LOS HOMBRES QUE NO AMABAN A LAS MUJERES

Una película de terror y de suspenso, basada en la obra del mismo nombre cuyo autor es el sueco Stieg Larsson. El nombre en inglés es La chica con el tatuaje del dragón y hace parte de la trilogía Millenium que comienza su puesta en escena con esta historia en el 2009. Su director es Niels Arden Oplev y es considerada como “la película escandinava más exitosa de los últimos años”. Al tiempo que profundiza en una investigación exhaustiva en la que muestra a Suecia como una sociedad corrupta, vemos que su intención no sólo es “mostrar la sangre por la sangre” sino también hacer una crítica al imperio económico, a las grandes familias y a los poderosos de esta sociedad industrial. Allí se da una exaltación al sexo masculino, a la vez que la mujer es maltratada y claramente expuesta a la misoginia sin importar su estrato o su condición social. Una cadena transmitida por los judíos quienes a través de la historia han mostrado alta dosis de racismo y xenofobia. Por fortuna, en esta película de cine independiente triunfan los buenos tras una dura lucha.

Después de 40 años de la desaparición de Harriet Vanger, su tío ha decidido encontrar al culpable, buscándolo entre los miembros de su prestigiosa familia pues está convencido de que allí lo hallará. Para lograrlo llama al periodista Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) que trabaja en la revista Millennium y que está siendo acusado por difamación y calumnia. Así, mientras éste espera el momento de pagar su injusta pena, asume la tarea con interés y va al pueblo donde reside la familia Vanger y donde conoce a varios de sus integrantes. A su vez, acepta la ayuda de Lisbeth Salander (Noomi Rapace), una hacker que ha seguido sus pasos a través del mundo de la informática, con apariencia de inadaptada e incontrolable, pero muy hábil para obtener información y meterse en el mundo de la investigación virtual. Ambos logran armar una historia con fotografías y videos de la familia Vanger y van descubriendo en ella toda una trama de desórdenes financieros, de problemas sexuales, de violencia, así como de silencios e impunidad. También encontramos a la misma protagonista víctima del maltrato y violación por parte de su propio tutor, quien logra reivindicarse ante su afán de venganza y su deseo de mostrarse fuerte en una falsa sociedad que atiende con desdén a las mujeres maltratadas. Blomkvist aprovecha sus habilidades periodísticas y todo el potencial de Lisbeth Salander, así entre ambos establecen una fuerte relación de trabajo y descubren la verdad sobre la desaparición de Harriet Vanger y todos los hechos escandalosos escondidos en el seno de esta familia. Salander salva la vida de su compañero cuando está al borde de la muerte causada por el más violento de la familia Vanger, culpable de la desaparición de Harriet. Finalmente somos testigos de una mezcla de profesionalismo y apasionamiento entre sus protagonistas que nos seduce y nos anima a la espera de la próxima película.

Los hombres que no amaban a las mujeres es una historia contada en 150 minutos que muestra toda la violencia que se encuentra en quienes no las aman, principal preocupación del autor y tema central de esta saga. Una película que es fiel a lo narrado en el libro y con un tema propio del siglo XXI, muy adecuado para los amantes de este género. Recibió varias nominaciones en premios del cine europeo. Lástima que su autor muriera a los 50 años, antes de ver publicado su tercer libro y de ver la acogida de su obra en la literatura y en el cine.

AMÉLIE

"Sin ti, las emociones de hoy no serían más que la piel muerta de las de ayer"

Comedia del francés Jean Pierre Jeunet que apareció con el lema: “Ella cambiará tu vida” en el 2001. Posee un trasfondo psicológico, muy propio del realismo mágico, en el que encontramos a Amélie rodeada de “una neurótica” y “un iceberg”. Son los padres de ella que no supieron darle una infancia feliz y crece sin amor “como una flor sin sol”. A ritmo lento, vemos a su protagonista en una exploración de ella misma, en una búsqueda del sentido a su existencia. No tiene contacto directo con la realidad pues se encuentra en completa soledad a partir de la carencia de afecto. Sin embargo, usa la imaginación como mecanismo para vencer la timidez, emplea sus ojos de mimo para expresar su contacto con el mundo de manera sorpresiva, y compensa su modo de vivir silencioso con el colorido que la rodea. Así logra encontrar su misión en la vida: hacer felices a las personas. La vemos entonces mostrando sus pérdidas desde niña para descubrir que “todo lo que queda de su infancia cabe en una cajita de herrumbre” como su nula relación con los pares de la infancia por decisión de su padre quien supuso que ella sufría de problemas cardíacos, la pérdida de su pez de colores que va a dar a un estanque por la negativa de sus padres a conservarlo en su acuario, y su madre, inestable y nerviosa, que fallece cuando una turista se lanza desde la catedral de Notre Dame y cae sobre ella. A esto se le suma que todo el afecto de su padre, la única persona que tiene cerca, es dedicado al gnomo del jardín. Tampoco espera que la suerte llegue pues ésta es “como el tour de Francia, si la esperas pasa volando” y más bien empieza a buscar soluciones porque al destino hay que ayudarle.

Amelie descubre muchos matices para afrontar la soledad e iniciar un cambio en su vida. Toma conciencia de ello el día que fallece Lady Di en un accidente de tráfico, que es el mismo día cuando encuentra una cajita llena de juguetes y fotografías que alguien escondió hace más de 40 años. Su decisión es buscar a su dueño y si este hallazgo le produce alegría, su respuesta será un cambio de vida a favor de los demás. Así, a sus 22 años abandona su hogar y se convierte en una joven camarera que tiene su apartamento en Montmartre. Desde allí acomete su tarea humanitaria en completo silencio y desarrolla múltiples estrategias para ayudar a quienes la rodean, sin que ellos lo sepan. Es el caso de Georgette, su compañera de trabajo, de carácter hipocondríaco, y de Joseph, enamorado inútilmente de Gina, que olvidan su situación para entregarse a una relación romántica y cargada de pasión. También ayuda a su vecino Raymond, un pintor obsesionado por Renoir, a dejar de repetir sus pinturas para ampliar su mente a otros estilos, y busca vengarse del vendedor de frutas que se dedica a humillar a su empleado y a someterlo a la burla de los demás. Esto y mucho más hace Amélie para encontrar la felicidad de los demás y a su paso, hallar la suya. Es cuando conoce a Nino y tras muchos intentos de llegar a él, de manera no convencional y sin éxito, logra estar entre sus brazos.

Una película de 120 minutos, cargada de soledad, pero enriquecida con la imaginación y con el arte. Fue nominada al Oscar incluyendo película de habla no inglesa, banda sonora, guión y fotografía, y al Globo de Oro como mejor película de habla no inglesa. Inolvidable el papel de Audrey Tatou quien siempre será Amélie. Una chica con ojos grandes y dulces, rostro pálido, cabello oscuro de muñeca y trajes románticos acompañada del rojo que invade los espacios que ella habita, lugares alegres y femeninos, que son reflejo de ella misma. Amélie, llena de magia y ensoñación. Todo un homenaje a "la intimidad de la mente humana".

"Verá, mi pequeña Amélie, usted no tiene los huesos de cristal.

Podrá soportar los golpes de la vida.

Si usted deja pasar esta oportunidad con el tiempo su corazón

 se irá volviendo  seco y frágil como mi esqueleto.

¿Qué espera? Ande, vaya por él."

FRIDA

FRIDA
De André Breton
                                                   “Es una cinta de seda alrededor de una bomba”

Ella es su creación. Un Dalí latinoamericano.

Reina, hechicera o india tehuana.

Inexacto límite entre lo onírico y lo real.

Paisaje de terciopelos, orquídeas y esclavas.

Mujer azul con bigotes rosáceos.

Metáfora, símbolo o señal de lo ardiente, sexo, fuego y muerte.

Ella fue para Diego lo que Dalí fue para Gala:

Excitación, sudor, sostén y locura.

Policromada cariátide de un templo griego,

Mural, tapiz de plumas, vuelo o escultura.

Joven virgen del thiasos lesbiano o perla gris del Egeo,

Cuna, cama y sepultura.

Una trenza entre Narciso y los espejos.

Desgarramiento lila. Oro azul de Coyoacán.

Volcánico alarido de la imagen femenina.

Ella es Frida y Frida su creación.

Tajo, solo tajo. Pieza única de orfebrería.

Pesada oscura joya precolombina.

Interesante recrear la biografía de Frida y más para nosotras, las usuarias del Cine Club Salamandra, que en distintos momentos ya habíamos degustado esta película. Un verdadero ejercicio de recreación. Vale la pena anotar que la vida de Frida al ser llevada al cine de manera artística debe sacrificar algunos hechos fidedignos que componen la existencia de esta gran artista latinoamericana del siglo XX. Sin embargo, es una obra que trata de mostrar los aspectos más significativos de su infancia, juventud y madurez, sin olvidar el valor de su pintura, la idiosincrasia del pueblo mexicano, y la lucha socialista en la que estuvo inmersa. Arte y política combinados en un mundo dominado por el machismo y por los acontecimientos de los años 30 cuando Frida se declara miembro del partido comunista de México (PCM) y asume la revolución con verdadero espíritu de lucha.

Vemos entonces a Frida niña al lado de sus padres deseosos de protegerla y en especial su padre con quien mantuvo siempre una relación cercana y amistosa. Luego aparece la Frida adolescente, aceptando el amor sin temores y absorbiendo lo mejor de cada minuto de su vida. Sorpresivamente, sufre un accidente en un tranvía que desencadenará múltiples problemas con su cuerpo partido en pedazos, pero a la vez el causante del nacimiento de esa gran pasión, la pintura. Deberá sobreponerse a su dolor constante, “no recuerdo cómo se sentía antes del dolor”, e iniciar una nueva vida con un cuerpo enyesado, pintado de mariposas. Nace entonces esa artista que pinta desde el corazón y encuentra la belleza en todas sus imperfecciones, haciendo de cada lienzo un poema. Se empeña en conocer a Diego Rivera, el famoso muralista mexicano que le dobla su edad, para que evalúe sus pinturas e inicia un proceso de crecimiento a su lado que durará 25 años, tiempo en el cual vemos la llegada de Frida a la madurez. “El matrimonio de un elefante y una paloma” asumido por ella como un acto político hostil, establece un vínculo de lealtad para ambos que se irá desdibujando cuando Diego es incapaz de serle fiel y sólo demuestra pertenencia a sí mismo. Tendrá que reconocer Frida que al lado de su accidente del tranvía, hay otro igual de grave en su vida, Diego. Pasarán por su lado otros personajes como Trosky –quien debe refugiarse en México pues es perseguido por Stalin en los finales de la revolución rusa- y algunas mujeres con los que tendrá encuentros amorosos, pero volverá al lado de Diego que, a pesar de todo, valoró inmensamente su pintura y ayudó a hacerla grande en el medio cultural de su país. Frida, por su parte, seguirá representando su dolor de manera artística, el valor de esa lucha que debe dar diariamente y no dejará su esencia de mujer enamorada de su país, de su herencia indígena, de la belleza de su cultura y de su raza. Para lograrlo usará largos vestidos prototipo de la idiosincrasia mexicana que le ayudarán también a camuflar sus problemas corporales. Poco a poco, y debido al consumo de alcohol y de las drogas, su salud empeora y termina su vida pintando naturalezas muertas a las que añadirá una bandera y una paloma de la paz. “No quiero que me entierren para no estar por más tiempo acostada”, dijo días antes de su muerte, a los 47 años.

Frida representada por Salma Hayek y Diego Rivera por Alfred Molina fueron dirigidos por  la norteamericana Julie Taymor, quien es más conocida en el mundo del teatro. En el año 2002, esta película de 120 minutos recibió seis nominaciones al Oscar y obtuvo dos premios, mejor maquillaje y banda sonora.   Está basada en los escritos de Hayden Herrera, una persona estudiosa de Frida, aunque para algunos críticos, la película está más centrada en su vida que en sus obras y desconoce la discapacidad que sufre Frida siendo niña aún: una pierna afectada por la polio y una deficiencia congénita, la espina bífida. Sin embargo, nos exhibe una vida marcada por el dolor que acompaña tanto a sus pensamientos como a sus más íntimas emociones. Y el resultado, una obra con rasgos surrealistas, movimiento desconocido para Frida, pero que recibió este apelativo de André Breton al pintar su propia realidad, en la expresión más atrevida de ella misma.

MEDIANOCHE EN PARÍS

“París, la ciudad para escritores y artistas”.

 París, la ciudad que invita a vivir.

 París, la ciudad más romántica del mundo.

 “Difícil pensar en una obra que supere esta ciudad”.

Con las anteriores expresiones, encontramos a Woody Allen haciendo un homenaje a esta maravillosa ciudad, después de Manhattan y de Barcelona.  Va a ese lugar donde se reencuentra con lo mejor del arte y de la literatura, y con una fascinación onírica llega a la más bella época de París. Increíble poder penetrar en esos lugares de la bohemia parisina de la mano de su protagonista Gil Pender (Owen Wilson), un joven americano, que llega de vacaciones a “La Ciudad Luz” con su novia Inez (Rachel McAdams) pues está próximo a casarse. Cansado de la vida frívola a la que es sometido por ella y su familia, se enamora de esta ciudad y logra penetrar en su mundo mágico donde -con sorpresa- se encuentra frente a los más famosos escritores y artistas que le regalarán palabras, escenas y melodías. Conocerá a Scott Fitzgerald, Jean Cocteau, Ernest Hemingway, Mark Twain, Tom Eliot, Henry Miller, Gertrude Stein, Pablo Picasso, Luis Buñuel, Salvador Dalí y muchos otros que vivieron en París y formaron una época donde la creatividad y la riqueza parecieron estar en su mejor punto. Gil subirá cada noche a un coche de los años 20 que lo llevará al encuentro con los personajes parisienses y le permitirá hacer parte de la Edad de Oro. Entregará su proyecto de novela a Hemingway para su revisión y encontrará que su producción es creativa, lo que le permitirá llegar a otros escritores con entusiasmo. Esto también le dará la oportunidad de conocer a Adriana (Marion Cotillard), musa y amante de muchos de los personajes de este periodo, que aportará gran influencia en su vida. Por ello, al final de la película, Gil Pender decide quedarse en París para lograr su sueño, ser escritor.  Ya no está atado al pasado que admira y que lo marcó profundamente, sino  tomando decisiones claras, sin hacer caso a la nostalgia.

Todo un homenaje a un lugar que muestra compromiso con los ideales de Woody Allen, a una época que estuvo marcada por la intelectualidad, a sus héroes que dejaron huella en su formación y a su cultura caracterizada por la belleza de sus calles, boulevards, jardines y museos. Imposible olvidar la magia de lugares como la Torre Eiffel, el Arco del Triunfo, los Campos Elíseos, los puentes sobre el Sena,  el Museo de Louvre y el Palacio de Versalles, que conquistan a todos los que allí acuden. Medianoche en París es toda una declaración de amor a esta ciudad donde vivió en su juventud, lo conquistó y lo marcó para siempre.

Esta comedia romántica, con la que se abre el Festival de Cannes en el 2011, es una mezcla de surrealismo y fantasía. También es la combinación de la nostalgia, “el pasado es un carisma para mí”, y de la búsqueda de la superación con lo que somos y tenemos, pues no da méritos a la creencia de que vivir una vida diferente pueda ser mejor. Así, la película no solo es una reflexión sobre temas destacados de la historia sino también sobre temas que Woody Allen siempre tiene presente en sus producciones: buscar la felicidad en medio de las oportunidades que nos da la vida, vivir el presente en el lugar y en el momento que nos corresponde,  y valorar la cultura y el conocimiento en el desempeño de la gente. A pesar de la demostración de amor a una ciudad y a una época ya mencionadas, nos transmite su inquietud de no buscar en otros mundos irreales la satisfacción de la vida presente. En este caso, la creencia o no de que todo tiempo pasado fue mejor resulta difícil de definir, pues la película parece resaltar la importancia del ayer ya que los artistas consciente o inconscientemente siempre han demostrado amor por el pasado.  En resumen, todo un viaje al pasado, con lugares marcados por el romanticismo, personajes bien representados, fotografía llena de encanto, y vestidos, luces, música y diálogos muy propios de la época. Tampoco faltó Woody Allen, el constante crítico de la vida, que bien pudo representar el papel protagónico en este interesante homenaje al arte y a quienes son sus creadores.

“La nostalgia es la negación de un presente doloroso”.
"Los artistas están para ofrecer con su obra belleza y esperanza
 ante el sinsentido de la existencia..." 

VICKY CRISTINA BARCELONA

Vicky (Rebecca Hall), es una mujer discreta y reflexiva, próxima a casarse, que llega a Barcelona con su gran amiga a disfrutar de sus vacaciones de verano. Cristina (Scarlett Johansson), apasionada por la fotografía,  es su acompañante, ambiciosa y entusiasta, amiga del arte y de la bohemia que quiere vivir la vida sin mayores compromisos. Barcelona las recibe con todo su encanto de ciudad bonita y de placeres mediterráneos. Allí ambas conocen a Juan Antonio (Javier Bardem) un artista encantador que logra seducirlas libremente, sin engaños, hasta que en ellas se produce un cambio que, paradójicamente, las aferra a sus sueños y a sus diferentes maneras de relacionarse con el mundo. Conocerán también a María Elena (Penélope Cruz) la ex mujer de Juan Antonio, que aparece por épocas con su locura a bordo, para hacerlo víctima de sus caprichos. Vicky debe continuar con sus planes de matrimonio pues causaría mucho dolor si no tuviera la valentía de renunciar a este nuevo amor. Por su parte, Cristina abandona este encuentro en el que es feliz, pero debe darle un respiro a su compañero y seguir en la búsqueda de su verdadero camino. Y Juan Antonio quedará en Barcelona luchando a ratos con su temperamental ex mujer que no puede abandonar pues forma parte de su vida. Así, Vicky Cristina Barcelona nos ofrece una historia en la que la búsqueda de la felicidad no significa estar bien, pues “no es suficiente para ser feliz”.

Vicky Cristina Barcelona es un título muy interesante para esta comedia romántica, escrita y dirigida por Woody Allen en el año 2007.  Obtuvo un Oscar a la mejor actriz secundaria con Penélope Cruz y un globo de oro como mejor película en el 2008. Con el propósito de mostrar a Barcelona como lo hizo con Manhattan, “a través de sus ojos”, Woody Allen hace de esta ciudad una nueva protagonista.  En espacios abiertos, bajo la luz del Mediterráneo, la arquitectura de Gaudi y las obras de Miró, cargada de atracción y romanticismo, podemos vivir en 96 minutos una historia de amor con todas sus alegrías y tristezas. Utilizando un buen recurso narrativo, al parecer divertido, Woody Allen trata de mostrarnos con ironía todo lo que sucede entre el amor y el deseo, entre la comodidad y la vida bohemia, entre la simplicidad y la atracción. Con el argumento de “Sólo el amor inalcanzable puede ser romántico” captamos un sinnúmero de obstáculos y limitaciones que niegan a sus protagonistas la posibilidad de conquistar a esa persona soñada y enamorarla libremente. Vemos entonces a Vicky con su extrema racionalidad, a Cristina con su espíritu aventurero, y a María Elena con su violencia y exaltación que no pueden salir de ese juego de inestabilidad sentimental, aunque logran disfrutar de la felicidad por breves instantes. Y a partir del juego que adquiere más brillo, encontramos a Vicky sumida en la indecisión ya que debe elegir entre escoger un mundo seguro y perfectamente planeado, o dejarse llevar por la libertad que le proporciona un amante seductor.

Una película que analiza los valores y conflictos de la vida cotidiana, enseñándonos a sortearlos y a no involucrarnos en esos estereotipos que solo llevan a comprender que nada es absoluto. Con una excelente música, caracterización y escenografía, Vicky Cristina Barcelona pone en escena las actuales relaciones de pareja al tiempo que realiza un buen análisis del sentido de la vida. Un film en el que podemos ver toda la sinceridad que emana su protagonista masculino, que no es más que la de su mismo director.

MANHATTAN

“Siento verdadera pasión y una gran devoción hacia la ciudad de Nueva York  y creo que en la película se la ve de la forma más hermosa que se ha visto nunca en el cine. Cuidamos mucho la fotografía y creo que es realmente impresionante”. Woody Allen

Este clásico del cine fue filmado en blanco y negro en Manhattan de la ciudad de Nueva York, como muestra fehaciente del gran amor de Woody Allen hacia este lugar. No obtuvo premios Oscar aunque fue nominado al  mejor guión y mejor actriz secundaria (Mary Hemingway) en 1979. Reviste completa actualidad ya que saca a relucir temas que en su época eran intocables y solo un libre pensador, como su director, puede dejar que los hechos fluyan y se convierta en una película resistente con el pasar de los años. Hace entonces toda una metáfora de la decadencia de la cultura contemporánea, dominada por lo material, hasta llegar al cuestionamiento del valor de la vida. En su papel del prototipo del intelectual y con una mirada muy realista, Woody Allen critica al arte, la literatura, la psicología y la moda. Confronta también la parte instintiva con la parte trivial en las relaciones personales, hasta llegar a las relaciones de poder y de jerarquía.

Su protagonista Issac Davis (Woody Allen) es un hombre cuarentón que trabaja escribiendo novelas y chistes para la televisión, ha fracasado en dos matrimonios y ahora sostiene una relación con Tracy (Mariel Hemingway), de 17 años. Después de algunos encuentros nada afortunados con la periodista intelectual Mary Wilkie (Diane Keaton), la amante de su mejor amigo Yale (Michael Murphy), se enamora de ella y abandona a su joven compañera. También se encuentra muy molesto porque su anterior esposa (Meryl Streep), quien vive ahora con su hijo y una lesbiana, decide publicar un libro sobre su pasado tormentoso, con todos los detalles de su anterior vida conyugal. Finalmente, Tracy decide viajar a Londres a continuar su vida, al tiempo que Issac vuelve a buscarla pues ha sido abandonado por su enamorada. Nada la detendrá, sólo le dejará la esperanza de regresar en seis meses.

Película que da un papel protagónico a la mujer ya que la analiza en todos sus aspectos, de niña a mujer. Muestra el conflicto tabú de las lolitas o niñas precoces que incursionan en el mundo de los adultos y da una mirada amplia al mundo de la mujer moderna con todas sus ambiciones y todos sus temores. Nos lleva a visualizar con otros ojos a la adolescente, que en medio de su juventud, es quien actúa con mayor madurez y más confianza frente al mundo, la única persona que muestra seguridad frente a lo que quiere. Al mismo tiempo, hace toda una exploración de la relaciones de pareja, pues deja ver con sarcasmo cómo el ser humano acude a la hipocresía para encontrar el amor y la felicidad. En fin, todo un estudio sobre ese fluctuar del ser humano, esa forma tan inexplicable de amar, tan difícil e imprecisa, tan particular e imperfecta, que, sin embargo, nos lleva a tener fe en la gente, a valorar hechos ajenos a la vanidad e hipocresía, y a defender por encima de todo la sensibilidad. Una valiosa producción en lugares marcados por el romanticismo y con un fondo musical en el que el jazz ayuda a hacer realidad este homenaje de Woody Allen a Manhattan.

“Nada que valga la pena puede ser asimilado por la mente. Tiene que entrar por una abertura diferente, y disculpa lo vulgar de la imagen. Siempre he pensado que el cerebro es el más sobrevalorado de todos los órganos”.

“Manhattan makes you wish you were a better person”  Neil LaBute

ANNIE HALL

Iniciamos un ciclo de películas del norteamericano Woody Allen, en el que esperamos tener al menos una de sus producciones por cada década. La primera corresponde a ANNIE HALL, una comedia romántica, ganadora en 1977 de cuatro premios Oscar -mejor director, mejor película, mejor actriz y mejor guión original- y ubicada en el puesto 31 como una de las mejores en la historia del cine. Woody Allen, acompañado por Diane Keaton, es su director y protagonista que tiene la intención de mostrarnos muchos aspectos de su propia vida, con una capacidad inmensa para burlarse de sí mismo. Explora de manera caricaturesca las relaciones de pareja, las costumbres familiares, las relaciones sexuales e interpersonales con un profundo análisis psicológico, al ritmo de los años 70 en la ciudad de Nueva York. Lo hace mostrando gran ironía, al tiempo que le da un toque surrealista pues penetra en los territorios mentales de su protagonista, produciendo desplazamientos visibles de su yo interno y dando saltos intermitentes hacia el pasado. También emplea recursos teatrales como hablarle directamente al espectador para hacerlo cómplice de sus pensamientos y reflexiones filosóficas, a la vez que asesta “golpes de magia” para volver a su pasado y ver reflejadas en la realidad las consecuencias de muchos comportamientos infantiles, muy propio del psicoanálisis. Una manera de romper con la estructura narrativa lineal para mezclar los tiempos presente, pasado y futuro en el recuento de sus experiencias.  Toda una  historia que va desde el encantamiento o atracción, pasa por el enamoramiento, hasta llegar a una crisis en la relación o desencantamiento.

“Así es como me parece la vida: llena de soledad, miseria, sufrimiento, tristeza

y sin embargo, se acaba demasiado de prisa”

Alvy Singer y Annie Hall representan la relación afectiva de una pareja que vive en Nueva York durante la década de los 70. Él es un comediante divorciado de 40 años, que acaba de romper su relación con su compañera cercana a los 30 que inicia la carrera de cantante, y nos quiere contar todas sus vivencias para así llegar a la raíz de la dificultad en su relación. No acepta esta situación pues está muy enamorado y aunque quiso compartir su vida con ella, es mayor su temor a perder su libertad. Inicia entonces la búsqueda de las causas de su ruptura analizando su infancia cargada de recuerdos y de una imaginación desbordante que no le permite diferenciar la realidad de la fantasía. Rememora sus relaciones con diferentes mujeres, y los momentos vividos en diversas etapas de su vida hasta llegar al presente. Así logra descubrir que son sus delirios y obsesiones los culpables de su separación. Por su parte, Annie madura en esta relación pues ya tiene objetivos claros en la vida y descubre fácilmente las diferencias que la separan de él. Muchos  dicen que ésta es la historia real de Woody Allen y Diane Keaton quienes fueron pareja en la vida real.

"Las relaciones son totalmente irracionales, locas y absurdas;

                                                            pero no podemos hacer otra cosa que vivir en ellas”   

Annie Hall nos hace reír al tiempo que nos muestra sin temor cómo somos realmente y cómo actuamos en nuestra relación con el mundo y con los demás.  Una obra en la que actuar es una experiencia liberadora que nos anima a que el amor se mantenga en nuestras vidas, así nos impida ser felices.  “Una comedia romántica sobre los neuróticos en las ciudades” como el mismo Woody Allen lo expresó.           

CARANCHO

Un thriller argentino del 2010 dirigido por el bonaerense Pablo Trapero, ganador del premio Condor de Plata y nominado al Oscar como mejor película extranjera. Difícil entender la clasificación de este film como una de las mejores películas, ya que solo respira violencia y fatalidad, y sus personajes están invadidos por la angustia, el decaimiento y la confusión. Sin embargo entendemos que su éxito radica en la forma de plantear el tema, tratándolo de manera directa y expresando desde la cotidianidad la corrupción en el mundo moderno, específicamente en Argentina. Allí es marcada la accidentalidad en el tránsito, con un promedio de 22 muertos y 120 heridos por día, lo que produce un amplio mercado en las aseguradoras a las que acuden las víctimas y los familiares ante la necesidad de atender a los requerimientos médicos y legales. Por ello, la película expone, en medio del ruido que causa un profundo estrés, diversos contenidos como la corrupción hospitalaria, el abuso en los horarios y el desgaste psicológico del personal que atiende en los centros médicos, los falsos accidentes de tránsito, los cobros de abogados en los casos fortuitos y el papel de las aseguradoras. En otras palabras, se plantea el tema de todo lo que sucede detrás de los accidentes de tránsito. Un tema que parece no verse en el día, pero que en las noches expresa toda su carga física y emocional hasta el punto de ser sólo corrupción. Es la fragilidad de la vida que se plantea sin forma y sin dirección hasta encontrar su respuesta en la fragilidad de ley. Y en medio de todo, una historia de amor.

Carancho significa ave de rapiña carroñera y este papel está representado por Sosa (Ricardo Darín), un abogado que ha perdido su licencia y se alimenta de las víctimas y familiares de los accidentes de tránsito. Luján (Martina Gusmán) es una médica joven que presta sus servicios sin descanso en el hospital de San Justo y se encuentra, en repetidas ocasiones con Darín, atendiendo casos de urgencia. Sosa acude rápidamente a cada situación de infortunio para ofrecer a sus clientes los servicios “legales” ante las aseguradoras, proponiéndoles una buena indemnización y dando comisión a personal paramédico, a policías y a su “fundación” ilícita. Siempre muestra heridas y graves contusiones en su rostro de las que se cura fácilmente, pero son heridas que no pueden negar el ambiente en que se mueve. Así, Luján conoce a Sosa y tras repetidos encuentros se aferra a él como la única salida de ese mundo difícil que debe enfrentar sin descanso. Un mundo que la ha hecho adicta a la morfina y a la soledad y que ahora se atreve a desafiar con la ilusión del amor. Desconoce los peligros que le asechan al lado de Sosa hasta que termina desafiándolos con él, lo sigue y juntos encuentran la única y definitiva salida. Todo un drama sobre la corrupción, una clara muestra del cine negro. “Una mafia que no se quiere ver y que lleva a un genocidio silencioso” según lo expresó el mismo Trapero.       

EL SECRETO DE SUS OJOS

TE MO

"Los ojos hablan"… "A veces es mejor no mirar porque en los ojos se guardan muchos secretos". Estas afirmaciones hacen eco en la actitud de Benjamín e Irene, los protagonistas de esta película, que en un intenso diálogo de miradas nos llevan a captar su historia y a descubrir otras verdades dolorosas y de gran cuestionamiento. ¿Cómo se hace para vivir una vida vacía, una vida llena de recuerdos? ¿Es preferible la prisión perpetua o una inyección letal para un asesino? Estos interrogantes acompañarán a la novela que quiere hacer Benjamín Espósito cuando decide aprovechar su jubilación y sus habilidades para escribir, como una forma de conjurar las culpas del pasado. Dará vida a una historia real y trágica sucedida en Buenos Aires en el año de 1974 que dejó huella en su memoria como funcionario judicial ya que no tuvo un desenlace adecuado. Para lograrlo buscará a la mujer de sus sueños que hace 25 años fue su compañera de trabajo, la prestigiosa abogada Irene Menéndez-Hastings.

Es el caso de la violación y asesinato de la joven Liliana Coloto, recién casada con Morales quien no descansa en la búsqueda del culpable, al igual que nuestro protagonista. Éste, con la ayuda de su asistente –un alcohólico llamado Pablo Sandoval- y de su jefe Irene, encuentran a Gómez, el posible asesino y lo interrogan hasta hallarlo culpable, pero un funcionario del juzgado, Romano, lo libera y lo pone al servicio del Estado. Pasa el tiempo, desaparece Gómez y Morales continúa buscándolo pues no ha cesado en su empeño de encontrar al asesino de su amada esposa. Por otra parte, Sandoval aparece asesinado en el apartamento de Benjamín Espósito y se concluye que es obra de Romano que quiere acabar con éste. Debe entonces cambiar de residencia, lejos de Irene y de su mundo durante largos años, hasta que regresa con la intención de buscar a Morales. Logra hallarlo en una casa abandonada, fuera de la ciudad, donde cesó la búsqueda del criminal ya que pudo eliminarlo, según confesó. Sin embargo, Benjamín no olvida la posición de Morales frente a la pena de muerte en el sentido de que una inyección letal para un asesino de esa clase es un premio. Espera que anochezca para volver a la casa de Morales y allí descubre una celda oscura que alberga a un hombre preso, es Gómez suplicándole que le pida a su carcelero “que le hable”. De esta manera termina la investigación y Benjamín Espósito sólo quiere encontrar a Irene para confesarle su amor ya que siempre ha estado enamorado de ella.

TEAMO

El secreto de sus ojos, se basa en una novela de Eduardo Sacheri, La pregunta de sus ojos. Es una exitosa producción argentina dirigida por Juan José Campanella en el 2009 y ganadora de numerosos premios entre ellos el Oscar a la mejor película extranjera en el año 2010. Cuenta con personajes que son bien representados por actores de gran factura entre los que sobresalen sus protagonistas Ricardo Darín y Soledad Villamil.  Es una historia llena de pasión y de suspenso, con tema policíaco y romántico, en la que van quedando “recuerdos de recuerdos” hasta que finalmente muestra el lado dulce del amor. Un amor puro que no es tocado por el trajín de la cotidianidad, que encuentra en el silencio a su principal colaborador y que le da una entretenida dinámica a la película durante 128 minutos. En este diálogo de miradas hallamos muchos secretos guardados en los ojos de los actores y sobre todo de Benjamín Espósito que logra encontrar la respuesta dentro de sí mismo. El hecho de escribir un libro en el que él es su protagonista es irse a su pasado, indagar en sus propios sentimientos y decisiones hasta despejar todas las dudas y complejos, para llegar a la verdad.

La película también hace un cuestionamiento a la justicia argentina por todos los acontecimientos sucedidos en los días previos a la dictadura de Perón. Situación agitada que trasmite a los personajes una gran dosis de violencia y destrucción que se vive durante toda la investigación y se acentúa al final de ella con la aparición de tres prisioneros que están rodeados por el odio, la indefensión y los recuerdos. Son las cárceles que encierran a Morales, a Gómez y a Benjamín Espósito donde el castigo mayor para quien está preso es "la ausencia de la palabra". Aparece entonces la palabra como fuerza demoledora que facilita el pensamiento y la acción, o que impide todo nivel de acercamiento y de relación con el otro y su mundo.  Por fortuna, Benjamín pudo salir de su encierro e ir hacia la búsqueda de su felicidad, después de 25 años.

ELSA Y FRED

“La vejez (tal es el nombre que los otros le dan) puede ser el tiempo de nuestra dicha” lo expresó Borges en su poema El elogio de la sombra, al tiempo que Picasso declaró “Lleva tiempo llegar a ser joven”.  Bellas frases que ilustran una época de la vida que para muchos significa lentitud, cansancio y agonía. Por eso, la intención de esta película es “rescatar la idea del amor a cualquier edad, de una manera pura y sin estereotipos de la vejez”, así como darnos lecciones para vivir plenamente hasta el minuto final de nuestra existencia. Todo esto sin necesidad de negar la validez de los años, dándole importancia a una época que puede ser vital y que está cargada de ternura.

En esta producción argentina encontramos a Elsa y Fred interpretados con éxito por China Zorrilla y Manuel Alexandre. Ambos, pertenecientes a la tercera edad, llegan a ser ejemplo de optimismo frente a la vida pues deciden buscar juntos la felicidad, tratando de realizar los sueños que todavía albergan en su mente. Fred es un viudo temeroso e hipocondríaco que no ha podido olvidarse de su esposa y encuentra un apartamento cerca de Elsa donde pasar sus últimos años. Su hija y yerno le ayudan en esta tarea, al igual que su nieto quien descubre que Elsa choca el carro de sus padres mientras realizan el trasteo. Esta situación debe ponerla en evidencia el nieto pues Elsa, que es una mujer manipuladora y mitómana, se niega a reconocerla. Así, debe pagar el daño y cuando lo hace conoce a Fred y a su corazón generoso que se niega a aceptar el dinero, pues él cree que ella lo necesita para ayudar a su hijo menor y a sus nietos. De esta manera inician un encuentro que poco a poco va forjando un sentimiento especial y va trasformando la existencia de cada uno. La soledad inicial cobra fuerza y se convierte en un acompañamiento profundo que lleva a esta pareja a vivir momentos soñados, guiados por Elsa que muestra gracia, humor e intrepidez. Uno de estos momentos es llegar a Roma y entrar a la Fontana Di Trevi como Anita Ekberg, la actriz de “La dolce vite” de Fellini, mientras espera a su amado Marcelo Mastroianni. Y se cumple este maravilloso sueño de Elsa, después de que Fred se entera que ella padece una enfermedad terminal, que la vive en silencio. De ahí las palabras de él: “Tú eres el mayor exceso para mi viejo corazón. Te estás dejando morir, me estoy dejando vivir”.

Esta producción hispano-argentina fue rodada en el año 2005 y dirigida por Marcos Carnevale. Con ella logró el objetivo propuesto, a la vez que realizó un homenaje a su gran admirador, Federico Fellini. Obtuvo numerosos premios, entre ellos a la mejor actriz y al mejor actor protagónico.  Es de señalar el valor de la fotografía, de la música y la presencia de la canción de Serrat al comienzo y al final de la película “Hoy puede ser un gran día”. Elementos que dan fuerza a esta historia de vida y sentimientos.

"Hoy puede ser un gran día", plantéatelo así:
aprovecharlo o que pase de largo depende en parte de tí.
Dale el día libre a la experiencia para comenzar
y recíbelo como si fuera fiesta de guardar.
No consientas que se esfume, asómate y consume la vida a granel...
...duro con él...
...donde todo está por descubrir,
si lo empleas como el último que te toca vivir.
Saca de paseo a tus instintos, y ventílalos al sol
y no dosifiques los placeres, si puedes, derróchalos.
Si la rutina te aplasta, dile que ya basta de mediocridad...
...date una oportunidad... ...imposible de recuperar, un ejemplar único, no lo dejes escapar.
Que todo cuanto te rodea lo han puesto para tí.
No lo mires desde la ventana, y siéntate al festín.
Pelea por lo que quieres y no desesperes si algo no anda bien...
...y mañana también..."

www.youtube.com/watch?v=EEt-XcqQz4A

EL LADO OSCURO DEL CORAZÓN

¿Qué significado tiene el oficio de poeta? Juan Gelman, Mario Benedetti y Oliverio Girondo nos dan la respuesta en esta película donde Eliseo Subiela, su director, conjuga sus producciones poéticas hasta formar un cuadro de corte surrealista. Ellos supieron romper los moldes de la poesía clásica y romántica e incursionaron en el uso del verso libre y en la producción de corte existencial y cotidiano, muy propio del boom latinoamericano de mediados del siglo XX. Aquí se da una muestra de esta poesía de vanguardia que intenta crear el  territorio de la oscuridad unido al mundo del deseo, y a esa extraña combinación de realidad y fantasía.

”Me importa un pito que las mujeres tengan los senos como magnolias

 o como pasas de higo; un cutis de durazno o de papel de lija.

Le doy una importancia igual a cero al hecho de que amanezcan

 con un aliento afrodisíaco o insecticida.

Soy perfectamente capaz de soportarles una nariz que sacaría

 el primer premio en una exposición de zanahorias.

Pero eso sí, y en esto soy irreductible, no les perdono bajo ningún pretexto

 que no sepan volar, si no saben volar pierden el tiempo conmigo”.

Es la historia de Oliverio, un poeta que vive en Buenos Aires, lleva una existencia bohemia y busca una mujer "capaz de volar". En esta búsqueda, recorre lugares donde cambia sus poemas por comida, bebida o por dinero, se pasea con sus amigos, y encuentra mujeres de las que se deshace con solo interceptar un botón al pie de su cama, hasta que logra hallar a la de sus sueños. Es una prostituta de cabaret que conoce en un burdel de Uruguay, lo transforma y se enamora de ella perdidamente. Es Ana, procedente de la vida nocturna, quien lo hace penetrar en el lado oscuro del corazón. Es un amor imposible y al tiempo que la busca y la encuentra, debe olvidarla. Durante todas sus correrías se enfrenta a la muerte con aspecto de mujer que quiere encontrarle un trabajo digno y le indica cómo mejorar su vida y cómo entrar al mundo civilizado, evitando perderse. Pero él nunca la acepta. Prefiere experimentar, así sea por corto tiempo, esa sensación de plenitud que da el amor y seguir siendo poeta.

Un film extraño, pero cargado de poesía y de magia. En él se da la búsqueda de una mujer que sepa volar, que sepa actuar con libertad y pueda amar sin condiciones. Muchas mujeres pasan por la vida del protagonista, intentando serlo, pero sólo una con carácter de inalcanzable puede conquistar su corazón. Difícil esa exploración constante que es toda una alegoría referente al encuentro del amor, y nos permite ver una idealización de él. También aparecen imágenes obscenas elaboradas por uno de sus amigos, el escultor, que intentan darle al sexo un concepto más libre, más natural, más artístico. En el caso del útero que hace las veces de puerta para ingresar al taller del escultor, consideramos que es una forma de representar el ingreso al vientre materno, al espacio seguro, a la verdadera intimidad. En fin, con esta película compartimos los temores, las esperanzas y los amores de Oliverio. Vivimos con él la poesía y nos metimos en ese mundo oscuro y sensual que intenta descubrir el sentido del amor, de la vida y de la muerte. 

SAMSARA

“-¿Cómo evitar que una gota se seque?

-Arrojándola al mar”

Este interrogante o acertijo budista, que vemos al comienzo de la película y que al final repite su aparición con la sorprendente respuesta, enmarca la trama de SAMSARA. Una película independiente cuyo director es el hindú Pam Nalin, quien después de una formación autodidacta en el cine, pudo mostrar coherencia con su cultura y trasladarnos al Himalaya con este drama sensual, erótico y religioso. Y como él mismo lo dice “al ritmo de los latidos del corazón como si de una hipnosis se tratara”. Grabada en el 2001, esta película nos muestra en 136 minutos un buen trabajo actoral realizado por  numerosos actores profesionales aunque desconocidos,  procedente de 15 países y escogidos después de un riguroso casting. Los personajes principales Tashi y Pema son representados por Shawn Ku y Christy Chung procedentes de Nueva York y Hong Kong respectivamente.  El sitio donde se filmó llamado Ladakh o la Tierra de la luna, una región de difícil acceso por su altura, aridez y tensiones políticas, es otro de los aciertos pues fue difícil obtener el permiso para llevarla a cabo. Puede decirse que es la más valiosa elección ya que se pudo contar con un color y una luz que le dan un matiz especial a los trajes de los monjes y a los paisajes naturales que armonizan los ambientes de esta película, cargada de muchos silencios y de una gran belleza de imágenes.   

Vale la pena explicar el significado de la palabra Samsara. Para el budismo es el ciclo de la vida, muerte y reencarnación. Es también “el continuo dilema de vivir”. Se dice que dicha reencarnación trae dolor y sufrimiento, presentes en el individuo hasta que éste la trasciende y puede alcanzar la liberación o sea el ideal del Nirvana. Ese vagar por el mundo o ese deseo de vivir  es lo que el protagonista de esta película quiere experimentar antes de decidirse por el camino de la iluminación (liberación absoluta de todo sufrimiento).  Tashi regresa a su monasterio de monjes budistas después de un largo periodo de reclusión voluntaria. Lo vemos recuperando sus sentidos y su imagen corporal después de tres años, tres meses y tres días de meditación en un paraje perdido de la región de Ladakh en el Himalaya. Lentamente va incorporándose a la vida e inicia la búsqueda de su sentido, encontrando posibilidades que no quiere ignorar. Uno de sus maestros le ayuda en esta decisión y le permite ingresar al mundo del deseo, experimentarlo, para más tarde renunciar a él como lo hizo Buda. Se da entonces un despertar de su vida sexual que lo lleva a seguir a Pema, una joven procedente de una villa cercana, por la que siente gran atracción y finalmente amor. Con ella se casa, tienen un hijo llamado Karma y trabaja la tierra, enfrentando a su lado todos los pormenores como individuo activo de una sociedad. Experimenta alegrías y satisfacciones, pero también rivalidades, desesperanza ante el incendio de los cultivos e infidelidad que lo sumen en un gran silencio.  Se cuestiona el sentido y la utilidad de esta vida, y renuncia a ella de manera callada, emprendiendo el camino a su antiguo mundo. Pema sale en su búsqueda, lo encuentra y con su gran personalidad logra cuestionarlo severamente. 

“¿Qué es más importante: satisfacer mil deseos o conquistar uno solo?”

¿Será mejor permanecer en la vida terrena al lado de los seres que ama o regresar al monasterio para dedicarse a la vida ascética como única opción para encontrar la iluminación? ¿Es preferible escoger una ruta llena de variadas satisfacciones pasajeras o buscar aquella que proporciona la liberación de todo sufrimiento? La respuesta será dada por el espectador. Sin embargo, si nos atenemos al concepto budista encontraremos respuestas como la que aparece en el acertijo inicial. Aquí la gota es cada ser que estará libre de se seque o encuentre problemas y dificultades si regresa al mar (al todo, dios). Es decir, la gota y el océano forman parte de un mismo ser, están en la unidad. Por ello, consideramos que esta película es un cuestionamiento al Budismo, por cuanto la experiencia terrenal vivida por Tashi resquebraja la esencia de su doctrina, al tiempo que muestra que la iluminación es posible en las vivencias cotidianas, como lo expresó Pema. Lo tenaz de la vida es vivirla con su luz y su sombra; ella nos plantea continuos desafíos ante los que debemos optar por una decisión, esperando sea la correcta. Finalmente importa tratar de entender el mundo y la trascendencia del hombre en cualquier lugar que éste habite.

“Cualquier experiencia ayuda a hallar el camino”