EN LA CASA

 “La vida sin historias no vale nada”. 

 

“Ni siquiera la lluvia baila descalza”. 

Una nueva forma de mirar el mundo es con la ayuda del lenguaje. Este nos ayuda a diseñarlo, a entretejer esa realidad con las palabras y a hacer de ellas un cúmulo de fantasías y de deseos, de verdades y de ilusiones. El poder de la libertad nos hace sentir esa belleza, nos hace estremecer con esos sonidos, con esa búsqueda de la armonía, de hallarle otro sentido a lo que se vive. Porque el mundo del arte es un mundo traspasado por los sueños, por esa riqueza tan propia del ser humano que le da la oportunidad de crear. En este caso, una narrativa que se teje continuamente sin encontrar muchas veces esos hilos que separan lo expresado de lo vivido. ¿Qué es lo verosímil y lo inverosímil? ¿Qué es lo real y lo irreal? 

Este ejercicio de escribir fue el que llevó al profesor de literatura Germain (Fabrice Luchini) a la búsqueda de un estudiante que pudiera encontrar placer en el manejo de la palabra, de transmitir con el lenguaje una nueva forma de ver el mundo y de expresarlo. Cansado de su tarea, encuentra al fin a un joven de 17 años, Claude Garcia (Ernst Umhauer), que se ubica en la última fila de su salón de clases y lo deslumbra por su capacidad para escribir y transmitir emociones con sus textos. Inicia con él un trabajo intenso de escritura creativa que poco a poco los va llevando a terrenos prohibidos en los que el maestro debió medir las consecuencias de sus actos y poner límites a situaciones que el muchacho no podía transgredir. Un giro intenso da la película y se castiga al profesor que ha permitido al joven cruzar fronteras indeseadas, pero que a la vez ha incentivado su  creatividad y ha podido ir más allá de su mundo inmediato. 

Una película cargada de ironía y con un tejido narrativo muy bien logrado. Es inherente al ser humano saber cómo vive el otro, cómo siente y cómo desea el otro; al mismo tiempo, organizar ese mundo y penetrar en él para saciar esa sed morbosa de estar ahí. Eso hace el joven, un buen ejercicio de observación que lo lleva a infiltrarse a hurtadillas en la vida del otro. Se atreve a penetrar en la vida familiar de uno de sus compañeros y a fisgonear cada uno de sus actos y pertenencias. Terminará entonces confundiendo la literatura con las vivencias ajenas, y llevando al espectador a mezclar la realidad con la imaginación del protagonista. Además de perturbar cada vez más a su profesor con sus narraciones atrevidas, sin tener en cuenta las correcciones que éste le hace. Al final, podemos ver a un maestro contento porque pudo dar origen a un verdadero escritor, y así, tal vez, su sueño insatisfecho de adulto encuentre el rumbo que él no pudo lograr. Y de paso, nos invita a seguir mirando el mundo con ojos de creador para encontrar en lo que vemos y leemos una forma de alentar nuestros anhelos y exorcizar nuestros temores.  

El pequeño mono me mira...

¡Quisiera decirme

algo que se le olvida!

                                                      José Juan Tablada 

François Ozon es el director de En la casa, película francesa nominada a varios premios en el 2012 y ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián por mejor película y mejor guión. Se basó en la obra El último chico de la fila, de Juan Mayorga donde hace una crítica a maestros y estudiantes, y explora el arte de la escritura. Está plagada de excelentes actores, variadas referencias literarias que le dan riqueza al contenido y una rica banda sonora.
 

ANTES DEL ANOCHECER

"Si quieres amor verdadero, esto es lo que hay. Ésta es la vida real, no es perfecta pero es real". Jesse

"Me siento cercana a ti. Pero a veces siento que tú respiras helio y yo oxígeno". Celine

"Te estoy dando mi vida entera, no tengo nada más importante que darte, no se la doy a nadie más. Si quieres permiso para descalificarme, no te lo pienso dar". Jesse

"Si no le dejara ganar siempre a todo, nunca haríamos el amor". Celine

"Ésta es la condición humana natural, el estar siempre un poco insatisfechos, continuamente descontentos". Jesse

 

Un repaso a la vida de las relaciones de pareja, a ese sentirse diferentes aunque estén juntos, con todos los aciertos y errores que esto genera, es la esencia de esta película que se presenta a modo de caricatura. En ella se da una exageración de la palabra, con intervenciones constantes e interminables y muchas veces irritables que parecen alejadas de un verdadero diálogo. Ella defiende la vida y su derecho a salir adelante, él disfruta la relación y defiende su rol de padre y esposo. Ambos tratan de ser compañeros en esa edad de los 40, antes del anochecer, en la que se van acomodando los roles de cada uno y se descubre que la vida no es perfecta. Difícil encontrar ese acomodo entre dos personas tan opuestas que tratan de formar la unidad, de construir ese romanticismo y esa relación de comprensión que está a punto de fracasar. Lo oscuro y misterioso de ella se enfrenta a lo racional y organizado de él.

Jesse y Céline (Ethan Hawke, Julie Delpy) un norteamericano y una francesa, conforman esa pareja que disfruta de dos hijas, pero que no puede olvidarse del hijo de Jesse que él quiere atraer a su nuevo hogar sin lograrlo. Después de muchas conversaciones en distintos tiempos y espacios que nos permiten conocer su historia de amor y desamor, sus ilusiones y angustias, sus  sueños y frustraciones, los vemos en Grecia donde se disponen a celebrar un encuentro más de sus vidas, con planes de seducción y de conquista que se convierten en un muro de soledad y de silencio. Las palabras empiezan a herir, la cotidianidad los atrapa y el desencanto tiende su sombra en ese anochecer que ahora sí da sus primeros pasos. Dudamos si seguirán juntos ya que todo parece desmoronarse, pero sabemos que ese momento oscuro puede ser el preludio de un futuro mejor, ese ideal de la imperfección que muchas veces termina en un nuevo amanecer.  

Esta película estadounidense dirigida por Richard Linklater hizo su aparición en el 2013, después de Antes del atardecer en el 2004 y Antes del amanecer en el 1995. Estuvo nominada al Oscar por Mejor Guión Adaptado en el 2013 y a los Globos de Oro por Mejor actriz. Sin lugar a dudas nos hizo falta la apreciación de las dos películas anteriores para lograr su verdadera comprensión y valoración. 
 

BLUE JASMINE

Qué buena celebración de nuestro tercer aniversario con Blue Jasmine de Woody Allen.  Nuevamente lo encontramos dirigiendo una película que caricaturiza a las mujeres y en la que hace una crítica a la sociedad americana. Vemos en ella a esa clase emergente y trabajadora de Nueva York donde el perdedor o fracasado manifiesta dolores extremos y vive una crisis que lo lleva a un choque con la realidad. Es el personaje de Jasmine (Cate Blanchett), una mujer atractiva y elegante, manipuladora y egocéntrica, incapaz de salir adelante sin la compañía de un hombre adinerado que todo lo da, hasta el punto de mostrar a su lado habilidades sociales y tener éxito en la alta sociedad. Y cuando él falla, cuando se descubre su rostro de estafador, todo se desmorona. Actúa como una demente, toma vodka y antidepresivos, habla sola sin interlocutores y sin comunicación alguna con la sociedad. Acude entonces a su única tabla de salvación, su hermana Ginger (Sally Hawkins). Llega a su hogar en San Francisco y encuentra a una mujer trabajadora, pero burda y sin mayores aspiraciones que cambiar constantemente de compañero y llevar una vida libre. Se da un choque profundo entre estas dos hermanas que poco han compartido en la vida, salvo su adopción a edades tempranas y la presencia de una madre protectora de Jasmine. Difícil para ella salir de esta encrucijada y poder diferenciar la realidad de la fantasía, el bien del mal.

Una producción del 2013 y candidata a los premios Oscar de este año, con tres nominaciones por guión, actriz principal y actriz secundaria. Un retrato completo de las mujeres vulnerables, histéricas e insatisfechas que se conocen poco a sí mismas. Una burla al falso romanticismo, a ese  tipo de relación que raya en el consumismo, donde se cohonesta con el otro, con el engaño para no dejarse atrapar. Una comedia romántica con un tono triste y en una combinación de tiempos narrativos -pasado y presente-, en la que Woody Allen intenta nuevamente describir a las mujeres. ¿Lo logra? Parece que seguimos siendo impredecibles y difíciles de definir. 

“Woody está fascinado por las mujeres. Las adora. Está enamorado de sus excentricidades, de sus emociones, de su forma de pensar, de su psicología, en ocasiones extremas, de cuán pintorescas podemos llegar a ser”.  

Cate Blanchett 5 nominaciones, incluyendo mejor película y director

2013: Sindicato de Guionistas (WGA): Nominada a Mejor guión original

2013: Premios César: Nominada

NUESTRO ANIVERSARIO

Han sido tres años de satisfacción por el sentir y el disfrutar los placeres del séptimo arte.

 

Tres años compartidos en una cálida amistad que nos regala lazos de  unión y de complicidad en las tardes dedicadas a nuestro CINECLUB SALAMANDRA.

 

Tres valiosos años que, sin lugar a duda, han enriquecido nuestras vidas.

                Agradecemos las visitas de quienes nos han acompañado en este tiempo y han sido parte activa de este blog.

                         Esperamos seguir publicando nuestras experiencias y comentarios por muchos años más.

 

CHOCOLAT

Una película que logra atraparnos como en un cuento de hadas, donde el blanco y el chocolate son un bálsamo para el alma y donde todo se presenta como en un ambiente mágico. Vemos en ella a Vianne Rocher (Juliette Binoche) quien llega acompañada de su hija a un poblado francés llamado Lansquenet. Allí solo se respira moralismo y represión pues se vive en un ambiente conservador que no da cabida a lo nuevo y mucho menos a lo ajeno a su catolicismo. Vianne, que es indiferente a su religión, llega con su hija ilegítima, abre una tienda de chocolates en cuaresma y frente a la iglesia del pueblo donde trabaja hasta los domingos. Encuentra entonces un rechazo enorme de sus pobladores que poco a poco logra trasformar en aceptación a través de sus dulces y pasteles que contienen el aroma con que atrapa a cada uno de ellos, y convierte este alimento seductor en un remedio para sus males. Sin embargo, hay repudio de sus dirigentes que la persiguen y encuentran la manera de atacarla en uno de los eventos que ella realiza, el festival del chocolate. Por fortuna, algo cambiará el cambiará el final de esta historia. Vianne, que ata nudos y que es buscadora de lazos podrá desafiar todos los pronósticos negativos.

 

Con un lenguaje hipnótico y con un buen ritmo narrativo, Chocolat invita a la sensualidad no solo de la piel, sino también del gusto y del olfato. Las imágenes en tonos pastel, el viento, la música sensual y serena, y la actuación de su protagonista dan magia a esta historia que es toda una metáfora a la vida y a la libertad. Una especie de fábula donde se hacen visibles los trajes rojos de sus protagonistas y los pasteles que atrapan, la presencia de un juglar que enamora a Vianne, los platos girando como la rueda del destino, y la imagen del río con la idea de ventura. También refleja el poder político de una época -1959- en que la religión y el clero dominan y reprimen hasta crear solo insatisfacción. En el año 2000, esta película británica clasificada como comedia romántica obtuvo cinco nominaciones a los premios Oscar: mejor película, mejor actriz principal, mejor actriz de reparto, mejor guión adaptado y mejor música. 

ANTONIA

 

Antonia, una mujer librepensadora y respetuosa del pensamiento del otro, asume con autonomía el liderazgo de una familia que crece a su alrededor en un ambiente campestre holandés alrededor del año 1945, después de la II Guerra Mundial. A su lugar de origen, regresa convertida en madre de una hija y con ella asume la tarea de salir adelante y ser ejemplo de lucha y de entrega desmedida al otro. En 50 años, logra cambiar el entorno frío, machista y oscuro donde vive por un lugar acogedor donde todos tienen cabida y se respira un diálogo de miradas que fomenta la paz y la concordia. Antonia es la autoridad moral de su grupo familiar y social, una persona de avanzada y demasiado generosa que respeta la diversidad y logra convertir el ambiente del campo en un paraíso. Cuatro generaciones crecen allí, cada una con nombre de mujer -Antonia, Daniela, Teresa y Sara-, capaces de crear en su poblado un laboratorio de tolerancia, frente a un tradicional mundo masculino que intenta sofocarlas y excluirlas.

Toda una reflexión sobre el tiempo humano que va tejiendo la vida y va dando vueltas hasta asumir con simplicidad esa relación hombre-naturaleza. Reivindica, a su vez, temas como el amor y el sexo tratados con absoluta independencia por madres e hijas que tienen la habilidad de atraer otras personas a su generoso clan. Un mensaje incluyente y solidario, cercano a esa red que intentamos construir las mujeres en el quehacer diario; esa búsqueda  de una educación permanente capaz de liberar ese potencial que nos asocie y nos permita la fraternidad. Muchos otros mensajes se tejen en esta historia de espíritu feminista, ganadora del Premio Oscar a la Mejor Película Extranjera en 1996, dirigida por Marleen Gorris y protagonizada por Willeke Van Ammelrooy.

La directora holandesa Marleen Gorris, es una reconocida activista del movimiento feminista, los derechos de las personas homosexuales y la libertad sexual en general.