OPHELIA

"Duda que sean de fuego las estrellas, duda que el Sol haga movimientos, duda que la verdad sea una mentira, pero nunca dudes que te amo. ¡Oh, querida Ofelia!, soy malo para hacer versos. No tengo arte para expresar mis penas; pero cree que te amo demasiado, ¡oh, demasiado! Adiós. Tuyo eternamente, mi más querida dama, mientras este cuerpo exista, Hamlet". 

 

Resulta interesante encontrar en la película Ofelia otra versión de la historia de Hamlet, la tragedia de William Shakespeare. Esta vez, basada en la novela juvenil de Lisa Klein (2006), con la intención de mostrar al amado de Ofelia, a través de sus ojos femeninos y de su propia voz. Así, podremos ver a este personaje de la literatura clásica con aires de heroína, más que de mártir. Una adaptación británica-estadounidense del año 2018, dirigida por la australiana Claire McCarthy y protagonizada por Daisy Ridley y George MacKay.

Esta heroína, de la Dinamarca medieval, aparece inicialmente como una niña sola, sin madre, con un solo hermano y un padre que apenas tiene tiempo para sostener a sus hijos. Sin embargo, tiene la suerte de ser aceptada por la reina Gertrudis como una de las damas de compañía y llega al Castillo de Elsinore a vivir allí. No es bien recibida por sus compañeras, pero su inteligencia, independencia y belleza se sobreponen a su pobreza; además sabe leer e interpretar textos de la Biblia. Será entonces la dama de confianza de la reina, de quien aprenderá variadas artes y a su lado tendrá una participación activa. Pronto conocerá al príncipe Hamlet y a medida que ambos crecen, van mostrando una gran atracción que los unirá en secreto. Por su parte, Gertrudis -quien maneja los hilos de la corte- verá llegar el caos a su reino donde su esposo, el rey, es asesinado. Hamlet comienza una lucha desaforada por descubrir al culpable, con entrañable sed de venganza, y Ofelia, por su parte, tendrá que enfrentar sola el rechazo de la corte, y elegir entre el amor que lleva en su corazón o huir para conservar su vida.

De nuevo, un espejo de la condición humana, acompañado de la guerra y de la muerte. Una película en la que se entrelazan el amor, los celos, la traición, el poder, la envidia, la venganza y la diferencia de clases. Son 114 minutos de presentación dramática, con escenas que, a pesar de su estilo moderno, no abandonan el desasosiego, la emoción, ni la fatalidad.  

LA CASA DEL TEJADO ROJO

La memoria protagoniza esta historia japonesa que se perpetúa al recordar una vida sobre el amor, la dedicación de una mujer a su trabajo, las relaciones familiares y sus secretos. Muchas voces y muchos tiempos alternan en este diario de una abuela desde cuando sale de casa en su juventud hasta llegar al último eslabón, su sobrino-nieto, que la escucha en su vejez y a quien deja su secreto. Un drama que tampoco es ajeno a la guerra, a la cultura japonesa, a la situación deplorable del mundo de hoy, y a la sumisión de la mujer que calla frente al poder masculino que domina y oprime.

Así, el cineasta japonés Yoji Yamada, basado en la novela de la escritora Kyoko Nakajima, nos cuenta las vivencias de Taki (Chieko Baisho) después de dejar su hogar en el campo, para ir a Tokyo donde trabajará como criada. Es el año de 1936 y allí, en una casa moderna con tejado rojo, conoce a Tokiko, su esposo Masaka y su hijo de cinco años. Taki se dedica al trabajo en este hogar tranquilo y acomodado hasta que llega Shoji Itakuri (Hidetaka Yoshioka), un joven amante de los libros y de la soledad que asiste con frecuencia las reuniones que hace su jefe Masaka en casa. Tokiko no puede resistir el impacto que este visitante causa en ella y seguirá su fuerte atracción con la complicidad de Taki quien, por ser leal a su ama, termina invadida de culpa, lágrimas y remordimientos. Será un amor prohibido en medio de las adversidades que enfrenta Japón, antes de la II Guerra Mundial.

La casa del tejado rojo ganó en el año 2014 el Oso de Plata a la mejor actriz en el Festival de Berlín. Este drama emociona por la fidelidad a la historia, su fotografía, el vestuario, la música y la puesta en escena. Muy bien logrado el sentimiento transmitido a través de Taki, quien sirve, ama, observa y muestra un corazón que esconde secretos y teme revelarlos porque no son solo suyos. Una testigo que está a la sombra de los demás, pero conoce “la importancia de no olvidar, de ir hasta el final”, como lo afirma Yamada.

TENGO MIEDO TORERO

 

“Si algún día hacen una revolución que incluya a locas como yo, avísame. Ahí voy a estar en primera fila”. La Loca del Frente a Carlos

“A mí la realidad no me gusta. Me da miedo. Lo mío es la noche, el show, la música, el teatro”. La Loca a Carlos

“La vida me va a quedar debiendo el amor que inventó para nosotros. ¿Te fijas cariño? A mí también me falló el atentado”. La Loca a Carlos

“Qué mezquina la vida, que nos regala tan pocos momentos como estos”. La Loca a Carlos

Una mezcla extraña es esta película en la que se conjugan el amor, el sexo, la violencia y la política. Y más extraña aún es su producción ya que tardó 15 años en aparecer en pantalla puesto que su escritor, el chileno Pedro Lemebel, presentó muchos acuerdos y desacuerdos con su director mexicano, Rodrigo Sepúlveda. En el año 2019, fallece el autor y cobra vida Tengo miedo torero haciendo caso de su mayor advertencia relacionada con la presencia del actor Alfredo Castro como su protagonista principal, en el papel de la Loca del Frente. Un gran acierto fue esta elección con un personaje travesti, lleno de sensualidad, que disfruta la música, el baile, el bordado, la comida y la amistad. Es generoso, solidario, pasional, a veces extravagante, con una sensibilidad hasta las lágrimas, y una gran resiliencia ante los traumas de su infancia, la relación con sus padres, su pobreza y el rechazo social del que no es ajena.

La película se sitúa en Santiago de Chile en el año 1986, en la dictadura de Augusto Pinochet, cuando se encuentra el protagonista con Carlos (Leonardo Ortisgris), un guerrillero secreto de origen mexicano, que le pide guardar unos libros en su casa de manera urgente, ya que son prohibidos. No sabe que lo que realmente hay allí son las armas para asesinar al dictador. Ambos establecen una amistad que descubrirá ese mundo homosexual prohibido entre un joven político y un viejo apolítico, en un ambiente conflictivo lleno de marchas, protestas, miedo, sangre y horrores. Será una búsqueda imposible entre el fortalecimiento del amor y el derrocamiento de un gobierno militar. Todo un drama es este filme de 93 minutos, del año 2020, que también nos regala bellas y nostálgicas canciones, muy conocidas en todos los países de habla hispana. Una obra que le fue criticada al mismo autor por romántica y que termina siendo reconocida por su director como un canto de amor histórico. 

  

NO HAY MALDAD

Cuatro historias independientes conforman esta película iraní que impacta por su tema y por la valentía de su escritor y director Mohamed Rasoulof. A través de ella, hace una denuncia al régimen autoritario y represivo de su país que aplica la pena de muerte por medio de sus mismos ciudadanos o de soldados que prestan el servicio obligatorio, convirtiéndolos en verdugos; no tienen otra opción, salvo ser ejecutados, o huir y perder su empleo. Fue filmada en secreto por Rasoulof, quien tiene prohibido salir de Irán y ha enfrentado cargos judiciales por su actividad política disidente. Sin embargo, pudo traspasar fronteras con su producción y ganó el Oso de Oro en el festival de cine de Berlín del año 2020. El premio lo recibió su hija y ahora la película se ha convertido en una reflexión para las nuevas generaciones a las que invita a anteponer la moral y la libertad a una vida deshumanizada, llena de culpa y represión.

Cada una de las cuatro historias tiene un título que va guiando su producción y desata la atención del espectador después de finalizada la primera. Ya se sabe cuál es el tema y crece la expectativa ante los título siguientes: No hay maldad, Ella dijo: “Tú puedes hacerlo”, Cumpleaños, y Bésame. En ellas podemos observar que los protagonistas no son precisamente las víctimas, sino los victimarios que tienen la obligación de hacer cumplir la ley y aplicar la pena capital. Asumen el rol de verdugos que prestan sus servicios a la patria, y terminan ajenos al dolor por la pérdida de tantas vidas y al sufrimiento de sus familias. A veces parecen olvidarse de la gravedad de sus acciones, como si consideraran que No hay maldad en su oficio, puesto que lo hacen por un imperativo legal.

Así, en la clandestinidad y con la colaboración de su equipo fílmico, Rasoulof protesta contra las ejecuciones que oscurecen el alma de Irán, y a pesar de las condiciones de prisión y de censura que sufre, encuentra esta salida que parece dar espacio a la esperanza y a la paz. Una producción con música y diálogos interesantes que resulta más atractiva aún por fuerza actoral de sus protagonistas.

MISS MARX

Eleanor Marx (Romola Garai), la hija menor del pensador y militante comunista Karl Marx, es la protagonista de esta película del año 2020 que, con buenos recursos de ambientación, vestuario y musicalidad, nos acerca a una época histórica que recrea su vida familiar, social y política. Con mente progresista y liberada, esta mujer luchadora de finales del siglo XIX continuó con la política de su padre y de su amigo Engels. A su vez, defendió variadas causas como los derechos de los trabajadores, las mujeres y los niños; el derecho al sufragio y a la educación por igual en ambos géneros; y en particular, la abolición de injusticias como el trabajo infantil, las duras jornadas con pagos irrisorios a los trabajadores y la carencia de prevención ante los riesgos laborales. Lideró muchas marchas y manifestaciones y estuvo a la cabeza de luchas feministas que atendió con pasión e inteligencia. Publicó también sus propios libros y demostró sus habilidades para el teatro. Sin embargo, con el paso del tiempo, su vida privada se vio alterada por su relación con Edward Aveling (Patrick Kennedy) -su eterno enamorado- al que amó incondicionalmente, haciendo caso omiso de sus frecuentes olvidos, infidelidades, desplantes, y sobre todo de sus exagerados gastos hasta dejarla en la pobreza. Él fue la imagen del típico vividor que la acompañó hasta su muerte.

Su directora, la cineasta italiana Susana Nicchiarelli, pone en escena a Eleanor “Tussy” Marx desde el momento de la muerte de su padre, cuando debe asumir -como herencia- el papel de líder socialista de su movimiento político revolucionario. Y lo hace, de manera cómoda, a pesar de las causas sociales que promulga y enfrenta con coraje, y de las tensiones propias de una época que desconoce el valor de la mujer en la sociedad y en la vida pública. Es una lucha que, finalmente, se torna difícil a los ojos de sus contemporáneos y del mismo espectador, puesto que no existe una sinergia entre esta y su vida privada. Es decir, cuando lo que fomenta en su discurso –igualdad y justicia- parece quedar atrás en su relación con Mr. Aveling. Resulta extraño, pero esa mujer fuerte, apasionada y decidida en la vida pública, termina siendo sumisa, obediente y rendida a los pies de su amante; en otras palabras, convertida en su víctima. Pese a esto, podemos verla ajena al dolor por la traición, las deudas y hasta la enfermedad porque amó demasiado y aprendió a vivir cada situación, anteponiendo sus sentimientos y su deseo de estar al lado de quien amaba. 

"Este filme nos da una idea de la complejidad del ser humano (…) y encarna muy bien las contradicciones entre la razón y el sentimiento". Miguel Pina, crítico de Cinemagavia, 8 de julio de 2021.

EL BUEN PATRÓN

Una crítica a quienes ostentan el poder -empresarial en este caso- y dan la imagen de liderar una organización exitosa ante los demás, con la intención de ser catalogados como los mejores. Sin embargo, quieren manejar sin escrúpulos la vida de sus empleados, hasta el punto de convertirlos en esclavos de sus deseos y ambiciones. El BUEN PATRÓN es un título cargado de ironía que se acerca a esa relación tan alejada entre el que manda y el que obedece, el que desea el éxito sin moral y el que trabaja sintiéndose víctima de los abusos del poder. Es una comedia y un drama del año 2021, con la dirección y el guion de Fernando León de Aranoa y la actuación de Javier Bardem como personaje central. Fue nominada por la Academia de las Artes y las Ciencias cinematográficas de España para el Premio Oscar y ganadora de 6 premios Goya como mejor película, guion original, dirección, actor protagonista, montaje y música; además de muchos otros premios.

Julio Blanco, propietario de Básculas Blanco, una empresa que fabrica balanzas industriales, se prepara para ganar el premio local a la excelencia empresarial. Tiene cinco días para hacerlo y lo que parecía perfecto empieza a mostrar sus partes débiles, hasta el punto de convertirse en un caos donde reina el descontento y la desorganización. Mientras llega la comisión evaluadora, el patrón -que se considera benefactor e interesado en el bienestar de sus empleados- da muestras de hipocresía en el manejo laboral, exhibe sin compasión su injerencia en la vida personal de sus trabajadores, acosa a una joven que realiza una pasantía en su empresa, y despide a un empleado que termina realizando un acampado frente a la fábrica y con megáfono en mano, lo amenaza todo el tiempo. Estas y otras situaciones terminan creando consecuencias inesperadas que ponen en peligro su ambición desmedida por ganar el premio.

Patrón y empleados, y conflictos laborales y personales se mezclan en esta película para manifestar con diplomacia las relaciones de poder, y hasta donde llegar para conseguir los objetivos, así se tenga que acudir a la intriga y a la deslealtad. De ahí que la balanza que aparece en la empresa como símbolo de honestidad y justicia nunca logra alcanzar el equilibrio perfecto.

AUDIBLE

Este documental americano es un drama de 39 minutos en el que su director, Matthew Ogens, traslada al espectador a un mundo de sordos con la intención de sensibilizarnos sobre su discapacidad y el problema que enfrentan en la vida real. Da un manejo respetuoso a sus personajes y una muestra de valores que despierta emoción. Impacta poder compartir su producción de manera auténtica, ya que nos conecta todo el tiempo con el mismo sonido que ellos perciben, acompañados de su lenguaje de señas. De ahí la apreciación de que lo más destacado de Audible es su diseño de sonido, “el mejor usado en cualquier documental que haya visto” (Matthew Ogens).

En esta historia se aprecia la vida de Amaree McKenstry quien, con sus amigos de la Escuela para Sordos de Maryland, siente la presión de afrontar el último año en el instituto. Ya se acerca el momento que los pondrá en contacto con el mundo de los oyentes y todos se preparan para que los partidos de fútbol sean exitosos hasta el final. No será fácil conquistar este triunfo puesto que deben aceptar la muerte, en extrañas circunstancias, de un compañero hipoacúsico; sin embargo, una racha ganadora les levanta los ánimos. De esta manera, hacen frente a la adversidad y -a pesar de que temen el acercamiento al mundo real- le darán la cara, usando la esperanza como una burbuja de protección.

Fue nominado al Mejor Cortometraje Documental 2021. 

MADRES PARALELAS

“Ahora me interesan más las madres imperfectas, las que viven periodos complicados de resolver. Las madres anteriores de mis filmes eran distintas, venían de la educación que recibí. Eran madres omnipotentes”. ALMODÓVAR

 “La sociedad española tiene una deuda moral enorme con las familias de los desaparecidos. No se puede borrar todo lo ocurrido en la guerra civil, después de 85 años”. ALMODÓVAR

Tras la recuperación de la memoria histórica de momentos dolorosos de la Guerra Civil Española, que ha sido la intención de Almodóvar con esta película, nos presenta –de manera paralela- la historia de dos mujeres que van a ser madres. Ellas dan a luz en el mismo hospital y desde ese momento se entrelazan en una relación que va cambiando y dando giros inesperados. Fue nominada a dos Premio Oscar 2021 por la actuación de su protagonista, Penélope Cruz, y por Mejor Banda Sonora. De igual manera, esta película de 123 minutos ha estado en la lista de muchos otros premios durante los años 2021 y 2022. 

La exitosa fotógrafa Janis (Penélope Cruz) busca la ayuda de un antropólogo forense para hallar los restos de su bisabuelo -víctima de la dictadura española- en excavaciones arqueológicas o fosas comunes de la provincia de Navarra. Entablará una relación con su consultor que la llevará a ser madre soltera e independiente. De este modo, aparece en un hospital de Madrid donde se encuentra con Ana (Milena Smit), una adolescente que espera un hijo de padre desconocido. Janis, mayor de edad, está feliz, tranquila y complaciente con su próximo rol, a diferencia de Ana que solo demuestra temor y arrepentimiento. No se conocen, pero la situación que viven las acercará de momento y más tarde les permitirá crear una fuerte amistad con vivencias inesperadas que marcarán el hilo de esta historia.

La maternidad es el tema central de esta película, que empieza y termina dando importancia a los acontecimientos históricos ya mencionados, los que –a su vez- parecen olvidarse cuando Janis confiesa su estado al antropólogo e inicia su transformación de madre y, más tarde, de amiga de Ann. Juntas estarán muy cerca del entusiasmo, la felicidad, la frustración y el dolor. Vivirán momentos inesperados en torno a su papel de madres, de mujeres en el hogar y fuera de él, y de féminas capaces de asumir con libertad y sin temor actitudes modernas que no son bien juzgadas en sociedad, o son “imperfectas” como las llama su propio director. Sin embargo, en los últimos minutos de la película se retoma la idea de pagar las deudas que tiene la sociedad española con las familias de los desaparecidos en la Guerra Civil. Y aparece Janis, nuevamente, buscando la identidad de las víctimas al asumir la tarea de darle un entierro digno a gente del pueblo que se sumió en el olvido, entre ellos su pariente.

Una cinta interesante, con una dirección e interpretación de actores muy valiosa, y una mezcla de sentimientos y actitudes inesperados.

LA CAMARISTA

Una película que dio lugar a opiniones encontradas, las que -al mismo tiempo- nos permitieron una apreciación más amplia de ella. La camarista retrata la vida de Eve, una joven mexicana de 24 años, con una historia laboral monótona y al parecer, con un alto nivel de frustración. No puede atender a su hijo por las exigencias de su trabajo y desea ser ascendida a un mejor puesto. Así, a través de su desempeño en un lujoso hotel de México, muestra la esclavitud y las carencias que tiene en su empleo, lo que la lleva a un cansancio notorio, un desánimo marcado y una fatiga de la vida.

Aunque respetamos esta opinión de una parte de nuestras integrantes y de la misma directora de la película Lila Avilés, a la mayoría nos pareció un poco sesgada la óptica para justificarla ya que la camarera cuenta con comida, vestido, salario, posibilidad de estudiar y  compañeros de trabajo que la aceptan Es cierto que vive momentos de desánimo, cansancio laboral por las extensas jornadas, y de frustración por el trabajo que ejerce, sin la posibilidad de ser una verdadera madre, como sucede en tantos empleos hoy en día; pero resaltamos ese derecho a laborar y a ser una trabajadora de hotel con retribuciones y obligaciones. Además, nos presenta una imagen muy estática y monótona de su protagonista, con cambios mínimos en su expresión facial y corporal, y con limitados deseos de salir adelante. Sin embargo, reconocemos que es marcada la soledad, la frialdad y el aislamiento personal de Eve en un hotel con grandes habitaciones y “clientes fríos, egoístas y excéntricos”. Quiere ser ascendida a la planta 42 donde laborará con mayor sueldo y propinas más valiosas, pero no lo logra. En otras palabras, la película se desenvuelve en un ambiente que sí habla de aburrimiento y desilusión, reforzado con la ausencia de música y de color, donde el espectador siempre encontrará imágenes en blanco y gris, excepto al final cuando lo sorprende la luz de la calle.

Fue preseleccionada, sin éxito, para representar a México en los premios Oscar 2020 como mejor película extranjera. Obtuvo los Premio Ariel de Mejor Ópera Prima, de Mejor Película en el Festival de Morelia y el Premio Especial del Jurado (Ópera Prima) en el Festival de La Habana. La cinta se inspiró en el libro L`Hotel, de la artista francesa Sophie Calle.

"Un vals visual a través de los espacios, las personas y los objetos que configuran la clase obrera en México, donde la realidad y los sueños de estas personas dialogan y bailan entre sí". Mariano Rentería Garnica, director de cine mexicano.

Nomadland

“En este estudio poético de personajes sobre los olvidados y los oprimidos, Nomadland captura a la perfección la inquietud dejada a raíz de la Gran Recesión”. Chloé Zhao

Una mujer con un espíritu nómada, que busca un poco de felicidad en el camino, no entre cuatro paredes, es la protagonista de esta película. Así, viajando, se acerca a un mundo libre que no logró encontrar en un solo lugar. Ya nada la detiene, ni siquiera la soledad por la muerte de su esposo, ni sus sesenta años porque valora la libertad y no quiere más ataduras. Tampoco, las dificultades económicas producto de la recesión estadounidense del año 2008 que no le permitió jubilarse y, por el contrario, animan su deseo de vivir en distintas localidades. Esta viajera solo quiere huir y, con alas de libertad, dará un extenuante recorrido que reflejará las características de esta crisis personal y social, y buscará empleos precarios a lo largo de su país.

Fern (Frances McDormand) vende sus pertenencias y compra una furgoneta donde irá inicialmente en una caravana, después de abandonar Empire, ciudad ubicada en la zona rural de Nevada. Recorre el país en busca de trabajo y soportará múltiples experiencias e incomodidades en este itinerario errante de "mujer nómada, solitaria y luchadora". Sin embargo, tiene encuentros valiosos con personas de su mismo nivel de subsistencia que marcarán su ruta y dejarán huella en este personaje sencillo y de pocas palabras, que sabe jugar con la naturalidad del paisaje y con las lecciones de esperanza y resiliencia que cada día aprende. Es una historia que muestra la realidad americana de "miles de personas que viven y viajan en casas rodantes por Estados Unidos".

Este drama, escrito y dirigido por Chloé Zhao, está basado en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century escrito por Jessica Bruder. Casi todos los actores son verdaderos nómadas y conservan su identidad, hasta el punto de parecer un documental. Fue estrenado en septiembre de 2020 en el Festival Internacional de Cine de Venecia, donde recibió el León de Oro. Nominado también a seis premios Oscar en el año 2021, de los cuales ganó tres por mejor película, mejor director y mejor actriz. Zhao es la primera mujer asiática en hacerse acreedora a este galardón, y McDormand obtiene el tercer Oscar como mejor actriz principal. Esta producción también ganó dos Globos de Oro por mejor película y mejor dirección, además de muchos otros premios internacionales. 

"La cinta, en su corazón, es una peregrinación a través del luto y de la sanación". Chloé Zhao