NUEVE REINAS

Bien se ha dicho que la trampa es el delito más inteligente que hay, el artífice de una maquinaria que todo lo envuelve y termina cobrando réditos a quienes menos lo esperan. Una tarea nada fácil para dos actores como Ricardo Darín y Gastón Pauls que la asumieron con éxito en el año 2000 bajo la dirección de Fabián Bielinsky. Esta obra maestra del cine policial argentino ha ganado 21 premios internacionales y es considerada un clásico de la cinematografía de este país.

Marcos y Paul, dos estafadores de diferentes edades, se encuentran accidentalmente y deciden trabajar juntos. Marcos, el mayor y más aventajado, sorprende a Paul con cada uno de sus chantajes y lo motiva a seguir adelante en su trabajo delincuencial. Así inician un dueto conformado por el maestro y el aprendiz que se irá afianzando cada día hasta que se les ofrece la gran oportunidad que consideran los sacará de problemas y los hará ricos. Un antiguo compañero de Marcos, ha sufrido un ataque cardíaco, y alguien debe remplazarlo en su negocio de vender una colección de estampillas falsas por un valor de medio millón de dólares. Son las nueve reinas que provienen de la República de Weimar. Nuestros protagonistas vivirán una cantidad de aventuras que mantendrán al espectador en continuo suspenso y lo asombrarán con un inesperado final. Será un rompecabezas muy atractivo, propio del cine de estafadores, en el que encuentran la simpatía del público, aunque en su desenlace se reconozca el engaño y se termine siendo víctima de este juego fraudulento. Una película dinámica, ingeniosa y divertida.

"Cuando escribí Nueve reinas, lo hice sin pensar en el público, en la crítica, en si era más o menos comercial. Pero después del estreno, la gente se hizo militante de la película. Decía que le gustaba sobre todo porque era argentina y se reconocía en ella”. 
F. Bielinsky

JULIETA

Alice Munro, con sus tres relatos: Destino, Pronto y Silencio, inspira a Almodóvar en la producción de Julieta. Él cuenta que intentó unificarlos a través de este personaje central y que finalmente se dejó llevar por su propia historia que tiene como protagonista a a una madre. «Ya he hecho muchas películas sobre madres. Pero esta es la más vulnerable, débil y con poca capacidad para luchar de mi carrera, que posee cierta resistencia pasiva en comparación con el resto de madres. Como guionista la hago sufrir pérdidas irreparables que la van minando. Al final es un zombie que camina por las calles sin esperanza». De esta manera, su productor confiesa su cercanía con la protagonista, una mujer mayor que lo ubica en su tiempo y que solo ahora, cuando ya es mayor, puede identificarse con ella, con su dolor y sus miedos.

Julieta aparece en dos personajes: la joven enamorada (Adriana Ugarte), madre de Antía y compañera de Xoan, que asume las venturas de la vida con placidez y valentía; y la mujer madura de 52 años (Emma Suárez), sola, triste y desesperada que no ha podido entender el abandono de su hija. De nuevo, vemos al mar, bello y voluptuoso, como un protagonista más que se encarga de traer el duelo a una familia que disfruta de su compañía. Inexplicable la conducta de la hija quien durante 14 años ha desaparecido sin dejar huella alguna en su mundo familiar. Hay misterio y dolor ante la presencia de su nombre y Julieta se trasforma por completo en su intento por hallarla. Abandona a su actual compañero y se entrega a un sentimiento desgarrador que no tiene límites cuando contempla la esperanza de poderla encontrarla. 

Más mujeres y más madres aparecen en esta película que explora las vivencias femeninas y da énfasis a la lucha de esta madre por recuperar a su hija porque es grande el dolor de quien la ha perdido, sin justa razón y sin explicación alguna. Muy valiosa la forma de acercarse a ella a través de las palabras, en una confesión escrita colmada de secretos, que duele y acerca al espectador a este drama tan cercano al mundo femenino. Una valiosa producción de 96 minutos cargada de silencios y de variadas sensaciones. Es la película número 20 de Almódovar que aspira llevarse el Oscar de Mejor Película Extranjera el próximo año.

EL FESTÍN DE BABETTE

Interesante ver en esta película la recreación de una época, siglo XIX, con énfasis en el vestuario, las costumbres, la religión, la alimentación y la educación. Se desarrolla en un lejano poblado de Dinamarca donde se percibe una vida plana, sin sentido, centrada en los rezos y cantos al interior de un hogar dominado por el padre, un pastor protestante. Sus dos hijas, Filipa y Martina, parece que han hecho votos de castidad por la misma entrega y sumisión a él, quien las tiene a su disposición como la mano derecha y la mano izquierda. A su lado llevan una vida austera y puritana, marcada por el compromiso con Dios y alejadas del mundo, de tal manera que aíslan a sus pretendientes y se condenan a la soledad. A este poblado llega una mujer parisina, Babette, refugiada de la represión francesa de 1871 y dispuesta a trabajar como criada de estas hermanas mayores cuyo padre ya ha fallecido. No tienen dinero, pero sí deseos de aceptar la ayuda de la recién llegada a quien le dan calor de hogar. Con ellas comparte catorce años, hasta que un buen día resulta ganadora de una lotería. Una sorpresa grande dará Babbete a estas dos mujeres y a los amigos del poblado -el resto de la congregación- que siempre han rechazado los placeres y el gozo que proporciona lo material. Será un regalo sin igual para sus ojos, sus paladares y sus corazones.

"Yo podía hacerles felices cuando daba lo mejor de mí misma"

“Una mujer capaz de transformar una comida en una especie de asunto amoroso, en una relación apasionada en la cual uno no puede diferenciar el apetito físico del espiritual…”

Esta producción danesa del año 1987 está escrita y dirigida por Gabriel Axel, y es la primera de esa nacionalidad en ganar el Oscar a la mejor película extranjera. Obtuvo también una mención especial del jurado en el Festival de Cannes. El festín de Babette es una pequeña obra maestra, de ritmo lento, caracterizada por su sencillez y humildad. Los cantos y plegarias de la comunidad dominan buena parte de la película y parece lento el interactuar de los personajes sin hallar un punto álgido, hasta que ingresa su protagonista. A través de ella, captamos de manera elocuente el poder de la comida y la bebida, y cómo se pueden transformar los corazones fríos y alejados del mundo con manifestaciones cálidas y generosas. Así, Babette, de manera artística llega a todos sus invitados y los hace disfrutar de un festín inolvidable que cambiará su percepción de la vida. Se puede ser feliz en medio de la sencillez, si creamos espacios para compartir momentos agradables con quienes nos rodean. Un homenaje a la generosidad y a la fraternidad. 

EL VALLE DE LOS CARNEROS

Ante las dificultades, la fuerza de la sangre atrae y logra unir lo que la vida desvió de su camino. Parece imposible que dos hermanos que viven cerca y después de 40 años de alejamiento, puedan reencontrarse y articular sus fuerzas ante la presencia de un conflicto. Gummi (Sigurður Sigurjónsson) y Kiddi (Theodor Juliusson), que habitan en una lejana aldea de Islandia y dedicados por completo a la crianza de ovejas y carneros, deben tomar una decisión que los una o los separe definitivamente. Su más amado bien, a quien le han dedicado su vida entera, son estos animales, que deben ser sacrificadas por la presencia de una infección que amenaza con extenderse a todos los rebaños de la localidad. ¿Se acogerán, como todos los ovejeros, a las normas dictadas por los organismos de control sanitario de sacrificarlos? ¿Cómo aceptar esta sentencia de muerte para su más preciado tesoro, marcado por un linaje ancestral? ¿Vencerán su enemistad para buscar la salvación de su mayor riqueza, su razón de vivir? Un dilema moral nos plantea esta sencilla película, carente de mucha acción y personajes, aunque cargada de detalles visuales que le dan un tono magistral. 

Una historia en la que prima el amor por los animales y esa entrega desmedida al trabajo con ellos hasta llevarlos a ser los mejores en su crianza. Porque los carneros son la única compañía de estos viejos granjeros hacia la que vuelcan todo su corazón. También cuentan con un paisaje blanco, triste, colmado de ventisca y sierras imponentes al igual que su soledad. Impacta su mundo cerrado tan alejado de la sociedad moderna, la ausencia de la presencia femenina y el trabajo solitario acentuado por la depresión y el alcoholismo. En ocasiones especiales, estos hermanos disponen de una música alegre que los anima y les da fuerza en la intimidad de su hogar donde cada uno celebra su fiesta tradicional. Es de resaltar, que a pesar de su rivalidad, encuentran una forma de comunicarse y es a través de un perro, otro fiel acompañante, que lleva y trae sus mensajes escritos a mano. Los carneros y el perro acompañarán a sus amos hasta el final de la película que resulta impactante y sobrecogedor, y da un espacio para sea el espectador quien proponga su desenlace.

En el año 2015, esta cinta islandesa estuvo nominada a los premios Oscar en la categoría de Mejor Película de habla no inglesa, obtuvo el premio a la Mejor Película en el Festival de Cannes, y recibió La Espiga de Oro en el Festival de Valladolid. Su director, el mismo guionista, es Grímur Hákonarson quien conoce bien la forma de vivir de los agricultores solteros de su tierra, al igual que sus paisajes. Muy acertada su intención de enfrentar las fuerzas de estos dos hermanos a las adversidades de la naturaleza, en un sitio agobiado por las inclemencias del tiempo y de la misma sociedad.

TE AMARÉ ETERNAMENTE

“Eterno sueño del hombre es el de extender su propio viaje existencial”

Tornatore 

El amor y la tecnología se mezclan en esta película para producir una historia que da vida a quien ya no existe y perdura en el tiempo y en el espacio de su amada. Dos personas de diferentes edades y perdidamente enamoradas se enfrentan a un destino que las obliga a superar la terrible realidad de la muerte. Él es Ed (Jeremy Irons), un hombre mayor y un brillante profesor de astrofísica, y ella Amy (Olga Kurylenko), una joven universitaria y al mismo tiempo doble en películas de acción. El espectador los observa juntos en las primeras escenas cuando se despiden porque él debe viajar y desde ese momento solo será testigo de un amor a distancia alimentado por correos electrónicos, chats, videos, cartas envueltas en sobres rojos y regalos que llegan a ella a cada instante y desde diferentes partes de Europa. Aunque conoce los informes sobre la desaparición de Ed, Amy acude a todos estos lugares esperando encontrarlo con vida y, a cambio, recibe mensajes de amor que hará más segura su esperanza. Muchos días pasarán para entender que la noticia de su fallecimiento es real y a pesar de esto, ella intentará mantenerlo vivo porque su imagen le ha regalado momentos de placidez y alegría. Al final, Ed encontrará la paz y su verdadero descanso. Pareció egoísta al querer retenerla después de muerto, pero fue un tiempo útil para que Amy superara su ausencia, se reconciliara con su pasado y encontrara respuestas a otros interrogantes que tenía desde niña. 

Su director, el italiano Giuseppe Tornatore, hace uso del lenguaje tecnológico, indispensable en la comunicación actual y sustituto muchas veces de la presencia del ser humano. En la película se ve claramente cómo se llevan a cabo las relaciones afectivas y cómo el contacto virtual sustituye toda relación física. Bien puede afirmarse lo que muchos han dicho sobre esta producción: “El amor trasciende a la misma muerte”. Un drama romántico que transmite melancolía, con una fotografía llena de lugares mágicos y una música a cargo del laureado compositor Ennio Morricone. Fue filmada en Escocia, Italia e Inglaterra en el idioma inglés y publicada este año.

UNA PASTELERÍA EN TOKIO

“Sigo pintando y haciendo películas sobre la condición humana porque creo en la dimensión espiritual del cine. Pienso que el cine es otra vida, y lo que no puedes hacer en la vida real lo puedes hacer rodando. Eso es en lo que creo”. Naomi Kawase

Un diálogo entre el otoño y la melancolía, entre la juventud y la vejez, entre la vida y la muerte. ¿Cómo no aceptar la carga de una enfermedad si se tienen las alas dispuestas a volar? ¿Cómo no salir adelante, a pesar de las dificultades, si se poseen los conocimientos y las herramientas para emprender una nueva ruta? ¿Cómo no crecer cuando alrededor está la naturaleza regalando continuamente múltiples enseñanzas? Una bella producción que hace énfasis en el valor de la sencillez. Una película que toma como modelo las cosas simples y las convierte en hechos maravillosos llenos de humanidad y de emoción. La naturaleza aparece rodeándolo todo y son los cerezos en flor los que entablan diálogos con la protagonista, al igual que la luna y los pájaros. Sin olvidar, su entrañable relación con los fríjoles rojos o judías que son los que le regalan su mayor arte, la paciencia.

Un regalo de enseñanzas nos deja este drama japonés del año 2015, dirigido por Naomi Kawase y basado en el libro del mismo nombre, de Durian Sukegawa. En él, Sentaro (Masatoshi Nagase), empleado de una pastelería, prepara los dorayakis o pasteles rellenos de frijol rojo. Necesita un ayudante y allí acude Tokue (Kirin Kiki), una anciana deseosa de trabajar y mejorar la preparación de estos dulces, sin ser aceptada. Pero, cuál no sería la sorpresa de Sentaro al probar lo que las manos de esta mujer pueden fabricar. Cambia entonces de opinión y la transformación de su negocio es total ya que mejora la producción, las ventas son exitosas y al lado de Tokue, el aprendizaje de esta receta se convierte en un ritual que lo cautiva por completo. Con ellos, aparece siempre Wakana, una estudiante que recibe los pasteles defectuosos para solventar sus problemas económicos. Los tres son personas solitarias, alejados de la sociedad y con dificultades diferentes, pero con el paso del tiempo crearán lazos tan estrechos que ayudarán a que cada uno encuentre la oportunidad que le dará sentido a su vida. Serán confidentes de sus heridas y podrán sanarlas mediante la aceptación mutua y la apertura de sus corazones.

“He hablado con las judías (semillas con las que se prepara el dulce de los pastelillos), he escuchado su voz, he visto el camino que recorrieron antes de llegar a la tienda: el sol que las abrazó, el agua que las regó. He visto cómo crecieron y cómo ahora están acá. La cocina es el arte de escuchar”. Tokue

EL HIJO DE SAÚL

Un testimonio más, un motivo más, una película más para que no se olvide la tragedia más grande de la historia: EL HOLOCAUSTO NAZI. En este caso, una realidad descarnada que nos dejó sin palabras. Terminamos de verla con el corazón hecho pedazos y asombradas de una cruda radiografía que supera todas las producciones hechas sobre este tema. Difícil captar tanta violencia contenida en una película y más difícil aún encontrar los motivos para llevarla al pódium de los Oscar de este año como mejor película extranjera. Una obra oscura, con una imagen cuadrada y planos muy cerrados, teñida de dolor y escasa de elementos estéticos para ubicarla como la ganadora.

¿A qué obedece la obsesión de Saúl de evitar que un niño muerto no sea llevado al horno crematorio? ¿Qué motivo lo lleva a salvarlo de las llamas a la que están condenados todos los cadáveres, víctimas de la II Guerra Mundial? Son preguntas constantes que se hace el espectador en medio de tan desoladoras imágenes. Porque este prisionero judío de origen húngaro, que actúa como autómata, colabora en el exterminio por orden del ejército nazi en el campo de concentración de Auschwitz. Allí, algunos prisioneros son retenidos por algún tiempo, para ejecutar la tarea de llevar a los refugiados a las cámaras de gas, quemarlos y posteriormente limpiar los crematorios. Uno de ellos es Saúl Auslander (Géza Rohrig) quien se obsesiona por evitar que un chico de unos 12 años tenga el mismo fin de todos los condenados. Lucha entonces por salvarlo del destino de los hornos y lo lleva hasta un médico, también prisionero, para esconderlo mientras encuentra un rabino que le dé cristiana sepultura. Al parecer, Saúl cree que es su hijo. 

Su director, Láslzó Nemes, asegura que su obra lo ayudó a conectarse con su herencia judía. Así, ubica a su protagonista privado de la libertad, pero deseoso de darle vida a sus instintos de salvar la humanidad, con una buena intención y sin esperanza de vida. Una hazaña útil que transforma sus sentimientos en acciones y que tal vez justifica tanta carga emocional para quien es capaz de acercarse a esta cinta.  

ABOUT A GIRL

¿Qué hacer cuando un adolescente intenta suicidarse? ¿Conviene aprovechar la ayuda de un profesional para evitar los cuidados hospitalarios y estar con él en casa? ¿Será útil la ayuda de un psiquiatra?  ¿Deberá continuar en el mismo colegio, con los mismos amigos y con la misma libertad? Son interrogantes que seguramente se plantean los padres de Charleen (Jasna Fritzi Bauer), una joven cercana a los 16 años, muy rebelde, rabiosa, introvertida, pesimista y amante de la música de Kurt Cobain. No encuentra apego a la vida y decide ponerle fin a su existencia. Como no lo logra, despierta en una clínica sometida a muchos cuidados. Es el momento en que sus padres que están separados vuelven sus ojos a ella y empieza el análisis de sus vivencias y de todo lo que la rodea. Su mejor amiga no es su seguidora incansable y frecuenta otros ambientes que la hacen sentir sola y aislada. Su padre rockero ha abandonado su hogar y para Charleen es como si hubiera muerto. A su madre y a su hermano pequeño no los soporta ni un instante. Considera tontos a sus compañeros de clase, al igual que a su profesor quien es ahora su padrastro. Solo tiene contacto con Linus, un chico tímido y superdotado, que encuentra en sus visitas al psiquiatra. Le molesta su presencia, así como estar sometida a psicoterapias constantes frente a un profesional que parece un loco e ignora sus molestias.  Al parecer, la única presencia agradable para ella es la de abuela. Sin embargo, todos aportan algo para su reincorporación a la vida, lo que la ayuda a reencontrarse con valores existenciales que le inyectan un gran optimismo y mucha alegría.

Valioso el análisis de esta situación, tan frecuente hoy en día, y que presenta una salida terapeútica útil. Mark Monheim, el director de esta película alemana, hace con este primer largometraje un cuestionamiento constante del valor de la vida y de la muerte. Con una música sensible y con unas tomas fantásticas, llega a todas las instancias que afectan el desarrollo normal de la adolescencia. Va a la familia, a la escuela, a la sociedad, al estado y a los grupos de ayuda. Así, descubre que Charleen establece un nexo positivo con la abuela, pues se transforma ante su sola presencia, suaviza sus gestos y aprende su mayor lección: “La muerte es buena porque se aprovecha el regalo de la vida” y por lo tanto, no “merece la pena tomar atajos melodramáticos”. Ella termina entonces valorando esta nueva oportunidad que le da un giro grande a su angustia. Enriquece así su personalidad y la relación con quienes la rodean. Su madre, cargada siempre de coraje y comprensión, luchará por sacarla adelante.  Su padre y su hermano pasarán a ser mirados con una óptica positiva. Y Linus, llegará con paciencia hasta su corazón haciéndole descubrir que lo opuesto a la muerte es el amor. Por su parte, el psiquiatra ganará terreno en esta lucha por acercarse a ella y su amiga será aceptada con todas sus particularidades. Un esfuerzo grande por vencer el miedo hacia los sentimientos opuestos.  

DIFRET

EN DEFENSA PROPIA es el nombre en español de DIFRET que en su idioma original significa valor, osadía. Su productora ejecutiva es Angelina Jolie quien demuestra su activismo filantrópico a la hora de apoyar a las personas más necesitadas. En este caso, a las mujeres de Etiopía, víctimas de tradiciones bárbaras, que parecen estar por encima de la ley. Ellas son maltratadas en una sociedad patriarcal donde imperan las condiciones de dureza contra el género femenino. La mujer es captada por su raptor, sin importar la edad, y secuestrada con violencia para hacerla su mujer. Al mismo tiempo existe la ablación en zonas rurales donde la ley no se aplica aún, a pesar de que desde el año 2004 el Código Penal empezó a castigar estos delitos con años de cárcel. No es fácil romper con estas tradiciones y creencias tan arraigadas, y cuesta abrir un espacio de igualdad de derechos promovido por las nuevas generaciones.

Hirut (Tizita Hagere) es una niña de 14 años, procedente de una comunidad campesina de Etiopía de los años 90. Allí  estudia y sueña con salir adelante hasta que una tarde, cuando regresa de su estudio, sufre el ataque de un grupo de hombres a caballo. Es maltratada, secuestrada y violada por uno de ellos.  Sin embargo, aprovecha un descuido de este grupo, coge un arma e intenta huir. De inmediato es perseguida por sus captores y su única solución es utilizar el arma para defenderse. Da muerte a uno de sus raptores y termina siendo encarcelada. Será condenada a la pena de muerte, desconociendo su actuación en defensa propia. Esto se convierte en un atentado contra uno de los ritos tradicionales de su pueblo: “el telefa” o matrimonio por rapto. Por fortuna, llega allí la abogada Meaza Ashenafi (Meron Getnet) que se interesa por las mujeres desprotegidas y ha creado una red de ayuda para ellas. Será incansable su trabajo en la defensa de Hirut. Tendrá que enfrentar las críticas y censuras de representantes de la policía y del Gobierno, y pondrá la ley por encima de ellas.

Su director, Zeresenay Mehari, hace una defensa de la mujer africana en este drama de 99 minutos. A través de la actriz, dramaturga y poeta etíope, Meron Getnet, reivindica los derechos femeninos y rompe con esquemas culturales tan arraigados en muchas partes de este continente. La película ganó en el 2014 el Premio del Público en el Festival de Sundance y en el Festival de Berlín. Fue rodada con gran sensibilidad evitando la crudeza de escenas violentas, con excelente música y un bello paisaje.

LA CHICA DANESA

"Esta película es el retrato de un matrimonio que vive un profundo cambio con el amor como guía". Tom Hooper

La historia de la pintora danesa Lili Elbe es el tema de esta película británica del año 2015, basada en la novela homónima de David Ebershoff. Obtuvo el premio Oscar 2016 por Mejor Actriz de Reparto (Alicia Vikander) y cuatro nominaciones más al mismo premio, incluyendo Mejor Actor (Eddie Redmayne).

Einar y Gerda Wegener son una pareja de pintores daneses que trabajan plácidamente y gozan de su relación. Él se dedica a los paisajes, mientras que el tema de ella son las modelos femeninas. En una ocasión, Gerda debe terminar un cuadro y ante la ausencia de su modelo, es Einar quien posa con ropa de mujer. Él disfruta de esta transformación y se entrega al placer de tocar texturas suaves con formas envolventes que le recuerdan otras épocas de su vida cuando tuvo que frenar sus instintos. Ambos gozan con esta locura y alcanzan el éxito, pues las pinturas encuentran una acogida inesperada. No obstante, es el año 1912, lo que puede afectar su trabajo pues en Copenhague esta historia ya empieza a tener una versión popular. Viajan entonces a París donde se vive abiertamente y encuentran buena aceptación de sus obras. Einar, por su parte, ya no esconde su secreto: es Lili en todas partes quien acompaña a “su hermana Gerda”. Juntos asisten a eventos sociales donde Lili coquetea con oficiales que desconocen su situación. Así, el juego que disfrutaban ambos empieza a resquebrajar esta relación y mayor será el esfuerzo de Gerda quien pierde definitivamente a su marido. Sin embargo, será ella la cómplice incondicional de la transformación de Einar en Lili y lo acompañará en todas las tareas que conlleva este proceso.

Se plasma aquí uno de los primeros casos de operación y cambio de sexo basado en una historia real de comienzos del siglo XX. Sin lugar a dudas, David Hooper, el director de esta película, lo ha hecho con sutileza y elegancia. El juego de travestirse lleva al personaje a descubrir su verdadera naturaleza y con demasiados temores y obstáculos lo acerca a este nuevo rol. Tendrá que caminar por senderos difíciles en los que temerá enfrentarse a una sociedad intolerante que no acepta la diferencia. Así mismo, las vivencias dolorosas por la ruptura con su yo anterior, contrastará con ese positivo hallazgo al final de su conversión. Lili termina siendo motivo de inspiración y orgullo en el movimiento transgenérico mundial, aunque su aporte es mínimo puesto que no podemos olvidar la marcada discriminación y opresión que sufre esta comunidad en muchas partes del mundo. Una producción muy valiosa.

"Soy Lili, vital y he probado que he tenido el derecho a vivir durante 14 meses. Puede que 14 meses no sea mucho tiempo, pero a mí me han parecido una vida entera y feliz".

VIOLETTE

10 de marzo

“El amor es algo que cuando corremos no lo encontramos. El problema del amor es que primero lo tenemos que encontrar en nosotros mismos. Todos conocemos a buenas personas con mala suerte sentimental porque arrastran problemas de autoestima que les impiden relacionarse naturalmente en ese plano. Violette estaba muy marcada por su infancia difícil, por su condición de bastarda. Eso le generó mucho sufrimiento pero al mismo tiempo fue un motor muy importante de su creación. Los escritores suelen ser personajes solitarios porque la escritura requiere un gran compromiso, es un trabajo que aparta del mundo”.  Martin Provost

La soledad y la depresión acompañan a Violette Leduc (Emmanuelle Devos), una mujer sin afecto alguno y con una autoestima totalmente negativa. ¿Cómo salvarla? Su habilidad por la literatura se convierte en su defensa. Después de un pasado doloroso -sin padre, con una madre casi ausente y sin hallar el amor del hombre que la acompaña-, encuentra el mejor escape en sus escritos. Ellos van teniendo éxito en el ambiente parisino de 1960, cuando conoce a Simone de Beauvoir (Sandrine Kiberlain) quien valora y apoya su trabajo. Esta famosa escritora francesa de la posguerra halla riqueza en su mundo interior y le transmite a Violette una imagen positiva de sí misma y del mundo que la rodea. No es fácil lograrlo, pero con el paso del tiempo y de múltiples altibajos, encuentra al fin un verdadero cambio que se traduce en su comportamiento. Mejoran las relaciones con su madre y el hallazgo de una vivienda y un compañero que la ame, le inyectan la energía necesaria para triunfar. Así, la relación entre estas dos mujeres de Saint German de Près será intensa y llevará a Violette a descubrir la libertad en la literatura, y a Simone de Beauvoir, a ayudarla a encauzar su destino y convertirla en una gran escritora.

El director de esta película de 132 minutos, Martin Provost, nos presenta la vida de Violette Leduc, una escritora de la literatura francesa del siglo pasado. Sin ser muy conocida en el ámbito literario, sobresalió por ser la primera mujer que utilizó el género de la autoficción y quien se atrevió a plantear en sus escritos temas como el aborto y las relaciones lésbica, prohibidos en esta época de la historia. Usó la literatura para escapar de una existencia que la aprisionaba y la reprimía; por eso, terminó plasmando sus vivencias, sus emociones y sus temores en novelas como La asfixia y La bastarda, unas de las más importantes. Este filme está construido en siete actos, cada uno de los cuales recibe el nombre de una persona clave en la vida de la protagonista (1907-1972). Una película oscura que transmite la angustia y el desasosiego dominantes de la época. Por eso, es notorio el cambio cuando Violette encuentra al fin lo que la vida le había negado; una verdadera lucha por la dignificación de la mujer. Interesante producción para los amigos de la cultura, la literatura y el despliegue de emociones.

"Todo escritor que cuenta su vida aspira a la sinceridad". Simone de Beauvoir

“La fealdad en una mujer es un pecado mortal. Una mujer bella queda condicionada por su belleza. Una mujer fea queda condicionada por su fealdad”. Violette Leduc

"Incapaces de amarse, son incapaces de amar". Simone de Beauvoir

PELÍCULAS NOMINADAS A MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA

Empezamos el 2016 en el Teatro CINE ESPIRAL de Manizales, una sala de cine independiente, con los ojos puestos en las producciones nominadas al Oscar de este año, en la categoría de mejor película extranjera. Ellas son:

 EL ABRAZO DE LA SERPIENTE
MUSTANG
SPOTLIGHT 
THEEB
KRIGEN
EL HIJO DE SAÚL

4 de febrero 

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

      Por primera vez una producción colombiana es nominada al Oscar y lo hace como Mejor Película en Lengua Extranjera. Su director Ciro Guerra, junto con su esposa Cristina Gallego, encargada de la producción, enfrentaron el gran reto de desarrollarla en el Amazonas utilizando actores naturales y mostrando una historia autóctona. En ella se encuentran protagonistas valiosos como los indígenas, los exploradores extranjeros, la selva y el río que marcan el destino propuesto de encontrar una planta medicinal llamada yakruna, con poder sanador y mágico. Toda una búsqueda que lleva a los personajes de la cinta al interior de ellos mismos. Para lograrlo, aparece filmada en blanco y negro y hace del río ese camino que se transita en largas canoas, con remos precisos y mucha paciencia.

   Es el caso de Karamakate, su protagonista, un poderoso chamán del Amazonas, quien realiza un viaje lleno de aventuras y sacrificios, pero centrado en las vivencias internas que lo llevan a él y a sus acompañantes al hallazgo de sí mismos. Ellos son dos científicos y exploradores extranjeros que en realidad existieron (el etnógrafo alemán Theodor Koch-Grünberg y el biólogo estadounidense Richard Evans) y recorren el río y la selva con la ayuda de Kamakate –en diferentes momentos- intentando acercarse a su cultura y a los misterios que encierran sus plantas. El espectador termina enganchado con los sentimientos de estos personajes y en conexión con la naturaleza, en un sentido ecológico. Aquí, el río es como una serpiente mítica que abraza a quienes se acercan a esa selva que parece impenetrable pero que hace respetarla y valorarla en toda su inmensidad. Además y muy valioso para la película, es la mezcla de varios idiomas y dialectos que se combinan con las razas que muestra el elenco: europea, americana e indígena. Una historia universal que ha participado en diferentes festivales como el Festival de Cine de Cannes y el Festival de San Sebastián donde logró buena crítica y aceptación por parte del público.


11 de febrero

  MUSTANG

  En un pequeño pueblo, al norte de Turquía, cinco hermanas huérfanas de edades comprendidas entre los 12 y los 16 años pasan el verano en un jardín paradisíaco de risas y juegos inocentes sobre las olas del Mar Negro con los chicos de la escuela. Sin embargo, la condición de la mujer en el país no tardará en provocar rumores de inmoralidad y escándalo de las jóvenes. Así que sus familiares, a través de la abuela y el tío, deciden hacerse cargo del asunto; esto es, prepararlas y precipitarlas hacia su destino de futuras esposas. (FILMAFFINITY)

      Una película realizada en conjunto por Turquía, Francia y Alemania bajo la dirección de la cineasta turca, radicada en Francia, Deniz Gamze Ergüven. Ella nos da su visión crítica sobre el doloroso proceso que viven las niñas de esa cultura y región para madurar y ser aceptadas en la sociedad. Una historia dramática reflejada en tonos de comedia y mucha calidez para alejarla de la manera usual de contar una realidad absurda, pero todavía arraigada en muchos países. Excelente la actuación de estas cinco hermanas que, a pesar del infierno en que viven, conservan su hermandad y un inmenso amor por la libertad. Aquí se percibe claramente la sensibilidad femenina de su directora: las niñas despliegan sentimientos delicados cargados de emociones que solo una mujer puede manifestar. Y mientras avanza la película, se muestra cómo cada una de las cinco hermanas enfrenta de manera diferente el destino que su familia le depara.


25 de febrero
SPOTLIGHT

    “Spotlight se enfrentó a esa institución que tenía poder, dinero y recursos y demostró a la gente que nadie es intocable”.  Blye Pagon Faust, uno de los productores

   "Esta historia no trata de despotricar contra la Iglesia. Trata de preguntar: ¿Cómo pudo pasar algo así?” Tom McCarthy

Conocida en Latinoamérica con el nombre de En primera plana y premiada este año con el Oscar a Mejor Película y Mejor Guión Original. Revive uno de los casos de pedofilia más nombrados en la iglesia católica a través de las investigaciones del periódico Boston Globe que en el 2003 le mereció el Premio Pullitzer. Con una presentación sobresaliente y brillantemente interpretada, se ubica dentro del género de investigación periodística. Su director y guionista Tom McCarthy afronta un tema espinoso ya que se dirige a quienes abusan y a quienes son cómplices silenciosos de este drama. Un mal que está cerca de nosotros y aparece muchas veces disfrazado de bien.

En esta película un grupo de expertos periodistas del Boston Globe, de la sección Spotlight, son retados por su nuevo director a enfrentar un caso de encubrimiento de pederastia registrado por décadas en los niveles más altos de la jerarquía religiosa de su ciudad. Asumen con interés esta tarea que desata una ola de revelaciones pues los lleva a “rastrear archivos, entrevistar víctimas, contrastar testimonios y luchar contra el secretismo de la Iglesia”. No fue fácil para ellos hablar con las víctimas y abusadores, con mujeres y niños, y con representantes de la iglesia que siempre buscaban limpiar su nombre. Un caso que inundó las portadas de los periódicos internacionales y desató el mayor escándalo por abusos sexuales a menores, en una de las instituciones más antiguas y confiables de Boston. A la vez, impactó por la presencia de este mal oculto en muchas partes del mundo bajo el amparo de los mismos sacerdotes de la iglesia católica. Una dura verdad que produce tristeza y obliga a no cerrar los ojos porque aún continúa.

3 de marzo
THEEB

    Theeb, significa LOBO en árabe, lengua en la que está escrita y dirigida esta película. Naji Abu Nowar la estrenó en el año 2014, en el Festival de Venecia donde ganó el premio a mejor director. Él cuenta que una vez fue al desierto Badya, ubicado en el sur de Jordania, donde se inspiró con su cultura y su estilo de vida. Durante un año, escribió el guión en el mismo sitio y vivió allí con la tribu beduina hasta lograr con su equipo una interesante coproducción entre Jordania, Arabia Saudí, Emiratos Árabes Unidos y Reino Unido.

Está ambientada en el año 1916, en la primera guerra mundial, cuando Theeb de 10 años y Hussein su hermano mayor, que viven en el desierto junto a su tribu, encuentran a un oficial del ejército británico y a su guía solicitando apoyo para una misión misteriosa.  Hussein quiere ayudarlos a hallar el lugar que buscan, un pozo de agua en la antigua ruta de peregrinación a la Meca. Sin embargo, Theeb que teme perder de vista a su hermano, lo persigue hasta alcanzarlo y vive con ellos grandes  desafíos entre las dunas y bajo el sol y la soledad del desierto. Serán víctimas de mercenarios asesinos y Theeb, el héroe de esta contienda deberá enfrentar solo la supervivencia. Un drama de aventuras cargado de un intimismo y una energía que asombra. Está pleno de bellos paisajes y una pulcritud extrema en su ambientación que nos lleva a explorar con este personaje ese entorno exótico que deslumbra, pero que tememos por la aparición de otro asaltante en su ecosistema. No será fácil para Theeb valerse por sí mismo y transformarse de una manera tan marcada porque su vida cambiará para siempre.

10 de marzo
KRIGEN

   A war es el título en inglés de la película danesa Krigen, cuyo director es Tobias Lindholm, un amigo de las historias difíciles en las que la ética parece llegar al borde de sus límites para así poder detallar aspectos minuciosos de la psicología de sus personajes. Aquí, se inserta en conflictos bélicos de la época actual que tienen que ser resueltos con balas, cañones y proyectiles, olvidando las vidas humanas que entran en juego. Aparece entonces la pregunta ¿se deben censurar los hechos cometidos por quienes lideran una guerra y están bajo extrema presión? Este parece ser el interrogante de su director, cuando trata el tema de la guerra de Afganistán y muestra la preocupación por los sufrimientos de los soldados en su vida íntima. Así los abstrae del contexto específico de sus acciones de guerra y nos los presenta en el marco personal con sus conflictos, con sus silencios, con sus sueños.

El comandante de la compañía danesa en Afganistán, el mayor Michael Pedersen (Pilou Asbaek), está en la guerra donde apoya a sus tropas en la lucha contra los talibanes, hasta el punto de ir con ellas al campo de batalla. Es un hombre bueno y comprometido, y se enfrenta con sus soldados a muchas situaciones terribles de fuego cruzado en el infierno en que luchan. Allí debe tomar muchas decisiones con responsabilidad militar y algunas terminan siendo equivocadas como la de dar una orden que causa la muerte de niños y mujeres afganos. Mientras tanto no puede olvidar a su familia, su mujer y sus tres hijos, que lo esperan con ansias y solo desean que el conflicto termine. Ella necesita de su acompañamiento para la crianza de sus menores pues no ha sido fácil hacerlo sola. Aparece entonces la mayor dificultad para él quien deberá acudir al juicio para enfrentar las acusaciones de un crimen de guerra. ¿Qué tan responsable es de la muerte de desconocidos inocentes? ¿Cómo negociarlo limpiamente para no perder la esperanza de volver a casa? 

UN ALTO EN EL CAMINO...

Dejamos el blog en silencio por varios meses, lo que no significa que el cineclub llegó a su fin. Una tarea que iniciamos el 11 de marzo de 2011 no podía morir con facilidad. Es cierto que vivimos algunos cambios que alteraron un poco la normalidad de “nuestro gran día de refugio en el cine”: Cambiamos de sede y sin los orientadores habituales emprendimos la búsqueda de un nuevo lugar y una nueva forma de hacer nuestro foro. Quedaron gratos recuerdos acompañados de un gigantesco agradecimiento a Rodrigo y Juana que fueron nuestros guías durante casi cuatro años. De ellos aprendimos la disciplina para hacer del día jueves un espacio compartido y pleno de riqueza. También, a profundizar en el contenido de cada película con viveza y sensibilidad. Los extrañaremos.

Vale entonces la pena recordar algunas de las películas que vimos en el 2015 y que no fueron reseñadas:

1.   LA DESCONOCIDA

2.   LULÚ, MUJER DESNUDA

3.   MAESTRO

4.   MIS HIJOS

1. LA DESCONOCIDA 

   Como su nombre lo dice, se centra en una mujer desconocida que intenta encontrar su verdadera identidad después de llegar a Italia huyendo de un tormentoso pasado. Es Irene, una joven de Ucrania, que busca empleo hasta que llega a la casa de unos orfebres, padres de una niña con problemas neurológicos. Con la intención de borrar los horrores de su vida, se integra a la familia con delicadeza hasta ganarse su confianza. Sin embargo, aparece de nuevo el terror y es cuando se reencuentre con Maffla, un antiguo proxeneta. Una cinta cargada de violencia y suspenso.

         
2. LULÚ, MUJER DESNUDA

   La historia de Lulú, una mujer de 40 años que busca empleo como secretaria y es descartada por su simpleza y poco atractivo. Decide entonces emprender un viaje lejos de su esposo y de sus tres hijos que la llevará sin rumbo a unas playas donde buscará un encuentro con ella misma y se refugiará en quienes tiene alrededor, gente sencilla y divertida. Mientras tanto su familia la busca preocupada y su esposo no entiende cómo pudo buscar un refugio lejos de su hogar. Una película del año 2013 que se interna en el conflicto interior de su personaje y en la vía de escape que se convierte en la solución. 

3. MAESTRO

    Aquí encontramos a un joven actor deseoso de participar en películas de aventuras y acción que termina actuando en otro tipo de presentación y deslumbrado por su maestro. Ya no será el actor fuerte y rudo sino el joven débil y enamoradizo que estará tentado por los encantos de su enamorada. El maestro, con su sabiduría y sensibilidad, sabrá enseñarle los caminos para encontrar el disfrute de la vida. Sabrá también darle espacio al lenguaje sutil que reemplaza las estridencias del momento. Será la última película de la escritora y  directora Léa Frazer, en el 2014.

4. MIS HIJOS

    Plantea la situación de un joven palestino de los años ochenta que recibe una beca para estudiar en Jerusalén. Allí se enfrenta a la mayor dificultad puesto que es el primer árabe que llega a un colegio judío. No encaja en este medio y es acosado constantemente por sus compañeros. Sin embargo, se enamora de una joven judía y afianza una relación de ayuda y colaboración con un adolescente Israelí que padece distrofia muscular.  Tendrá que tomar una decisión para sacrificar su verdadera identidad y poder ser admitido en este ambiente al que quiere pertenecer, pero que lo tiene al borde de la desesperación. Todo un problema de adaptación marcado por los conflictos territoriales.