MI AMIGO EL PINGUINO

Duele en el alma perder a un hijo y más doloroso aun, cuando se ha callado por años ese dolor acompañado de culpabilidad.  Por fortuna, aparece un pingüino que es salvado de morir en el mar y se renuevan las esperanzas de vida del pescador, triste y solitario, que lo rescata de un derrame petrolero. Se entrega a su compañía y abre un espacio en su hogar donde cada seis meses llega DinDim. Allí, en una costa de Brasil, João Pereira de Souza y su esposa María esperan esta visita proveniente de La Patagonia argentina, que sin falta se repetirá por ocho años consecutivos. Cada llegada será una verdadera fiesta que no solo alegrará a la pareja costera, sino también a los vecinos y habitantes de la región.

El 5 de septiembre del presente año fue estrenada esta película de 97 minutos, Mi amigo el pingüino. Su director David Schurmann asegura que “uno de los mayores desafíos de la producción fue trabajar con diez pingüinos reales, ya que era crucial para transmitir autenticidad y una conexión genuina con el público”. Una bella historia que, aunque sencilla, es real y tiene un tema que cautiva a los amantes de la naturaleza y especialmente a los protectores de la vida animal. Aquí se percibe ese apego a una criatura inesperada que ayuda a procesar los duelos y a crear en las personas nuevas esperanzas frente a las pérdidas; además del impacto que el ser humano puede ejercer en la vida de los animales. Fue filmada en ambientes ribereños donde la fotografía de los atardeceres y amaneceres frente al mar convierten esta historia en un espectáculo de la naturaleza. Una película que impacta por su contenido, tan emotivo, en estos tiempos de pérdidas y desolación.

SNU

Dos personajes famosos en su ámbito profesional, dos historias de amor diferentes y un mismo final. Esa es la historia que encontramos en esta película. Ella: una escritora danesa, editora de libros que retan la política burguesa de Portugal, casada y con tres hijos. Él: ex primer ministro de Portugal, líder del Partido Democrático Popular (PPD), profundamente católico, conservador, casado y con tres hijos. Conocemos así a Snu Abecassis (Inês Castel-Branco) y a Francisco de Sá Carneiro (Pedro Almendra) en los años 70, cuando se encuentran por primera vez y, de inmediato, se enamoran perdidamente. Nada parece detenerlos, a pesar de las circunstancias familiares y sociales, y luchan por darle fin a sus matrimonios ya establecidos. El escándalo se hace público, es mucha la presión que deben enfrentar y son fuertes las críticas ante su relación hasta el final de sus vidas en 1980.

La directora Patricia Sequeira lleva a la pantalla esta película basada en hechos reales, acompañada de su guionista Cláudia Clemente en el año 2019, durante 94 minutos. Les interesa la figura femenina y en este caso, la historia de amor que una mujer pudo vivir de este modo, “con toda esa urgencia” como Sequeira lo dice. Porque Snu es una persona nórdica “adelantada a su tiempo y sin temor de enfrentar una sociedad cerrada, movida por convenciones tradicionales” como lo dicen sus críticos. Al lado de Francisco, Snu también muestra su valentía al compartir valores y ambiciones sociales, al promover la justicia y la igualdad, y al marcar un antes y un después en la historia política de su tiempo. Un escándalo que se extendió a todo el mundo y movió a la sociedad puritana de los años 70-80.

           "Esta es una historia de amor y coraje, y por eso me atrae tanto". Patricia Sequeira

A FUEGO LENTO

Película lenta, dominada por la apreciación de manjares y de exquisitas recetas que mantienen al espectador atento a las imágenes que excitan su vista, su gusto y hasta su olfato. Un verdadero banquete para saborear con el alma, con paciencia y sin palabras es esta película protagonizada por dos maestros del cine: Benoît Magimel y Juliette Binoche. Él es un famoso chef y ella su acompañante en la cocina donde han trabajado juntos por más de veinte 20 años, disfrutando al máximo su quehacer diario. Son Dodin y Juliette, quienes terminan preparando los más selectos platos de la gastronomía francesa de finales del siglo XIX y vinculados en un romance que poco a poco van descubriendo. Así, Dodín emprende su conquista de manera clara y le manifiesta a su enamorada sus deseos de casarse con ella. No será fácil para Juliette aceptar la propuesta, ya que teme perder su libertad y el hecho de contraer matrimonio nunca ha estado entre sus planes. Por su parte, él quiere enamorarla con sus platillos que cada día prepara con mayor exquisitez.

“La felicidad consiste en seguir deseando lo que ya se tiene” Dodin

A fuego lento, llamada también El sabor de la vida, es una película francesa de 135 minutos dirigida por el vietnamita de 62 años, Tran Anh Hung. Con guion del mismo asiático, este drama está basado en la novela de Marcel Rouff y fue nominado al Oscar a Mejor Película Extranjera en el 2023. Además, obtuvo el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes. En ella, una cámara sensible se deleita con variadas imágenes que acompañan los sabores de las comidas, sus aromas y los sentimientos que surgen en esta historia. Se aprecian por doquier copas, flores, lámparas, vajillas, luces, mesas y calderos que le imprimen más belleza al ambiente y “hacen que cada plano parezca un bodegón” como lo expresó uno de sus críticos. 

Todo un arte es esta producción que el mismo Tran Anh Hung revela con sus palabras: “Mi afición por el arte viene realmente de la belleza de los platos que mi madre cocinaba”. “La cocina es un arte. (...) Es el arte de mezclar especias, de dar importancia a un aroma más que a otro. Se trata de crear la personalidad de un gran chef, y ese espacio de creación es ilimitado, y por eso es un arte”.

PRIMADONNA

 “El cine, para mí, es una herramienta increíblemente poderosa para la comunicación y la expresión artística que tiene la capacidad de conmover, inspirar y provocar reacciones profundas”. Marta Savina

En los años 60, en Sicilia, al sur de Italia, hizo su aparición la primera mujer que se reveló ante el “Matrimonio reparador” o casamiento con su violador para evitar que fuera “mancillado su honor”. Esta situación fue escrita por Marta Savina, quien además dirigió la película en el año 2022, durante 97 minutos. En su primer largometraje, expone la verdadera historia de una joven italiana que consiguió un cambio en la ley de su país, iniciando así una apertura a la lucha por los derechos de la mujer. Plantea aquí el tema del machismo en una sociedad que subyuga a las mujeres, las maltrata, las viola e incluso, las induce al matrimonio forzado. Al mismo tiempo, protege al agresor masculino puesto que la ley del más fuerte tiraniza y se hace presente en todos los espacios, incluyendo el religioso.

La protagonista de Primadonna es Lía, una bella mujer de 21 años, tímida, callada, de familia católica y humilde, cercana a su madre y a su hermano menor, y aprendió a arar la tierra junto a su padre. Sin embargo, después de conocer a su primer amor, Lorenzo Musicò, hijo del jefe local, descubre las intenciones de este para hacerla su esposa. Quiere tenerla como una posesión más y dominarla junto a su familia, como es lo acostumbrado en esta región. Ella lo capta muy pronto y se niega a seguirlo. Esta situación desata la furia de Lorenzo, quien atenta contra la honra e integridad física de Lía, lo que produce más rechazo en ella y se niega a casarse con él. Mayor será la resistencia de esta sociedad terrateniente y de pensamiento patriarcal que la irá disminuyendo cada día hasta llevarla a los tribunales donde ella ya ha puesto su denuncia.

Es una película conmovedora y de argumento absorbente, “una historia emblemática de independencia y emancipación femenina, independiente de su origen geográfico o cultural" como la valoró su directora.

FRONTERA VERDE

“No tiene sentido hacer arte si no estás luchando por interrogar los problemas importantes, los problemas dolorosos y a veces insolubles que nos obligan a tomar decisiones difíciles”.

“Para la humanidad no hay otro camino que el de la solidaridad, de compartir nuestras experiencias y de respetar el derecho de otras personas a llevar sus vidas con dignidad”. Agnieszka Holland

Nos atrevimos a ver esta película guiadas por los comentarios y, sobre todo, porque no podemos ser indiferentes a las graves crisis geopolíticas que vive el mundo actual y de la que nuestro país no es ajeno a ellas. Todos los días, miles de refugiados traspasan las fronteras de su patria en condiciones lamentables por tierra y mar, perdiendo la vida porque naufragan sus embarcaciones o engrosando las filas de migrantes que vagan por diversos sitios del planeta donde muchas veces encuentran más pobreza y más violencia. En este caso, la llamada "Fontera Verde" (Green Border) son los bosques entre Bielorrusia y Polonia que atrae refugiados de Oriente Medio y África con la intención de llegar a la Unión Europea. 

La directora polaca, Agnieszka Holland, se atrevió a dirigir su mirada a esta situación, conocida por muchos gobiernos e ignorada hasta por sus coterráneos, con la intención de hacer una denuncia pública. No fue fácil asumir su financiación y más difícil aún enfrentar un tema controvertido y de tanto riesgo. Sin embargo, la respuesta fue esta película de "brutalidad extrema" como la calificamos nosotras, y que finalmente soportamos cuando la guerra allí descrita dejó ver alguna esperanza en acciones humanas de jóvenes activistas y guardas de frontera que se atreven a ayudar a los inmigrantes. En esta guerra, la mirada se dirige a una familia de refugiados sirios que viajan a Europa atraídos por la propaganda de cruzar la Unión Europea de manera fácil y segura. Sin embargo, al llegar allí descubren que su paso por Bielorrusia para acercarse a Polonia y posteriormente a Suecia, por una ruta terrestre conocida como "la zona de la muerte", es toda una burla. Encuentran que son presa fácil del ejército de un lado y de la policía del otro, en un constante ir y venir al mismo punto de partida. Así, en esta situación lamentable, por bosques y pantanos oscuros, sin asomo de la luz del día, deben enfrentar el hambre, la miseria, la enfermedad, el frío, la burla y la violencia. Todo esto se ha convertido en una de las mayores vergüenzas que alberga Europa y que deben ser mostradas, así nos duela observarlas y conmueva nuestras almas.

Frontera verde ha sido muy valorada por la crítica internacional, con una aceptación del 88%; además obtuvo el Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia, más otros premios y nominaciones en distintos festivales. Cuenta también con la participación de variados actores de diferentes nacionalidades, muchos de ellos inmigrantes y activistas de diversas causas sociales. Es una película del año 2023 que según la crítica atiende a una profunda investigación, plena de valentía.

COMEDY QUEEN

Esta película sueca del año 2022 está dirigida por Sanna Lenken y basada en la novela de la psicóloga y escritora Jenny Jagerfeld. Ambas mujeres, interesadas en temas como la niñez y la adolescencia, enfrentan el proceso de la gestión del duelo en una niña de 13 años. Para lograrlo, penetran en un mundo sensible donde se reprime lo doloroso y no hay espacio para enfrentarlo, ni asumir la pérdida. Este drama de 93 minutos ganó el Oso de Cristal del jurado infantil y juvenil en el Festival de Berlín 2022.

Su protagonista Sasha, interpretada por Sigrid Johnson, sufre por la muerte trágica de su madre, pero se niega a llorar y a mostrar su tristeza porque no quiere parecerse a ella y, en cambio, desea que su padre pueda volver a reír algún día. Por lo tanto, adopta actitudes contrarias a las de su madre y se rapa el cabello, rechaza los libros y la lectura, y se despreocupa por el cuidado de los seres vivos. Se torna entonces en una niña fría, callada e indiferente a las actividades escolares, que a veces visita a la psicóloga sin presentar mayores cambios en su comportamiento. No obstante, quiere descubrir la risa para vencer el dolor en su hogar y para llevarlo a cabo se empeña en convertirse en una comediante.

A pesar del tema de la orfandad presente en COMEDY QUEEN, encontramos mucho optimismo en esta película donde la protagonista no abandona su rostro dulce, muchas veces iluminado con una expresión cálida. Así no ría, quiere que la alegría llegue a su desconsolado padre, y tras muchas dificultades vividas con sus compañeras y su amiga Marta, vivirá el cambio deseado y la curación llegará a su alma. Una película conmovedora protagonizada por un buen grupo actoral.

LAZOS DE VIDA

Con una dirección magistral (James Hawes) y una actuación impecable (Anthony Hopkins), esta película conmovedora y llena de esperanza nos traslada a dos momentos diferentes de la historia: el inicio de la Segunda Guerra Mundial y los primeros años del siglo XXI. En 110 minutos, muestra al espectador una obra filantrópica y desgarradora, que lo mantiene en suspenso y le hace recordar que se puede hacer el bien con pequeños o grandes actos de humanidad. En este caso, lo invita a reflexionar que aún en medio de la tragedia se pueden salvar vidas y buscar espacios para la liberación. Cuenta con una ambientación perfecta, un vestuario adaptado a las dos épocas que describe y una banda sonora que activa las emociones en el momento preciso. Está basada en hechos reales, de los que hay grabaciones del pasado de su héroe. Se estrenó el 1 de mayo de este año y es catalogada como la nueva versión del Schindler inglés. 

Su protagonista, Nicholas Winton, ya anciano y con su residencia en una ciudad de Inglaterra, decide ordenar su caótica biblioteca para sorprender a su esposa. Sin embargo, es mayor su impacto al encontrar el maletín donde guarda los recuerdos de años atrás, conservados en secreto con mucho dolor y, al mismo tiempo, con delicadeza y precisión. Empieza entonces el recuerdo de su llegada a Praga en diciembre de 1938, con la intención de encontrarse con un amigo que lo invita a su ciudad. Allí, este exitoso agente de bolsa británico, Johnny Flynn, termina acercándose a los acontecimientos mundiales en vísperas de la guerra. No puede ser indiferente a lo está sucediendo y, con la colaboración de valientes activistas, descubre los sufrimientos de las familias judías que huyen de los nazis, para evitar que sus hijos sean llevados a los campos de concentración. De inmediato, resuelve ayudarlas buscando refugio para cientos de niños en su tierra, Gran Bretaña, antes de que los alemanes pasen fronteras y lleguen a Checoslovaquia. Desde Inglaterra, su madre también lo ayuda e inician el salvamento de niños en medio de muchos riesgos hasta terminar salvando la vida de 669 menores. Pasan alrededor de 50 años y ahora se encuentra Nicky recordando con tristeza y sentimientos de fracaso a todos los niños que no pudo salvar. Siempre sintió que no había hecho lo suficiente. No obstante, algo ocurre que traerá sorpresas y muchas lágrimas de alegría a este heroico personaje. 

Cuando se le preguntó a Nicholas Winton si creía en el futuro de la humanidad, él respondió: “No, a menos que aprendamos a ceder, ser amables y considerados con los demás. De otro modo, estamos acabados”.

https://www.youtube.com/watch?v=_mMKNguhyBw

DÍAS PERFECTOS

¿Cómo imaginar los días perfectos para el protagonista de esta película, un hombre solo y de edad madura que vive en Tokio, y cuyo oficio es limpiador de baños durante casi 12 horas diarias? Quizás haríamos más preguntas en torno a su personalidad, su estilo de vida y su familia, y seguramente sabríamos de su lucha por la supervivencia. Sin embargo, con sorpresa encontramos una persona silenciosa, sonriente, rutinaria y satisfecha con la vida. Hirayama va todos los días a su trabajo donde limpia los baños públicos hasta dejarlos como nuevos, sin un asomo de molestia. Ama también los libros y la música, cultiva flores y plantas en su pequeña casa, levanta siempre la cabeza para saludar el día mirando al cielo, disfruta de la fotografía de luces y sombras que juegan en su vieja cámara frente a la naturaleza, recorre a diario puentes y largas avenidas para llegar al trabajo en su furgoneta o en bicicleta, y todavía posee casetes con música que lo entretiene mientras viaja. Estos y otros momentos muy particulares son sus actividades rutinarias. De pronto, llega su sobrina Niko a visitarlo, comparte con él unos días y, de esta manera, conoceremos algunos hechos de su pasado, que parece fue difícil y le producen nostalgia.

Toda una lección de vida nos ofrece Hirayama, interpretado por Kogi Yakusho, en la película Días Perfectos, dirigida por el alemán Win Wenders. Fue nominada al premio Oscar de este año como Mejor Película Internacional y ganadora del premio a Mejor Actor en el Festival de Cannes. En ella, su director da una mirada humanista a sitios inesperados, habitados por un ciudadano sencillo que ama los clásicos del rock y del pop (entre ellos Días Perfectos de Lou Reed) y que asume con dignidad su trabajo. Por ello, siempre lo vemos sonriente, en paz consigo mismo y en “un ahora que es ahora”, como él mismo lo dice; porque para él lo más importante es vivir el momento presente. En otras palabras, muestra una ética que le da inmenso valor a su esencia de hombre libre y al ambiente cotidiano que lo rodea, cargado de belleza y serenidad.  Un mensaje lleno esperanzas en los pequeños momentos del diario vivir que nos hacen felices.

HERMANAS

Decidimos escoger este documental de Paola Ochoa Betancurth para iniciar esta etapa, sin tener referencia alguna sobre la película y guiadas más bien por los sitios donde fue realizada. Muchas sorpresas rodearon los 77 minutos frente a la pantalla, acompañadas de risas, de variados interrogantes, de desconcierto y de dudas sobre el trabajo actoral y la dirección artística. Nuestro foro duró más tiempo del acostumbrado y los comentarios de nosotras, como habitantes de Manizales y vecinas de Palestina, terminaron llevándonos a nuestras raíces caldenses y a nuestro sentir y vivir como mujeres de esta región de Colombia.

“Hermanas” es una producción muy autóctona y regional en la que prima la naturalidad de sus protagonistas: cuatro hermanas que expresan de manera espontánea sus vivencias y sueños, sus amores y desamores, y sus dolores y alegrías. Así, lo que en muchos momentos de la película nos pareció superficial y sin sentido, logramos atarlo a lo que son las relaciones entre mujeres, en una intimidad ajena al mundo masculino, sin complicidad ni cercanía con ellos. Fue como soltarnos en ese espacio simbólico de hermandad, donde se trasmite la cultura, los valores, las tradiciones y las costumbres familiares en nuestra sociedad machista. 

Cuenta Paola que pidió a su madre -María Teresa- y a sus tres tías -Mary, Martha Lucía y Gloria- “una colaboración para una tarea de la universidad”. Ellas nunca se imaginaron la trascendencia de este aporte que, en realidad era para obtener su grado de Maestría de Cine Documental en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. De esa manera y sin presión alguna, logró que ellas, de estrato medio, ya mayores, independientes y sin ninguna experiencia en la pantalla, se unieran en una finca familiar para compartir sus vacaciones y recordar lo vivido en sus años juveniles. Allí, enfrentaron diversos temas como el amor romántico, la sexualidad, la liberación, el matrimonio, la familia y el divorcio. Al respecto, afirma Paola: “La confianza que tengo con ellas, me permitió entrar a un espacio privilegiado en el que discuten temas tabúes de forma abierta y cercana, y hacer un retrato desde adentro”.

Este documental, estrenado en Colombia el 11 de abril de 2024, ha participado en algunos festivales nacionales e internacionales y ha recibido premios como el Mejor Largometraje Nacional, SANFICI Santander Festival Internacional de Cine Independiente 2023; Mejor Ópera Prima, Festival de Cine de Santafé de Antioquia, 2023; y Primera Mención de Honor Premio SIGNIS, Festival Internacional de Cine de Buenos Aires, Argentina, 2022.

Regreso al cineclub

Después de unos largos meses ausentes del blog e irregulares en nuestra asistencia a cine, reiniciamos nuestra cita semanal con la certeza de encontrarnos para degustar el placer de una buena película en compañía y, por supuesto, volver a nuestro blog SALAMANDRACINECLUB. Lo anterior  no significó que nuestro grupo se disolviera o que el gusto por la pantalla tomara otro rumbo. Hemos estado más unidas que siempre, sobre todo cuando la enfermedad y la muerte han acompañado algunos de nuestros hogares. No es fácil decirlo, pero -por fortuna- también tenemos momentos que nos reconcilian con la vida y atenúan esa sensación de tristeza y soledad. Entonces, qué mejor elección que este contacto con la pantalla. 

VALE LA PENA RECORDAR QUE YA SON 13 AÑOS DE NUESTRO COMPROMISO FRENTE A ESTA VALIOSA EXPERIENCIA.

LA BALLENA

 

Charlie, protagonizado por Brendan Frazer, es el personaje central de esta película que está agotando comentarios en torno a su transformación en un personaje de más de 270 kilos, a su talentosa actuación y al mensaje implícito en el filme. Muchos esperan que reciba el Oscar a mejor actor y mejor maquillaje puesto que impacta su rol: un adulto con obesidad severa, reducida incapacidad para moverse y a punto de morir porque su corazón ya no resiste más. Come desaforadamente y teme ser visto por sus alumnos de literatura inglesa; sus clases aparecen en línea, sin usar su cámara porque supuestamente está rota. Vive solo en un ambiente oscuro, un refugio donde esconderse y donde ocultar sus dolores y culpas. Lo acosa el duelo por la muerte de su amigo, la vergüenza por ser objeto de burla de los demás, y sobre todo la culpa por haber abandonado a su hija adolescente, Ellie, cuando tenía ocho años. Ahora intenta reestablecer una relación cercana con ella que siempre está agresiva y renuente a aceptarlo como padre. Todo se conjuga para crear un protagonista muy humano y honesto, a quien se le escucha decir con frecuencia "lo siento" y procura obtener una segunda oportunidad, así tenga su autoestima con un bajo desempeño. Charlie “necesita saber que hizo algo bueno con su vida” y que su hija "va a estar bien y vivirá una vida decente”.

Muchos problemas están latentes en esta producción de Darren Aronofsky, basada a su vez en la obra de teatro de Samuel D. Hunter. El abandono, el suicidio, la homosexualidad, los sistemas de salud que olvidan a quienes carecen de dinero, la depresión y la oscuridad están presentes en esta película americana de 117 minutos. Frazer se luce como actor dramático. A pesar del constante rechazo, abandono y soledad que sufre en silencio, aparece quien lo escuche y quien soporte la visión de su cuerpo deforme y desagradable. Se mortifica de forma dolorosa, pero al final habrá una luz esclarecedora que lo libere y lo salve. Una cinta conmovedora, deprimente muchas veces, pero con un aire esperanzador.

DOCE AÑOS Y SEGUIMOS UNIDAS

Cumplimos 12 años unidas en torno al cine y lo más importante, firmes en nuestra amistad. Lo que fue una invitación a disfrutar de una tarde semanal con una película interesante, se convirtió en un encuentro de amigas invadido de charlas, sueños, historias y proyectos. Eso sí, sin olvidar este espacio dedicado a desarrollar la cultura cinematográfica. De nuevo lo expresamos: vivimos un fluir de emociones, sentimientos, inquietudes y reflexiones que nos acercan a una realidad a veces dolorosa y atemorizante, otras veces dulce y amable, en muchos momentos cargada de belleza y esplendor, y en otros, de decadencia y amargura, pero siempre cobijadas por ese halo artístico y de entretenimiento que nos regala el cine. Así, rompemos también esa costumbre que se impuso de ver películas en casa, alejadas de sitios interesantes, de un buen café y de amigos que nos enriquecen con sus comentarios y críticas valiosas. Nos consideramos muy afortunadas de seguir viviendo esta experiencia.

En esta introducción del año 2023, no podemos dejar de recordar a nuestra compañera ALEYDA MEJÍA BOTERO quien adelantó su paso a la eternidad y dejó un vacío grande en nuestro grupo. Ella enriqueció ese intercambio de ideas en torno a las películas que aquí reseñamos y fueron valiosos sus aportes a nuestro grupo Cine Club Salamandra. ¡Cómo la extrañamos!

OPHELIA

"Duda que sean de fuego las estrellas, duda que el Sol haga movimientos, duda que la verdad sea una mentira, pero nunca dudes que te amo. ¡Oh, querida Ofelia!, soy malo para hacer versos. No tengo arte para expresar mis penas; pero cree que te amo demasiado, ¡oh, demasiado! Adiós. Tuyo eternamente, mi más querida dama, mientras este cuerpo exista, Hamlet". 

 

Resulta interesante encontrar en la película Ofelia otra versión de la historia de Hamlet, la tragedia de William Shakespeare. Esta vez, basada en la novela juvenil de Lisa Klein (2006), con la intención de mostrar al amado de Ofelia, a través de sus ojos femeninos y de su propia voz. Así, podremos ver a este personaje de la literatura clásica con aires de heroína, más que de mártir. Una adaptación británica-estadounidense del año 2018, dirigida por la australiana Claire McCarthy y protagonizada por Daisy Ridley y George MacKay.

Esta heroína, de la Dinamarca medieval, aparece inicialmente como una niña sola, sin madre, con un solo hermano y un padre que apenas tiene tiempo para sostener a sus hijos. Sin embargo, tiene la suerte de ser aceptada por la reina Gertrudis como una de las damas de compañía y llega al Castillo de Elsinore a vivir allí. No es bien recibida por sus compañeras, pero su inteligencia, independencia y belleza se sobreponen a su pobreza; además sabe leer e interpretar textos de la Biblia. Será entonces la dama de confianza de la reina, de quien aprenderá variadas artes y a su lado tendrá una participación activa. Pronto conocerá al príncipe Hamlet y a medida que ambos crecen, van mostrando una gran atracción que los unirá en secreto. Por su parte, Gertrudis -quien maneja los hilos de la corte- verá llegar el caos a su reino donde su esposo, el rey, es asesinado. Hamlet comienza una lucha desaforada por descubrir al culpable, con entrañable sed de venganza, y Ofelia, por su parte, tendrá que enfrentar sola el rechazo de la corte, y elegir entre el amor que lleva en su corazón o huir para conservar su vida.

De nuevo, un espejo de la condición humana, acompañado de la guerra y de la muerte. Una película en la que se entrelazan el amor, los celos, la traición, el poder, la envidia, la venganza y la diferencia de clases. Son 114 minutos de presentación dramática, con escenas que, a pesar de su estilo moderno, no abandonan el desasosiego, la emoción, ni la fatalidad.  

LA CASA DEL TEJADO ROJO

La memoria protagoniza esta historia japonesa que se perpetúa al recordar una vida sobre el amor, la dedicación de una mujer a su trabajo, las relaciones familiares y sus secretos. Muchas voces y muchos tiempos alternan en este diario de una abuela desde cuando sale de casa en su juventud hasta llegar al último eslabón, su sobrino-nieto, que la escucha en su vejez y a quien deja su secreto. Un drama que tampoco es ajeno a la guerra, a la cultura japonesa, a la situación deplorable del mundo de hoy, y a la sumisión de la mujer que calla frente al poder masculino que domina y oprime.

Así, el cineasta japonés Yoji Yamada, basado en la novela de la escritora Kyoko Nakajima, nos cuenta las vivencias de Taki (Chieko Baisho) después de dejar su hogar en el campo, para ir a Tokyo donde trabajará como criada. Es el año de 1936 y allí, en una casa moderna con tejado rojo, conoce a Tokiko, su esposo Masaka y su hijo de cinco años. Taki se dedica al trabajo en este hogar tranquilo y acomodado hasta que llega Shoji Itakuri (Hidetaka Yoshioka), un joven amante de los libros y de la soledad que asiste con frecuencia las reuniones que hace su jefe Masaka en casa. Tokiko no puede resistir el impacto que este visitante causa en ella y seguirá su fuerte atracción con la complicidad de Taki quien, por ser leal a su ama, termina invadida de culpa, lágrimas y remordimientos. Será un amor prohibido en medio de las adversidades que enfrenta Japón, antes de la II Guerra Mundial.

La casa del tejado rojo ganó en el año 2014 el Oso de Plata a la mejor actriz en el Festival de Berlín. Este drama emociona por la fidelidad a la historia, su fotografía, el vestuario, la música y la puesta en escena. Muy bien logrado el sentimiento transmitido a través de Taki, quien sirve, ama, observa y muestra un corazón que esconde secretos y teme revelarlos porque no son solo suyos. Una testigo que está a la sombra de los demás, pero conoce “la importancia de no olvidar, de ir hasta el final”, como lo afirma Yamada.

TENGO MIEDO TORERO

 

“Si algún día hacen una revolución que incluya a locas como yo, avísame. Ahí voy a estar en primera fila”. La Loca del Frente a Carlos

“A mí la realidad no me gusta. Me da miedo. Lo mío es la noche, el show, la música, el teatro”. La Loca a Carlos

“La vida me va a quedar debiendo el amor que inventó para nosotros. ¿Te fijas cariño? A mí también me falló el atentado”. La Loca a Carlos

“Qué mezquina la vida, que nos regala tan pocos momentos como estos”. La Loca a Carlos

Una mezcla extraña es esta película en la que se conjugan el amor, el sexo, la violencia y la política. Y más extraña aún es su producción ya que tardó 15 años en aparecer en pantalla puesto que su escritor, el chileno Pedro Lemebel, presentó muchos acuerdos y desacuerdos con su director mexicano, Rodrigo Sepúlveda. En el año 2019, fallece el autor y cobra vida Tengo miedo torero haciendo caso de su mayor advertencia relacionada con la presencia del actor Alfredo Castro como su protagonista principal, en el papel de la Loca del Frente. Un gran acierto fue esta elección con un personaje travesti, lleno de sensualidad, que disfruta la música, el baile, el bordado, la comida y la amistad. Es generoso, solidario, pasional, a veces extravagante, con una sensibilidad hasta las lágrimas, y una gran resiliencia ante los traumas de su infancia, la relación con sus padres, su pobreza y el rechazo social del que no es ajena.

La película se sitúa en Santiago de Chile en el año 1986, en la dictadura de Augusto Pinochet, cuando se encuentra el protagonista con Carlos (Leonardo Ortisgris), un guerrillero secreto de origen mexicano, que le pide guardar unos libros en su casa de manera urgente, ya que son prohibidos. No sabe que lo que realmente hay allí son las armas para asesinar al dictador. Ambos establecen una amistad que descubrirá ese mundo homosexual prohibido entre un joven político y un viejo apolítico, en un ambiente conflictivo lleno de marchas, protestas, miedo, sangre y horrores. Será una búsqueda imposible entre el fortalecimiento del amor y el derrocamiento de un gobierno militar. Todo un drama es este filme de 93 minutos, del año 2020, que también nos regala bellas y nostálgicas canciones, muy conocidas en todos los países de habla hispana. Una obra que le fue criticada al mismo autor por romántica y que termina siendo reconocida por su director como un canto de amor histórico. 

  

NO HAY MALDAD

Cuatro historias independientes conforman esta película iraní que impacta por su tema y por la valentía de su escritor y director Mohamed Rasoulof. A través de ella, hace una denuncia al régimen autoritario y represivo de su país que aplica la pena de muerte por medio de sus mismos ciudadanos o de soldados que prestan el servicio obligatorio, convirtiéndolos en verdugos; no tienen otra opción, salvo ser ejecutados, o huir y perder su empleo. Fue filmada en secreto por Rasoulof, quien tiene prohibido salir de Irán y ha enfrentado cargos judiciales por su actividad política disidente. Sin embargo, pudo traspasar fronteras con su producción y ganó el Oso de Oro en el festival de cine de Berlín del año 2020. El premio lo recibió su hija y ahora la película se ha convertido en una reflexión para las nuevas generaciones a las que invita a anteponer la moral y la libertad a una vida deshumanizada, llena de culpa y represión.

Cada una de las cuatro historias tiene un título que va guiando su producción y desata la atención del espectador después de finalizada la primera. Ya se sabe cuál es el tema y crece la expectativa ante los título siguientes: No hay maldad, Ella dijo: “Tú puedes hacerlo”, Cumpleaños, y Bésame. En ellas podemos observar que los protagonistas no son precisamente las víctimas, sino los victimarios que tienen la obligación de hacer cumplir la ley y aplicar la pena capital. Asumen el rol de verdugos que prestan sus servicios a la patria, y terminan ajenos al dolor por la pérdida de tantas vidas y al sufrimiento de sus familias. A veces parecen olvidarse de la gravedad de sus acciones, como si consideraran que No hay maldad en su oficio, puesto que lo hacen por un imperativo legal.

Así, en la clandestinidad y con la colaboración de su equipo fílmico, Rasoulof protesta contra las ejecuciones que oscurecen el alma de Irán, y a pesar de las condiciones de prisión y de censura que sufre, encuentra esta salida que parece dar espacio a la esperanza y a la paz. Una producción con música y diálogos interesantes que resulta más atractiva aún por fuerza actoral de sus protagonistas.

MISS MARX

Eleanor Marx (Romola Garai), la hija menor del pensador y militante comunista Karl Marx, es la protagonista de esta película del año 2020 que, con buenos recursos de ambientación, vestuario y musicalidad, nos acerca a una época histórica que recrea su vida familiar, social y política. Con mente progresista y liberada, esta mujer luchadora de finales del siglo XIX continuó con la política de su padre y de su amigo Engels. A su vez, defendió variadas causas como los derechos de los trabajadores, las mujeres y los niños; el derecho al sufragio y a la educación por igual en ambos géneros; y en particular, la abolición de injusticias como el trabajo infantil, las duras jornadas con pagos irrisorios a los trabajadores y la carencia de prevención ante los riesgos laborales. Lideró muchas marchas y manifestaciones y estuvo a la cabeza de luchas feministas que atendió con pasión e inteligencia. Publicó también sus propios libros y demostró sus habilidades para el teatro. Sin embargo, con el paso del tiempo, su vida privada se vio alterada por su relación con Edward Aveling (Patrick Kennedy) -su eterno enamorado- al que amó incondicionalmente, haciendo caso omiso de sus frecuentes olvidos, infidelidades, desplantes, y sobre todo de sus exagerados gastos hasta dejarla en la pobreza. Él fue la imagen del típico vividor que la acompañó hasta su muerte.

Su directora, la cineasta italiana Susana Nicchiarelli, pone en escena a Eleanor “Tussy” Marx desde el momento de la muerte de su padre, cuando debe asumir -como herencia- el papel de líder socialista de su movimiento político revolucionario. Y lo hace, de manera cómoda, a pesar de las causas sociales que promulga y enfrenta con coraje, y de las tensiones propias de una época que desconoce el valor de la mujer en la sociedad y en la vida pública. Es una lucha que, finalmente, se torna difícil a los ojos de sus contemporáneos y del mismo espectador, puesto que no existe una sinergia entre esta y su vida privada. Es decir, cuando lo que fomenta en su discurso –igualdad y justicia- parece quedar atrás en su relación con Mr. Aveling. Resulta extraño, pero esa mujer fuerte, apasionada y decidida en la vida pública, termina siendo sumisa, obediente y rendida a los pies de su amante; en otras palabras, convertida en su víctima. Pese a esto, podemos verla ajena al dolor por la traición, las deudas y hasta la enfermedad porque amó demasiado y aprendió a vivir cada situación, anteponiendo sus sentimientos y su deseo de estar al lado de quien amaba. 

"Este filme nos da una idea de la complejidad del ser humano (…) y encarna muy bien las contradicciones entre la razón y el sentimiento". Miguel Pina, crítico de Cinemagavia, 8 de julio de 2021.

EL BUEN PATRÓN

Una crítica a quienes ostentan el poder -empresarial en este caso- y dan la imagen de liderar una organización exitosa ante los demás, con la intención de ser catalogados como los mejores. Sin embargo, quieren manejar sin escrúpulos la vida de sus empleados, hasta el punto de convertirlos en esclavos de sus deseos y ambiciones. El BUEN PATRÓN es un título cargado de ironía que se acerca a esa relación tan alejada entre el que manda y el que obedece, el que desea el éxito sin moral y el que trabaja sintiéndose víctima de los abusos del poder. Es una comedia y un drama del año 2021, con la dirección y el guion de Fernando León de Aranoa y la actuación de Javier Bardem como personaje central. Fue nominada por la Academia de las Artes y las Ciencias cinematográficas de España para el Premio Oscar y ganadora de 6 premios Goya como mejor película, guion original, dirección, actor protagonista, montaje y música; además de muchos otros premios.

Julio Blanco, propietario de Básculas Blanco, una empresa que fabrica balanzas industriales, se prepara para ganar el premio local a la excelencia empresarial. Tiene cinco días para hacerlo y lo que parecía perfecto empieza a mostrar sus partes débiles, hasta el punto de convertirse en un caos donde reina el descontento y la desorganización. Mientras llega la comisión evaluadora, el patrón -que se considera benefactor e interesado en el bienestar de sus empleados- da muestras de hipocresía en el manejo laboral, exhibe sin compasión su injerencia en la vida personal de sus trabajadores, acosa a una joven que realiza una pasantía en su empresa, y despide a un empleado que termina realizando un acampado frente a la fábrica y con megáfono en mano, lo amenaza todo el tiempo. Estas y otras situaciones terminan creando consecuencias inesperadas que ponen en peligro su ambición desmedida por ganar el premio.

Patrón y empleados, y conflictos laborales y personales se mezclan en esta película para manifestar con diplomacia las relaciones de poder, y hasta donde llegar para conseguir los objetivos, así se tenga que acudir a la intriga y a la deslealtad. De ahí que la balanza que aparece en la empresa como símbolo de honestidad y justicia nunca logra alcanzar el equilibrio perfecto.

AUDIBLE

Este documental americano es un drama de 39 minutos en el que su director, Matthew Ogens, traslada al espectador a un mundo de sordos con la intención de sensibilizarnos sobre su discapacidad y el problema que enfrentan en la vida real. Da un manejo respetuoso a sus personajes y una muestra de valores que despierta emoción. Impacta poder compartir su producción de manera auténtica, ya que nos conecta todo el tiempo con el mismo sonido que ellos perciben, acompañados de su lenguaje de señas. De ahí la apreciación de que lo más destacado de Audible es su diseño de sonido, “el mejor usado en cualquier documental que haya visto” (Matthew Ogens).

En esta historia se aprecia la vida de Amaree McKenstry quien, con sus amigos de la Escuela para Sordos de Maryland, siente la presión de afrontar el último año en el instituto. Ya se acerca el momento que los pondrá en contacto con el mundo de los oyentes y todos se preparan para que los partidos de fútbol sean exitosos hasta el final. No será fácil conquistar este triunfo puesto que deben aceptar la muerte, en extrañas circunstancias, de un compañero hipoacúsico; sin embargo, una racha ganadora les levanta los ánimos. De esta manera, hacen frente a la adversidad y -a pesar de que temen el acercamiento al mundo real- le darán la cara, usando la esperanza como una burbuja de protección.

Fue nominado al Mejor Cortometraje Documental 2021. 

MADRES PARALELAS

“Ahora me interesan más las madres imperfectas, las que viven periodos complicados de resolver. Las madres anteriores de mis filmes eran distintas, venían de la educación que recibí. Eran madres omnipotentes”. ALMODÓVAR

 “La sociedad española tiene una deuda moral enorme con las familias de los desaparecidos. No se puede borrar todo lo ocurrido en la guerra civil, después de 85 años”. ALMODÓVAR

Tras la recuperación de la memoria histórica de momentos dolorosos de la Guerra Civil Española, que ha sido la intención de Almodóvar con esta película, nos presenta –de manera paralela- la historia de dos mujeres que van a ser madres. Ellas dan a luz en el mismo hospital y desde ese momento se entrelazan en una relación que va cambiando y dando giros inesperados. Fue nominada a dos Premio Oscar 2021 por la actuación de su protagonista, Penélope Cruz, y por Mejor Banda Sonora. De igual manera, esta película de 123 minutos ha estado en la lista de muchos otros premios durante los años 2021 y 2022. 

La exitosa fotógrafa Janis (Penélope Cruz) busca la ayuda de un antropólogo forense para hallar los restos de su bisabuelo -víctima de la dictadura española- en excavaciones arqueológicas o fosas comunes de la provincia de Navarra. Entablará una relación con su consultor que la llevará a ser madre soltera e independiente. De este modo, aparece en un hospital de Madrid donde se encuentra con Ana (Milena Smit), una adolescente que espera un hijo de padre desconocido. Janis, mayor de edad, está feliz, tranquila y complaciente con su próximo rol, a diferencia de Ana que solo demuestra temor y arrepentimiento. No se conocen, pero la situación que viven las acercará de momento y más tarde les permitirá crear una fuerte amistad con vivencias inesperadas que marcarán el hilo de esta historia.

La maternidad es el tema central de esta película, que empieza y termina dando importancia a los acontecimientos históricos ya mencionados, los que –a su vez- parecen olvidarse cuando Janis confiesa su estado al antropólogo e inicia su transformación de madre y, más tarde, de amiga de Ann. Juntas estarán muy cerca del entusiasmo, la felicidad, la frustración y el dolor. Vivirán momentos inesperados en torno a su papel de madres, de mujeres en el hogar y fuera de él, y de féminas capaces de asumir con libertad y sin temor actitudes modernas que no son bien juzgadas en sociedad, o son “imperfectas” como las llama su propio director. Sin embargo, en los últimos minutos de la película se retoma la idea de pagar las deudas que tiene la sociedad española con las familias de los desaparecidos en la Guerra Civil. Y aparece Janis, nuevamente, buscando la identidad de las víctimas al asumir la tarea de darle un entierro digno a gente del pueblo que se sumió en el olvido, entre ellos su pariente.

Una cinta interesante, con una dirección e interpretación de actores muy valiosa, y una mezcla de sentimientos y actitudes inesperados.

LA CAMARISTA

Una película que dio lugar a opiniones encontradas, las que -al mismo tiempo- nos permitieron una apreciación más amplia de ella. La camarista retrata la vida de Eve, una joven mexicana de 24 años, con una historia laboral monótona y al parecer, con un alto nivel de frustración. No puede atender a su hijo por las exigencias de su trabajo y desea ser ascendida a un mejor puesto. Así, a través de su desempeño en un lujoso hotel de México, muestra la esclavitud y las carencias que tiene en su empleo, lo que la lleva a un cansancio notorio, un desánimo marcado y una fatiga de la vida.

Aunque respetamos esta opinión de una parte de nuestras integrantes y de la misma directora de la película Lila Avilés, a la mayoría nos pareció un poco sesgada la óptica para justificarla ya que la camarera cuenta con comida, vestido, salario, posibilidad de estudiar y  compañeros de trabajo que la aceptan Es cierto que vive momentos de desánimo, cansancio laboral por las extensas jornadas, y de frustración por el trabajo que ejerce, sin la posibilidad de ser una verdadera madre, como sucede en tantos empleos hoy en día; pero resaltamos ese derecho a laborar y a ser una trabajadora de hotel con retribuciones y obligaciones. Además, nos presenta una imagen muy estática y monótona de su protagonista, con cambios mínimos en su expresión facial y corporal, y con limitados deseos de salir adelante. Sin embargo, reconocemos que es marcada la soledad, la frialdad y el aislamiento personal de Eve en un hotel con grandes habitaciones y “clientes fríos, egoístas y excéntricos”. Quiere ser ascendida a la planta 42 donde laborará con mayor sueldo y propinas más valiosas, pero no lo logra. En otras palabras, la película se desenvuelve en un ambiente que sí habla de aburrimiento y desilusión, reforzado con la ausencia de música y de color, donde el espectador siempre encontrará imágenes en blanco y gris, excepto al final cuando lo sorprende la luz de la calle.

Fue preseleccionada, sin éxito, para representar a México en los premios Oscar 2020 como mejor película extranjera. Obtuvo los Premio Ariel de Mejor Ópera Prima, de Mejor Película en el Festival de Morelia y el Premio Especial del Jurado (Ópera Prima) en el Festival de La Habana. La cinta se inspiró en el libro L`Hotel, de la artista francesa Sophie Calle.

"Un vals visual a través de los espacios, las personas y los objetos que configuran la clase obrera en México, donde la realidad y los sueños de estas personas dialogan y bailan entre sí". Mariano Rentería Garnica, director de cine mexicano.

Nomadland

“En este estudio poético de personajes sobre los olvidados y los oprimidos, Nomadland captura a la perfección la inquietud dejada a raíz de la Gran Recesión”. Chloé Zhao

Una mujer con un espíritu nómada, que busca un poco de felicidad en el camino, no entre cuatro paredes, es la protagonista de esta película. Así, viajando, se acerca a un mundo libre que no logró encontrar en un solo lugar. Ya nada la detiene, ni siquiera la soledad por la muerte de su esposo, ni sus sesenta años porque valora la libertad y no quiere más ataduras. Tampoco, las dificultades económicas producto de la recesión estadounidense del año 2008 que no le permitió jubilarse y, por el contrario, animan su deseo de vivir en distintas localidades. Esta viajera solo quiere huir y, con alas de libertad, dará un extenuante recorrido que reflejará las características de esta crisis personal y social, y buscará empleos precarios a lo largo de su país.

Fern (Frances McDormand) vende sus pertenencias y compra una furgoneta donde irá inicialmente en una caravana, después de abandonar Empire, ciudad ubicada en la zona rural de Nevada. Recorre el país en busca de trabajo y soportará múltiples experiencias e incomodidades en este itinerario errante de "mujer nómada, solitaria y luchadora". Sin embargo, tiene encuentros valiosos con personas de su mismo nivel de subsistencia que marcarán su ruta y dejarán huella en este personaje sencillo y de pocas palabras, que sabe jugar con la naturalidad del paisaje y con las lecciones de esperanza y resiliencia que cada día aprende. Es una historia que muestra la realidad americana de "miles de personas que viven y viajan en casas rodantes por Estados Unidos".

Este drama, escrito y dirigido por Chloé Zhao, está basado en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century escrito por Jessica Bruder. Casi todos los actores son verdaderos nómadas y conservan su identidad, hasta el punto de parecer un documental. Fue estrenado en septiembre de 2020 en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde recibió el León de Oro. Nominado también a seis premios Oscar en el año 2021, de los cuales ganó tres por mejor película, mejor director y mejor actriz. Zhao es la primera mujer asiática en hacerse acreedora a este galardón, y McDormand obtiene el tercer Oscar como mejor actriz principal. Esta producción también ganó dos Globos de Oro por mejor película y mejor dirección, además de muchos otros premios internacionales. 

"La cinta, en su corazón, es una peregrinación a través del luto y de la sanación". Chloé Zhao

 

LOS ABISMOS de Pilar Quintana, Premio ALFAGUARA de Novela 2021

UN ESPACIO PARA LA LITERATURA

El premio de Novela Alfaguara 2021 motivó nuestro interés hacia la lectura de la obra ganadora Los Abismos, de la escritora colombiana Pilar Quintana. ¿Qué pudo llevar a la novelista a enfrentar este tema en palabras de una niña que a veces parece mayor y se enfrenta sola a sus temores? Es un libro que expresa frustraciones e insatisfacciones en torno a la relación conflictiva de una pareja incapaz de dar amor y verdadera compañía a su única hija. Relata la historia tensa de esta familia, producto de una sociedad machista, cuya madre repite el rechazo de la generación anterior de estar atada a un modo de vida del que no fue capaz de escapar, el matrimonio. En otras palabras, refleja un universo femenino estrecho y cargado de laberintos, en medio de una atmósfera cerrada y oscura. 

Claudia, de 8 años, es su protagonista y vive en Cali, en un ambiente invadido de plantas que imposibilitan su libertad; se siente sola, triste y sorprendida por la relación de sus padres que no logra comprender. Ellos, con una diferencia de 21 años, poco hacen para manifestarle su afecto y ayudarle a crecer. Su madre que es depresiva y está insatisfecha con su papel materno, con frecuencia no habla, se encierra en su cuarto a leer revistas Vanidades, y a tomar whisky y antialérgicos. A la vez, su padre, un hombre mayor y silencioso, se muestra dedicado al trabajo como dueño de un supermercado, y, a veces, juega parqués con su hija e intenta darle gusto a su mujer. En una de estas ocasiones, acepta la propuesta de ir de vacaciones a una hacienda alquilada por una familia rica, muy cercana a su madre en el pasado. No fue fácil llegar allí por el terreno quebrado, lleno de precipicios, montañas cubiertas de niebla y acantilados a su alrededor. Más difícil aún, soportar la presencia de este paisaje desde la casa, el clima frío, de nuevo la soledad y el silencio, y los recuerdos presentes de los antiguos amigos de su madre, revelados por ella sin ninguna discreción. Sin embargo, para Claudia, el mayor temor era que su mamá muriera y que su padre se accidentara por esta carretera ya que viajaba todos los días a la ciudad. Sentía que “estaba en el lugar perfecto para desaparecer”. Muchas amenazas se conjugan en este lugar mientras la niña que cuida a su muñeca, observa, siente dolor e intenta –sin conciencia de la situación- descubrir esas grietas que están a punto de destruir su mundo. Desconfía de su realidad porque encuentra abismos físicos y psicológicos que están llevando a su familia al borde del precipicio.

Los abismos es la quinta novela de Pilar Quintana, reconocida en la actualidad por su valiosa producción de cuentos y novelas. Impacta la lectura de su obra por la capacidad de acercarse a su propio mundo infantil y atar cabos de una realidad que no niega y que intenta manifestar desde la mirada actual. Para lograrlo, acude a su protagonista que debe expresarse como niña, aunque enriquece su expresión con diálogos que sorprenden y un vocabulario variado relacionado con olores, sabores y, en especial, la visión del campo rico en animales, plantas, aire, niebla y viento. Aparece la naturaleza en todo su esplendor y el paisaje caleño que no la abandona.

"En la finca pensé que habíamos estado viviendo dentro de las nubes".

"La neblina, gruesa bajo la luz de la entrada, corría con la velocidad del viento, que remecía los árboles y aullaba furioso, como un fantasma al encañonarse".

"Las nubes, en el cielo azul, escasas y enclenques, parecían virutas que alguien hubiera olvidado barrer".

                                                                                                                 https://youtu.be/ccWz_d_MzYI

THE FATHER

 

“Me siento como si estuviera perdiendo todas mis hojas… las ramas, el viento y la lluvia. Yo no sé ni qué está pasando.”

“A nuestro alrededor pasas cosas raras, ¿no lo has notado? Pregunta Anthony a su hija Anna después del primer episodio de pérdida de la memoria.

Laura: Es la hora de la medicación. Es mejor tomarlas ahora. ¿No cree? Esta pequeña azul es la que le gusta. Su pastillita azul. Mire, es un color bonito, ¿no? Anthony: ­¿Puedo hacerte una pregunta? Laura: Sí. Anthony: ¿Eres monja? Laura: No. Anthony: ¿Entonces, por qué me hablas como si fuera retrasado?

“Lo vi en sus ojos. No sabía quién era. Era como si yo fuera una total desconocida para él. Me afectó mucho”. Anne

Una mirada al mal de Alzheimer en primera persona es el regalo para el espectador de esta película que capta directamente la visión de la enfermedad, aunque termina tan confundido como su protagonista Anthony Hopkins. Este personaje, que vive en un apartamento londinense, aparece inmerso en un torbellino de confusiones ya que empieza a olvidar a sus parientes, desconoce el tiempo y el espacio, y no diferencia la realidad de la fantasía debido a su demencia. Por lo tanto, perturba a quien está frente a la pantalla compartiendo sus vivencias y asumiéndolas como parte de su diario vivir. A medida que avanza la película y cuando aparecen otros personajes como su hija Ann (Olivia Coleman), el esposo de ella y sus cuidadoras, vamos descubriendo la verdadera historia en esta montaña rusa que es el mundo de Anthony. Y mientras se da este entendimiento -en esa mezcla de acciones, acompañantes difusos y pérdida de la memoria a grandes pasos-, nos llenamos de compasión y de tristeza, a la vez de cierta ternura y humor. Duele hasta las lágrimas ver el deterioro de un paciente que va penetrando en "el universo desconocido de la mente" y llegar a su triste final. Inquieta también la visión desgarradora de la enfermedad que puede estar rondándonos o tenerla muy cerca de nuestro ámbito familiar.

De manera especial, llama la atención el espacio físico de la obra: un apartamento de dos colores, azul y amarillo, en un juego de claroscuro que produce el efecto de calidez y sufrimiento, con puertas que se abren y se cierran con frecuencia, y con muebles que impactan por su organización. Todo esto nos acerca a la soledad del protagonista y a su mismo aislamiento, dándole a la obra una presentación casi teatral.

Anthony Hopkins, encarna sin dificultad y de manera admirable este personaje que posee sus mismas características físicas y lo hace con tal alarde de emociones que termina con el Oscar al Mejor Actor 2020. Su director y guionista, el dramaturgo francés Florian Zeller, esperó el sí de este intérprete octogenario durante tres años para adaptar su exitosa obra de teatro a la pantalla. Así, con esta ópera prima logra seis nominaciones al premio Oscar, obteniendo también el premio al Mejor Guion Adaptado. The Father ha recibido muchos más reconocimientos y seguirá obteniéndolos por su magistral puesta en escena y el impacto que causa en el espectador ya que lo enfrenta a ser testigo de una situación, cada vez más presente en nuestra sociedad.