CUSTODIA COMPARTIDA

Jusqu´à la gàrde es el nombre en francés de esta película, primer largo metraje de Xavier Legrand, que logra internarnos en una tortura psicológica donde entran en juego el suspenso y el terror. Inicia con un largo interrogatorio judicial en el que los abogados esgrimen argumentos ante una juez sobre la custodia de los hijos de una pareja divorciada, Antoine y Miriam. El padre quiere seguir viéndolos, sobre todo al menor, Julien, que solo cuenta con 10 años, pero hay razones para negársela: maltrato y violencia con su esposa e hijos. La juez, como no tiene pruebas de esta situación, al final acepta la visita semanal del menor a su padre y lentamente empieza el espectador a descubrir la verdadera identidad de este.  Antoine, que parecía tener la razón, de manera lenta e impetuosa empieza a interactuar con el chico indefenso que no lo quiere, le teme y lo rehúye. Llevará al niño a la casa de sus padres –donde vive- y compartirá con ellos ratos agradables.  Sin embargo, cuando descubre que su hijo quiere faltar a su cita semanal y colabora con su madre para estar lejos de él, desata su furia e arremete contra ellos de manera violenta, cada vez más brutal.  Mostrará su verdadero rostro y en escenas como el cumpleaños de su hija –que ya inicia su mayoría de edad- en la parte final de este filme, sentiremos el miedo y la angustia a punto de estallar. El terror ha vencido y este personaje será la muestra típica del padre violento y agresivo de todas las épocas y de todos los lugares.

Es trascendental que un padre se dé a su hijo y establezca con él relaciones satisfactorias, aunque el vínculo con su madre esté roto y recurran a la separación. El director tiene claro que esto no siempre sucede y que la violencia machista es una constante que carcome muchos hogares en los que la Ley hace muy poco por ellos. Además, cuando el sistema judicial logra evidenciarlos es incapaz de detectar a los maltratadores y muchas veces en la mentalidad de los hogares y del mismo sistema se tiene la idea de que es un problema privado. En este caso, Antoine ha ganado la batalla, aunque manifiesta alteraciones en su salud mental como dificultades en el afecto y la personalidad, con una celotipia marcada, y bastante inseguro y agresivo. Así, cuando sale de su casa enfila sus baterías contra su esposa y es el niño la principal víctima. Y aunque la historia esté bien llevada, el espectador termina atrapado en esta dolorosa pesadilla, mezcla de drama social, de thriller psicológico y de historia de terror. Entenderemos finalmente el porqué del odio del menor y el silencio y la huida constante de la madre. Ya no tendremos dudas y nuestra ansiedad se irá apaciguando. De este modo, Legrand construye esta producción de manera inteligente y reflexiva, aunque con escenas muy largas y prolongadas, que le dio los premios a Mejor Director y Mejor Ópera Prima en el Festival de Venecia y el Premio del Público al Mejor Filme Europeo en San Sebastián. 

GUERRA FRÍA

Un amor a prueba de todo nos refleja esta película, a pesar de los innumerables cambios políticos y geográficos que mantienen sus protagonistas y de las múltiples circunstancias que les impiden llevar una vida normal. Es un amor difícil que sobrevive porque hay intereses comunes, una pasión desbordante, una sensibilidad a flor de piel, y hay un silencio que lo dice todo. La guerra fría de la década de 1950 ha dejado sus huellas en Polonia, donde residen Wiktor (Thomasz Kot) y Zula (Joanna Kulig), y el destino los lleva a conocerse y a enfrentar sus personalidades.  Él es un pianista mayor, culto y dedicado a la enseñanza y a los conciertos; y ella, una chica huérfana de la guerra con una dolorosa historia familiar, que busca puesto en un conservatorio donde tendrá toda la ayuda estatal si pasa la prueba con su canto y su baile. Ambos se encuentran allí, él como jurado y ella como concursante que lo impacta desde el primer momento. Tiene un ángel, rebeldía, un dinamismo avasallador y grandes capacidades artísticas que la hacen irresistible, y logra ser aceptada. Vivirán el amor y la pasión sin límites, saltarán las normas establecidas por la institución y recorrerán Rusia, Berlín, París y Varsovia al antojo de cada uno. Será una relación cargada de obstáculos, de encuentros y desencuentros, y de expresión de sus habilidades en distintos escenarios europeos, cómplices de su delirio y testigos de este tormentoso romance que parece imposible.

Esta película del presente año impacta por el manejo artístico que le da su director, el polaco Pawel Pawlikowski, quien recurre al uso de la fotografía en blanco y negro como un regalo cinematográfico. Una completa obra de arte es Guerra Fría donde cada imagen, cada gesto y cada escena están cargados de belleza y de finos detalles, con cuidadosos recursos fílmicos, y paisajes y música que la hacen verdaderamente admirable. Ha sido ganadora de los premios al Mejor Director en el Festival de Cannes y de Mejor Película de Habla no Inglesa en el Círculo de Críticos de Nueva York, entre otros. Además, aspira a ser la ganadora de los Premios Oscar en la categoría de Mejor Película Extranjera el próximo año. Se desarrolla en 88 minutos y buena parte de ella transcurre en un ambiente frío y trágico, adornado con lienzos de Stalin y de Lenin que invaden las calles detrás del Muro de Berlín. Imposible pensar en el amor, en la belleza y en la búsqueda de la felicidad con dos personajes tan diferentes; sin embargo intentan encontrarlos con sus marcadas afinidades que no los deja olvidarse. Una película que impacta e impregna de placer estético al espectador durante cada minuto de la puesta escena hasta su desenlace que también resulta artístico y conmovedor.  

EL ORDEN DIVINO

 “Las mujeres en la política van contra el orden divino”.

“La igualdad de los sexos es un pecado contra la naturaleza”.

“La mujer debe permanecer callada en la sociedad, lo dice La Biblia”.

Es 1971 y sorprende que Suiza, un país tranquilo que vivió ajeno a la guerra y a los debates políticos del siglo XX, desconozca lo que es el derecho al voto en la mujer. Allí los hombres hacen las leyes y gobiernan, ignorando la presencia de ellas quienes deben permanecer calladas en la sociedad. Así mismo, se les niega el derecho al trabajo, al conocimiento de su sexualidad y a todos los privilegios que da la sociedad a los hombres. Urge salir de este oscurantismo y debe darse una emancipación que promueva a la mujer y la aleje de esa situación de desigualdad tan acentuada. En este año se da por fin dicha aceptación, convirtiéndose en uno de los últimos países del mundo en aprobarla, y a partir de entonces empieza la mujer a votar y a ser elegida a escala federal.

En este escenario, Petra Volpe escribe y desarrolla su película en un pequeño pueblo, dándole protagonismo a Nora (Marie Leuenberger), una mujer joven que tiene dos hijos pequeños y un esposo que se opone a sus deseos de trabajar. Sin embargo, ella desafía el destino de las mujeres de permanecer en casa y empieza su lucha por promover el sufragio femenino. No será fácil para ella llevar a sus congéneres a una toma de conciencia de esta situación y más aún, de vencer la resistencia masculina. Encontrará muchas amenazas y una marcada oposición incluyendo su propio hogar, pero también un buen número de aliadas que van despertando sus sentidos y abriendo un espacio para su liberación. En otras palabras, se revelarán contra “el orden divino” que siempre quiso ignorarlas.

“Los hombres hacen las leyes, pero esas leyes nos afectan a todos”.

“Me da miedo estar sola”.

“Hay más soledad en el matrimonio que envejecer sola”.

EL ORDEN DIVINO recibió, en el año 2017, tres galardones en el Festival de Tribeca en la categoría de Cine Universal y fue propuesta a los Premios Oscar como Mejor Película de Habla no Inglesa, aunque no resultó nominada. Este drama suizo, con una bella fotografía de paisajes montañosos, mantiene al espectador atento durante 96 minutos a un proceso revolucionario y a un cambio político que se dará si las mujeres cambian de mentalidad y se unen tomando una decisión de valentía. Una película que consideramos valiosa, aunque exagerada en la verbalización de contenidos eróticos que destapan un tema tabú y recalcitrante como es el tema del sexo. Su directora acierta en la escogencia de su tierra natal como escenario y en el homenaje que hace a sus abuelas, eternas luchadoras por el derecho al voto.

WAKOLDA: EL MÉDICO ALEMÁN

"Misteriosa armonía en la imperfección de sus medidas" Lucía Puenzo 

“Los poetas escriben lo que ven, los pintores lo pintan. Yo mido y peso lo que me interesa” Josef Mengele

“La primera vez que me vio, pensó que yo hubiese sido la espécimen perfecta… de no ser por mi altura”. Lilith

“Siempre lo hizo, usar un bebé de control y otro de experimento” Enfermera

Una historia basada en hechos reales acontecidos en los años 60 es el tema de Wakolda, escrita por Lucía Puenzo y llevada por ella misma a la pantalla grande. Un médico alemán (Alex Brendemühl) se suma a una familia argentina que va por el desierto de la Patagonia hasta Bariloche. En este duro transitar, acompañados de un bello y frío paisaje, establece contacto con Enzo (Diego Peretti), Eva (Natalia Oreiro) y sus tres hijos, destacándose la relación con Lilith (Florencia Bado), la hija adolescente de esta familia. No será fácil para el padre aceptar los acercamientos cada vez mayores de este desconocido que terminará alojado en la hostería que posee a orillas del lago Nahuel Huapi, donde también habita una comunidad de origen alemán. Allí compartirá con ellos un buen tiempo, en medio del inmenso recelo de Enzo, mientras Lilith y su madre se reúnen en secreto con él a confiarle la preocupación de la niña por su baja estatura y el embarazo de Eva, próxima a tener gemelos.

Al parecer, los sucesos hasta aquí mencionados generan temor y sospecha, que va cambiando de color cuando llega el suspenso y la tensión por el descubrimiento de la identidad del médico. Es Josef Mengele, “El ángel de la muerte”, uno de los más buscados genocidas de la época de Hitler por la policía secreta antinazi, ya que hizo prácticas criminales con la genética de entonces. Será el momento más difícil de esta película puesto que el médico ya va adelante con sus ensayos en los cuerpos femeninos que han buscado su ayuda. Este intruso ha hecho mella a la armonía de esta familia y ha manipulado a sus integrantes que ya empiezan a manifestar molestias. 

Con una música, paisajes y fotografía inigualables, vemos aquí el valor del poder que con su dinero, sus modales y sus conocimientos busca avasallar a otros y dominarlos. A su vez, se destaca la relación saturada de atracción entre Mengele y Lilith, que no es más que ese acercamiento a la belleza y a la fascinación por la ciencia, por parte de él (motivo por el que realizó múltiples experimentos); y a la fuerza y al misterio que emanan de Mengele, por parte de la menor. Además se presentan los riesgos del bullying que se da en el colegio de Lilith, donde los chicos que asumen actitudes machistas terminan haciéndole una burla desmedida a su baja talla. La directora de esta producción, durante 89 minutos, desarrolla estos temas de manera mesurada, con elegancia y al parecer, con una frialdad que a veces sorprende. Fue nominada a mejor película hispanoamericana en los Premios Goya 2013 y fue parte de la Selección Oficial del Festival de Cannes 2013.

EN CUERPO AJENO

Moglie e Marito (Mujer y Marido) es el nombre original de esta película en la que vemos a una pareja, Sofía y Andrea, al borde del divorcio intercambiando roles, como poniéndose uno en los zapatos del otro, para buscar un reencuentro que les posibilite salvar su relación. No es fácil aceptar y entender el resultado de un experimento científico que planeó Andrea, un neurólogo estudioso del cerebro humano, y que por error terminó con este cambio de propósito: "Andrea es Andrea en el cuerpo de Sofía y Sofía es Sofía en el cuerpo de Andrea". Un tema que desmotiva al espectador ya que se sale del ámbito de la realidad, pero a medida que avanza el desarrollo del filme puede ir descubriendo las intenciones de su director Simone Godano, quien aparte de hacer reír, intenta poner a sus protagonistas bajo el velo del dualismo de género. Así, Andrea y Sofía van trastocando su identidad e intentando comprender cómo es ese otro u otra y qué tipo de sensibilidad manifiesta en su diario vivir.

En otras palabras, disocia la mente del cuerpo para tratar de descubrir cómo se percibe ella en el cuerpo masculino y cómo se siente él en el cuerpo femenino. No es fácil reconocer esa transferencia de identidad de géneros e interpretar con libertad esa aceptación de los roles, pero termina siendo valiosa la lectura crítica de ese discurso. A modo de ejemplo, gana el hombre –Andrea- en su relación con los hijos porque descubre las razones de ese marcado acercamiento de ellos a su madre, gana también la mujer –Sofía- quien muchas veces es la culpable de la incapacidad de los hombres para la realización de muchas tareas en el hogar. No obstante, es notoria la incomodidad de cada personaje en un cuerpo que no es el suyo, en una profesión que desconoce por completo, y en un diario vivir alterado por la situación presentada.

Esta comedia romántica del año 2017 es la ópera prima de su director italiano que se acerca al auto descubrimiento de cada integrante de la pareja, dándole un valor igualitario a cada uno de ellos y, por lo tanto, reivindicando los valores femeninos por los que se sigue luchando. Una mirada a los conflictos de la pareja, a la lucha por el amor y a esa necesidad de “ponernos en el lugar del otro”.

LA MELODÍA

Valioso el papel de la música en la expresión del hombre, en sus relaciones interpersonales, en la construcción de una identidad y especialmente en el aprendizaje. Es una forma de vida que ayuda a crecer mental y físicamente; de ahí que debiera ser la segunda lengua en todos los colegios e instituciones educativas. Porque es un instrumento que desarma espíritus y mejora la manera de llegar al otro para explorar esa parte más sensible del ser humano como ocurre en la película LA MELODÍA. En este filme, se evidencia que desde la experiencia musical se pueden integrar personas de diferentes razas y condiciones, y a través de ella implementar cambios profundos en sus protagonistas.

Simón Daoud (Kad Merad) es un violinista profesional, con más de 40 años, que decide iniciar la tarea de maestro, ante la falta de alternativas en su carrera musical. Llega a un colegio parisino donde comienza a dar clases de música a niños de sexto grado con una metodología rígida, propia de su formación y de su quehacer diario. Será entonces, el pedagogo Farid Brahimi (Samir Guesmi) quien lo ayude en la comprensión y manejo de estos estudiantes indisciplinados que lentamente irá conociendo hasta llegar a tener un contacto cercano con ellos. Establecerá una lucha personal bastante fuerte y como persona cometerá fallas por no dejar vencer su orgullo; sin embargo, superará los obstáculos y cambiará de actitud para llegar a estos niños que terminarán bien preparados para el concierto especial con la filarmónica. Simón se convertirá entonces en el polo a tierra de sus estudiantes, en el líder que los lleva a explorar sus habilidades y en el apoyo de las familias que aceptan también los retos y se involucran en el proceso de crecimiento personal. Todos unidos por la música terminará siendo su lema y en especial ayudará a Arnold, un estudiante tímido con un gran talento, a convertirlo en el violinista más destacado.

Esta comedia dramática fue dirigida por Rachid Hami en el año 2017 con una duración de 102 minutos. Hami, francés de origen argelino, conoció la experiencia francesa Demos –una educación en vocación musical y social para niños y jóvenes de escasos recursos y de poblaciones vulnerables- y la aplicó en esta película utilizando la misma población, sin conocimientos de música, ni de actuación. Una dura tarea, pero meritoria. Y si venimos a nuestro medio, encontramos también experiencias valiosas, como la promovida por la Fundación Batuta en Colombia que lleva más de 25 años. “La labor de Batuta potencia la construcción de tejido social, la generación de espacios de reconciliación y convivencia, y la promoción de capacidades individuales útiles para ejercer una participación activa en la sociedad”. Una vez más se resalta el poder transformador de la música en niños, adolescentes y jóvenes. 

AMERICAN CURIOUS

Un homenaje a la cultura mexicana ofrece esta película que nos regala los colores, los adornos, las canciones, su estilo de vida y especialmente la comida, alrededor de la cual se conjugan todas las raíces familiares y aparece cargada de encanto y dedicación. Es la ópera prima de la mexicana Gabylu Lara, que se hizo realidad en el año 2017 después de 12 años de gestación.

Sorprendido por la noticia de ser el heredero de una casa y un restaurante que le dejó su madre biológica a quien nunca conoció, David Green (Jordan Belfi) viaja a México donde no solo descubre las riquezas de este país, sino también su verdadero origen. No es fácil para él entrar en este ambiente que desconoce por completo y solo quiere vender lo que ha heredado para volver pronto a Estados Unidos. Sin embargo, es bien recibido por las personas que habitan sus nuevas posesiones y a su lado irá explorando las riquezas de la cultura mexicana. Encuentra un buen restaurante, donde se sirven los verdaderos platos tradicionales que son preparados por quienes sienten el sabor y la calidad de sus comidas. Entabla amistad con Sol Rodríguez (Ana Claudia Talancón), una joven y bella cocinera, quien altera sus planes de regreso a su país y a su lado logra desentrañar los secretos de su pasado. Poco a poco irá descubriendo quién fue su madre, por qué fue dado en adopción, las razones de su negativa a buscarlo, el complejo de culpa que siempre la acompañó, la lucha que dio para crear un buen capital, hasta descubrir a su verdadero padre. No será fácil hallar las respuestas a tantos interrogantes y más difícil aún aceptarlas.

Valioso este proceso de regresar a buscar las raíces y encontrarlas. La memoria, los recuerdos y las asociaciones de David van en busca de ese pasado que había borrado y que ahora se empeña en recuperar. Necesita hacerlo para enfrentar sus dudas e inseguridades, y para redescubrirse, encontrando al fin su verdadera identidad. Así podrá adaptarse a este nuevo mundo con el que ya interactúa y empieza a valorarlo al lado de Sol, cómplice de su nuevo hallazgo: la receta de la sopa “No me olvides”, creada por su madre. Este drama romántico también crea vínculos entre México y Estados Unidos, un tema que en el momento parecer rayar en la xenofobia impulsada por su actual mandatario. 

“Entre la sopa y el amor, lo primero es lo mejor”

PÁJAROS DE VERANO

“Interpretar a Úrsula es volver a llenarme de mis raíces, volver a mi tierra y tener la dicha de representarla con toda la honestidad y la pureza. Mi vida se la he dado a ella”, afirma Carmiña Martínez.

"Estábamos buscando una mirada femenina en un género que es absolutamente masculino, y que además la historia siempre se cuenta desde la voz masculina. Buscamos las historias que no nos habían contado y las historias que estaban en silencio" cuenta Cristina Gallego.

“Claro que teníamos una responsabilidad con esta película, sobre todo después de lo que pasó con El abrazo de la serpiente, pero en el mismo momento en que empezamos a hacerla me di cuenta de que esta historia era grande, más grande. Algo que jamás se había hecho”, cuenta Ciro Guerra.

"Hay que cumplir con la palabra, así esté en contra de todo, es lo que representa a una persona Wayúu" afirma José Acosta.

Una película colombiana, de Ciro Guerra y Cristina Gallego, que figura entre las 11 opcionadas al Premio Oscar de mejor película extranjera para el próximo año, en su edición 91. Ya habíamos visto la nominación de El abrazo de la serpiente en el 2016 y ahora la dupla Guerra-Gallego ha hecho un trabajo que tiene los méritos para que se repita con mejores resultados. En ella se reflejan todas costumbres de la comunidad Wayúu, un grupo matriarcal que habita en el departamento de la Guajira, al norte de Colombia. Aquí tuvo lugar el inicio del narcotráfico durante los años 70, seguido con la “bonanza marimbera” que duró 10 años y terminó con la época más cruda de violencia y miseria para el país, promovida por los temibles carteles de la droga. Es una historia de amor y de familia, que se combinó con ambición, venganza, traición, odio y destrucción, y resintió los valores de los Wayúu que ahora esta producción intenta reivindicar.

Se inicia mostrando las vivencias de la cultura indígena Wayúu: sus creencias, sus ritos, el vestuario, las tradiciones (pago de dotes y arreglos matrimoniales), el papel de la mujer, los sueños, los palabreros, y el verdadero sentido de la palabra. Aparece entonces la familia indígena Wayúu liderada por Úrsula Pushaina (Carmiña Martínez), cuya hija, Zaida Pushaina (Natalia Reyes), acaba de finalizar el rito que la convierte en mujer, y ya puede contraer matrimonio. No es fácil para el futuro esposo, Rapayet Abuchaibe (José Acosta), cumplir con la dote impuesta por su suegra para hacerse merecedor de su hija. Al fin logra su aceptación, gracias a la venta de unos kilos de la hierba a los Cuerpos de Paz John F. Kennedy con la ayuda de su tío Rafael. Así sigue la historia que se desenvuelve en la Sierra Nevada de Santa Marta, saturada de cargamentos de marihuana, de productores, de vendedores liderados por Rafael, y de compradores americanos que llegan con sus avionetas y las envían repletas de esta hierba a Estados Unidos. Mucha sangre se derramará sobre la arena y muchos cambios irán diezmando a las familias de Úrsula y Rapayet hasta su total desaparición. Úrsula estará mediando en todas las decisiones, aunque terminará por imponerse la pérdida de los valores ancestrales que se cambió por el enriquecimiento ilícito y la violencia desmedida, llevando a las comunidades indígenas a perder su dominio y a entrar en un proceso de aculturación.

  

Cinco capítulos que constituyen cinco canciones de la cultura Wayúu (Las hierbas salvajes, Las tumbas, La bonanza, La guerra y El limbo)  dan forma a Pájaros de Verano con un estilo emotivo y conmovedor. Se destaca también por la magia de su historia y del sonido que ambienta esta producción, la fotografía magistral que muestra el encanto de esta parte de Colombia, el uso del idioma hablado por esta comunidad, la presencia constante de animales que aparecen como diásporas, el papel del palabrero con un poder semejante al de la mujer ya que la palabra goza de gran respeto, y especialmente el rol de este ser femenino que también transmite el apellido y el linaje. Una producción valiosa que ha iniciado un importante recorrido internacional y ya empieza a cosechar valiosos premios.

“Si hay familia, hay honor. Si hay honor, hay palabra. Si hay palabra, hay paz”

CUANDO ELLAS QUIEREN

“Algunas cosas resisten la prueba del tiempo”.

Quisimos ver una película que nos sacara de la seriedad y de la trascendencia que usualmente llenan las entradas de este blog, y elegimos esta que nos divirtió, dejándonos el buen sabor de la madurez y el mejor de los gustos por la amistad que disfrutamos las mujeres. Cuando ellas quieren se propuso acercar a cuatro mujeres mayores, íconos del cine y representantes de una generación valiosa que todavía puede aportar a este arte, y lo logró. Cada una de ellas asumió un rol diferente frente a la forma de vivir la cotidianidad, de enfrentar el sexo, de aceptar el papel de madre y, en general, de ir al encuentro con la felicidad.

Para esta tarea, su director Bill Holderman invita a las actrices Diane Keaton, Jane Fonda, Candice Bergen y Mary Steenburgen que representan a cuatro amigas mayores de 65 años: Diane, Vivian, Sharon y Carol respectivamente. Ellas, que disfrutan de un club de lectura que las une semanalmente, ahora las acerca un libro diferente a lo acostumbrado, “50 sombras de Gray”, la novela erótica de E. L. James. Este libro rompe con la monotonía de sus vidas y desencadena un renacer de la pasión y del interés por el sexo opuesto. Entre todas se animan a despertar sentimientos dormidos, a llenar vacíos que aún pueden encontrar su respuesta, y a vencer ese temor de disfrutar los años que todavía les queda. Y lo hacen acompañadas de figuras como Andy García, Craig Nelson, Don Johnson y Richard Dreyfuss cuyos aportes serán básicos para el disfrute de esta comedia. El resultado estará marcado por una serie de graciosísimos eventos que las acercará más, las estimulará como mujeres mayores y les reivindicará el derecho a vivir su sexualidad.

Muchos críticos han calificado esta producción como una comedia geriátrica que atrae espectadores de la tercera edad y les permite el reencuentro con “viejas glorias de la pantalla grande”.  De verdad, que no es común unir grandes estrellas ya olvidadas y hacerlas brillar en la cúspide de su carrera actoral.  Una manera muy entretenida de disfrutar una tarde de septiembre.

EL HILO INVISIBLE O PHANTOM THREAD

“¿Es tu alma gemela quien te entiende y te respeta hasta soportar tus manías más irracionales y desquiciantes o quien te corta las alas para bajarte de la nube y humanizarte, por más que eso conlleve pagar un alto precio?”  Raquel Hernández Luján

Esta película es la ganadora del Oscar 2018 por Mejor Diseño de Vestuario y nominada a Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz Secundaria y Mejor Música. Su director y guionista Paul Thomas Anderson intenta llevar en 130 minutos un drama sobre “la soledad y la exigencia de la creación” que termina profundizando en las relaciones personales que mueven a sus protagonistas envueltos en un ambiente de modas de la más alta sociedad británica.

El diseñador de alta costura del Londres de los años 50, Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis), es un hombre enigmático, meticuloso, solitario y dedicado por completo a su trabajo. Viste a las mujeres de la realeza, estrellas de cine y personajes famosos con el estilo incomparable de la Casa Woodstock. Por sus manos pasan vestidos que pueden compararse con verdaderas obras de arte. Sus relaciones con los demás son inestables, mostrando solo una estrecha unión con su hermana Cyril (Lesley Manville) quien es su socia y consejera, y una cercanía perturbable con su madre muerta. A ella invoca constantemente puesto que le heredó su oficio y le ha sido imposible despegarse de su corazón. De repente conoce a una camarera, joven y bella, hacia la que siente atraído y día tras día irá involucrándola en su trabajo, en su vida sentimental y en sus numerosos conflictos. Se establece entre ellos una tormentosa relación que irá hasta la exasperación. ¿Pasará Alma (Vicky Krieps), su nueva modelo y su musa de temperamento fuerte, las pruebas a la que se ve sometida por su exquisito amante? ¿Será capaz Reynolds de cambiar su vida estructurada y psicorrígida por la inquietante Alma, su loca enamorada?

Una película lenta e intensa, que atiende en silencio durante buenos ratos los gestos, miradas y movimientos de sus protagonistas, con diálogos que reflejan una guerra secreta entre ellos, y en espacios cerrados saturados de escaleras y puertas por los que circula el orden y la organización. Un extraño romance y una relación de dependencia son los móviles de esta producción en la que la mujer deja de ser ese objeto del modelaje para llegar a ser un objeto de seducción y de encuentro con su verdadero lugar en la relación de pareja. Acompaña a este melodrama una banda sonora que no cesa de tocar el piano, y verdaderos diseños que hacen alarde de trabajo del ganador del Oscar a Mejor Vesturario, Mark Bridges.

-Siento como si te hubiera estado buscando durante mucho tiempo.

–Me encontraste. Hagas lo que hagas, hazlo con cuidado.

Yo le he dado a él lo que más desea, todo mi ser.

Oigo tu voz decir mi nombre cuando sueño. Y cuando despierto hay lágrimas en mi cara.

MUCHOS HIJOS, UN MONO, UN CASTILLO

Un documental español en el que Gustavo Salmerón retrata a su madre durante 14 años y muestra la relación de ella con su familia y su entorno. Para Julia no fue fácil aceptar el reto que le propuso su hijo, pero lo cumplió a cabalidad y de manera tan natural y divertida que este trabajo termina obteniendo el Premio Goya 2018 y la nominación al Premio Feroz como mejor comedia y mejor documental.

MUCHOS HIJOS, UN MONO, UN CASTILLO son los sueños que Julita pudo hacer realidad a lo largo de 80 años. Se casó con Antonio, un ingeniero industrial, cargado de paciencia que se volvió sordo y convive con ella en una buena relación. Tuvieron seis hijos con los que compartió todas sus travesuras y creó con ellos una familia excéntrica, marcada por la libertad. Tuvo un mono que se vio obligada a regalarlo puesto que empezó a morder a todo el mundo. También pudo cumplir su deseo de tener un castillo, gracias a un dinero que recibió de una herencia familiar. Como no fue ajena a la crisis económica que vivió España durante la dictadura de Franco, fue necesario que dejara su mansión saturada de muebles y de objetos extraños que siempre fue acumulando, entre ellos la vértebra de su abuela asesinada. Sin embargo, esta vértebra desapareció y toda su familia –incluso nietos- emprende ahora su búsqueda, lo que será motivo de encuentro con el pasado y de reflexión con el presente.

Tres generaciones se dan cita en esta película que acumula anécdotas de una existencia particular y que quiere mostrar el verdadero sentido de la familia, el matriarcado de su protagonista y su increíble amor por la vida. Para ello, Gustavo Salmerón grabó con su cámara en 88 minutos las reuniones y paseos familiares, las vivencias en el castillo y en la nueva casa, la aventura de hallar la vértebra perdida descubriendo cantidad de cachivaches guardados por años y sobre todo las charlas con Julita mientras degustaba sus comidas. Este personaje actúa con una increíble naturalidad y una personalidad arrolladora plagada de proyectos e ilusiones. Es una recicladora empedernida que guarda los recuerdos, el cariño y el valor de las cosas. Y aunque se siente extraña con la acogida de esta película, acepta el reto de hacer una nueva versión como lo han propuesto sus espectadores. Muchos aplausos y muchas risas encontramos en esta historia de la vida real y de la cotidianidad de cualquier lugar del mundo.

EL INSULTO

“No podemos vivir en el pasado”

“Las disculpas no pueden ser vistas como una debilidad, sino como decencia”

“Las palabras son el resultado de una ira que nunca sanó”

Un insulto es la raíz de la violencia que aparece en esta película y que desata un conflicto de grandes proporciones en los estrados judiciales y en las calles de una ciudad del Medio Oriente, en Beirut, Líbano. Aquí vemos a Yasser -un refugiado palestino musulmán- que insulta a Toni -un cristiano libanés- porque este lo agrede lanzándole agua sobre su cabeza como rechazo a una obra que aquel realizó en su balcón. ¿La razón? Toni inicia una persecución sin límites contra Yasser porque no acepta las palabras de quien considera su enemigo y lo obliga a que le ofrezca sus disculpas. Es un enfrentamiento con un representante del grupo político religioso odiado para él. Yasser, que se niega a acatar su petición, es llevado ante la justicia y día tras días su juicio se agranda hasta adquirir enorme popularidad, no solo en el ámbito judicial sino también en las calles, en la clase política y en los medios de comunicación. Será un largo proceso en el que tanto la abogada defensora como el fiscal tendrán mucho qué decir y mucho qué descubrir ante el público y ante las cámaras.

Una muestra de la intolerancia y el rechazo al otro es lo que nos plantea EL INSULTO. Este drama libanés del director Ziad Doueiri fue nominado a la mejor película extranjera en la premiación de los Oscar de este año. Un conflicto personal, al parecer trivial, adquiere grandes proporciones como consecuencia del odio religioso e ideológico que se profesan los contendores. Pertenecen a la sociedad libanesa donde aparentemente prima la igualdad, pero es un territorio inestable tras la guerra de 15 años que soportó su estado con los territorios palestinos, Siria e Israel. Quienes viven allí no han podido superar el rencor y son marcadas las heridas y las disputas con quienes comparten el mismo espacio, pero profesan religión, raza y prejuicios diferentes.

Vale la pena resaltar el papel de los protagonistas y de sus esposas. Dos parejas que se asemejan en su relación, dedicados al trabajo, buenos esposos y con un modo de vida semejante, a pesar de la hostilidad que los mueve. No les interesa el dinero para solucionar las dificultades; por encima de todo buscan salvar su dignidad herida. Resulta también interesante la relación de los abogados que intervienen en el caso -un verdadero impacto en la película- y los argumentos que exponen para la defensa y la acusación del incriminado. Y más valioso aún, el papel de las mujeres marcado por la fortaleza y la comprensión de la situación aquí planteada. Ellas se oponen a la intolerancia y dan un sí al acercamiento al otro: escuchando sus posiciones, respetándolas y aceptándolas en aras del bien común. Duele porque el camino ha sido duro y han quedado espinas de un pasado doloroso, pero vale la pena buscar un entendimiento para reconfortar el corazón y encontrar una salida victoriosa. Muy valiosa la intención de esta película, narrada de manera ágil y dinámica.

“Nadie tiene exclusividad sobre el sufrimiento, todos sufrimos".

LADY BIRD

La directora y guionista estadounidense, Greta Gerwig, de 35 años de edad nos presenta este drama de 94 minutos nominado a cinco premios Oscar del año 2017, incluyendo Mejor Película, Mejor Director y Mejor Guión Original. En esta ópera prima en solitario, esta joven directora ubica a sus personajes en los años 2002 y 2003 en Sacramento, el mismo sitio donde nació y vivió su infancia y adolescencia, con su música y sus cantantes favoritos. Muy cerca estará de ellos y será también una dura crítica de su comportamiento y actitudes.

Cristina (Saoirse Ronan) es una joven rebelde que ha cambiado su nombre por el de Lady Bird. Posee opiniones fuertes e intereses artísticos, y lucha por independizarse de su hogar donde encuentra demasiada opresión. Quiere además hacer su último año escolar lejos de su tierra, en un ambiente citadino, para adaptarse a él y lograr un acceso rápido a la universidad, lo que parece imposible pues sus padres no tienen el dinero para ello. Su madre  (Laura Metcalf)  es una mujer depresiva y ansiosa, muy perfeccionista y trabajadora, una enfermera que trabaja incansablemente por llevar el dinero a casa, ya que su esposo carece de empleo. Por su parte, su padre (Tracy Letts) es un hombre equilibrado que ama a su esposa e hija y muestra una actitud más racional en sus relaciones. Será quien logre sortear las dificultades y hacer de fusible en todas estas tensiones que se viven allí.

Aparece muy cuestionado el papel de mamá, lo que da espacio a una historia de amor-odio materno-filial compleja e inquietante. Una fuente de conflictos es este rol porque, generalmente, se llega a ser madre en medio de la juventud y de la inexperiencia combinada con una carga grande de responsabilidad y estrés, como sucede en esta película. Al mismo tiempo, el papel de hija no será fácil puesto que se halla en medio de innumerables dificultades. ¿Cómo asumirlo, si a él se añaden otros conflictos relacionados con sus amores y sus primeros desengaños, sus compañeros, su padre, sus profesores, su mejor amiga y con ella misma? Lady Bird tendrá que sufrir muchas decepciones y enfrentar variados desafíos para lograr finalmente descubrir su verdadera identidad y encontrar su verdadero camino en este salto cercano a la adultez. Además, hallará el valor del hogar y de la familia, en especial de su madre porque nunca dudó de la grandeza de su corazón. Una película sobria, cálida y de marcada sensibilidad.

- Tengo que irme de Sacramento.
- ¿Por qué?
- Porque te quita el alma.

A NIVEL DE LOS OJOS

“En el agua todos somos iguales”

“Nadie elige a su familia y yo tuve la suerte de escogerla”

En un ambiente donde la adopción solo se da en bebés, resulta difícil encontrar quien se haga cargo de un niño de 10 u 11 años de edad. Sin embargo, en países desarrollados, existen lugares que asumen la crianza y educación de estos pequeños con muchas comodidades y en medio de notables libertades como las que vemos en esta película. Pero ¿qué sucede si el chico insiste en buscar a su progenitor y descubre que su salvador tiene su mismo tamaño?

Este es el tema que plantea A nivel de los ojos donde aparece el bullying como figura central. Una producción alemana de 99 minutos del año 2016, dirigida por Joachim Dollhopf y Evi Goldbrunner, ganadora del Mejor Film Infantil en los Premios del Cine Alemán y del Premio Seminci Joven en el Festival de Valladolid. Michi es un niño de 10 años que vive en una casa hogar desde que su madre falleció. Allí tiene buenas relaciones con sus compañeros y sueña con encontrar a su padre para ganarse el respeto de los otros chicos que comparten su indefensión. Cuando logra dar con el paradero de la persona que busca, llamada Tom, descubre que es opuesto a los ideales de fortaleza y virilidad con que soñaba, lo que le causa un gran desengaño. Teme desatar la burla de sus propios amigos que poco tardan en darse cuenta del suceso y lo hacen blanco del hostigamiento y maltrato físico y psicológico. Debe huir y como no tiene donde llegar, se queda a vivir con Tom en medio de muchos rechazos y humillaciones por parte de Michi, y de los mejores deseos del padre por aceptar su inesperada paternidad. El tiempo pasa, se distensiona la relación y se logra un entendimiento entre ambos ya que descubren que tienen mucho en común. A pesar de ello, un acontecimiento inesperado vuelve a enfrentarlos.

Una película conmovedora y sensible que nos enseña sobre el perdón, la valentía, la amistad y sobre cómo establecer límites de confianza y respeto. Nos lleva también a aceptar al otro tal como es y dejar a un lado la ignorancia y la cobardía de la sociedad. Pone a pensar cómo viven quienes son diferentes al común de las personas y qué problemas encuentran en su quehacer diario. Es cuando aparece el acoso escolar por parte de los mismos amigos que disfrutan del victimario, en un escenario como la Alemania de ahora donde se promueve el respeto por los demás y hasta está prohibido el uso de la palabra “enano”. Destacada la actuación de su protagonista, el niño Luis Vorbach, un excelente actor y con un maravilloso sentido del humor.

UN TOQUE DE CANELA

Una secuencia de obras de arte es esta película en la que cada imagen es una fotografía preciosa captada con sumo cuidado, de ahí el placer de disfrutarla paso a paso. En ella percibimos una gran sensibilidad que se extiende a muchos aspectos de la vida, en especial a la comida. El abuelo y mentor del protagonista asocia las especias con los sentimientos; de manera que la sal, la canela, la pimienta y el comino toman fuerza y son medios útiles para lograr propósitos. Todos los olores y sabores que condimentan los platos son la esperanza de una vida más armoniosa e invitan a soñar con placer, pero también con nostalgia.

Fanis es un profesor de astrofísica griego que fue educado en Estambul donde vivió con sus padres hasta la edad de siete años cuando fue deportado con ellos a su tierra natal. A pesar de su corta edad, disfrutó de la compañía de su abuelo turco Vassilis y de su sabiduría como cocinero y filósofo que le daba gran importancia a la sal y a las otras especias. En la tienda de Vassilis, este niño aprendió que tanto la comida como la vida requieren de ellas y a su lado asimiló los secretos del arte de la cocina. Así, siendo muy joven se hizo conocer en Atenas por sus recetas culinarias que daban sabor a la vida de quienes lo rodeaban. Allí también fue testigo del enfrentamiento de las culturas en las que creció y no pudo entender cómo Grecia y Turquía teniendo los mismos olores y sabores fueran tan dispares en su apreciación del mundo. Al llegar a los 35 años vuelve a Estambul en busca de su abuelo que se encuentra enfermo y de Saime su primer amor, a los que no ha visto en todos estos años. No será fácil para él este reencuentro con el pasado y con esta tierra que le dio sus primeras enseñanzas.

Tassos Boulmetis es el director y guionista de esta película griega del año 2003, con una duración de 108 minutos. Además de la fotografía hecha por Takis Zervoulakos, se destaca por la belleza de la música de Evanthia Reboutsika, propia de los países protagonistas. Representó a Grecia en la entrega de los premios Oscar de ese año cuando fue recibida como “una obra maestra, no solo por ese deleite de los sentidos en esta particular filosofía de la vida, sino también por mostrar esa tensión Greco-Turca con un carácter sociohistórico”. Una agradable degustación de sabor y deleite a los ojos nos ofrece este cine gastronómico cuya semejanza con lo astronómico nos resulta valioso ya que parece regresar desde las estrellas hasta los platos de la infancia para descubrir su verdadera esencia.

"Hay dos tipos de viajeros en la vida, aquellos que parten y aquellos que retornan; los primeros miran el mapa, los segundos miran al espejo".

"No mires hacia atrás, si miras hacia atrás los recuerdos quedarán grabados para siempre como una promesa".

LAS HORAS MÁS OSCURAS

“Por más que grandes extensiones de Europa y muchos estados antiguos y famosos hayan caído o puedan caer en poder de la Gestapo y de todo el espantoso aparato del régimen nazi, no vamos a flaquear ni a fracasar, sino que seguiremos hasta el final. Combatiremos en Francia, combatiremos en los mares y los océanos, combatiremos cada vez con mayor confianza y fuerza en el aire; defenderemos nuestra isla a cualquier precio. Combatiremos en las playas, en los lugares de desembarco, en los campos y en las calles; combatiremos en las montañas; no nos rendiremos jamás; y por más que esta isla o buena parte de ella quede dominada y hambrienta, algo que de momento no creo que ocurra, nuestro imperio de ultramar, armado y protegido por la Flota británica, continuará la lucha hasta que, cuando Dios quiera, el Nuevo Mundo, con todo su poder y su fuerza, dé un paso al frente para rescatar y liberar al Viejo.”  Winston Churchill.

LAS HORAS MÁS OCURAS en el poder son las que vive Winston Churchill cuando se convierte en el  primer ministro británico en vísperas de la Segunda Guerra Mundial. Es el año de 1940 y es nombrado por el rey Jorge IV para dirigir los destinos de un país condenado a aceptar la paz que proponía la Alemania Nazi, una vez invadiera a Inglaterra. Así, desde  los primeros días de su participación en el poder, Churchill es sometido a tomar la más difícil decisión frente a todos sus adversarios que paradójicamente son sus propios amigos: “La paz es diferente a la libertad. ¡Busquemos la victoria!” Ama al pueblo quien lo apoya y asume esta tarea con una fortaleza física y emocional como no se ha visto en muchos años de la historia. Al final, después de uno de los discursos más estimulantes para el pueblo inglés, logra la aprobación de su propuesta y fiel a sus ideales decide enfrentar a los nazis, comandados por Hitler, cuya meta es la conquista del continente europeo. Logra entonces cambiar el curso de la historia con el apoyo del pueblo, del rey, de sus adversarios y de su propio partido. Y ante la invasión inminente, toma la mejor decisión como líder y como gobernante.

Un valioso drama de 125 minutos cuenta esta historia bajo la dirección de Joe Wright y la actuación sobresaliente de Gary Oldman que le valió los premios Oscar 2018 al mejor actor y al mejor maquillaje. Dicho personaje asume una caracterización excepcional, no sólo en el aspecto físico sino también en su actuación cargada de soberbia y de valentía, en su manera particular de hablar, y en los aspectos difíciles de su personalidad. Lo acompañan su esposa y su secretaria, dos mujeres que le dan armas para salir adelante y aunque sus papeles parecen ser discretos, son también un gran apoyo para él. Una película ágil y entretenida es esta cinta, que llama la atención de los espectadores porque a pesar de tener a la guerra como tema, no vemos en ella muertes ni campos de batalla. Un excelente retrato de un hombre heroico y vulnerable que fue más allá del tiempo y la distancia con sus decisiones y su lucha por alcanzar sus ideales, gracias al inmenso el poder de la palabra.

CÉZANNE Y YO

“Una obra de arte es un rincón de la creación visto a través de un temperamento” Émile Zola

“Me gustaría pintar como tú escribes” Cézanne

“La amistad es más difícil que el amor” Cézanne

“Contigo nunca sé si estoy ante un perro, una cobra o una mariposa” Émile Zola

“La realidad y la miseria me oprimen y, sin embargo, sueño todavía” Émile Zola

CÉZANNE Y YO es un viaje al interior de dos grandes artistas franceses del siglo XIX, el pintor post impresionista Paul Cézanne y el escritor naturalista Émile Zola, cuyas vidas estuvieron marcadas por el arte y la estrecha relación que existió entre ellos. Se conocieron en el colegio de La Provenza en 1852 y desde entonces iniciaron una fuerte amistad que ni siquiera las diferencias sociales lograron separarlos. Mientras Zola no contaba siquiera con los mínimos recursos económicos, Cézanne provenía de una familia acomodada de la que recibió su ayuda económica durante un buen tiempo, a pesar de rechazar la vida social que esta llevaba. Sin embargo, fue tal el empeño y la dedicación de Zolá que pudo crecer en el mundo literario y recibir la mejor crítica por sus obras; en contraste con su amigo Cézanne que fue incomprendido y solo al final de su existencia se le reconoció su talento.

En el año 2015, la directora y guionista Danièle Thompson desarrolla esta película con tintes históricos y biográficos. En ella pretende revelar el temperamento de cada uno de estos dos genios, las diferencias en una amistad sometida a duras pruebas y sus valiosas reflexiones sobre su trabajo artístico. Porque ambos compartieron el ámbito cultural de París donde se hicieron conocer, frecuentaron los mismos lugares y el mismo grupo de amigos, y hasta tuvieron romances con las mismas personas. Muchos llaman esta relación de amor-odio por la disparidad de criterios entre ellos y la amistad casi inquebrantable a través de los años. Ambos fueron conscientes de su talento, Zola seguro de él aunque marcado por contradicciones y Cézanne con dificultades para lograr el reconocimiento de su obra.

Una valiosa fotografía se destaca en este film con juegos de luces y planos de montañas que intentan recrear los bellos ambientes de la pintura de Cézanne. Vale la pena resaltar también el recurso de mezclar escenas de la niñez de los protagonistas a modo de “flashbacks” con las conversaciones, discusiones y encuentros de quienes vivieron una compleja y enriquecedora amistad.