TÉ NEGRO

Té Negro es una película estimulante como su nombre lo indica, con música e imágenes de extremada belleza y con variados personajes de la cultura africana, que transmite una historia sorprendente y deja al espectador la tarea de darle su final. Tiene un ritmo que encierra profundidad, lleno de claroscuros y espejos que reflejan imágenes interiores sombrías y silenciosas. Muestra también la valentía de las mujeres y de los jóvenes al defender los Derechos Humanos en un continente marcado por el racismo y la xenofobia. Su director Abderrahmane Sissako coescribió este drama romántico, de 111 minutos, con Kessen Tall en el año 2024 en una producción internacional entre Francia, Luxemburgo y Taiwán.

Su protagonista Aya (Nina Melo) es una joven de Costa de Marfil, de 30 años, que próxima a contraer matrimonio, decide pronunciar un "NO" frente al altar. Mientras la sorpresa invade a los presentes, ella deja todo atrás y viaja a Guangzhou, a donde llega la diáspora africana para buscar refugio en la cultura China. Allí trabajará en una tienda de exportación de té y empezará a conocer los rituales de su cultivo, venta y preparación, al lado de Chai (Chang Han), un chino de 40 años. Ambos vivirán esta ceremonia con una calidez tan reconfortante que transformará la relación de Aya y Chai en algo más que una amistad. Sin embargo, tendrán a su alrededor muchos desafíos para enfrentar y vencer.

Fabien Lemercier, un periodista de Cineuropa, escribió: 

"Abderrahmane Sissako rompe las fronteras entre África y Asia, el sueño y la realidad, 

el pasado y el presente en una película enigmática y melancólica sobre el amor y la libertad".

LA CASA EN LLAMAS

 

Impactan las primeras escenas de esta película que no se entienden de inmediato y serán la clave para ir dilucidando todos los acontecimientos que aquí se desarrollan. Cómo justificar que llegue alguien a visitar a su madre anciana antes de salir de viaje, la encuentre muerta y decida alejarse sin compartir esta noticia con nadie?  Será esta la situación de Montse (Emma Vilarasau), su protagonista, quien irá a su chalet en la Costa Brava, donde se reunirá con sus hijos, sus parejas y sus nietos, incluyendo a su exesposo con su nueva compañera. No puede cancelar esta cita planeada para este fin de semana, por nada del mundo

Montse está animada con la reunión familiar ya que será la última vez que concurran todos a esta lujosa casa veraniega que pronto estará vendida. Desea vivir un encuentro lleno de armonía y de buenos recuerdos. Sin embargo, lo que no esperaba era esa mezcla de relaciones tirantes de sus hijos, envueltos en mentiras, engaños y muchos sentimientos encontrados, producto de la educación recibida, marcada por el amor y el desamor, y por la comunicación y el aislamiento. Montse ha sido una madre buena, pero también una matriarca difícil; no tuvo una profesión, ni una vida propia y solucionaba todo a expensas de su familia, mostrándose como su salvadora. Y su padre (Alberto San Juan) -quien poco se ha interesado por ellos- llega ahora esperando obtener un capital que alguna vez aportó. Será un encuentro pesado que nos dará un retrato íntimo de cada personaje y nos hará cambiar la visión de la casa. Porque la casa es un personaje más, un lugar que puede estallar en llamas y hacer que todo quede arrasado, o también ese espacio que promueve un cambio al interior de cada uno de sus habitantes para que sus heridas pueden sanar. La casa será el reflejo de la poca comunicación de esta familia desunida y llena de problemas emocionales.

La casa en llamas es una película hispano-italiana de 115 minutos, dirigida por Dani de la Orden y escrita por Eduard Sola. Catalogada como una comedia dramática, se estrenó en abril de 2024 y tuvo ocho nominaciones en los Premios Goya, llevándose el premio a Mejor Guion Original. De igual manera en la Academia del Cine Catalán obtuvo tres premios de 14 nominaciones. Una historia entretenida con intérpretes de muy buena calidad.

EL LUGAR SIN LÍMITES

Película mexicana del año 1977 dirigida por Arturo Ripstein y basada en la novela del mismo nombre, cuyo escritor es el chileno José Donoso en 1966. Fue uno de los primeros filmes mexicanos en abordar el tema de la homosexualidad masculina, que antes de los años 60 era escondido en la pantalla por ser un tabú muy controvertido. Este filme ocupa un lugar privilegiado, el noveno dentro de las 100 mejores películas del cine mexicano. En su momento ganó 4 premios Ariel, entre ellos el de Mejor Película, así como también el Premio Especial del Jurado en el Festival de Cine de San Sebastián. 

Aparece aquí un personaje como Manuela, una mujer trans o como otros dicen un hombre homosexual travesti que coquetea abiertamente desde su lugar de trabajo. Vive en un pueblo pequeño donde hay un prostíbulo, pobre y miserable, que le dejó su madre llamada La Japonesa. A esta le propuso Don Alejo, un cacique poderoso que quería adueñarse de todas las propiedades de este lugar, que sedujera a Manuela y la hiciera suya hasta embarazarla. Si lo lograba, le regalaría el local para que trabajara sin molestias, de lo contrario perdería para siempre este espacio de trabajo. De esta unión que parecía imposible, nace La Japonesita, quien crece al lado de Manuela y no la acepta fácilmente, siendo frecuentes los insultos y los malos tratos de la joven. Con el pasar de los años, La Japonesita está enamorada de Don Pancho, un camionero joven, “un macho” que llega al pueblo mexicano de manera casi oculta y demuestra atracción por Manuela. La película continúa y en ella se reproducirán escenas que hablan de la personalidad de Don Pancho, las razones de su rechazo en el pueblo, y su verdadera relación con las dos mujeres, madre e hija, que terminarán en una noche indeseable. 

El lugar sin límites abrió un espacio a la comunidad LGBT+ en el cine mexicano. Así, esta historia, que se desarrolla en un prostíbulo, sumerge al espectador en un ambiente desolado, lleno de conflictos y deseos reprimidos, y con personajes que son explotados en una sociedad conservadora, machista y represiva. Sin embargo, Manuela no teme expresar su sexualidad y -cuando asume su papel- habla, camina, baila con desparpajo y enamora. Por eso, el mismo Donoso nos muestra "cómo la represión sexual puede llevar a la frustración y a la violencia, pero también cómo la liberación sexual puede ser una forma de resistencia y empoderamiento". 

AÚN ESTOY AQUÍ

 

Aún estoy aquí (Ainda Estou Aquí) es la primera película brasileña ganadora de un Premio Oscar, en este caso, a Mejor Película Extranjera 2025. También fue galardonada con el Premio Globos de Oro a Mejor Actriz Principal y con el Premio Goya a Mejor Película Iberoamericana, en el mismo año. Su director, el cineasta carioca Walter Salles, se basó en las memorias del escritor Marcelo Rubens Paiva. La historia narra las vivencias de su padre, el diputado Rubens Paiva, una de las 20.000 personas que fueron torturadas en Brasil durante la dictadura militar de 1964 a 1985. Salles la cataloga como “un instrumento contra el olvido” ya que cree que “el cine reconstruye la memoria” y en este caso busca construir memoria histórica.

En Río de Janeiro 1970, la familia Paiva compuesta por Rubens (Shelton Mello) -un ingeniero civil y exdiputado que estuvo en el exilio-, su esposa Eunice (Fernanda Torres) y sus cinco hijos (cuatro mujeres y un hombre) vive con relativa normalidad, a pesar de que su país está siendo militarizado. Todos disfrutan de sus amigos, reuniones, música y juegos en un lugar tranquilo, cerca de la playa. Sin embargo, la familia desconoce que su padre sigue colaborando con militantes de izquierda y en enero de 1971, Paiva es arrestado en su hogar por agentes del estado y nunca más volverán a verlo. Eunice empieza a asumir el papel protagónico con valentía, aunque se siente morir, porque sabe que la violencia ha llegado de manera descarnada a su hogar. Es detenida por el régimen autoritario de su país, junto con su hija mayor y llevada para ser interrogada sobre la actividad de su esposo, en medio del encierro, de la humillación y del caos por más de diez días. No obstante, su familia es el principal motivo para no decaer. Así, cuando regresa a casa, muestra su mejor rostro y contiene su tragedia y su dolor con gran maestría, negándose a contarle a sus otros hijos la verdadera realidad. Empezará a enfrentar momentos oscuros para sostener a su familia y asumir el papel de líder en su hogar y posteriormente en su país, donde terminará siendo una importante defensora de los derechos humanos.

Fernanda Torres actúa con verdadera pasión, sin dramatismos, ni quebrantos y es digna de admiración. Con razón fue nominada al Premio Oscar a Mejor Actriz. Porque Eunice Paiva está en duelo y quiere hacer justicia, al tiempo que busca alejarse de su inmensa tristeza para darle tranquilidad a su familia y así reedificarse. Esta película es “una obra maestra de dolor, de historia, de belleza y de unión familiar” como bien lo dice su director.

EMILIA PÉREZ

   EMILIA PÉREZ es la octava película del francés Jacques Audiard en la que combina un musical que impacta por su sonoridad y fluidez, con una historia realizada en México, país que no conoce y poco se interesa por retratarlo. En ella cuenta la historia de un narcotraficante muy temido en ese país, conocido como “Manitas del Monte”, que quiere desaparecer y convertirse en mujer. Para lograrlo, busca a una famosa abogada llamada Rita (Zoe Saldaña), quien se encarga de aparentar su muerte, conseguir a un cirujano que lo convierta en Emilia (Karla Sofía Gascón) y llevarlo a otro ambiente completamente distinto. Al mismo tiempo, debe poner a sus hijos y a su esposa lejos del sitio donde han vivido y ubicarlos fuera de México. Sin embargo, cuatro años después, Emilia siente la urgencia de traer de vuelta a sus hijos y esposa porque los extraña y quiere tenerlos a su lado. También se empeña en ayudar a la búsqueda de desaparecidos por la violencia y el narcotráfico para resarcir sus daños, a través de la creación de una ONG que da apoyo a los familiares de las víctimas. Será una tarea esperanzadora que podría convertir a a Emilia en figura nacional. ¿Lo logrará realmente?

Parece ser que la intención de Audiard fue hacer una película musical con diversos sonidos, voces y diálogos que animan a ver los cambios en el otro, en el ambiente tenso y lleno de miedos y deseos, y llegar a la búsqueda de la verdad. No cuestiona la identidad de género, ni la identidad nacional y quizá por ello ha sido tan criticado su desconocimiento de la historia mexicana y de la guerra del narcotráfico y sus víctimas, así quiera mostrarse a favor de las personas transgénero y sea sutil y delicado en su incorporación. La mayoría de los críticos y guionistas mexicanos lo califican de “irresponsable e insensible” ya que “explota una realidad dolorosa para cientos de miles de mexicanos como lo es la violencia, las desapariciones y los feminicidios”, sin investigarla a profundidad. Además, aducen que ningún personaje del elenco es mexicano y se perciben fallas en la comunicación, a pesar de que las groserías usadas y las expresiones coloquiales corresponden al diario vivir. 

No obstante las críticas, lo importante es que cada espectador se forme su propio criterio e interprete la película a su manera, creando sus propias preguntas. Hay que aplaudir las actuaciones sobresalientes de sus protagonistas y la nominación al Oscar a Mejor Película Extranjera en el presente año, además de 10 nominaciones más. Triunfó en la 82ª edición de los Globos de Oro y en el Festival de Cannes donde ganó el Premio del Jurado y de la Mejor Actriz, convirtiendo a Karla Sofía Gascón en la primera mujer trans en poseer este galardón, con una interpretación llena de contundencia y valentía. 

MATAR A JESÚS

 

Con este nombre, que de inmediato relacionamos con una imagen religiosa, encontramos una película colombiana del año 2017 y que consideramos valiosa por su producción y su temática. Además, por su carácter autobiográfico, ya que su directora Laura Mora vivió en el año 2002 la misma experiencia de la protagonista de este film y quiso realizarlo en honor a su padre, un profesor de ciencias políticas de la Universidad de Medellín. Él fue asesinado cuando conducía su carro y al parecer, ella pudo ver el rostro del sicario llamado Jesús, mientras se alejaba rápidamente en una motocicleta.

Así, Laura -ahora convertida en Paula, con 22 años- muestra esa experiencia que viven muchas familias en nuestro país y que las enfrenta a una dura realidad relacionada con el qué hacer, cómo sobrellevar esta pena y cuánto esperar una actuación judicial que nunca llegará. Es un dolor que llena de indignación y de un urgente deseo de venganza. Para llevar a cabo este filme, su directora utiliza actores naturales, no profesionales, tomados de la periferia de Medellín, ciudad que se convierte en un personaje más y donde las escenas son la realidad de cada día. Será Paula quien después de encontrar al asesino, lo sigue constantemente, se acerca a él y empieza la tarea de compartir el diario vivir con su enemigo durante un buen tiempo hasta intentar hacer justicia. ¿Lo logrará? Será una lucha contra una sociedad ciega y violenta por caminos invadidos de trampas y sorpresas. En otras palabras, una lección de sufrimiento, deseos de venganza y humanidad.

Este drama social obtuvo un buen número de galardones a nivel nacional e internacional, dentro de los que destacan: el premio EGEDA 2018 en el Festival Internacional de Cine de Cartagena; cinco Premios Macondo 2018, entregados por la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas, incluyendo los de Mejor Película y Mejor Dirección; el premio del jurado a Mejor Ópera Prima y el premio Casa de las Américas en el Festival de Cine de La Habana, Cuba, 2017; el premio Eroski de la Juventud en el Festival de San Sebastián 2017; y el Premio FIPRESCI, Festival Internacional de Cine de El Cairo, Egipto, 2017.

"Mi mayor lucha, en términos de producción fue rodarla cronológicamente porque estos chicos no tenían un guion. Nosotros durante tres meses trabajamos con ellos para que se sintieran en confianza, más o menos conocían la historia, más no el final, porque queríamos crearles a ellos mismos el dilema ético que plantea la cinta, el dilema de ser capaz de matar o no". Laura Mora

CATORCE AÑOS DE NUESTRO CINECLUB SALAMANDRA

Despedida del año 2024

Ya son CATORCE AÑOS los que nos siguen uniendo en torno a nuestra amistad y a nuestro CINECLUB SALAMANDRA. Continuamos firmes esperando la tarde del martes de cada semana que muchas veces llega acompañándonos con una buena película y con una charla sobre ella, que termina siendo el objetivo de este blog. Valiosa distracción puesto que es una actividad enriquecedora que nos conecta con temas cada vez más interesantes y actualizados, como siempre lo hemos dicho.

EL MAESTRO QUE PROMETIÓ EL MAR

 

«El mar será muy grande, muy ancho y muy hondo. La gente va allí a bañarse. Yo no he visto nunca el mar. El maestro nos dice que iremos a bañarnos». Lucía Carranza

Vale la pena mantener la memoria de hechos inolvidables en la historia de los pueblos y recordársela a las nuevas generaciones a través del cine, la literatura y el arte, en general. Importante no dejar olvidar acontecimientos valiosos y, al mismo tiempo, tristes y nefastos como en el caso de El maestro que prometió el mar. Es “una batalla ganada al olvido” como lo dice Sergi Bernal, fotógrafo y documentalista barcelonés, autor de la expedición que llevó al descubrimiento del protagonista de este filme, llevado a la pantalla en el año 2023 por Patricia Font, y basado en la novela de Francesc Escribano llamada 'Desenterrando el silencio. Un homenaje al maestro asesinado por sus ideas: Antoni Benaiges, el maestro que prometió el mar'. Un tributo a la figura de un maestro olvidado y enterrado en el silencio en 1936.  Sus alumnos y familias callaron siempre por temor, pero los pocos que sobrevivieron han colaborado con sus historias y todavía siguen dando valiosa información. Desde agosto de 2010, Bernal y su equipo, que buscaba los restos de sus seres queridos, encontraron esta historia marcada con huellas de injusticia, pero de gran valor por lo que merecía ser dignificada.

Antonio Benaiges (Enric Auquer) es el maestro de Montroig del Camp (Tarragona) que es enviado a la Escuela Nacional de Bañuelos de Bureba, situada en una pequeña localidad de la provincia de Burgos. Llega allí antes de la Guerra Civil y emprende la educación de los niños con una metodología innovadora, cercana a ellos y a sus intereses. “El niño se convierte en el centro del sistema educativo”, según el principio esencial de la pedagogía de Freinet. Antonio rompe con las ideologías religiosas y dictatoriales impuestas por el franquismo; sin golpes y con mucho cariño y respeto empieza a darle protagonismo a sus estudiantes quienes se expresan libremente y colaboran en el aula con mucha solidaridad y creatividad. Además, elaboran sus propios cuadernos, publican sus cuentos e historias en material impreso y comparten con otras escuelas sus sueños y deseos. Todo esto ayuda a cambiar la vida del pueblo y las relaciones entre familias que poco a poco van aceptando al maestro y a su idea de llevar a sus hijos a conocer el mar. Sin embargo, esta propuesta es rechazada por algunos padres y hasta por las autoridades religiosas y civiles quienes se oponen a todos los proyectos de Antoni, hasta hacerlo desaparecer.

Esta película obtuvo cinco nominaciones a los premios Goya en el año 2023: Mejor Actor Protagonista, Mejor Actriz de Reparto, Mejor Música Original, Mejor Guion y Mejor Diseño de Vestuario. Recibió el Premio del público  y 7 nominaciones en los Premios Gaudi (Academia de Cine Catalán).

PLAN 75

Un tema oscuro, real y hasta -al parecer- cruel nos plantea esta película. En ella se destaca el objetivo del estado japonés: cuidar a sus ciudadanos, dándoles las pautas para ayudarlos a morir dignamente, una vez hayan cumplido los 75 años. Esta propuesta aparece en un país con una superpoblación que supera los límites de edad y se convierte en un peso para la sociedad. A su vez, los jóvenes temen hacerse mayores y emprenden una manera extraña de asumir su relación con los viejos. Así, quienes hayan alcanzado esta edad pueden elegir el momento de morir, acompañados de una ayuda económica de 1000 euros y de una logística particular. En otras palabras, aparece la eutanasia “voluntaria” desempeñando su papel con el rigor que ella representa. Una forma de evitar el creciente envejecimiento de la población.

Plan 75 es el primer largometraje de Chie Jayakawa, del año 2022 y con una duración de 105 minutos. Fue elegida para representar a Japón en la premiación de los Oscar 2023 y nominada en el Festival de Cannes 2022 a Mejor Ópera Prima, obteniendo una mención especial. Cuenta varias historias relacionadas entre sí, en las cuales los personajes mayores que aceptan su destino toman la decisión de usar este servicio. No obstante, la interpretación central está a cargo de Chieko Baisho, una mujer de 78 años que debe dejar su empleo de mucama en un hotel porque tiene la edad, pero se olvidan de que vive sola, carece de amigos y no tiene pensión. Deberá enfrentar la soledad y la condición del anciano que no posee oportunidades laborales, ni de vivienda; un problema que los gobiernos poco se ocupan por atender. A pesar de su apego a la vida, Chieko se ofrecerá como voluntaria, lo que le causará una profunda inestabilidad emocional, mientras llega el momento no deseado para ella. Finalmente nos preguntamos qué será mejor: ¿alargar la vida o ser parte de la solución que propone esta película? 

VIDAS PASADAS

“¿Habremos sido el uno para el otro en nuestras vidas pasadas?”. Hae Sung

“Sueñas en un idioma que apenas entiendo. Es como si hubiera un gran espacio dentro de ti al cual no puedo llegar”. Arthur

“Aquí es donde me encontré a mí misma. Significa que mi lugar está aquí”. Nora

De nuevo, una mujer hace su debut como directora. Es Celine Song, una dramaturga y guionista coreana-canadiense, que reside en los Estados Unidos. Estrenó esta película en el año 2023 como directora y guionista y recibió comentarios muy positivos de la crítica nacional e internacional. Fue nominada al Oscar a Mejor Película y Mejor guion original, y tuvo también cinco nominaciones a los Premios Globos de Oro, entre ellos Mejor Película de Habla no Inglesa y Mejor Actriz Principal. Celine Song es una cineasta joven, de 35 años, quien afirma que este filme está inspirado en un episodio de su vida real.

Sus protagonistas de Corea del Sur, Na Young (Greta Lee) y Hae Sang (Teo Yoo), se conocen desde la infancia y cuando tienen 10 años deben transitar por caminos separados, pues Na Yong emigra a Canadá con su familia. Ha pasado mucho tiempo y Hae Sang, quien no ha podido olvidarla, empieza una búsqueda intensa a través de la red hasta que finalmente la encuentra. Ya la niña ha cambiado de nombre, es Nora, una estudiante de teatro en Nueva York que convive con Arthur (John Magaro), un escritor norteamericano. Por su parte, Hae Sung reside aún en Corea y espera graduarse como ingeniero. Así, después de 12 años, cruza el océano y logra el reencuentro anhelado. Será la oportunidad de recuperar el tiempo perdido y de enfrentar el destino que los une después de tanta ausencia. Sin embargo, no hay romance; domina un silencio profundo, lleno de quietud y de miradas que buscan conectarse, sin lograrlo, porque no hay un pleno encuentro. La vida los ha separado y el afecto infantil ha evolucionado con el paso del tiempo; también repercute la emigración y el cambio de identidad que ha asumido Nora para poder avanzar y adquirir otra cultura. Hay dolor, en especial para Hae Sang quien esperaba hacer realidad ese amor interrumpido; mientras que Nora, llena de recuerdos y de sentimientos, llora porque tiene la certeza de que no va a volver atrás.

Vidas pasadas es una historia de amor que hace realidad el concepto coreano del in-yun para definir el destino o “las relaciones entre personas destinadas a reencontrarse y tener una conexión especial, ya sea en su vida actual o en las anteriores”.

DALVA

Dalva, llamada también El amor según Dalva, centra su mirada en el incesto y en la pederastia de una manera sensible e inteligente, a pesar de la situación violenta y descarnada que esto encierra. Su directora, Emmanuelle Nicot, fija su atención en una niña de 12 años que vemos ataviada con vestidos y adornos de persona mayor, maquillada y peinada de la misma manera, sin querer cambiar porque es su manera de interpretar el rol de niña-mujer. Dalva (Zelda Samson) acaba de llegar a un centro de atención de menores, tras vivir una escena violenta que la desalojó de la vivienda que compartía con su padre, un hombre mayor que debe ir a prisión. No comprende aún su situación y se convierte en una víctima que reacciona agresivamente en el nuevo entorno donde conoce a Jaiden -el trabajador social que debe estar vigilante de sus movimientos-, a Samia -su compañera de alcoba- y a los demás habitantes. En medio de su soledad y frustración, Dalva irá luchando por salir adelante, y cada día será un avance en su conexión con este nuevo mundo que le costará aceptar. Así, poco a poco, irá recuperando parte de su infancia y, a la vez, encontrando su propia autonomía.

"No soy una niña; soy una mujer". Dalva

El título original de esta producción belga es Dalvaaka, del año 2022, con una duración de 84 minutos. Emmanuelle Nicot realizó este primer largometraje que fue seleccionado en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes, donde conquistó el premio FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica). De igual manera, Zelda Samson fue distinguida con el Premio a la Estrella Revelación. Nicot no entra a juzgar, ni a buscar razones de lo que le sucede a Dalva; tampoco le da un enforque moralista, ni aplica un tratamiento o psicoterapia adecuada para ayudarla a superar la situación, en la que también aparece una trabajadora social que poco hace por ella. Nicot quiere acompañarla y estar presente en el propio descubrimiento de su desgarradora realidad y en la reconstrucción de su nueva existencia. Será el espectador, tensionado ante las imágenes que ve, quien reaccione con dolor, rabia y hasta con alegría a todo lo que ella debe soportar. Finalmente, la película transmitirá una esperanza, puesto que habrá una forma de superar la adversidad. 

MI AMIGO EL PINGUINO

Duele en el alma perder a un hijo y más doloroso aun, cuando se ha callado por años ese dolor acompañado de culpabilidad.  Por fortuna, aparece un pingüino que es salvado de morir en el mar y se renuevan las esperanzas de vida del pescador, triste y solitario, que lo rescata de un derrame petrolero. Se entrega a su compañía y abre un espacio en su hogar donde cada seis meses llega DinDim. Allí, en una costa de Brasil, João Pereira de Souza y su esposa María esperan esta visita proveniente de La Patagonia argentina, que sin falta se repetirá por ocho años consecutivos. Cada llegada será una verdadera fiesta que no solo alegrará a la pareja costera, sino también a los vecinos y habitantes de la región.

El 5 de septiembre del presente año fue estrenada esta película de 97 minutos, Mi amigo el pingüino. Su director David Schurmann asegura que “uno de los mayores desafíos de la producción fue trabajar con diez pingüinos reales, ya que era crucial para transmitir autenticidad y una conexión genuina con el público”. Una bella historia que, aunque sencilla, es real y tiene un tema que cautiva a los amantes de la naturaleza y especialmente a los protectores de la vida animal. Aquí se percibe ese apego a una criatura inesperada que ayuda a procesar los duelos y a crear en las personas nuevas esperanzas frente a las pérdidas; además del impacto que el ser humano puede ejercer en la vida de los animales. Fue filmada en ambientes ribereños donde la fotografía de los atardeceres y amaneceres frente al mar convierten esta historia en un espectáculo de la naturaleza. Una película que impacta por su contenido, tan emotivo, en estos tiempos de pérdidas y desolación.

SNU

Dos personajes famosos en su ámbito profesional, dos historias de amor diferentes y un mismo final. Esa es la historia que encontramos en esta película. Ella: una escritora danesa, editora de libros que retan la política burguesa de Portugal, casada y con tres hijos. Él: ex primer ministro de Portugal, líder del Partido Democrático Popular (PPD), profundamente católico, conservador, casado y con tres hijos. Conocemos así a Snu Abecassis (Inês Castel-Branco) y a Francisco de Sá Carneiro (Pedro Almendra) en los años 70, cuando se encuentran por primera vez y, de inmediato, se enamoran perdidamente. Nada parece detenerlos, a pesar de las circunstancias familiares y sociales, y luchan por darle fin a sus matrimonios ya establecidos. El escándalo se hace público, es mucha la presión que deben enfrentar y son fuertes las críticas ante su relación hasta el final de sus vidas en 1980.

La directora Patricia Sequeira lleva a la pantalla esta película basada en hechos reales, acompañada de su guionista Cláudia Clemente en el año 2019, durante 94 minutos. Les interesa la figura femenina y en este caso, la historia de amor que una mujer pudo vivir de este modo, “con toda esa urgencia” como Sequeira lo dice. Porque Snu es una persona nórdica “adelantada a su tiempo y sin temor de enfrentar una sociedad cerrada, movida por convenciones tradicionales” como lo dicen sus críticos. Al lado de Francisco, Snu también muestra su valentía al compartir valores y ambiciones sociales, al promover la justicia y la igualdad, y al marcar un antes y un después en la historia política de su tiempo. Un escándalo que se extendió a todo el mundo y movió a la sociedad puritana de los años 70-80.

           "Esta es una historia de amor y coraje, y por eso me atrae tanto". Patricia Sequeira

A FUEGO LENTO

Película lenta, dominada por la apreciación de manjares y de exquisitas recetas que mantienen al espectador atento a las imágenes que excitan su vista, su gusto y hasta su olfato. Un verdadero banquete para saborear con el alma, con paciencia y sin palabras es esta película protagonizada por dos maestros del cine: Benoît Magimel y Juliette Binoche. Él es un famoso chef y ella su acompañante en la cocina donde han trabajado juntos por más de veinte 20 años, disfrutando al máximo su quehacer diario. Son Dodin y Juliette, quienes terminan preparando los más selectos platos de la gastronomía francesa de finales del siglo XIX y vinculados en un romance que poco a poco van descubriendo. Así, Dodín emprende su conquista de manera clara y le manifiesta a su enamorada sus deseos de casarse con ella. No será fácil para Juliette aceptar la propuesta, ya que teme perder su libertad y el hecho de contraer matrimonio nunca ha estado entre sus planes. Por su parte, él quiere enamorarla con sus platillos que cada día prepara con mayor exquisitez.

“La felicidad consiste en seguir deseando lo que ya se tiene” Dodin

A fuego lento, llamada también El sabor de la vida, es una película francesa de 135 minutos dirigida por el vietnamita de 62 años, Tran Anh Hung. Con guion del mismo asiático, este drama está basado en la novela de Marcel Rouff y fue nominado al Oscar a Mejor Película Extranjera en el 2023. Además, obtuvo el premio a Mejor Director en el Festival de Cannes. En ella, una cámara sensible se deleita con variadas imágenes que acompañan los sabores de las comidas, sus aromas y los sentimientos que surgen en esta historia. Se aprecian por doquier copas, flores, lámparas, vajillas, luces, mesas y calderos que le imprimen más belleza al ambiente y “hacen que cada plano parezca un bodegón” como lo expresó uno de sus críticos. 

Todo un arte es esta producción que el mismo Tran Anh Hung revela con sus palabras: “Mi afición por el arte viene realmente de la belleza de los platos que mi madre cocinaba”. “La cocina es un arte. (...) Es el arte de mezclar especias, de dar importancia a un aroma más que a otro. Se trata de crear la personalidad de un gran chef, y ese espacio de creación es ilimitado, y por eso es un arte”.

PRIMADONNA

 “El cine, para mí, es una herramienta increíblemente poderosa para la comunicación y la expresión artística que tiene la capacidad de conmover, inspirar y provocar reacciones profundas”. Marta Savina

En los años 60, en Sicilia, al sur de Italia, hizo su aparición la primera mujer que se reveló ante el “Matrimonio reparador” o casamiento con su violador para evitar que fuera “mancillado su honor”. Esta situación fue escrita por Marta Savina, quien además dirigió la película en el año 2022, durante 97 minutos. En su primer largometraje, expone la verdadera historia de una joven italiana que consiguió un cambio en la ley de su país, iniciando así una apertura a la lucha por los derechos de la mujer. Plantea aquí el tema del machismo en una sociedad que subyuga a las mujeres, las maltrata, las viola e incluso, las induce al matrimonio forzado. Al mismo tiempo, protege al agresor masculino puesto que la ley del más fuerte tiraniza y se hace presente en todos los espacios, incluyendo el religioso.

La protagonista de Primadonna es Lía, una bella mujer de 21 años, tímida, callada, de familia católica y humilde, cercana a su madre y a su hermano menor, y aprendió a arar la tierra junto a su padre. Sin embargo, después de conocer a su primer amor, Lorenzo Musicò, hijo del jefe local, descubre las intenciones de este para hacerla su esposa. Quiere tenerla como una posesión más y dominarla junto a su familia, como es lo acostumbrado en esta región. Ella lo capta muy pronto y se niega a seguirlo. Esta situación desata la furia de Lorenzo, quien atenta contra la honra e integridad física de Lía, lo que produce más rechazo en ella y se niega a casarse con él. Mayor será la resistencia de esta sociedad terrateniente y de pensamiento patriarcal que la irá disminuyendo cada día hasta llevarla a los tribunales donde ella ya ha puesto su denuncia.

Es una película conmovedora y de argumento absorbente, “una historia emblemática de independencia y emancipación femenina, independiente de su origen geográfico o cultural" como la valoró su directora.

FRONTERA VERDE

“No tiene sentido hacer arte si no estás luchando por interrogar los problemas importantes, los problemas dolorosos y a veces insolubles que nos obligan a tomar decisiones difíciles”.

“Para la humanidad no hay otro camino que el de la solidaridad, de compartir nuestras experiencias y de respetar el derecho de otras personas a llevar sus vidas con dignidad”. Agnieszka Holland

Nos atrevimos a ver esta película guiadas por los comentarios y, sobre todo, porque no podemos ser indiferentes a las graves crisis geopolíticas que vive el mundo actual y de la que nuestro país no es ajeno a ellas. Todos los días, miles de refugiados traspasan las fronteras de su patria en condiciones lamentables por tierra y mar, perdiendo la vida porque naufragan sus embarcaciones o engrosando las filas de migrantes que vagan por diversos sitios del planeta donde muchas veces encuentran más pobreza y más violencia. En este caso, la llamada "Fontera Verde" (Green Border) son los bosques entre Bielorrusia y Polonia que atrae refugiados de Oriente Medio y África con la intención de llegar a la Unión Europea. 

La directora polaca, Agnieszka Holland, se atrevió a dirigir su mirada a esta situación, conocida por muchos gobiernos e ignorada hasta por sus coterráneos, con la intención de hacer una denuncia pública. No fue fácil asumir su financiación y más difícil aún enfrentar un tema controvertido y de tanto riesgo. Sin embargo, la respuesta fue esta película de "brutalidad extrema" como la calificamos nosotras, y que finalmente soportamos cuando la guerra allí descrita dejó ver alguna esperanza en acciones humanas de jóvenes activistas y guardas de frontera que se atreven a ayudar a los inmigrantes. En esta guerra, la mirada se dirige a una familia de refugiados sirios que viajan a Europa atraídos por la propaganda de cruzar la Unión Europea de manera fácil y segura. Sin embargo, al llegar allí descubren que su paso por Bielorrusia para acercarse a Polonia y posteriormente a Suecia, por una ruta terrestre conocida como "la zona de la muerte", es toda una burla. Encuentran que son presa fácil del ejército de un lado y de la policía del otro, en un constante ir y venir al mismo punto de partida. Así, en esta situación lamentable, por bosques y pantanos oscuros, sin asomo de la luz del día, deben enfrentar el hambre, la miseria, la enfermedad, el frío, la burla y la violencia. Todo esto se ha convertido en una de las mayores vergüenzas que alberga Europa y que deben ser mostradas, así nos duela observarlas y conmueva nuestras almas.

Frontera verde ha sido muy valorada por la crítica internacional, con una aceptación del 88%; además obtuvo el Premio Especial del Jurado del Festival de Venecia, más otros premios y nominaciones en distintos festivales. Cuenta también con la participación de variados actores de diferentes nacionalidades, muchos de ellos inmigrantes y activistas de diversas causas sociales. Es una película del año 2023 que según la crítica atiende a una profunda investigación, plena de valentía.

COMEDY QUEEN

Esta película sueca del año 2022 está dirigida por Sanna Lenken y basada en la novela de la psicóloga y escritora Jenny Jagerfeld. Ambas mujeres, interesadas en temas como la niñez y la adolescencia, enfrentan el proceso de la gestión del duelo en una niña de 13 años. Para lograrlo, penetran en un mundo sensible donde se reprime lo doloroso y no hay espacio para enfrentarlo, ni asumir la pérdida. Este drama de 93 minutos ganó el Oso de Cristal del jurado infantil y juvenil en el Festival de Berlín 2022.

Su protagonista Sasha, interpretada por Sigrid Johnson, sufre por la muerte trágica de su madre, pero se niega a llorar y a mostrar su tristeza porque no quiere parecerse a ella y, en cambio, desea que su padre pueda volver a reír algún día. Por lo tanto, adopta actitudes contrarias a las de su madre y se rapa el cabello, rechaza los libros y la lectura, y se despreocupa por el cuidado de los seres vivos. Se torna entonces en una niña fría, callada e indiferente a las actividades escolares, que a veces visita a la psicóloga sin presentar mayores cambios en su comportamiento. No obstante, quiere descubrir la risa para vencer el dolor en su hogar y para llevarlo a cabo se empeña en convertirse en una comediante.

A pesar del tema de la orfandad presente en COMEDY QUEEN, encontramos mucho optimismo en esta película donde la protagonista no abandona su rostro dulce, muchas veces iluminado con una expresión cálida. Así no ría, quiere que la alegría llegue a su desconsolado padre, y tras muchas dificultades vividas con sus compañeras y su amiga Marta, vivirá el cambio deseado y la curación llegará a su alma. Una película conmovedora protagonizada por un buen grupo actoral.

LAZOS DE VIDA

Con una dirección magistral (James Hawes) y una actuación impecable (Anthony Hopkins), esta película conmovedora y llena de esperanza nos traslada a dos momentos diferentes de la historia: el inicio de la Segunda Guerra Mundial y los primeros años del siglo XXI. En 110 minutos, muestra al espectador una obra filantrópica y desgarradora, que lo mantiene en suspenso y le hace recordar que se puede hacer el bien con pequeños o grandes actos de humanidad. En este caso, lo invita a reflexionar que aún en medio de la tragedia se pueden salvar vidas y buscar espacios para la liberación. Cuenta con una ambientación perfecta, un vestuario adaptado a las dos épocas que describe y una banda sonora que activa las emociones en el momento preciso. Está basada en hechos reales, de los que hay grabaciones del pasado de su héroe. Se estrenó el 1 de mayo de este año y es catalogada como la nueva versión del Schindler inglés. 

Su protagonista, Nicholas Winton, ya anciano y con su residencia en una ciudad de Inglaterra, decide ordenar su caótica biblioteca para sorprender a su esposa. Sin embargo, es mayor su impacto al encontrar el maletín donde guarda los recuerdos de años atrás, conservados en secreto con mucho dolor y, al mismo tiempo, con delicadeza y precisión. Empieza entonces el recuerdo de su llegada a Praga en diciembre de 1938, con la intención de encontrarse con un amigo que lo invita a su ciudad. Allí, este exitoso agente de bolsa británico, Johnny Flynn, termina acercándose a los acontecimientos mundiales en vísperas de la guerra. No puede ser indiferente a lo está sucediendo y, con la colaboración de valientes activistas, descubre los sufrimientos de las familias judías que huyen de los nazis, para evitar que sus hijos sean llevados a los campos de concentración. De inmediato, resuelve ayudarlas buscando refugio para cientos de niños en su tierra, Gran Bretaña, antes de que los alemanes pasen fronteras y lleguen a Checoslovaquia. Desde Inglaterra, su madre también lo ayuda e inician el salvamento de niños en medio de muchos riesgos hasta terminar salvando la vida de 669 menores. Pasan alrededor de 50 años y ahora se encuentra Nicky recordando con tristeza y sentimientos de fracaso a todos los niños que no pudo salvar. Siempre sintió que no había hecho lo suficiente. No obstante, algo ocurre que traerá sorpresas y muchas lágrimas de alegría a este heroico personaje. 

Cuando se le preguntó a Nicholas Winton si creía en el futuro de la humanidad, él respondió: “No, a menos que aprendamos a ceder, ser amables y considerados con los demás. De otro modo, estamos acabados”.

https://www.youtube.com/watch?v=_mMKNguhyBw

DÍAS PERFECTOS

¿Cómo imaginar los días perfectos para el protagonista de esta película, un hombre solo y de edad madura que vive en Tokio, y cuyo oficio es limpiador de baños durante casi 12 horas diarias? Quizás haríamos más preguntas en torno a su personalidad, su estilo de vida y su familia, y seguramente sabríamos de su lucha por la supervivencia. Sin embargo, con sorpresa encontramos una persona silenciosa, sonriente, rutinaria y satisfecha con la vida. Hirayama va todos los días a su trabajo donde limpia los baños públicos hasta dejarlos como nuevos, sin un asomo de molestia. Ama también los libros y la música, cultiva flores y plantas en su pequeña casa, levanta siempre la cabeza para saludar el día mirando al cielo, disfruta de la fotografía de luces y sombras que juegan en su vieja cámara frente a la naturaleza, recorre a diario puentes y largas avenidas para llegar al trabajo en su furgoneta o en bicicleta, y todavía posee casetes con música que lo entretiene mientras viaja. Estos y otros momentos muy particulares son sus actividades rutinarias. De pronto, llega su sobrina Niko a visitarlo, comparte con él unos días y, de esta manera, conoceremos algunos hechos de su pasado, que parece fue difícil y le producen nostalgia.

Toda una lección de vida nos ofrece Hirayama, interpretado por Kogi Yakusho, en la película Días Perfectos, dirigida por el alemán Win Wenders. Fue nominada al premio Oscar de este año como Mejor Película Internacional y ganadora del premio a Mejor Actor en el Festival de Cannes. En ella, su director da una mirada humanista a sitios inesperados, habitados por un ciudadano sencillo que ama los clásicos del rock y del pop (entre ellos Días Perfectos de Lou Reed) y que asume con dignidad su trabajo. Por ello, siempre lo vemos sonriente, en paz consigo mismo y en “un ahora que es ahora”, como él mismo lo dice; porque para él lo más importante es vivir el momento presente. En otras palabras, muestra una ética que le da inmenso valor a su esencia de hombre libre y al ambiente cotidiano que lo rodea, cargado de belleza y serenidad.  Un mensaje lleno esperanzas en los pequeños momentos del diario vivir que nos hacen felices.

HERMANAS

Decidimos escoger este documental de Paola Ochoa Betancurth para iniciar esta etapa, sin tener referencia alguna sobre la película y guiadas más bien por los sitios donde fue realizada. Muchas sorpresas rodearon los 77 minutos frente a la pantalla, acompañadas de risas, de variados interrogantes, de desconcierto y de dudas sobre el trabajo actoral y la dirección artística. Nuestro foro duró más tiempo del acostumbrado y los comentarios de nosotras, como habitantes de Manizales y vecinas de Palestina, terminaron llevándonos a nuestras raíces caldenses y a nuestro sentir y vivir como mujeres de esta región de Colombia.

“Hermanas” es una producción muy autóctona y regional en la que prima la naturalidad de sus protagonistas: cuatro hermanas que expresan de manera espontánea sus vivencias y sueños, sus amores y desamores, y sus dolores y alegrías. Así, lo que en muchos momentos de la película nos pareció superficial y sin sentido, logramos atarlo a lo que son las relaciones entre mujeres, en una intimidad ajena al mundo masculino, sin complicidad ni cercanía con ellos. Fue como soltarnos en ese espacio simbólico de hermandad, donde se trasmite la cultura, los valores, las tradiciones y las costumbres familiares en nuestra sociedad machista. 

Cuenta Paola que pidió a su madre -María Teresa- y a sus tres tías -Mary, Martha Lucía y Gloria- “una colaboración para una tarea de la universidad”. Ellas nunca se imaginaron la trascendencia de este aporte que, en realidad era para obtener su grado de Maestría de Cine Documental en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. De esa manera y sin presión alguna, logró que ellas, de estrato medio, ya mayores, independientes y sin ninguna experiencia en la pantalla, se unieran en una finca familiar para compartir sus vacaciones y recordar lo vivido en sus años juveniles. Allí, enfrentaron diversos temas como el amor romántico, la sexualidad, la liberación, el matrimonio, la familia y el divorcio. Al respecto, afirma Paola: “La confianza que tengo con ellas, me permitió entrar a un espacio privilegiado en el que discuten temas tabúes de forma abierta y cercana, y hacer un retrato desde adentro”.

Este documental, estrenado en Colombia el 11 de abril de 2024, ha participado en algunos festivales nacionales e internacionales y ha recibido premios como el Mejor Largometraje Nacional, SANFICI Santander Festival Internacional de Cine Independiente 2023; Mejor Ópera Prima, Festival de Cine de Santafé de Antioquia, 2023; y Primera Mención de Honor Premio SIGNIS, Festival Internacional de Cine de Buenos Aires, Argentina, 2022.

Regreso al cineclub

Después de unos largos meses ausentes del blog e irregulares en nuestra asistencia a cine, reiniciamos nuestra cita semanal con la certeza de encontrarnos para degustar el placer de una buena película en compañía y, por supuesto, volver a nuestro blog SALAMANDRACINECLUB. Lo anterior  no significó que nuestro grupo se disolviera o que el gusto por la pantalla tomara otro rumbo. Hemos estado más unidas que siempre, sobre todo cuando la enfermedad y la muerte han acompañado algunos de nuestros hogares. No es fácil decirlo, pero -por fortuna- también tenemos momentos que nos reconcilian con la vida y atenúan esa sensación de tristeza y soledad. Entonces, qué mejor elección que este contacto con la pantalla. 

VALE LA PENA RECORDAR QUE YA SON 13 AÑOS DE NUESTRO COMPROMISO FRENTE A ESTA VALIOSA EXPERIENCIA.

LA BALLENA

 

Charlie, protagonizado por Brendan Frazer, es el personaje central de esta película que está agotando comentarios en torno a su transformación en un personaje de más de 270 kilos, a su talentosa actuación y al mensaje implícito en el filme. Muchos esperan que reciba el Oscar a mejor actor y mejor maquillaje puesto que impacta su rol: un adulto con obesidad severa, reducida incapacidad para moverse y a punto de morir porque su corazón ya no resiste más. Come desaforadamente y teme ser visto por sus alumnos de literatura inglesa; sus clases aparecen en línea, sin usar su cámara porque supuestamente está rota. Vive solo en un ambiente oscuro, un refugio donde esconderse y donde ocultar sus dolores y culpas. Lo acosa el duelo por la muerte de su amigo, la vergüenza por ser objeto de burla de los demás, y sobre todo la culpa por haber abandonado a su hija adolescente, Ellie, cuando tenía ocho años. Ahora intenta reestablecer una relación cercana con ella que siempre está agresiva y renuente a aceptarlo como padre. Todo se conjuga para crear un protagonista muy humano y honesto, a quien se le escucha decir con frecuencia "lo siento" y procura obtener una segunda oportunidad, así tenga su autoestima con un bajo desempeño. Charlie “necesita saber que hizo algo bueno con su vida” y que su hija "va a estar bien y vivirá una vida decente”.

Muchos problemas están latentes en esta producción de Darren Aronofsky, basada a su vez en la obra de teatro de Samuel D. Hunter. El abandono, el suicidio, la homosexualidad, los sistemas de salud que olvidan a quienes carecen de dinero, la depresión y la oscuridad están presentes en esta película americana de 117 minutos. Frazer se luce como actor dramático. A pesar del constante rechazo, abandono y soledad que sufre en silencio, aparece quien lo escuche y quien soporte la visión de su cuerpo deforme y desagradable. Se mortifica de forma dolorosa, pero al final habrá una luz esclarecedora que lo libere y lo salve. Una cinta conmovedora, deprimente muchas veces, pero con un aire esperanzador.

DOCE AÑOS Y SEGUIMOS UNIDAS

Cumplimos 12 años unidas en torno al cine y lo más importante, firmes en nuestra amistad. Lo que fue una invitación a disfrutar de una tarde semanal con una película interesante, se convirtió en un encuentro de amigas invadido de charlas, sueños, historias y proyectos. Eso sí, sin olvidar este espacio dedicado a desarrollar la cultura cinematográfica. De nuevo lo expresamos: vivimos un fluir de emociones, sentimientos, inquietudes y reflexiones que nos acercan a una realidad a veces dolorosa y atemorizante, otras veces dulce y amable, en muchos momentos cargada de belleza y esplendor, y en otros, de decadencia y amargura, pero siempre cobijadas por ese halo artístico y de entretenimiento que nos regala el cine. Así, rompemos también esa costumbre que se impuso de ver películas en casa, alejadas de sitios interesantes, de un buen café y de amigos que nos enriquecen con sus comentarios y críticas valiosas. Nos consideramos muy afortunadas de seguir viviendo esta experiencia.

En esta introducción del año 2023, no podemos dejar de recordar a nuestra compañera ALEYDA MEJÍA BOTERO quien adelantó su paso a la eternidad y dejó un vacío grande en nuestro grupo. Ella enriqueció ese intercambio de ideas en torno a las películas que aquí reseñamos y fueron valiosos sus aportes a nuestro grupo Cine Club Salamandra. ¡Cómo la extrañamos!

OPHELIA

"Duda que sean de fuego las estrellas, duda que el Sol haga movimientos, duda que la verdad sea una mentira, pero nunca dudes que te amo. ¡Oh, querida Ofelia!, soy malo para hacer versos. No tengo arte para expresar mis penas; pero cree que te amo demasiado, ¡oh, demasiado! Adiós. Tuyo eternamente, mi más querida dama, mientras este cuerpo exista, Hamlet". 

 

Resulta interesante encontrar en la película Ofelia otra versión de la historia de Hamlet, la tragedia de William Shakespeare. Esta vez, basada en la novela juvenil de Lisa Klein (2006), con la intención de mostrar al amado de Ofelia, a través de sus ojos femeninos y de su propia voz. Así, podremos ver a este personaje de la literatura clásica con aires de heroína, más que de mártir. Una adaptación británica-estadounidense del año 2018, dirigida por la australiana Claire McCarthy y protagonizada por Daisy Ridley y George MacKay.

Esta heroína, de la Dinamarca medieval, aparece inicialmente como una niña sola, sin madre, con un solo hermano y un padre que apenas tiene tiempo para sostener a sus hijos. Sin embargo, tiene la suerte de ser aceptada por la reina Gertrudis como una de las damas de compañía y llega al Castillo de Elsinore a vivir allí. No es bien recibida por sus compañeras, pero su inteligencia, independencia y belleza se sobreponen a su pobreza; además sabe leer e interpretar textos de la Biblia. Será entonces la dama de confianza de la reina, de quien aprenderá variadas artes y a su lado tendrá una participación activa. Pronto conocerá al príncipe Hamlet y a medida que ambos crecen, van mostrando una gran atracción que los unirá en secreto. Por su parte, Gertrudis -quien maneja los hilos de la corte- verá llegar el caos a su reino donde su esposo, el rey, es asesinado. Hamlet comienza una lucha desaforada por descubrir al culpable, con entrañable sed de venganza, y Ofelia, por su parte, tendrá que enfrentar sola el rechazo de la corte, y elegir entre el amor que lleva en su corazón o huir para conservar su vida.

De nuevo, un espejo de la condición humana, acompañado de la guerra y de la muerte. Una película en la que se entrelazan el amor, los celos, la traición, el poder, la envidia, la venganza y la diferencia de clases. Son 114 minutos de presentación dramática, con escenas que, a pesar de su estilo moderno, no abandonan el desasosiego, la emoción, ni la fatalidad.  

LA CASA DEL TEJADO ROJO

La memoria protagoniza esta historia japonesa que se perpetúa al recordar una vida sobre el amor, la dedicación de una mujer a su trabajo, las relaciones familiares y sus secretos. Muchas voces y muchos tiempos alternan en este diario de una abuela desde cuando sale de casa en su juventud hasta llegar al último eslabón, su sobrino-nieto, que la escucha en su vejez y a quien deja su secreto. Un drama que tampoco es ajeno a la guerra, a la cultura japonesa, a la situación deplorable del mundo de hoy, y a la sumisión de la mujer que calla frente al poder masculino que domina y oprime.

Así, el cineasta japonés Yoji Yamada, basado en la novela de la escritora Kyoko Nakajima, nos cuenta las vivencias de Taki (Chieko Baisho) después de dejar su hogar en el campo, para ir a Tokyo donde trabajará como criada. Es el año de 1936 y allí, en una casa moderna con tejado rojo, conoce a Tokiko, su esposo Masaka y su hijo de cinco años. Taki se dedica al trabajo en este hogar tranquilo y acomodado hasta que llega Shoji Itakuri (Hidetaka Yoshioka), un joven amante de los libros y de la soledad que asiste con frecuencia las reuniones que hace su jefe Masaka en casa. Tokiko no puede resistir el impacto que este visitante causa en ella y seguirá su fuerte atracción con la complicidad de Taki quien, por ser leal a su ama, termina invadida de culpa, lágrimas y remordimientos. Será un amor prohibido en medio de las adversidades que enfrenta Japón, antes de la II Guerra Mundial.

La casa del tejado rojo ganó en el año 2014 el Oso de Plata a la mejor actriz en el Festival de Berlín. Este drama emociona por la fidelidad a la historia, su fotografía, el vestuario, la música y la puesta en escena. Muy bien logrado el sentimiento transmitido a través de Taki, quien sirve, ama, observa y muestra un corazón que esconde secretos y teme revelarlos porque no son solo suyos. Una testigo que está a la sombra de los demás, pero conoce “la importancia de no olvidar, de ir hasta el final”, como lo afirma Yamada.

TENGO MIEDO TORERO

 

“Si algún día hacen una revolución que incluya a locas como yo, avísame. Ahí voy a estar en primera fila”. La Loca del Frente a Carlos

“A mí la realidad no me gusta. Me da miedo. Lo mío es la noche, el show, la música, el teatro”. La Loca a Carlos

“La vida me va a quedar debiendo el amor que inventó para nosotros. ¿Te fijas cariño? A mí también me falló el atentado”. La Loca a Carlos

“Qué mezquina la vida, que nos regala tan pocos momentos como estos”. La Loca a Carlos

Una mezcla extraña es esta película en la que se conjugan el amor, el sexo, la violencia y la política. Y más extraña aún es su producción ya que tardó 15 años en aparecer en pantalla puesto que su escritor, el chileno Pedro Lemebel, presentó muchos acuerdos y desacuerdos con su director mexicano, Rodrigo Sepúlveda. En el año 2019, fallece el autor y cobra vida Tengo miedo torero haciendo caso de su mayor advertencia relacionada con la presencia del actor Alfredo Castro como su protagonista principal, en el papel de la Loca del Frente. Un gran acierto fue esta elección con un personaje travesti, lleno de sensualidad, que disfruta la música, el baile, el bordado, la comida y la amistad. Es generoso, solidario, pasional, a veces extravagante, con una sensibilidad hasta las lágrimas, y una gran resiliencia ante los traumas de su infancia, la relación con sus padres, su pobreza y el rechazo social del que no es ajena.

La película se sitúa en Santiago de Chile en el año 1986, en la dictadura de Augusto Pinochet, cuando se encuentra el protagonista con Carlos (Leonardo Ortisgris), un guerrillero secreto de origen mexicano, que le pide guardar unos libros en su casa de manera urgente, ya que son prohibidos. No sabe que lo que realmente hay allí son las armas para asesinar al dictador. Ambos establecen una amistad que descubrirá ese mundo homosexual prohibido entre un joven político y un viejo apolítico, en un ambiente conflictivo lleno de marchas, protestas, miedo, sangre y horrores. Será una búsqueda imposible entre el fortalecimiento del amor y el derrocamiento de un gobierno militar. Todo un drama es este filme de 93 minutos, del año 2020, que también nos regala bellas y nostálgicas canciones, muy conocidas en todos los países de habla hispana. Una obra que le fue criticada al mismo autor por romántica y que termina siendo reconocida por su director como un canto de amor histórico. 

  

NO HAY MALDAD

Cuatro historias independientes conforman esta película iraní que impacta por su tema y por la valentía de su escritor y director Mohamed Rasoulof. A través de ella, hace una denuncia al régimen autoritario y represivo de su país que aplica la pena de muerte por medio de sus mismos ciudadanos o de soldados que prestan el servicio obligatorio, convirtiéndolos en verdugos; no tienen otra opción, salvo ser ejecutados, o huir y perder su empleo. Fue filmada en secreto por Rasoulof, quien tiene prohibido salir de Irán y ha enfrentado cargos judiciales por su actividad política disidente. Sin embargo, pudo traspasar fronteras con su producción y ganó el Oso de Oro en el festival de cine de Berlín del año 2020. El premio lo recibió su hija y ahora la película se ha convertido en una reflexión para las nuevas generaciones a las que invita a anteponer la moral y la libertad a una vida deshumanizada, llena de culpa y represión.

Cada una de las cuatro historias tiene un título que va guiando su producción y desata la atención del espectador después de finalizada la primera. Ya se sabe cuál es el tema y crece la expectativa ante los título siguientes: No hay maldad, Ella dijo: “Tú puedes hacerlo”, Cumpleaños, y Bésame. En ellas podemos observar que los protagonistas no son precisamente las víctimas, sino los victimarios que tienen la obligación de hacer cumplir la ley y aplicar la pena capital. Asumen el rol de verdugos que prestan sus servicios a la patria, y terminan ajenos al dolor por la pérdida de tantas vidas y al sufrimiento de sus familias. A veces parecen olvidarse de la gravedad de sus acciones, como si consideraran que No hay maldad en su oficio, puesto que lo hacen por un imperativo legal.

Así, en la clandestinidad y con la colaboración de su equipo fílmico, Rasoulof protesta contra las ejecuciones que oscurecen el alma de Irán, y a pesar de las condiciones de prisión y de censura que sufre, encuentra esta salida que parece dar espacio a la esperanza y a la paz. Una producción con música y diálogos interesantes que resulta más atractiva aún por fuerza actoral de sus protagonistas.