vista a su hermano, lo persigue hasta alcanzarlo y vive con ellos grandes  desafíos entre las dunas y bajo el sol y la soledad del desierto. Serán víctimas de mercenarios asesinos y Theeb, el héroe de esta contienda deberá enfrentar solo la supervivencia. Un drama de aventuras cargado de un intimismo y una energía que asombra. Está pleno de bellos paisajes y una pulcritud extrema en su ambientación que nos lleva a explorar con este personaje ese entorno exótico que deslumbra, pero que tememos por la aparición de otro asaltante en su ecosistema. No será fácil para Theeb valerse por sí mismo y transformarse de una manera tan marcada porque su vida cambiará para siempre.

10 de marzo
KRIGEN

   A war es el título en inglés de la película danesa Krigen, cuyo director es Tobias Lindholm, un amigo de las historias difíciles en las que la ética parece llegar al borde de sus límites para así poder detallar aspectos minuciosos de la psicología de sus personajes. Aquí, se inserta en conflictos bélicos de la época actual que tienen que ser resueltos con balas, cañones y proyectiles, olvidando las vidas humanas que entran en juego. Aparece entonces la pregunta ¿se deben censurar los hechos cometidos por quienes lideran una guerra y están bajo extrema presión? Este parece ser el interrogante de su director, cuando trata el tema de la guerra de Afganistán y muestra la preocupación por los sufrimientos de los soldados en su vida íntima. Así los abstrae del contexto específico de sus acciones de guerra y nos los presenta en el marco personal con sus conflictos, con sus silencios, con sus sueños.

El comandante de la compañía danesa en Afganistán, el mayor Michael Pedersen (Pilou Asbaek), está en la guerra donde apoya a sus tropas en la lucha contra los talibanes, hasta el punto de ir con ellas al campo de batalla. Es un hombre bueno y comprometido, y se enfrenta con sus soldados a muchas situaciones terribles de fuego cruzado en el infierno en que luchan. Allí debe tomar muchas decisiones con responsabilidad militar y algunas terminan siendo equivocadas como la de dar una orden que causa la muerte de niños y mujeres afganos. Mientras tanto no puede olvidar a su familia, su mujer y sus tres hijos, que lo esperan con ansias y solo desean que el conflicto termine. Ella necesita de su acompañamiento para la crianza de sus menores pues no ha sido fácil hacerlo sola. Aparece entonces la mayor dificultad para él quien deberá acudir al juicio para enfrentar las acusaciones de un crimen de guerra. ¿Qué tan responsable es de la muerte de desconocidos inocentes? ¿Cómo negociarlo limpiamente para no perder la esperanza de volver a casa? 

UN ALTO EN EL CAMINO...

Dejamos el blog en silencio por varios meses, lo que no significa que el cineclub llegó a su fin. Una tarea que iniciamos el 11 de marzo de 2011 no podía morir con facilidad. Es cierto que vivimos algunos cambios que alteraron un poco la normalidad de “nuestro gran día de refugio en el cine”: Cambiamos de sede y sin los orientadores habituales emprendimos la búsqueda de un nuevo lugar y una nueva forma de hacer nuestro foro. Quedaron gratos recuerdos acompañados de un gigantesco agradecimiento a Rodrigo y Juana que fueron nuestros guías durante casi cuatro años. De ellos aprendimos la disciplina para hacer del día jueves un espacio compartido y pleno de riqueza. También, a profundizar en el contenido de cada película con viveza y sensibilidad. Los extrañaremos.

Vale entonces la pena recordar algunas de las películas que vimos en el 2015 y que no fueron reseñadas:

1.   LA DESCONOCIDA

2.   LULÚ, MUJER DESNUDA

3.   MAESTRO

4.   MIS HIJOS

1. LA DESCONOCIDA 

   Como su nombre lo dice, se centra en una mujer desconocida que intenta encontrar su verdadera identidad después de llegar a Italia huyendo de un tormentoso pasado. Es Irene, una joven de Ucrania, que busca empleo hasta que llega a la casa de unos orfebres, padres de una niña con problemas neurológicos. Con la intención de borrar los horrores de su vida, se integra a la familia con delicadeza hasta ganarse su confianza. Sin embargo, aparece de nuevo el terror y es cuando se reencuentre con Maffla, un antiguo proxeneta. Una cinta cargada de violencia y suspenso.

         
2. LULÚ, MUJER DESNUDA

   La historia de Lulú, una mujer de 40 años que busca empleo como secretaria y es descartada por su simpleza y poco atractivo. Decide entonces emprender un viaje lejos de su esposo y de sus tres hijos que la llevará sin rumbo a unas playas donde buscará un encuentro con ella misma y se refugiará en quienes tiene alrededor, gente sencilla y divertida. Mientras tanto su familia la busca preocupada y su esposo no entiende cómo pudo buscar un refugio lejos de su hogar. Una película del año 2013 que se interna en el conflicto interior de su personaje y en la vía de escape que se convierte en la solución. 

3. MAESTRO

    Aquí encontramos a un joven actor deseoso de participar en películas de aventuras y acción que termina actuando en otro tipo de presentación y deslumbrado por su maestro. Ya no será el actor fuerte y rudo sino el joven débil y enamoradizo que estará tentado por los encantos de su enamorada. El maestro, con su sabiduría y sensibilidad, sabrá enseñarle los caminos para encontrar el disfrute de la vida. Sabrá también darle espacio al lenguaje sutil que reemplaza las estridencias del momento. Será la última película de la escritora y  directora Léa Frazer, en el 2014.

4. MIS HIJOS

    Plantea la situación de un joven palestino de los años ochenta que recibe una beca para estudiar en Jerusalén. Allí se enfrenta a la mayor dificultad puesto que es el primer árabe que llega a un colegio judío. No encaja en este medio y es acosado constantemente por sus compañeros. Sin embargo, se enamora de una joven judía y afianza una relación de ayuda y colaboración con un adolescente Israelí que padece distrofia muscular.  Tendrá que tomar una decisión para sacrificar su verdadera identidad y poder ser admitido en este ambiente al que quiere pertenecer, pero que lo tiene al borde de la desesperación. Todo un problema de adaptación marcado por los conflictos territoriales.

UN VALS PARA MÓNICA

Un ejemplo de cómo caer y volver a levantarse nos trae esta película biográfica del 2013, dirigida por Per Fly y protagonizada por Edda Magnason. Está basada en la vida de Mónica Zetterlund (1937-2005), una cantante sueca de los años 60 que se atrevió a interpretar el jazz en su idioma y darle un reconocimiento en lugares como Estados Unidos donde se imponía esta música de origen africano, cantada por negros del Mississipi. Muestra en ella los éxitos y los fracasos de esta artista que llegó a ser una profesional de gran impacto en los escenarios, con una vida personal turbulenta. 

Es la historia de quien crece en un medio limitado por las dificultades económicas y sociales, vive cargado de opresiones y sale adelante hasta triunfar en grande. Es el caso de Mónica quien tiene una hija que es criada por sus padres mientras ella trabaja como telefonista. Sabe que tiene capacidades para cantar y asiste por las noches a centros nocturnos donde incursiona en el jazz con relativo éxito. Para hacerlo debe dejar a su hija en fechas importantes para la familia, lo que altera la normalidad de su hogar y son frecuentes las discusiones con su progenitor. Con la ayuda de una amiga, abandona su país y emigra a los Estados Unidos donde cuenta con mejor suerte. Allí empieza una vida que la llevará a la fama, pero deberá cargar con muchas frustraciones y derrotas. No será fácil para esta mujer fuerte, atractiva y ambiciosa lograr sus sueños. Su padre, su hija y sus compañeros sentimentales serán sus principales ataduras; el alcoholismo, su mayor exceso; y la necesidad constante de aplausos, su único deseo. Por fortuna, su destino es el éxito y puede sobrepasar tantos tropiezos con valentía.

Con una buena acogida del público europeo, esta película obtuvo 12 nominaciones en los premios Guldbagge del Instituto Sueco de Cine, de los cuales ganó cuatro: mejor dirección, mejor actriz protagonista, mejor actor secundario (Sverrir Gudnason), y mejor vestuario. Se destaca también por el cuidadoso manejo de la música y la excelente fotografía. Es considerada por muchos críticos “un auténtico regalo para los sentidos”.

“Situado en el glamour y libre espíritu de los primeros años sesenta, Un Vals para Mónica también se ocupa de un tema muy contemporáneo  acerca de liberarte a ti mismo mientras llevas a cabo tu ambición. Mónica se convirtió en una leyenda viva profundamente apreciada y amada por el público escandinavo, aun así incapaz de encontrar el amor para sí misma”. 
Per Fly

RASTROS DE SÁNDALO

Un homenaje a la pluralidad y a la diversidad es esta película. En ella vemos a una ciudad occidental en su día a día y la interrelación entre sus habitantes sin ningún distingo de raza o de credo. En contraste con ello, aparece un pueblo oriental, inmerso en la cultura de la subyugación femenina donde la mujer es utilizada para la prostitución y para satisfacer los deseos masculinos, sin ningún otorgarle valor en la sociedad. Y mientras se da este choque cultural surge el tema de la adopción que logra conjugar estos dos elementos. Un tema central que enfoca diversos matices por la negación inicial a aceptar el verdadero origen, por la búsqueda de las raíces y el acercamiento a la verdadera cultura. 

Una producción en serie del 2014, de nacionalidad española y propia del cine de Bollywood. Está basada en el libro de la escritora y conferencista hindú Asha Miró, y en el guión de la Anna Soler-Pont. Aquí vemos a Mina, una estrella de la India, obsesionada por encontrar a su pequeña hermana Sita que le fue arrebatada cuando niña, después de la muerte de su madre. Recorre muchos conventos y ciudades en su búsqueda hasta llegar a Barcelona donde cree hallarla, fruto de una adopción hecha por una pareja española. Difícil establecer una relación con quien desconoce esta historia y se niega a aceptarla. Ella es una bióloga y no posee recuerdo alguno que la vincule con Mina ni con la India. Pero Paula, como se llama ahora, ya ha escuchado la versión y seguirá los rastros de su hermana para descubrir la verdad. Buscará sus películas y con la ayuda de quien se las alquila -un inmigrante indio que poco a poco entrará a su corazón- llegará hasta sus raíces. No será fácil para los padres de Paula aceptar el rechazo de ella, ni para Paula reconocer el efecto negativo de su reacción.

Nuevamente encontramos el cine dentro del cine, una técnica cinematográfica que parece tener buena acogida en las producciones modernas. De igual manera, la arquitectura muestra su protagonismo dando énfasis a las calle de Bombay colmada de habitantes, de bicicletas y de mercaderías; al color de los vestidos de la India; y a las producciones de Gaudi, que se pueden apreciar en las calles de Barcelona. En el 2014 fue nominada a Mejor Guión Adaptado en los Premios Goya, y al Seminci de Valladolid en la Sección Oficial de Largometrajes.

LAS NUBES DE MARÍA

 “El teatro es una interpretación de la vida que incluso es más fiel que la propia vida”

De nuevo el cine dentro del cine y la actuación contrastando con la realidad. En una película oscura, lenta y pesada vemos la relación de dos mujeres, la artista y su asistente, frente al planeamiento del paso del tiempo en la vida de una de ellas. Difícil tener que aceptar el trascurrir de los años y enfrentar los sentimientos que esto genera: un miedo a envejecer y tener que dar un paso atrás en el escenario de la vida. Una combinación de pasado, presente y futuro se trenza aquí para mostrar lo compleja que es la realidad y explorar esa intimidad de cada ser, el efecto del paso del tiempo y la manera de comunicar esa vivencia. Toda una angustia y una sensibilidad extrema frente a la crisis de la edad adulta, lo que contrasta con el dominio de la tecnología en la actualidad.

Su protagonista, Maria Enders (Juliette Binoche), es una artista de 40 años a quien un director de teatro le propone que actúe en una obra que la hizo famosa hace años, La serpiente de Maloja. En ella desempeñó el papel de una joven de 20 llamada Sigrid, amiga de Helena, una mujer que le dobla la edad, a quien seduce, se burla de ella y la lleva finalmente al suicidio. El director propone un cambio de rol y quiere que María interprete el papel antagónico de Helena. Este cambio la llevará a alterar su comportamiento y es grande su rechazo hacia el nuevo personaje que parece presentar algunas semejanzas con su verdadera identidad. Su asistente Valentine (Kristen Stewart) la enfrenta y le hace saber que ya no es tan joven y que debe actuar de manera apropiada, poniéndola más abajo de donde creía estar. Otra actriz del cine comercial (Grace Moretz) hará su anterior rol; es joven y bella, con un talante auténtico y airado, lo que perturbará aún más la percepción personal de María y será mayor su inseguridad. Ya no es lo que era antes.

Su director francés Olivier Assayas obtuvo una buena crítica con esta película del 2014. Ganó el premio Cesar a la Mejor Actriz Secundaria y obtuvo seis nominaciones; además estuvo nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes y al Premio del Público en el Festival de Chicago. La película se presenta dividida en dos actos y un epílogo, y muchas veces confunde al espectador ante la dificultad de diferenciar entre el guión de la película y el de la obra de teatro. Con el rodar de este filme, encontramos a María Enders en las colinas solitarias del valle suizo, Sils María, donde aparece la serpiente de Maloja que es un fenómeno meteorológico en el que las nubes se arrastran entre las montañas y lo cubren todo para anunciar un cambio adverso en el tiempo. Es una invitación a María a bajarse de la cima de su carrera y asumir las transformaciones que propone esa serpiente que avanza. Deberá entonces enfrentar los conflictos, los miedos y las dudas propios de una mujer madura que con el pasar de los años debe cambiar su presentación de mujer glamurosa y llena de talento.

Vale la pena resaltar que este choque generacional, no tan natural, es provocado por la industria cinematográfica que en su afán de vincular jóvenes y caras nuevas al espectáculo crea una competencia desleal en la que vale más la apariencia que el talento. Una crítica al cine de Hollywood y al acoso amarillista de los medios de comunicación.

UNA NOCHE

“Quise contar una historia real sobre las personas y las emociones, algo que es familiar para mí. La película habla de las circunstancias de tres personas que cambian en el contexto de su sociedad. No estoy interesada en decirle a la gente qué pensar Cuba, sino en explorar las conductas de los personajes”. Lucy Mulloy

Con un tono macondiano, esta película cubana del 2012 nos da una clara muestra de la improvisación, en una aventura de una noche. Tres jóvenes, al parecer sin sentido común, asumen un desplazamiento forzoso, sin ninguna planeación. Quieren salir de Cuba para llegar a los Estados Unidos, siguiendo el sueño americano y buscando el cambio que solo uno de ellos anhela.

En esta producción dos hermanos gemelos, Elio y Lila, que se quieren profundamente van tras los pasos de Raúl quien aprovecha la devoción que Elio le profesa para convencerlo de que abandonen la isla.   Será un episodio lleno de riesgos que los atrapará y los dejará más vacíos que al comienzo. Un suceso que tiene como fondo las vivencias en una ciudad decadente, víctima de la revolución, con una arquitectura mustia y deteriorada, colmada por la pornomiseria. Allí encontramos a estos jóvenes sin esperanza que con un diálogo desordenado terminan refugiados en una balsa que ellos mismos construyen y que transmite un componente visual intenso. Aferrados a su barca, viven un drama que mostrará otro naufragio dentro de ellos. Mientras afuera, los turistas huelen diferente y respiran ese aire de alegría que los cubanos transmiten con sus ritmos y sus danzas;  cantan y bailan en una fiesta a la creatividad y al buen recibimiento de quien llega. Sin embargo, sabemos que esconden la tragedia que encierra este lugar y que los lleva a buscar una salida de cualquier modo.

Su directora inglesa, Lucy Mulloy, asume un papel neutro en el que pretende mostrar una realidad, sin tomar una posición negativa frente a este país donde vivió durante diez años. En el Festival de Tribeca, recibió los premios a Mejor Director, Mejor Fotografía y  Mejor Actor. Ha recibido también muchas aclamaciones en diferentes festivales, a pesar de su estructura simple. Sus actores son personajes de la vida real que terminan asumiendo el mismo papel que representan; aprovechan entonces su salida de la isla para la presentación de la película en el festival de Nueva York y no regresan a ella. 

RECONSTRUCCIÓN

“Un hombre entra a un bar. Ve a una mujer hermosa. ¿Se conocen? No parece. Pero aún así parecen conocerse. ¿Quién conoce a quién? ¿Esto es un comienzo o un fin? Esto es lo que estamos por ver. El comienzo y el fin, el amor y el adiós. Sé que no necesito decirlo, pero recuerden: Todo es una película, una reconstrucción, y aún así, duele”. 

Todos están buscando amor. Puede ser un poco una batalla. ¿Qué comience!

... Creo que el amor significa algo diferente para un hombre que para una mujer. Para una mujer, el amor es una necesidad. Algo sin lo que no puede vivir, es una elección consciente, algo que ella decide....   ...Los hombres sólo queremos que el amor nos tome por sorpresa. Es algo que no queremos planear, porque en realidad es algo bastante vergonzoso. Algo que interfiere en el camino. Ya sea un fin o un medio, el amor tiene que ser impuesto para seguir siéndolo.

 Un escritor arma su historia en la que plasma su vida, sus deseos, sus temores. Para lograrlo, se devuelve, borra, se replantea, crea un escenario, lo cambia y reconstruye la historia, hasta formar una realidad que termina siendo discontinua. Como la memoria que crea escenarios, aislados de la consciencia y nos lleva a vivir en permanente RECONSTRUCCIÓN. Un continuo abrir y cerrar de puertas que da la ilusión de que tenemos las opciones y podemos crear. Parecido a un collage, a partir de imágenes cortadas que hacen un todo. Así, cada individuo ve su historia personal y, de acuerdo con su educación, sus conocimientos, sus vivencias, va revelando su vida. Una revelación que se asemeja a un triángulo en el que hay variados espejos: lo que yo soy, lo que pienso de mí y lo que reflejo ante los demás.  Es por ello, que el espectador de esta película reconstruye la historia de acuerdo con la visión que construye de cada personaje.

Un proceso creativo es el que vive Augusto, el narrador de esta historia, en la que él mismo muestra la posibilidad de tener, de poseer, de perder. Él, que está en el centro de un triángulo amoroso, quiere parar todas las posibilidades de traición y detener su amor. Muestra entonces a su amada Aimée asediada continuamente por el compañero de Simone, el fotográfo Alex. En una ciudad que no duerme y ubicados en un bar y en un café, estos personajes se desplazan con la ayuda de mapas geográficos, semejantes a mapas mentales. El escritor, el fotográfo y Aimée forman un grupo que no puede estar desligado de otro conformado por Aimée, Simone y Mónica (la secretaria de Augusto). El novelista altera los hechos y al proponer un juego de encuentros y desencuentros, con mucha semejanza a un sueño, lleva a Alex a un verdadero complot emocional y a perderse en sentimientos contradictorios. Una historia relatada por cada uno de manera diferente, en la que pretenden encontrar su propia verdad.

Los sucesos que se narran en esta película danesa suceden en un día. Su director Christoffer Boe trabajó con su propio guión, y fue protagonizada por Marie Bonnevie y Nikolaj Lie Kaas. Obtuvo la Cámara de Oro en el Festival de Cannes 2003 y esto le valió la admiración por presentar un trabajo sugestivo y elegante, en el que entrelaza lo real con lo fantasioso. En él condensa sus propios esfuerzos por diferenciar la pasión, la confusión y los deseos del amor joven.

DESPUÉS DE LA BODA

La directora de esta película danesa, Susan Bier, se basa en una historia escrita por ella cuyo contenido encierra mucho simbolismo. Altruismo y filantropía parecen ser las claves de su realización. Es un testimonio de amor al prójimo que traspasa las barreras de la manipulación y de lo que compra el dinero. El tránsito de los sucesos que aquí se presentan no se hace por las calles, sino por ese relieve humano que son los personajes que interactúan en este film. Hay un acercamiento tan grande a ellos que nos pone a su lado, penetramos en su interioridad y sentimos la realidad de manera convincente. Al final, sus protagonistas transmiten tanta seguridad que así estén ubicados en contextos diferentes, descubrimos en ellos valores que logran opacar sus terribles defectos y dar un cambio positivo a su rol.

Jacob (Mads Mikkelsen) es un empleado de un orfanato pobre de la India, entregado a su labor con los niños de escasos recursos y quien debe buscar la forma de subsidiar la alimentación y las necesidades básicas de miles de infantes que está a punto de fracasar. Jorgen (Rolf Lassgård ) es un multimillonario hombre de negocios  que reside en Dinamarca y quiere hacer una donación a la obra de Jacob. Por lo tanto, lo invita a su país y aprovecha la boda de su hija Anna para acercarlo a su hogar y hacerlo partícipe de este acontecimiento. Todo parece normal, pero muchos sucesos entran en juego al llegar Jacob a esta familia y descubrir una extraña cercanía con sus integrantes. Se abren heridas y se conocen verdades inesperadas que resultan difíciles de aceptar. Esto alterará sus planes de regresar pronto a la India y estar cerca del corazón de Pramad que pide a gritos su retorno. También de su comunidad que al parecer necesita de su presencia para salir adelante y poder sobrevivir.  

Nominada al Oscar por Mejor Película Extranjera en el 2007, Después de la boda muestra las diferencias abismales entre los países ricos y pobres, y sobre todo se detiene a analizar dilemas morales y éticos, el papel de la paternidad, la intimidad de la vida familiar, y esa interrelación entre las dinámicas internas y externas. Una narración centrada en secretos familiares invadidos por problemas y rencores que logran develarse y sobrepasar la barrera del odio para buscar un reencuentro positivo entre el pasado y el presente. Al final, surgen esos sentimientos necesarios para sanar heridas y para aprovechar el tiempo que queda por venir.  Y no basta con lo que hacen o lo que dicen sus personajes. Cuenta también con la ayuda de la cámara para profundizar en sus emociones, recurriendo al cruce de miradas, a silencios reveladores, y a esos acercamientos permanentes a los ojos, a las manos, a la boca, y a la piel de los protagonistas. De igual manera se acerca a las hojas marchitas y a la mirada de los animales disecados. Una cámara que termina siendo cómplice del deseo de conocer la verdad y de buscar la solución a los conflictos.

CÓDIGO ENIGMA

“A veces la gente de la que nadie puede imaginar nada, hace cosas que nadie puede imaginar” Alan Turing

 

“¿Sabes por qué a la gente le gusta la violencia? Porque la violencia se siente bien. La encuentran profundamente satisfactoria” A. Turing

 

 

Interesante ver cómo el misterio del mundo se descubre entre números y palabras, y cómo la mayor oportunidad para el desarrollo de la ciencia es la guerra. Una vez más, la ciencia y la guerra unidas en la carrera del hombre hacia la conquista del futuro. Una tarea ardua es la que realiza Alan Turing –un célebre matemático, científico y pionero de la computación- con un grupo de científicos que tiene como objetivo controlar la Segunda Guerra Mundial, hasta el punto de lograr acortarla dos años. Esto salvó la vida de 14 millones de personas y dio las pautas para la aparición del invento que ha revolucionado la vida moderna, el computador. Poco sabíamos de Alan Turing puesto que una vez termina su trabajo con la máquina Enigma es condenado por su homosexualidad. El gobierno británico le quita todo su poder y lo calla, sometiéndolo durante años a una terapia inhibitoria de castración sexual. Mucho tiempo después de su muerte –en 1954 cuando se suicida a los 41 años-, la reina Isabel de Inglaterra le da la absolución post mortem. Es el año 2009 y apenas empieza a reconocérsele su inmenso valor en la ciencia moderna.  

The imitation game es el nombre original de esta película inglesa del año 2014, dirigida por Morten Tyldum y basada en la biografía de Alan Turing, conocida como El enigma, de Andrew Hodges. Acaba de ganar el Oscar 2015 como mejor guión adaptado y estuvo nominada a mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz de reparto, mejor diseño de producción, mejor montaje y mejor banda sonora. Turing (Benedict Cumberbatch) se presenta en el ultrasecreto Cuartel General de Comunicaciones del Gobierno del Reino Unido, con la intención de ayudar a descubrir en tiempo rápido, el código secreto de los alemanes que lideraban la Segunda Guerra Mundial. Era necesario vencerlos, pero imposible de lograrlo. Solo una mente brillante, como la de Turing, podía hacerlo. Sin embargo él, de mente ágil e imperturbable, carece del sentido del humor, y es una persona obsesiva, poco sociable y a veces arrogante. Inicia entonces su trabajo con un equipo de inteligencia que él mismo selecciona, entre el que se halla una mujer. Ella, Joan Clarke (Keira Knightley) supera a sus compañeros en la prueba de selección y se convierte en la amiga de Turing. Todos juntos enfrentan las dificultades que supone el manejo de Cristopher, la máquina Enigma de la Alemania Nazi. Mucho será su trabajo y grande su alegría al hallar la clave. Todo volverá a la normalidad y en completo secreto. Sin embargo, se filtra información sobre una relación homosexual que cambia la vida de este genio.

Otro símbolo del acoso injusto a los homosexuales, con un mensaje humanitario que condena la homofobia. También resalta el valor de la mujer, dándole un rol sobresaliente en un equipo de hombres –a pesar de la época y del concepto machista sobre su papel–, y pone en entredicho el pensamiento de las máquinas ya que éstas “piensan”, aunque “de manera diferente”. Valiosa la fidelidad histórica de este film de 114 minutos que se ubica en locaciones reales como el colegio de Turing y el sitio donde este genio realizó su gran hazaña.